A jóia da arte é um dos nomes dados às jóias criadas pelos artesãos do estúdio. Como o nome sugere, a joalheria artística enfatiza a expressão criativa e o design, e é caracterizada pelo uso de uma variedade de materiais, frequentemente comuns ou de baixo valor econômico. Nesse sentido, ela contrabalança o uso de “materiais preciosos” (como ouro, prata e gemas) em joias convencionais ou finas, em que o valor do objeto está vinculado ao valor dos materiais de que é feito. . A joalheria de arte está relacionada ao ofício de estúdio em outras mídias, como vidro, madeira, plástico e argila; compartilha crenças e valores, educação e treinamento, circunstâncias de produção e redes de distribuição e publicidade com o campo mais amplo do ofício de estúdio. Jóias de arte também tem links para arte e design.

Enquanto a história da joalheria de arte geralmente começa com joalheria modernista nos Estados Unidos na década de 1940, seguida pelos experimentos artísticos de ourives alemães na década de 1950, vários valores e crenças que informam joias de arte podem ser encontrados nas artes e ofícios. movimento do final do século XIX. Muitas regiões, como a América do Norte, Europa, Australásia e partes da Ásia têm cenas de joias de arte florescentes, enquanto outros lugares como América do Sul e África têm desenvolvido a infra-estrutura de instituições de ensino, galerias de revendedores, escritores, colecionadores e museus que sustentam a arte. joalheria.

Terminologia
A historiadora de arte Liesbeth den Besten identificou seis termos diferentes para nomear joias de arte, incluindo contemporâneo, estúdio, arte, pesquisa, design e autor, com os três mais comuns sendo contemporâneo, estúdio e arte. A curadora Kelly L’Ecuyer definiu a joia de estúdio como uma ramificação do movimento de artesanato de estúdio, acrescentando que ela não se refere a estilos artísticos específicos, mas sim às circunstâncias em que o objeto é produzido. De acordo com sua definição, “joalheiros Studio são artistas independentes que lidam diretamente com seus materiais escolhidos para fazer joias de produção únicas ou limitadas ….. O joalheiro de estúdio é tanto o designer quanto o fabricante de cada peça (embora assistentes ou os aprendizes podem ajudar com tarefas técnicas), e o trabalho é criado em um pequeno estúdio privado, não em uma fábrica. ” A historiadora de arte Monica Gaspar explorou o significado temporal dos diferentes nomes dados às jóias de arte nos últimos 40 anos. Ela sugere que as joias de vanguarda se posicionam radicalmente à frente das ideias tradicionais; jóias “modernas” ou “modernistas” afirmam refletir o espírito dos tempos em que foram feitas; A joalheria “studio” enfatiza o estúdio do artista sobre a oficina de artesanato; as “novas” jóias assumem uma postura irônica em relação ao passado; e as joias “contemporâneas” reivindicam o presente e o “aqui e agora” em contraste com a natureza eterna das joias tradicionais como uma herança entre gerações.

O historiador de arte Maribel Koniger argumenta que os nomes dados às jóias de arte são importantes para distinguir este tipo de joalheria de objetos e práticas relacionadas. O uso do termo joalheria “conceitual” é, em suas palavras, uma “tentativa de se desprender da terminologia dos produtos da indústria joalheira comercial que reproduz clichês e, por um lado, é orientada para os gostos do consumo de massa e, por outro, os projetos individualistas, subjetivamente estetizantes da arte pura “.

Formato
Jóias de arte, muitas vezes tem formas incomuns que às vezes são volumosas e não são aceitáveis ​​na vida cotidiana. Como os materiais, tanto decorações típicas como metais preciosos e jóias, mas também atípicos não preciosos ou semipreciosos, como borracha, plástico, ardósia, materiais reciclados ou leite materno são processados. As técnicas de processamento se desviam de acordo com o ofício de ourives tradicional.

A estética formal e simbólica dessas peças de joalheria significa que elas são recebidas como obras de arte. A joia do autor também está tentando explorar a relação entre objeto de joalheria e corpo humano. Em vez de enfatizar o status social do usuário como acessório decorativo, a joalheria do autor possibilita uma experiência estética que oscila entre o “ser-arte e ficar-na-jóia” simultâneos.

