그림은 사람이 다양한 그림 도구를 사용하여 종이 또는 다른 2 차원 매체를 표시하는 시각적 예술의 한 형태입니다. 악기에는 흑연 연필, 펜 및 잉크, 잉크 브러시, 왁스 컬러 연필, 크레용, 숯, 분필, 파스텔, 다양한 종류의 지우개, 마커, 스타일러스, 다양한 금속 (예 : 실버 포인트) 및 전자 그림이 포함됩니다.

드로잉 도구는 표면에 소량의 재료를 방출하여 가시적 인 표시를 남깁니다. 드로잉에 대한 가장 일반적인 지원은 종이이지만, 판지, 플라스틱, 가죽, 캔버스 및 보드와 같은 다른 재료도 사용할 수 있습니다. 임시 도면은 칠판이나 화이트 보드 또는 실제로 거의 모든 것에 만들 수 있습니다. 이 매체는 인류 역사 전반에 널리 퍼진 대중적 표현의 수단이었습니다. 시각적 아이디어를 전달하는 가장 단순하고 효율적인 수단 중 하나입니다. 드로잉 도구의 폭 넓은 사용 가능성은 가장 일반적인 예술 활동 중 하나를 그리게합니다.

더 많은 예술적 형태 외에도 드로잉은 상업 일러스트레이션, 애니메이션, 건축, 엔지니어링 및 기술 드로잉에서 자주 사용됩니다. 일반적으로 완성 된 작품으로 의도되지 않은 신속하고 자유로운 그림은 스케치라고도합니다. 기술 도면에서 관행하거나 작업하는 예술가는 제도 자, 초안 또는 초안 자라고 부를 수 있습니다.

드로잉은 시각 예술 내에서 표현의 주요 형태 중 하나입니다. 이것은 일반적으로 시각적 인 세계의 정확한 표현이 비행기 표면에 표현되는 종이 / 기타 자료에 선과 음색 영역을 표시하는 것과 관련이 있습니다. 전통적인 그림은 단색이었고, 적어도 색이 거의 없었으며 현대의 색연필 그림은 그림과 그림의 경계에 접근하거나 교차 할 수 있습니다. 서양 용어에서 그림은 드로잉과 구별되는데, 비슷한 미디어가 종종 두 작업에 사용 되더라도 마찬가지입니다. 분필과 같은 그림과 관련된 건조 매체는 파스텔 그림에 사용될 수 있습니다. 브러쉬 또는 펜으로 도포 한 액체 매질로 도장을 할 수 있습니다. 유사한 서포트도 마찬가지로 둘 다 제공 할 수 있습니다. 그림은 일반적으로 준비된 캔버스 또는 패널에 액체 페인트를 적용하는 것이지만 때로는 동일한 지원에서 맨 밑줄을 그립니다. 드로잉은 흔히 관찰, 문제 해결 및 구성에 중점을 두어 탐색 적입니다. 그림은 또한 그림을 준비하는 데 정기적으로 사용되어 그들의 구별을 더욱 모호하게합니다. 이러한 목적으로 만들어진 그림을 연구라고합니다.

그림 그리기, 만화, 낙서, 자유로운 손 및 음영을 포함하여 여러 가지 범주의 그림이 있습니다. 선 그리기, 점 찍기, 음영, 초현실주의 방식의 엔트로피 식 증식증 (빈 종이에 불순물이있는 곳에서 도트가 만들어지며 점 사이에 선이 그어짐)과 같은 많은 그리기 방법이 있습니다. 및 추적 (종이를 통해 보이는 기존 모양의 외곽선을 따라 투사 용지와 같은 반투명 용지에 그림 그리기).

빠르고 정제되지 않은 그림을 스케치라고 부를 수 있습니다.

예술, 기술 도면 또는 건물, 기계, 회로 및 기타 계획의 외부 필드는 인쇄로 다른 매체로 전송 된 경우에도 종종 “도면”이라고합니다.

