Zeichnen ist eine Form der visuellen Kunst, bei der eine Person verschiedene Zeicheninstrumente verwendet, um Papier oder ein anderes zweidimensionales Medium zu markieren. Zu den Instrumenten gehören Grafitstifte, Feder und Tinte, Tintenbürsten, Wachsmalstifte, Buntstifte, Kohle, Kreide, Pastelle, verschiedene Arten von Radiergummis, Marker, Stifte, verschiedene Metalle (wie Silverpoint) und elektronische Zeichnung.

Ein Zeichengerät gibt eine kleine Menge Material auf eine Oberfläche ab und hinterlässt eine sichtbare Markierung. Die üblichste Unterstützung für das Zeichnen ist Papier, obwohl andere Materialien, wie Karton, Plastik, Leder, Leinwand und Pappe, verwendet werden können. Temporäre Zeichnungen können auf einer Tafel oder Whiteboard oder in der Tat fast alles gemacht werden. Das Medium war ein beliebtes und grundlegendes Mittel des öffentlichen Ausdrucks in der gesamten Menschheitsgeschichte. Es ist eines der einfachsten und effizientesten Mittel, um visuelle Ideen zu kommunizieren. Die breite Verfügbarkeit von Zeicheninstrumenten macht das Zeichnen zu einer der häufigsten künstlerischen Aktivitäten.

Neben seinen künstlerischeren Formen wird Zeichnen häufig in der kommerziellen Illustration, Animation, Architektur, Technik und technischen Zeichnung verwendet. Eine schnelle, freihändige Zeichnung, die normalerweise nicht als fertiges Werk gedacht ist, wird manchmal als Skizze bezeichnet. Ein Künstler, der in technischer Zeichnung arbeitet oder arbeitet, kann als Verfasser, Zeichner oder Zeichner bezeichnet werden.

Zeichnen ist eine der wichtigsten Ausdrucksformen innerhalb der bildenden Kunst. Es handelt sich im Allgemeinen um die Markierung von Linien und Tonbereichen auf Papier / anderem Material, wobei die genaue Darstellung der visuellen Welt auf einer ebenen Fläche ausgedrückt wird. Traditionelle Zeichnungen waren monochrom oder hatten zumindest wenig Farbe, während moderne Farbstiftzeichnungen eine Grenze zwischen Zeichnung und Malerei erreichen oder überschreiten können. In der westlichen Terminologie unterscheidet sich die Zeichnung von der Malerei, obwohl ähnliche Medien häufig in beiden Aufgaben verwendet werden. Trockene Medien, die normalerweise mit dem Zeichnen verbunden sind, wie beispielsweise Kreide, können in Pastellbildern verwendet werden. Das Zeichnen kann mit einem flüssigen Medium erfolgen, das mit Pinseln oder Stiften aufgetragen wird. Ähnliche Träger können ebenfalls beiden dienen: Bei der Bemalung wird im allgemeinen flüssige Farbe auf vorbereitete Leinwände oder Platten aufgetragen, aber manchmal wird zuerst eine Unterzeichnung auf derselben Unterlage gezogen. Zeichnen ist oft explorativ, mit erheblichem Nachdruck auf Beobachtung, Problemlösung und Komposition. Das Zeichnen wird auch regelmäßig in Vorbereitung auf ein Gemälde verwendet, was ihre Unterscheidung weiter verschleiert. Zu diesen Zwecken erstellte Zeichnungen werden Studien genannt.

Es gibt verschiedene Kategorien von Zeichnungen, einschließlich Figurzeichnung, Cartoon, Kritzeln, Freihand und Schattierung. Es gibt auch viele Zeichenmethoden, wie Strichzeichnung, Punktierung, Schattierung, die surrealistische Methode der entopischen Graphomanie (in der Punkte an den Stellen von Verunreinigungen in einem leeren Blatt Papier gemacht werden, und Linien werden dann zwischen den Punkten gemacht), und Nachzeichnen (Zeichnen auf einem lichtdurchlässigen Papier, wie Pauspapier, um den Umriss von bereits existierenden Formen, die durch das Papier zeigen).

Eine schnelle, unraffinierte Zeichnung kann als Skizze bezeichnet werden.