Crítica do preciosismo
Os joalheiros de arte geralmente trabalham de maneira crítica ou consciente com a história da joalheria, ou com a relação entre a joalheria e o corpo, e questionam conceitos como “preciosidade” ou “wearability” que são geralmente aceitos sem questionamento por joias convencionais ou finas. Essa qualidade é um produto da crítica da preciosidade, um termo que descreve o desafio dos joalheiros de arte nos Estados Unidos e na Europa à ideia de que o valor da joalheria era equivalente à preciosidade de seus materiais. Inicialmente, os joalheiros de arte trabalhavam com materiais preciosos ou semipreciosos, mas enfatizavam a expressão artística como a qualidade mais importante de seu trabalho, vinculando suas joias a movimentos artísticos modernistas, como o biomorfismo, o primitivismo e o taquismo. Na década de 1960, os joalheiros de arte começaram a introduzir novos materiais alternativos em seu trabalho, como o alumínio e os acrílicos, rompendo com o papel histórico da joalheria como sinal de status e valor econômico ou riqueza portátil. À medida que o foco no valor cedeu, outros temas tomaram seu lugar como tema de joalheria. Escrevendo em 1995, Peter Dormer descreveu os efeitos da crítica da preciosidade da seguinte forma: “Primeiro, o valor monetário do material torna-se irrelevante; segundo, uma vez que o valor da jóia como um símbolo de status foi esvaziado, a relação entre o ornamento e o corpo humano mais uma vez assumiu uma posição dominante – a jóia tornou-se consciente do corpo; em terceiro lugar, a joalheria perdeu sua exclusividade para um sexo ou idade – poderia ser usada por homens, mulheres e crianças “.

Artes e jóias de artesanato
A joalheria artística que surgiu nos primeiros anos do século XX foi uma reação ao gosto vitoriano e à joalheria pesada e ornamentada, muitas vezes fabricada por máquinas, popular no século XIX. De acordo com Elyse Zorn Karlin, “Para a maioria dos joalheiros, a joalheria artística era uma busca artística pessoal, assim como uma busca por uma nova identidade nacional. Baseada em uma combinação de referências históricas, reações a eventos regionais e mundiais, novos materiais e outros fatores jóias de arte refletiam a identidade de um país e, ao mesmo tempo, faziam parte de um movimento internacional maior de reforma do design. ” Inicialmente, as joias de arte atraíram um seleto grupo de clientes com gosto artístico, mas foram rapidamente atraídas por empresas comerciais, tornando-as amplamente disponíveis.

Há muitos movimentos diferentes que contribuíram para a categoria de jóias de arte como a conhecemos hoje. Como parte do movimento Inglês Artes e Ofícios, florescendo entre 1860 e 1920, Charles Robert Ashbee e sua Guild e School of Handicraft produziu as primeiras artes e jóias de artesanato em um ambiente de guilda. Apresentando seu trabalho como um antídoto para a produção industrial, a primeira geração de joalheiros de artes e ofícios acreditava que um objeto deveria ser projetado e fabricado pela mesma pessoa, embora sua falta de treinamento especializado significasse que grande parte dessa joia tivesse uma qualidade artesanal atraente. Respondendo a mudanças na moda, bem como o gosto vitoriano por usar conjuntos, artes e ofícios joalheiros feitos pingentes, colares, broches, fivelas de cinto, colchetes de capa e pentes de cabelo que foram usados ​​sozinho. Artes e jóias de artesanato também tendiam a favorecer materiais com pouco valor intrínseco que poderiam ser usados ​​para seus efeitos artísticos. Metais básicos, pedras semi-preciosas como opalas, pedras-da-lua e turquesa, pérolas disformes, vidro e casca, e o uso abundante do esmalte vítreo, permitiram que os joalheiros fossem criativos e produzissem objetos acessíveis.

