O desenho é uma forma de arte visual em que uma pessoa usa vários instrumentos de desenho para marcar papel ou outro meio bidimensional. Os instrumentos incluem lápis de grafite, caneta e tinta, pincéis de tinta, lápis de cor de cera, lápis de cor, carvão, giz, pastel, vários tipos de borrachas, marcadores, styluses, vários metais (como silverpoint) e desenho eletrônico.
Um instrumento de desenho libera uma pequena quantidade de material em uma superfície, deixando uma marca visível. O suporte mais comum para o desenho é papel, embora outros materiais, como papelão, plástico, couro, tela e placa, possam ser usados. Os desenhos temporários podem ser feitos em um quadro-negro ou quadro branco ou mesmo praticamente qualquer coisa. O meio tem sido um meio popular e fundamental de expressão pública ao longo da história humana. É um dos meios mais simples e eficientes de comunicação de ideias visuais. A ampla disponibilidade de instrumentos de desenho torna uma das atividades artísticas mais comuns.
Além de suas formas mais artísticas, o desenho é freqüentemente usado em ilustração comercial, animação, arquitetura, engenharia e desenho técnico. Um desenho rápido, à mão livre, geralmente não pretendido como um trabalho acabado, às vezes é chamado de esboço. Um artista que pratica ou trabalha no desenho técnico pode ser chamado de redator, desenhista ou desenhista.
O desenho é uma das principais formas de expressão dentro das artes visuais. Geralmente, é preocupado com a marcação de linhas e áreas de tom sobre papel / outro material, onde a representação precisa do mundo visual é expressa em uma superfície plana. Os desenhos tradicionais eram monocromáticos, ou pelo menos tinham pouca cor, enquanto os modernos desenhos de lápis colorido se aproximavam ou cruzavam um limite entre o desenho e a pintura. Na terminologia ocidental, o desenho é distinto da pintura, embora os meios similares sejam frequentemente empregados em ambas as tarefas. A mídia seca, normalmente associada ao desenho, como o giz, pode ser usada em pinturas em tons pastel. O desenho pode ser feito com um meio líquido, aplicado com escovas ou canetas. Suportes similares também podem servir tanto: a pintura geralmente envolve a aplicação de tinta líquida em tela ou painéis preparados, mas, às vezes, um desenho abaixo é desenhado primeiro nesse mesmo suporte. O desenho é muitas vezes exploratório, com ênfase considerável na observação, resolução de problemas e composição. O desenho também é usado regularmente na preparação de uma pintura, ofuscando ainda mais sua distinção. Os desenhos criados para esses fins são chamados de estudos.
Existem várias categorias de desenho, incluindo desenho de figuras, desenhos animados, doodling, mão livre e sombreamento. Existem também muitos métodos de desenho, como desenho de linha, pontilhamento, sombreamento, o método surrealista de grafomania entópica (em que os pontos são feitos nos locais de impurezas em uma folha de papel em branco, e as linhas são então feitas entre os pontos), e rastreamento (desenhando um papel translúcido, como papel de rastreamento, em torno do contorno de formas preexistentes que mostram através do papel).
Um desenho rápido e não refinado pode ser chamado de esboço.
Nos campos fora da arte, desenhos técnicos ou planos de edifícios, máquinas, circuitos e outras coisas são chamados de “desenhos”, mesmo quando foram transferidos para outro meio, imprimindo.
Desenho como forma de desenho de comunicação é uma das formas mais antigas de expressão humana, com evidência de sua existência anterior à da comunicação escrita. Acredita-se que o desenho foi usado como uma forma especializada de comunicação antes da invenção da linguagem escrita, demonstrada pela produção de pinturas rupestres e rupestres criadas pelo Homo sapiens sapiens há cerca de 30 mil anos. Estes desenhos, conhecidos como pictogramas, objetos retratados e conceitos abstratos. Os esboços e pinturas produzidas nos tempos pré-históricos foram eventualmente estilizados e simplificados, levando ao desenvolvimento da linguagem escrita como a conhecemos hoje.