In Bereichen außerhalb der Kunst werden technische Zeichnungen oder Pläne von Gebäuden, Maschinen, Schaltkreisen und anderen Dingen oft als „Zeichnungen“ bezeichnet, auch wenn sie durch Druck auf ein anderes Medium übertragen wurden.

Zeichnen als eine Form der Kommunikation Zeichnen ist eine der ältesten Formen des menschlichen Ausdrucks, mit Beweisen für seine Existenz vor der schriftlichen Kommunikation. Es wird angenommen, dass das Zeichnen vor der Erfindung der geschriebenen Sprache als eine spezialisierte Form der Kommunikation verwendet wurde, was durch die Herstellung von Höhlen- und Felsmalereien demonstriert wurde, die vor etwa 30.000 Jahren von Homo sapiens sapiens geschaffen wurden. Diese als Piktogramme bezeichneten Zeichnungen stellten Objekte und abstrakte Konzepte dar. Die in prähistorischer Zeit entstandenen Skizzen und Gemälde wurden schließlich stilisiert und vereinfacht, was zur Entwicklung der Schriftsprache, wie wir sie heute kennen, führte.

Zeichnen in der Kunst Zeichnung wird verwendet, um seine Kreativität auszudrücken, und hat daher in der Welt der Kunst prominente Bedeutung. Ein Großteil der Geschichte galt dem Zeichnen als Grundlage für die künstlerische Praxis. Zunächst verwendeten und verwendeten Künstler Holztafeln für die Herstellung ihrer Zeichnungen. Nach der breiten Verfügbarkeit von Papier im 14. Jahrhundert nahm der Gebrauch von Zeichen in der Kunst zu. An dieser Stelle wurde das Zeichnen häufig als Werkzeug zum Nachdenken und Erforschen verwendet, das als Arbeitsmedium diente, während Künstler sich auf ihre letzten Arbeiten vorbereiteten. In einer Periode künstlerischen Aufschwungs brachte die Renaissance Zeichnungen hervor, die realistische gegenständliche Qualitäten zeigten, wo es viel Einfluss von Geometrie und Philosophie gab.

Die Erfindung der ersten weit verbreiteten Form der Fotografie führte zu einer Verlagerung des Zeichens in der Kunst. Die Fotografie hat die Zeichnung als überlegene Methode zur präzisen Darstellung visueller Phänomene abgelöst, und die Künstler begannen, traditionelle Zeichenpraktiken aufzugeben. Die Moderne in den Künsten förderte „phantasievolle Originalität“ und der künstlerische Zugang zum Zeichnen wurde abstrakter.

Zeichnen außerhalb der Künste Obwohl die Verwendung von Zeichnen in der Kunst weit verbreitet ist, ist ihre Praxis nicht auf dieses Gebiet beschränkt. Vor der weit verbreiteten Verfügbarkeit von Papier verwendeten Mönche des 12. Jahrhunderts in europäischen Klöstern komplizierte Zeichnungen, um illustrierte, illuminierte Handschriften auf Pergament und Pergament vorzubereiten. Auch im Bereich der Wissenschaft wurde Zeichnen als Methode der Entdeckung, des Verstehens und der Erklärung verwendet. Im Jahr 1616 erklärte der Astronom Galileo Galilei die sich verändernden Mondphasen anhand seiner Beobachtungs-Teleskopzeichnungen. 1923 verwendete der Geophysiker Alfred Wegener Illustrationen, um die Herkunft der Kontinente visuell zu veranschaulichen.

Das Medium ist das Mittel, mit dem Tinte, Pigment oder Farbe auf die Zeichenoberfläche übertragen werden. Die meisten Zeichenmedien sind entweder trocken (z. B. Graphit, Kohle, Pastell, Conté, Silberpunkt) oder sie verwenden ein flüssiges Lösungsmittel oder einen Träger (Marker, Stift und Tinte). Aquarellstifte können trocken wie gewöhnliche Stifte verwendet werden und dann mit einem nassen Pinsel angefeuchtet werden, um verschiedene malerische Effekte zu erzielen. Sehr selten haben Künstler mit (meist entschlüsselter) unsichtbarer Tinte gezeichnet. In der Metallpunkt-Zeichnung werden normalerweise zwei Metalle verwendet: Silber oder Blei. Seltener verwendet werden Gold, Platin, Kupfer, Messing, Bronze und Zinn.