As joias art nouveau da França e da Bélgica também foram um importante contribuinte para a joalheria artística. Desgastadas por clientes abastados e artisticamente letrados, incluindo cortesãs do Paris-fim-de-semana, as joias art nouveau de Rene Lalique e Alphonse Mucha foram inspiradas pela arte simbolista, literatura e música, e um renascimento das formas curvilíneas e dramáticas do período rococó. Como Elyse Zorn Karlin sugere, “O resultado foram jóias de beleza e imaginação impressionantes, sensuais, sexuais e sedutoras, e às vezes até assustadoras. Essas jóias estavam muito longe dos desenhos simétricos e um tanto plácidos de jóias de Artes e Ofícios, que mais assemelhava-se muito às jóias da Renascença. ” Lalique e outros joalheiros art nouveau muitas vezes misturavam metais preciosos e pedras preciosas com materiais baratos, e favoreciam técnicas de plique-a-jour e de esmalte cabochão.

Outros centros importantes de produção de joias de arte incluem o Wiener Werkstatte em Viena, onde os arquitetos Josef Hoffmann e Koloman Moser projetaram jóias em prata e pedras semipreciosas, às vezes para serem usadas com roupas também criadas pela oficina. O movimento dinamarquês Skønvirke (trabalho estético), do qual Georg Jensen é o exemplo mais famoso, favoreceu as pedras escandinavas prateadas e nativas e uma estética que se situa entre os princípios da art nouveau e das artes e ofícios. As joias de arte na Finlândia caracterizaram-se por um renascimento Viking, coincidindo com sua liberdade política na Suécia em 1905, enquanto o modernismo na Espanha seguiu a liderança dos joalheiros art nouveau. Jóias de arte também eram praticadas na Itália, na Rússia e na Holanda.

Nos Estados Unidos, a joalheria artesanal era popular entre os amadores, pois, ao contrário da cerâmica, do mobiliário ou dos têxteis, exigia apenas um modesto investimento em ferramentas e podia ser feita na cozinha. Uma das primeiras joalherias americanas de artes e ofícios, Madeline Yale Wynne, foi autodidata e abordou suas jóias como forma e composição com ênfase nas qualidades estéticas e não na habilidade, afirmando que “considero cada esforço por si só em relação à cor e à forma tanto quanto eu pintaria uma foto “. Brainerd Bliss Thresher, outro joalheiro de arte e artesanato americano, usou materiais como chifre esculpido e ametista por suas qualidades estéticas, seguindo o exemplo de René Lalique, que misturou materiais cotidianos e preciosos em suas joias. Como Janet Koplos e Bruce Metcalf sugerem, enquanto o movimento britânico Arts and Crafts tentou reunir arte e trabalho, muitos norte-americanos de classe alta como Thresher uniram arte e lazer: “A prática do artesanato como recreação poderia ser um alívio da pressão de um trabalho difícil, uma demonstração do bom gosto e do sabor, uma manifestação educada da política progressista, ou uma expressão do puro prazer de satisfazer o trabalho. ”

As joias de arte caíram de moda nos anos 20 e 30, ofuscadas pelo art déco, assim como a resposta do público à sua natureza funcional e esteticamente desafiadora (muito frágil e ultrajante). No entanto, marca uma ruptura significativa com o que veio antes, e estabeleceu muitos dos valores e atitudes para os ideais de arte ou jóias de estúdio do final do século XX. Como escreve Elyse Zorn Karlin, “as joias de arte valorizavam o pensamento inovador e a expressão criativa e artesanal. Esses joalheiros foram os primeiros a usar materiais que não tinham o valor intrínseco esperado em jóias e rejeitaram os gostos de joalheria tradicionais. Eles pensaram em seu trabalho como uma atividade artística e fez isso para uma pequena audiência que compartilhava seus valores estéticos e conceituais “.