Desenho nas artes O desenho é usado para expressar a criatividade e, portanto, tem sido proeminente no mundo da arte. Durante a maior parte da história, o desenho foi considerado como a base para a prática artística. Inicialmente, os artistas usavam e reutilizavam comprimidos de madeira para a produção de seus desenhos. Após a ampla disponibilidade de papel no século 14, o uso do desenho nas artes aumentou. Neste ponto, o desenho era comumente usado como ferramenta de pensamento e investigação, atuando como um meio de estudo, enquanto os artistas se preparavam para seus trabalhos finais. Em um período de florescimento artístico, o Renascimento trouxe desenhos que exibissem qualidades representativas realistas, onde havia muita influência da geometria e da filosofia.
A invenção da primeira forma de fotografia amplamente disponível levou a uma mudança no uso do desenho nas artes. A fotografia tomou conta do desenho como um método mais superior para representar com precisão os fenômenos visuais, e os artistas começaram a abandonar as práticas tradicionais de desenho. O modernismo nas artes incentivou a “originalidade imaginativa” e a aproximação dos artistas ao desenho tornou-se mais abstrata.
Desenho Fora das Artes Embora o uso do desenho seja extensivo nas artes, sua prática não se limita exclusivamente a este campo. Antes da ampla disponibilidade de papel, os monges do século 12 nos mosteiros europeus usavam desenhos intrincados para preparar manuscritos ilustrados e iluminados sobre pergaminho e pergaminho. O desenho também tem sido amplamente utilizado no campo da ciência, como um método de descoberta, compreensão e explicação. Em 1616, o astrônomo Galileu Galilei explicou as fases em mudança da lua através de seus desenhos observacionais telescópicos. Além disso, em 1924, o geofísico Alfred Wegener usou ilustrações para demonstrar visualmente a origem dos continentes.
O meio é o meio pelo qual tinta, pigmento ou cor são entregues na superfície de desenho. A maioria dos meios de desenho são secos (por exemplo, grafite, carvão vegetal, pastels, Conté, silverpoint), ou usam um solvente ou veículo fluido (marcador, caneta e tinta). Os lápis de aguarela podem ser usados como lápis simples e, em seguida, umedecidos com uma escova molhada para obter vários efeitos pictóricos. Muito raramente, os artistas desenharam com a tinta invisível (geralmente decodificada). O desenho de Metalpoint geralmente emprega dois dos metais: prata ou chumbo. Mais raramente utilizados são ouro, platina, cobre, latão, bronze e tinpoint.
O papel vem em uma variedade de tamanhos e qualidades diferentes, que vão desde notas de jornal até alta qualidade e papel relativamente caro vendido como folhas individuais. Os papéis podem variar em textura, tonalidade, acidez e força quando molhado. O papel liso é bom para renderizar detalhes finos, mas um papel mais “toothy” mantém o material de desenho melhor. Assim, um material mais grosso é útil para produzir um contraste mais profundo.
O papel de impressão e o papel de digitação podem ser úteis para a prática e esboços aproximados. O papel de rastreamento é usado para experimentar sobre um desenho meio concluído e para transferir um desenho de uma folha para outra. O papel de cartucho é o tipo básico de papel de desenho vendido em almofadas. Placa de Bristol e placas ainda mais pesadas, sem ácido, com acabamentos lisos, são usadas para desenhar detalhes finos e não se distorcem quando são aplicadas mídias molhadas (tinta, lavagem). O Vellum é extremamente suave e adequado para detalhes muito finos. O papel de aquarela Coldpressed pode ser favorecido para o desenho de tinta devido à sua textura.
O papel de qualidade de arquivo livre de ácido mantém sua cor e textura muito mais longa do que o papel à base de pasta de madeira, como o papel de jornal, que fica amarelo e torna-se quebradiço muito mais cedo.