의사 소통의 형태로 드로잉하기 드로잉은 서면 의사 전달 이전의 존재에 대한 증거와 함께 인간 표현의 가장 오래된 형태 중 하나입니다. 드로잉은 약 3 만년 전에 호모 사피엔스 사피엔스 (Homo sapiens sapiens)가 제작 한 동굴과 암벽화의 제작에 의해 입증 된 서면 언어의 발명 이전에 전문화 된 의사 소통 수단으로 사용되었다고 믿어집니다. 그림으로 알려진 이러한 그림은 사물과 추상적 개념을 묘사합니다. 선사 시대에 제작 된 스케치와 그림은 결국 양식화되고 단순화되어 오늘날 우리가 알고있는 서면 언어의 개발로 이어졌습니다.

Drawing in the Arts 그림은 창의력을 표현하는 데 사용되므로 예술 세계에서 두드러졌습니다. 역사의 많은 부분에서 드로잉은 예술적 실천의 기초로 간주되었습니다. 처음에는 예술가들이 드로잉 제작을 위해 나무 타블렛을 사용하고 재사용했습니다. 14 세기에 종이가 널리 보급됨에 따라 예술에서의 그림 사용이 증가했습니다. 이 시점에서 드로잉은 일반적으로 생각과 조사를위한 도구로 사용되어 예술가가 최종 작품을 준비하는 동안 연구 매체로 사용되었습니다. 예술적인 번성기에 르네상스는 기하학과 철학에서 많은 영향을받는 현실적인 재현 적 특성을 나타내는 드로잉을 만들었습니다.

널리 보급 된 최초의 형태의 발명은 예술에서 드로잉 사용의 변화로 이어졌다. 사진은 시각 현상을 정확하게 표현하기위한보다 우수한 방법으로 그림에서 이어 받아 예술가는 전통적인 그림 관행을 포기하기 시작했습니다. 예술에서의 모더니즘은 “상상력의 독창성”을 장려했고, 드로잉에 대한 예술가의 접근은 더욱 추상적이되었다.

예술 외의 그림 그리기의 사용은 예술 분야에서 광범위하지만 실제로는이 분야에만 국한되지 않습니다. 종이가 널리 보급되기 전에, 유럽 수도원의 12 세기 승려들은 그림과 조명 된 원고를 모피와 양피지에 준비하기 위해 복잡한 그림을 사용했습니다. 그림은 또한 발견, 이해 및 설명의 방법으로서 과학 분야에서 광범위하게 사용되어왔다. 1616 년에 천문학자인 갈릴레오 갈릴레이 (Galileo Galilei)는 관측 망원경으로 달의 변화하는 단계를 설명했다. 또한, 1924 년 지구 물리학 자 Alfred Wegener는 그림을 사용하여 대륙의 기원을 시각적으로 보여주었습니다.

매체는 잉크, 안료 또는 색상이 도면 표면으로 전달되는 수단입니다. 대부분의 드로잉 미디어는 건조한 상태 (예 : 흑연, 숯, 파스텔, Conté, 실버 포인트)이거나 유체 솔벤트 또는 운반기 (마커, 펜 및 잉크)를 사용합니다. 수채화 물감 연필은 일반 연필처럼 건조한 상태로 사용하고 젖은 브러시로 묻 으면 다양한 그림 효과를 얻을 수 있습니다. 드물게 예술가는 보이지 않는 잉크로 그려 넣었습니다. Metalpoint drawing은 일반적으로은 또는 납의 두 가지 금속 중 하나를 사용합니다. 골드, 백금, 구리, 황동, 청동, 주석 등은 거의 사용되지 않습니다.