Joias modernistas
A história da joalheria artística está ligada ao surgimento da joalheria modernista nos centros urbanos dos Estados Unidos nos anos 1940. Segundo Toni Greenbaum, “Começando por volta de 1940, um movimento revolucionário de jóias começou a surgir nos Estados Unidos, e isso foi estimulado pela devastação da Segunda Guerra Mundial, o trauma do Holocausto, o medo da bomba, a política preconceito, a esterilidade da industrialização e a grosseria do mercantilismo “. Joalherias e estúdios modernistas surgiram em Nova York (Frank Rebajes, Paul Lobel, Bill Tendler, Art Smith, Sam Kramer e Jules Brenner em Greenwich Village; Ed Wiener, Irena Brynner e Henry Steig no centro de Manhattan) e na Bay Area na Costa Oeste (Margaret De Patta, Peter Macchiarini, alegre renk, Irena Brynner, Francis Sperisen e Bob Winston). O público de joias modernistas era a franja liberal e intelectual da classe média, que também apoiava a arte moderna. O historiador de arte Blanche Brown descreve o apelo deste trabalho: “Por volta de 1947, fui à loja de Ed Wiener e comprei um de seus alfinetes em espiral … porque parecia ótimo, eu podia pagar e me identificou com o grupo de minha escolha – esteticamente consciente, intelectualmente inclinada e politicamente progressiva. Esse alfinete (ou um dos outros como ele) era nosso distintivo e usávamos com orgulho. Ele celebrou a mão do artista em vez do valor de mercado do material. ”

Em 1946, o Museu de Arte Moderna de Nova York organizou a exposição Modern Handmade Jewelry, que incluiu o trabalho de joalherias de estúdio como Margaret De Patta e Paul Lobel, além de joias de artistas modernistas como Alexander Calder, Jacques Lipchitz e Richard Pousette-Dart. . Esta exposição visitou os Estados Unidos e foi seguida por uma série de exposições influentes no Walker Art Center em Minneapolis. Kelly L’Ecuyer sugere que “as joias de Calder foram centrais em muitas das exibições de museus e galerias desse período, e ele continua a ser visto como a figura seminal das joias contemporâneas americanas”. Usando a construção fria e técnicas rudimentares que sugeriam um espírito de improvisação e criatividade, a joalheria de Calder compartilha o uso de linha e movimento de sua escultura para descrever o espaço, criando joias que frequentemente se movem com o corpo do usuário. Uma forte conexão com os movimentos artísticos é uma característica da joalheria americana durante esse período. Enquanto Calder demonstrava um interesse primitivista na arte da África e da Grécia Antiga, Margaret De Patta produzia jóias construtivistas, manipulando a luz, o espaço e a percepção óptica de acordo com as lições que aprendeu com László Moholy-Nagy na New Bauhaus, em Chicago. Toni Greenbaum escreve que “depois que seu mentor, o pintor John Haley, mostrou-lhe o trabalho de Matisse e Picasso, Bob Winston exclamou: ‘Esse é o tipo de porcaria que estou fazendo!'”. Os materiais da joalheria modernista – substâncias orgânicas e inorgânicas não preciosas, bem como objetos encontrados – correlacionam-se com atitudes cubistas, futuristas e dadaístas, enquanto os estilos de joalheria modernista – surrealismo, primitivismo, biomorfismo e construtivismo – são movimentos artísticos bem .

Jóias de arte desde 1960
O crescimento da joalheria pós-guerra nos Estados Unidos foi apoiado pelo conceito de que técnicas de fabricação de jóias, que acreditavam fortalecer os músculos das mãos e braços e promover a coordenação entre mãos e olhos, desempenharam um papel nos programas de fisioterapia para veteranos da Segunda Guerra Mundial. O Centro de Arte dos Veteranos de Guerra no Museu de Arte Moderna, liderado por Victor D’Amico, a Escola de Artesãos Americanos, e as oficinas organizadas por Margret Craver na cidade de Nova York, abordaram as necessidades de recrutar soldados americanos, enquanto o GI Bill of Rights ofereceu aulas gratuitas para veteranos, muitos dos quais estudaram artesanato. Como Kelly L’Ecuyer sugere, “Além da criatividade individual, a proliferação de educação e terapia artesanal para soldados e veteranos nos Estados Unidos durante e após a guerra forneceu um estímulo para todos os ofícios de estúdio, especialmente joalheria e metalurgia. e os recursos privados dedicados aos programas de artesanato dos veteranos plantaram as sementes para estruturas educacionais mais duradouras e desenvolveram um amplo interesse no artesanato como um estilo de vida criativo e satisfatório. ”

No início dos anos 1960, os graduados desses programas não estavam apenas desafiando as idéias convencionais de joalheria, mas ensinando uma nova geração de joalheiros americanos em novos programas universitários em cursos de joalheria e ourivesaria. Jóias arquitetônicas estavam sendo desenvolvidas na mesma época.