As ferramentas básicas são uma mesa de desenho ou mesa, apontador de lápis e borracha, e para desenho de tinta, papel de borrão. Outras ferramentas usadas são círculo compasso, régua e conjunto quadrado. O fixador é usado para evitar que as marcas de lápis e lápis sejam manchadas. A fita de desenho é usada para proteger o papel na superfície de desenho e também para mascarar uma área para mantê-lo livre de marcas acidentais, tais como materiais pulverizados ou espalhados e lavagens. Uma mesa de cavalete ou inclinada é usada para manter a superfície de desenho em uma posição adequada, que geralmente é mais horizontal do que a posição usada na pintura.
Quase todos os desenhistas usam as mãos e os dedos para aplicar a mídia, com exceção de alguns indivíduos deficientes que desenham com a boca ou os pés.
Antes de trabalhar em uma imagem, o artista normalmente explora como funcionam vários meios de comunicação. Eles podem tentar diferentes implementos de desenho em folhas de prática para determinar o valor e a textura, e como aplicar o implemento para produzir vários efeitos.
A escolha do artista de traços de desenho afeta a aparência da imagem. Desenhos de caneta e tinta costumam usar grupos de eclosão de linhas paralelas. Cross-hatching usa a incubação em duas ou mais direções diferentes para criar um tom mais escuro. A incubação quebrada, ou linhas com pausas intermitentes, formam tons mais claros – e o controle da densidade das quebras atinge uma gradação de tom. Stippling usa pontos para produzir tom, textura e sombra. Diferentes texturas podem ser alcançadas de acordo com o método usado para construir o tom.
Os desenhos em mídia seca geralmente utilizam técnicas similares, embora lápis e palitos de desenho possam alcançar variações contínuas de tom. Normalmente, um desenho é preenchido com base em qual mão o artista favorece. Um artista à direita desenha da esquerda para a direita para evitar manchar a imagem. As borrachas podem remover linhas indesejadas, iluminar tons e limpar marcas dispersas. Em um desenho de esboço ou esboço, as linhas desenhadas seguem frequentemente o contorno do assunto, criando profundidade, aparecendo como sombras de uma luz na posição do artista.
Às vezes, o artista deixa uma seção da imagem intocada ao preencher o restante. A forma da área a preservar pode ser pintada com fluido de máscara ou cortada de um friso e aplicada na superfície de desenho, protegendo a superfície das marcas dispersas até a máscara ser removida.
Outro método para preservar uma seção da imagem é aplicar um fixador de pulverização na superfície. Isso mantém o material solto mais firmemente na folha e impede que ela seja manchada. No entanto, o spray fixador geralmente usa produtos químicos que podem prejudicar o sistema respiratório, portanto, ele deve ser empregado em uma área bem ventilada, como no exterior.
Outra técnica é o desenho subtrativo em que a superfície de desenho é coberta com grafite ou carvão e depois apagada para fazer a imagem.
O sombreamento é a técnica de variar os valores tonais no papel para representar a tonalidade do material, bem como a colocação das sombras. Atenção cuidadosa à luz refletida, sombras e destaques pode resultar em uma interpretação muito realista da imagem.
A mistura usa um instrumento para suavizar ou espalhar os traçados de desenho originais. A mistura é mais facilmente feita com um meio que não se conserta imediatamente, como grafite, giz ou carvão, embora a tinta recém-aplicada possa ser manchada, molhada ou seca, para alguns efeitos. Para sombrear e misturar, o artista pode usar um coto de mistura, um tecido, uma borracha amassada, uma ponta do dedo ou qualquer combinação deles. Um pedaço de camurça é útil para criar texturas suaves e para remover material para aliviar o tom. O tom contínuo pode ser alcançado com grafite em uma superfície lisa sem mistura, mas a técnica é trabalhosa, envolvendo pequenos traços circulares ou ovais com um ponto um pouco contundente.