Papier gibt es in verschiedenen Größen und Qualitäten, von Zeitungspapier bis zu hochwertigem und relativ teurem Papier, das als Einzelblatt verkauft wird. Papiere können in Textur, Farbton, Säure und Stärke variieren, wenn sie nass sind. Glattes Papier eignet sich gut zum Rendern feiner Details, aber ein mehr „toothy“ Papier hält das Zeichenmaterial besser. Daher ist ein gröberes Material nützlich, um einen tieferen Kontrast zu erzeugen.

Zeitungspapier und Schreibpapier können für die Praxis und grobe Skizzen nützlich sein. Pauspapier wird verwendet, um über eine halbfertige Zeichnung zu experimentieren und ein Design von einem Blatt auf ein anderes zu übertragen. Patronenpapier ist die grundlegende Art von Zeichenpapier, das in Pads verkauft wird. Bristol-Platten und noch schwerere säurefreie Platten, häufig mit glatten Oberflächen, werden zum Zeichnen feiner Details verwendet und verzerren nicht, wenn nasse Medien (Tinte, Waschungen) aufgetragen werden. Pergament ist extrem glatt und für sehr feine Details geeignet. Kaltgedrücktes Aquarellpapier kann aufgrund seiner Textur für die Tintenzeichnung bevorzugt werden.

Säurefreies Papier in Archivqualität behält seine Farbe und Struktur viel länger bei als Papier auf Zellstoffbasis, z. B. Zeitungsdruckpapier, das sich gelb verfärbt und viel früher brüchig wird.

Die grundlegenden Werkzeuge sind ein Zeichenbrett oder ein Tisch, Anspitzer und Radiergummi und für Tintenzeichnung, Löschpapier. Andere Werkzeuge sind Zirkel, Lineal und Quadrat. Fixativ wird verwendet, um zu verhindern, dass Stift- und Farbstiftflecken verschmieren. Zeichenband wird verwendet, um Papier an der Zeichenoberfläche zu befestigen und auch um einen Bereich zu maskieren, um ihn frei von zufälligen Markierungen, wie z. B. bespritzten oder aufgespritzten Materialien und Waschungen, zu halten. Eine Staffelei oder ein geneigter Tisch wird verwendet, um die Zeichenoberfläche in einer geeigneten Position zu halten, die im Allgemeinen horizontaler ist als die Position, die beim Malen verwendet wird.

Fast alle Zeichner benutzen ihre Hände und Finger, um die Medien anzuwenden, mit Ausnahme einiger behinderter Personen, die mit dem Mund oder den Füßen zeichnen.

Vor der Arbeit an einem Bild untersucht der Künstler typischerweise, wie verschiedene Medien funktionieren. Sie können verschiedene Zeichenwerkzeuge auf Übungsblättern ausprobieren, um den Wert und die Textur zu bestimmen, und wie man das Werkzeug anwendet, um verschiedene Effekte zu erzeugen.

Die Wahl der Zeichnungsstriche durch den Künstler beeinflusst das Aussehen des Bildes. Tuschzeichnungen verwenden häufig Schraffurgruppen aus parallelen Linien. Kreuzschraffur verwendet Schraffuren in zwei oder mehr verschiedenen Richtungen, um einen dunkleren Ton zu erzeugen. Zerbrochenes Schraffieren oder Linien mit unterbrochenen Brüchen bilden hellere Töne – und die Kontrolle der Dichte der Brüche erzielt eine Tonabstufung. Stippling verwendet Punkte, um Ton, Textur und Schatten zu erzeugen. Je nach der für den Aufbau des Tons verwendeten Methode können unterschiedliche Texturen erzielt werden.

Zeichnungen in trockenen Medien verwenden häufig ähnliche Techniken, obwohl Bleistifte und Zeichenstifte kontinuierliche Tonvariationen erzielen können. In der Regel wird eine Zeichnung ausgefüllt, basierend auf welcher Hand der Künstler bevorzugt. Ein rechtshändiger Künstler zieht von links nach rechts, um das Bild nicht zu verschmieren. Radiergummis können unerwünschte Linien entfernen, Töne aufhellen und Streumarkierungen entfernen. In einer Skizze oder einer Umrisszeichnung folgen die gezeichneten Linien oft der Kontur des Motivs und erzeugen Tiefe, indem sie wie Schatten aus einem Licht in der Position des Künstlers aussehen.