종이는 다양한 등급과 품질, 다양한 종류의 신문 용지에서 고품질 및 상대적으로 값 비싼 종이에 이르기까지 개별 시트로 판매됩니다. 종이는 젖어있을 때 질감, 색조, 산도 및 강도가 다를 수 있습니다. 매끄러운 용지는 세세한 부분까지 잘 표현할 수 있지만 더 “삐걱 거리는”용지는 그림 소재를 더 잘 유지합니다. 따라서 더 거친 재료는 더 깊은 대비를 생성하는 데 유용합니다.

신문 용지 및 타이핑 용지는 연습 및 대략적인 스케치에 유용 할 수 있습니다. 트레이싱 페이퍼는 반 완성 도면을 시험하고 한 시트에서 다른 시트로 디자인을 전송하는 데 사용됩니다. 카트리지 용지는 패드로 판매되는 기본 용지 종류입니다. 브리스톨 보드와 더 무거운 무산소 보드 (부드러운 마감 처리가되어 있음)는 젖은 용지 (잉크, 세제)를 바르면 미세한 묘사에 사용되며 왜곡되지 않습니다. 모조 피지는 매우 매끄럽고 아주 미세한 디테일에 적합합니다. 잉크가 그려지기 때문에 저온 수채화 용지가 선호 될 수 있습니다.

산성이없고 보관 품질이 우수한 용지는 신문 용지와 같은 목재 펄프 기반 용지보다 색상과 질감이 오래 유지됩니다. 신문 용지는 노란색으로 바뀌어 훨씬 빨리 부서지기 쉽습니다.

기본 도구는 드로잉 보드 또는 테이블, 연필 깎이 및 지우개, 잉크 드로잉, 찌꺼기 용지입니다. 다른 도구로는 원형 나침반, 자, 정사각형이 사용됩니다. 정착액은 연필과 크레용 자국이 번지는 것을 방지하는 데 사용됩니다. 제도 용 테이프는 종이를 그림 표면에 고정하고 스프레이 또는 산산이 흩어져있는 물질 및 세척과 같은 우연한 표시가없는 영역을 마스킹하기 위해 사용됩니다. 이젤이나 경 사진 테이블은 그리기 표면을 적절한 위치에 유지하는 데 사용되며 일반적으로 그림에 사용 된 위치보다 수평이 좋습니다.

거의 모든 초안 작성자는 손과 손가락으로 미디어를 적용합니다. 단, 입이나 발로 그려지는 장애인은 예외입니다.

작가는 이미지 작업을하기 전에 일반적으로 다양한 미디어의 작동 방식을 탐구합니다. 그들은 가치와 질감을 결정하기 위해 연습 시트에서 다른 드로잉 도구를 시도 할 수 있으며, 다양한 효과를 내기 위해 도구를 적용하는 법도 있습니다.

작가가 드로잉 스트로크를 선택하면 이미지의 모양이 달라집니다. 펜 및 잉크 도면에는 종종 해칭 – 평행선 그룹이 사용됩니다. 교차 해칭은 두 가지 이상의 방향으로 해칭을 사용하여 더 어두운 톤을 만듭니다. 부러진 해칭 또는 간헐적 인 끊김이있는 선은 더 밝은 톤을 형성하고 끊김의 밀도를 제어하면 색조가 균일 해집니다. 점진적으로 점을 사용하여 색조, 질감 및 음영을 생성합니다. 톤을 만드는 데 사용되는 방법에 따라 다른 텍스처를 얻을 수 있습니다.

건조한 미디어의 그림은 연필과 드로잉 스틱이 연속적으로 색조를 조정할 수 있지만 유사한 기술을 사용하는 경우가 많습니다. 일반적으로 드로잉은 예술가가 선호하는 손을 기준으로 채워집니다. 오른 손잡이 아티스트는 이미지가 번지는 것을 피하기 위해 왼쪽에서 오른쪽으로 그립니다. 지우개는 원하지 않는 선들을 제거하고, 색조를 밝게하고, 표식을 제거 할 수 있습니다. 스케치 또는 윤곽선 그리기에서 그려지는 선은 종종 피사체의 윤곽을 따라 가며 예술가의 위치에서 빛으로부터 그림자가 드리 워진 것처럼 보입니다.