As técnicas de sombreamento que também introduzem textura no desenho incluem a eclosão e a ponta. Uma série de outros métodos produzem textura. Além da escolha do papel, o material de desenho e a técnica afetam a textura. A textura pode ser feita para parecer mais realista quando é desenhada ao lado de uma textura contrastante; uma textura grosseira é mais óbvia quando colocada ao lado de uma área suavemente misturada. Um efeito semelhante pode ser alcançado ao desenhar diferentes tons juntos. Uma borda leve ao lado de um fundo escuro se destaca para o olho, e quase parece flutuar acima da superfície.
Medir as dimensões de um sujeito enquanto bloqueia no desenho é um passo importante na produção de uma interpretação realista do assunto. Ferramentas como uma bússola podem ser usadas para medir os ângulos de diferentes lados. Esses ângulos podem ser reproduzidos na superfície de desenho e, em seguida, volte a verificar para garantir que sejam precisos. Outra forma de medição é comparar os tamanhos relativos de diferentes partes do sujeito entre si. Um dedo colocado em um ponto ao longo do implemento de desenho pode ser usado para comparar essa dimensão com outras partes da imagem. Uma régua pode ser usada como uma disposição e um dispositivo para calcular proporções.
Ao tentar desenhar uma forma complicada, como uma figura humana, é útil primeiro representar a forma com um conjunto de volumes primitivos. Quase qualquer forma pode ser representada por alguma combinação do cubo, esfera, cilindro e cone. Uma vez que esses volumes básicos foram montados em uma semelhança, então o desenho pode ser refinado em uma forma mais precisa e polida. As linhas dos volumes primitivos são removidas e substituídas pela semelhança final. Tirar a construção subjacente é uma habilidade fundamental para a arte representacional, e é ensinado em muitos livros e escolas. Sua aplicação correta resolve a maioria das incertezas sobre detalhes menores e faz com que a imagem final pareça consistente.
Uma arte mais refinada do desenho de figuras depende do artista possuir uma compreensão profunda da anatomia e das proporções humanas. Um artista treinado está familiarizado com a estrutura do esqueleto, localização conjunta, colocação do músculo, movimento do tendão e como as diferentes peças funcionam juntas durante o movimento. Isso permite ao artista renderizar poses mais naturais que não aparecem artificialmente rígidas. O artista também está familiarizado com a forma como as proporções variam de acordo com a idade do sujeito, particularmente quando se desenha um retrato.
Perspectiva linear é um método de retratar objetos em uma superfície plana para que as dimensões encolhem com a distância. Cada conjunto de bordas paralelas e retas de qualquer objeto, seja um prédio ou uma mesa, segue linhas que eventualmente convergem em um ponto de fuga. Normalmente, esse ponto de convergência está em algum lugar ao longo do horizonte, já que os prédios são construídos de acordo com a superfície plana. Quando as estruturas múltiplas estão alinhadas umas com as outras, tais como edifícios ao longo de uma rua, os topos horizontais e os fundos das estruturas normalmente convergem em um ponto de fuga.
Quando ambas as frentes e os lados de um edifício são desenhados, então as linhas paralelas que formam um lado convergem em um segundo ponto ao longo do horizonte (que pode estar fora do papel de desenho). Esta é uma perspectiva de dois pontos. A convergência das linhas verticais para um terceiro ponto acima ou abaixo do horizonte, em seguida, produz uma perspectiva de três pontos.
A profundidade também pode ser retratada por várias técnicas, além da abordagem de perspectiva acima. Objetos de tamanho similar devem aparecer cada vez menores quanto mais forem do visualizador. Assim, a roda traseira de um carrinho aparece um pouco menor do que a roda dianteira. A profundidade pode ser retratada através do uso da textura. À medida que a textura de um objeto se afasta, torna-se mais comprimido e ocupado, assumindo um caractere completamente diferente do que se fosse próximo. A profundidade também pode ser retratada reduzindo o contraste em objetos mais distantes e tornando as cores menos saturadas. Isso reproduz o efeito da neblina atmosférica e faz com que o olho se concentre principalmente em objetos desenhados em primeiro plano.