Nos anos 60 e 70, o governo alemão e a indústria de joalheria comercial fomentaram e apoiaram fortemente os designers de joias modernos, criando assim um novo mercado. Eles combinaram design contemporâneo com ourivesaria tradicional e fabricação de jóias. Orfevre, a primeira galeria de jóias de arte, abriu em Duesseldorf, na Alemanha, em 1965.

Exposições
A aceitação da joalheria como arte foi promovida nos Estados Unidos muito rapidamente após a Segunda Guerra Mundial pelos principais museus como o Museu de Arte Moderna de Nova York e o Walker Art Center em Minneapolis, cada um dos quais realizou grandes mostras de joias de arte no Década de 1940 O Museu de Artes e Design, anteriormente The American Craft Museum, começou sua coleção em 1958 com peças que datam da década de 1940. Outros museus cujas coleções incluem trabalhos de designers de joias contemporâneos (americanos) incluem: o Museu de Arte de Cleveland, o Museu de Vidro Corning, o Museu Mint de Artesanato e Design em Charlotte, NC, o Museu de Belas Artes, Boston, o Museu Belas Artes, Houston e a Galeria Renwick do museu Smithsonian.

Alguns artistas famosos que criaram jóias de arte no passado foram Calder, Picasso, Man Ray, Meret Oppenheim, Dalí e Nevelson. Alguns dos quais representados na Sculpture to Wear Gallery, em Nova York, que encerrou em 1977.

A Artwear Gallery, de propriedade de Robert Lee Morris, continuou nesse esforço de apresentar jóias como uma forma de arte.

Uma coleção de jóias de arte pode ser encontrada no Schmuckmuseum em Pforzheim, Alemanha.

Lista de artistas de jóias
Listados na década em que foram reconhecidos pela primeira vez:

Década de 1930
Suzanne Belperron, França, 1900-1983

Anos 40
Margaret De Patta, Estados Unidos, 1903–1964
Art Smith, Estados Unidos, 1923–1982

Anos 50
Irena Brynner, Estados Unidos, 1917-2003
Claire Falkenstein, Estados Unidos, 1908–1998
Peter Macchiarini, Estados Unidos, 1909-2001

Anos 1960
Gijs Bakker, Holanda, 1942-
Kobi Bosshard, Suíça / Nova Zelândia, 1939-
Stanley Lechtzin, Estados Unidos, 1936-
Charles Loloma, Estados Unidos, 1921–1991
Olaf Skoogfors, Suécia, 1930-1975
J Fred Woell, Estados Unidos, 1936-2016

Década de 1970
Arline Fisch, Estados Unidos, 1931-
William Claude Harper, Estados Unidos, 1944-
Mazlo, Líbano 1949- França
Robert Lee Morris, Alemanha 1947- Estados Unidos

Anos 80
Warwick Freeman, Nova Zelândia, 1953
Lisa Gralnick, Estados Unidos, 1953-
Bruce Metcalf, Estados Unidos, 1949
Alan Preston, Nova Zelândia, 1941-
Bernhard Schobinger, Suíça, 1946

Anos 90
Andrea Cagnetti – Akelo, Itália, 1967
Karl Fritsch, Alemanha / Nova Zelândia, 1963-
Linda MacNeil, Estados Unidos, 1954-
Lisa Walker, Nova Zelândia, 1967-
Areta Wilkinson, Nova Zelândia, 1969
Nancy Worden, Estados Unidos, 1954
Karen Pontoppidan, Dinamarca

Anos 2000
Rebecca Rose, EUA, 1980
Betony Vernon, EUA, 1968