때때로 예술가는 남은 부분을 채우는 동안 손대지 않은 부분을 남겨 둡니다. 보존 할 영역의 모양을 마스킹 액으로 그리거나 frisket에서 잘라내어 드로잉 표면에 적용하여 마스크가 제거 될 때까지 표면을 표식선에서 보호 할 수 있습니다.

이미지의 일부분을 보존하는 또 다른 방법은 표면에 스프레이 – 온 고정액을 적용하는 것입니다. 이렇게하면 느슨한 재료가 시트에 단단히 고정되어 필름이 번지는 것을 방지 할 수 있습니다. 그러나 정착 스프레이는 일반적으로 호흡기에 해를 끼칠 수있는 화학 물질을 사용하기 때문에 옥외와 같이 통풍이 잘되는 곳에서 사용해야합니다.

또 다른 기술은 드로잉 표면이 흑연 또는 숯으로 덮인 다음 이미지를 지우기 위해 지워지는 드로잉 (subtractive) 드로잉입니다.

음영은 용지의 음영 값을 변경하여 음영의 위치와 음영을 표현하는 기술입니다. 반사광, 그림자 및 하이라이트에주의를 기울이면 이미지가 사실적으로 표현 될 수 있습니다.

블렌딩은 도구를 사용하여 원래 드로잉 스트로크를 부드럽게하거나 분산시킵니다. 블렌딩은 그래파이트, 분필 또는 숯과 같이 즉시 고칠 수없는 매체를 사용하면 가장 쉽게 수행 할 수 있지만 새로 적용된 잉크는 일부 효과로 인해 얼룩 지거나 젖거나 마른 수 있습니다. 음영 및 블렌딩을 위해 아티스트는 혼합 그루터기, 티슈, 반죽 지우개, 손가락 끝 또는 그 조합을 사용할 수 있습니다. 샤무 아 한 조각은 매끄러운 질감을 만들고 톤을 밝게하기 위해 재료를 제거하는 데 유용합니다. 블랜드없이 매끄러운 표면에 그래파이트를 사용하여 연속적인 톤을 얻을 수 있지만 기술이 힘들며 다소 둥근 점이나 타원형의 타점이 있습니다.

도면에 질감을 도입하는 쉐이딩 기술에는 해칭과 점묘가 포함됩니다. 다른 여러 방법으로 텍스처가 생성됩니다. 종이의 선택뿐만 아니라, 재료 및 기법 그리기는 질감에 영향을 미칩니다. 대조되는 텍스처 옆에 텍스처를 그릴 때 텍스처를보다 사실적으로 보이게 만들 수 있습니다. 부드럽게 혼합 된 영역 옆에 굵은 텍스처가있을 때 더 명확합니다. 서로 다른 음색을 가까이에서 그리면 비슷한 효과를 얻을 수 있습니다. 어두운 배경 옆의 밝은 가장자리는 눈을 띄며 표면 위에 거의 떠있는 것처럼 보입니다.

도면에서 차단하는 동안 피사체의 치수를 측정하는 것은 피사체를 사실적으로 표현하는 중요한 단계입니다. 나침반과 같은 도구를 사용하여 다른면의 각도를 측정 할 수 있습니다. 이 각도는 도면 표면에서 재현 한 다음 재확인하여 정확한지 확인합니다. 또 다른 측정 방법은 피검자의 서로 다른 부분의 크기를 서로 비교하는 것입니다. 드로잉 도구를 따라 점에 배치 된 손가락을 사용하여 해당 치수를 이미지의 다른 부분과 비교할 수 있습니다. 눈금자는 곧은 눈금과 비율을 계산하는 장치로 사용할 수 있습니다.