A composição da imagem é um elemento importante na produção de um interessante trabalho de mérito artístico. O artista planeja a colocação de elementos na arte para comunicar idéias e sentimentos com o espectador. A composição pode determinar o foco da arte e resultar em um conjunto harmonioso que é esteticamente atraente e estimulante.
A iluminação do assunto também é um elemento chave na criação de uma peça artística, e a interação da luz e da sombra é um método valioso na caixa de ferramentas do artista. A colocação das fontes de luz pode fazer uma diferença considerável no tipo de mensagem que está sendo apresentada. Múltiplas fontes de luz podem lavar quaisquer rugas no rosto de uma pessoa, por exemplo, e dar uma aparência mais jovem. Em contraste, uma única fonte de luz, como a luz do dia, pode servir para destacar qualquer textura ou características interessantes.
Ao desenhar um objeto ou figura, o artista experiente presta atenção tanto à área dentro da silhueta quanto ao que está lá fora. O exterior é denominado espaço negativo, e pode ser tão importante na representação como a figura. Os objetos colocados no fundo da figura devem aparecer corretamente colocados onde quer que possam ser vistos.
Um estudo é um rascunho desenhado em preparação para uma imagem final planejada. Estudos podem ser usados para determinar as aparências de partes específicas da imagem completa ou para experimentar a melhor abordagem para atingir o objetivo final. No entanto, um estudo bem elaborado pode ser uma peça de arte por direito próprio, e muitas horas de trabalho cuidadoso podem ser concluídas em um estudo.
Os indivíduos exibem diferenças em sua capacidade de produzir desenhos precisos visualmente. Um desenho visualmente preciso é descrito como sendo “reconhecido como um objeto específico em um determinado momento e em um espaço particular, renderizado com pouca adição de detalhes visuais que não podem ser vistos no objeto representado ou com pouca exclusão de detalhes visuais”.
Estudos investigativos têm como objetivo explicar os motivos pelos quais alguns indivíduos melhoram do que outros. Um estudo postulou quatro habilidades-chave no processo de desenho: percepção de objetos desenhados, capacidade de tomar boas decisões de representação, habilidades motoras necessárias para a marcação e a própria percepção de seu desenho. Seguindo esta hipótese, vários estudos têm procurado concluir quais desses processos são mais importantes para afetar a precisão dos desenhos.
O controle do motor é um componente físico importante na “Fase de Produção” do processo de desenho. Sugeriu-se que o controle do motor desempenha um papel na capacidade de desenho, embora seus efeitos não sejam significativos.
Sugeriu-se que a capacidade de um indivíduo perceber um objeto que estão desenhando é a etapa mais importante no processo de desenho. Esta sugestão é apoiada pela descoberta de uma relação robusta entre percepção e capacidade de desenho.
Esta evidência atuou como a base do livro de desenho de Betty Edwards, desenhando no lado direito do cérebro. Edwards teve como objetivo ensinar seus leitores a desenhar, com base no desenvolvimento das habilidades perceptivas do leitor.
Além disso, o influente artista e crítico de arte John Ruskin enfatizou a importância da percepção no processo de desenho em seu livro The Elements of Drawing. Ele afirmou que “Pois estou quase convencido de que uma vez que vemos com bastante intensidade, há muito pouco difícil de desenhar o que vemos”.
Isso também mostrou influenciar a capacidade de criar desenhos precisos visualmente. A memória de curto prazo desempenha um papel importante no desenho quando o olhar se desloca entre o objeto que estão desenhando e o próprio desenho.
Alguns estudos que comparam artistas a não-artistas descobriram que os artistas passam mais tempo pensando estrategicamente ao desenhar. Em particular, os artistas passam mais tempo em atividades “metacognitivas”, como considerando diferentes planos hipotéticos sobre como eles podem progredir com um desenho.