인간의 형상과 같은 복잡한 모양을 그리려고 할 때 처음에는 원시 볼륨 세트로 양식을 표현하는 것이 도움이됩니다. 거의 모든 형태는 입방체, 구, 원통 및 원뿔의 조합으로 나타낼 수 있습니다. 일단이 기본 볼륨들이 유사하게 조립되면, 그림은 더 정확하고 세련된 형태로 정제 될 수 있습니다. 원시 체적의 선은 제거되고 최종 형상으로 대체됩니다. 기본 구성을 그리는 것은 표현 예술의 기본 기술이며 많은 서적과 학교에서 강의됩니다. 그것의 정확한 적용은 더 작은 세부 사항에 대한 대부분의 불확실성을 해결하고 최종 이미지가 일관되게 보이게합니다.

그림 그리기의보다 세련된 예술은 해부학과 인간의 비율에 대한 깊은 이해를 가진 예술가에 달려있다. 숙련 된 예술가는 골격 구조, 관절 위치, 근육 배치, 힘줄 운동, 그리고 운동 중에 여러 부분이 어떻게 함께 작동하는지 잘 알고 있습니다. 이것은 예술가가 인위적으로 뻣뻣하게 보이지 않는 더 자연스러운 포즈를 렌더링 할 수있게합니다. 작가는 특히 초상화를 그릴 때 피사체의 나이에 따라 비율이 어떻게 다른지 잘 알고 있습니다.

선형 원근감은 평평한 표면에 객체를 묘사하는 방법으로 치수가 거리에 따라 축소됩니다. 모든 객체의 평행하고 직선 인 모서리 세트는 빌딩 또는 테이블이든 결국 소실점에 수렴하는 선을 따라갑니다. 일반적으로이 수렴 지점은 수평선을 따라 어딘가에 있으며 건물은 평평한면과 수평을 이루고 있습니다. 거리를 따라있는 건물과 같이 여러 구조가 서로 정렬되면 구조의 수평 상단과 하단이 일반적으로 소실점에 수렴됩니다.

건물의 정면과 측면이 모두 그려지면 측면을 구성하는 평행선이 지평선을 따라 두 번째 지점에 수렴합니다 (도면 용지에서 벗어날 수 있음). 이것은 2 점의 시각입니다. 수평선을 지평선의 위 또는 아래 세 번째 지점으로 수렴하면 3 점 원근감이 생깁니다.

깊이는 위의 접근 방법 외에도 여러 기술로 묘사 될 수 있습니다. 비슷한 크기의 객체는 뷰어에서 멀어 질수록 작아 져야합니다. 따라서 카트 뒷바퀴는 앞 바퀴보다 약간 작게 나타납니다. 텍스처의 사용을 통해 깊이를 표현할 수 있습니다. 객체의 질감이 멀어 질수록 더 압축되고 바쁘게되며, 닫힌 경우와는 전혀 다른 성격을 띠게됩니다. 깊이는 멀리있는 물체의 대비를 줄이고 색상의 포화를 줄임으로써 묘사 될 수 있습니다. 이것은 대기 헤이즈의 효과를 재현하고 눈이 주로 전경에 그려진 물체에 집중하도록합니다.

이미지의 구성은 예술적 가치가있는 흥미로운 작품을 제작하는 데 중요한 요소입니다. 아티스트는 아이디어와 감정을 관객과 소통하기 위해 요소 배치를 계획합니다. 이 구성은 예술의 초점을 결정할 수 있으며 심미적으로 매력적이고 자극적 인 조화로운 전체를 만듭니다.

피사체의 조명은 예술 작품을 만드는 핵심 요소이기도하며, 빛과 그림자의 상호 작용은 예술가의 도구 상자에서 중요한 방법입니다. 광원의 배치는 제시되는 메시지의 유형에 상당한 차이를 만들 수 있습니다. 예를 들어, 여러 광원을 사용하면 얼굴의 주름을 씻어 내고 젊어 보이는 모습을 얻을 수 있습니다. 반대로 가혹한 주광과 같은 단일 광원은 질감이나 흥미로운 기능을 강조 표시 할 수 있습니다.

물체 나 그림을 그릴 때 숙련 된 예술가는 실루엣 내의 영역과 바깥에있는 영역 모두에주의를 기울입니다. 외부는 음의 공간이라고 부르며 그림과 같이 표현할 때 중요 할 수 있습니다. 그림의 배경에 배치 된 객체는 볼 수있는 위치에 올바르게 배치되어야합니다.

연구는 계획된 최종 이미지를 준비하기 위해 작성된 초안 도면입니다. 연구를 통해 완성 된 이미지의 특정 부분의 모양을 결정하거나 최종 목표를 달성하기위한 최선의 방법을 실험 할 수 있습니다. 그러나 잘 만들어진 연구는 그 자체로 예술 작품이 될 수 있으며 많은 시간을 세 심하게 조사하면 연구를 마칠 수 있습니다.

개인은 시각적으로 정확한 그림을 그릴 수있는 능력의 차이를 보입니다. 시각적으로 정확한 그림은 “특정 시간과 특정 공간에서 특정 객체로 인식되고 표현 된 객체에서 볼 수없는 시각적 세부 사항을 거의 추가하지 않거나 시각적 세부 사항을 거의 삭제하지 않고 렌더링 된 것”으로 설명됩니다.

조사 연구는 어떤 사람들이 다른 사람들보다 더 잘 이끌어내는 이유를 설명하기위한 것입니다. 한 연구에서는 드로잉 과정에서 4 가지 핵심 능력, 즉 그려지는 대상의 인식, 훌륭한 표현 결정을 내릴 수있는 능력, 마크 제작에 필요한 운동 능력 및 서랍 자신의 그림에 대한 인식을 제시했습니다. 이 가설에 따라, 몇몇 연구는 이러한 공정 중 어느 것이 도면의 정확성에 영향을 미치는지를 결정 짓는 것으로 밝혀졌다.

모터 제어는 드로잉 공정의 ‘생산 단계’에서 중요한 물리적 구성 요소입니다. 모터 컨트롤은 드로잉 능력에 영향을 미치지 만 그 효과는 중요하지 않다고 제안되었습니다.

그림을 그리는 대상을 지각 할 수있는 개인의 능력이 그림 과정에서 가장 중요한 단계라고 제안되었습니다. 이 제안은 지각 능력과 그림 능력 사이의 견고한 관계의 발견에 의해 뒷받침된다.

이 증거는 베티 에드워즈의 노하우 책, 뇌의 오른쪽에 그림 그리기의 기초 역할을했습니다. 에드워즈 (Edwards)는 독자의 지각 능력 개발에 기초하여 독자에게 그릴 방법을 가르치는 것을 목표로 삼았습니다.

또한, 영향력있는 예술가이자 예술 평론가 인 존 러스킨 (John Ruskin)은 드로잉의 요소 인 The Elements of Drawing에서 드로잉 과정에서 지각의 중요성을 강조했다. 그는 “나는 우리가 충분히 예민하게 보았을 때, 우리가 보는 것을 그리기가 거의 어렵다”고 확신했다.

이것은 또한 시각적으로 정확한 그림을 만드는 능력에 영향을 미치는 것으로 나타났습니다. 단기 기억은 그들이 그리는 대상과 그림 그 자체 사이를 바라 보는 시선으로 그림의 중요한 부분을 차지합니다.

예술가와 비 예술가를 비교 한 일부 연구는 예술가들이 그림을 그리는 동안 전략적으로 생각하는 데 더 많은 시간을 소비한다는 것을 발견했습니다. 특히 예술가들은 그림으로 진행할 수있는 다른 가상 계획을 고려하는 것과 같은 ‘메타인지’활동에 더 많은 시간을 소비합니다.