Manchmal lässt der Künstler einen Teil des Bildes unberührt, während er den Rest ausfüllt. Die Form des zu konservierenden Bereichs kann mit Maskierflüssigkeit oder aus einem Frisket ausgeschnitten und auf die Zeichenoberfläche aufgebracht werden, wodurch die Oberfläche vor Streumarkierungen geschützt wird, bis die Maske entfernt wird.

Eine andere Methode, um einen Teil des Bildes zu erhalten, besteht darin, ein Sprühfixiermittel auf die Oberfläche aufzubringen. Dies hält das lose Material fester auf dem Blatt und verhindert ein Verschmieren. Das Fixierspray verwendet jedoch typischerweise Chemikalien, die das Atmungssystem schädigen können. Daher sollte es in einem gut belüfteten Bereich wie im Freien verwendet werden.

Eine andere Technik ist das subtraktive Zeichnen, bei dem die Zeichenoberfläche mit Graphit oder Kohle bedeckt und dann gelöscht wird, um das Bild zu erzeugen.

Schattierung ist die Technik, bei der die Tonwerte auf dem Papier variiert werden, um den Farbton des Materials sowie die Platzierung der Schatten darzustellen. Sorgfältige Beachtung von reflektiertem Licht, Schatten und Lichtern kann zu einer sehr realistischen Wiedergabe des Bildes führen.

Beim Mischen wird ein Werkzeug verwendet, um die ursprünglichen Zeichenstriche aufzuweichen oder zu verteilen. Das Mischen wird am einfachsten mit einem Medium durchgeführt, das sich nicht sofort selbst fixiert, wie z. B. Graphit, Kreide oder Kohle, obwohl frisch aufgetragene Tinte für einige Effekte verschmiert, nass oder trocken sein kann. Zum Schattieren und Mischen kann der Künstler einen Mischstumpf, ein Gewebe, einen gekneteten Radierer, eine Fingerspitze oder eine beliebige Kombination davon verwenden. Ein Stück Gämse ist nützlich, um glatte Texturen zu erzeugen und Material zu entfernen, um den Ton aufzuhellen. Ein kontinuierlicher Ton kann mit Graphit auf einer glatten Oberfläche ohne Mischen erreicht werden, aber die Technik ist mühsam, wobei kleine kreisförmige oder ovale Striche mit einer etwas stumpfen Spitze involviert sind.

Schattierungstechniken, die auch Textur in die Zeichnung einführen, schließen Schraffierung und Punktierung ein. Eine Anzahl anderer Methoden erzeugt Textur. Neben der Wahl des Papiers beeinflussen Zeichenmaterial und Technik die Textur. Textur kann realistischer erscheinen, wenn sie neben einer kontrastierenden Textur gezeichnet wird; Eine grobe Textur wird deutlicher, wenn sie neben einem gleichmäßig gemischten Bereich platziert wird. Ein ähnlicher Effekt kann erzielt werden, indem verschiedene Töne nahe beieinander gezeichnet werden. Eine helle Kante neben einem dunklen Hintergrund steht dem Auge gegenüber und scheint fast über der Oberfläche zu schweben.

Das Messen der Dimensionen eines Subjekts während der Blockierung in der Zeichnung ist ein wichtiger Schritt, um eine realistische Wiedergabe des Subjekts zu erzielen. Werkzeuge wie ein Kompass können verwendet werden, um die Winkel verschiedener Seiten zu messen. Diese Winkel können auf der Zeichenfläche reproduziert und dann erneut überprüft werden, um sicherzustellen, dass sie genau sind. Eine andere Form der Messung besteht darin, die relativen Größen verschiedener Teile des Subjekts miteinander zu vergleichen. Ein Finger, der an einem Punkt entlang der Zeichenvorrichtung platziert ist, kann verwendet werden, um diese Dimension mit anderen Teilen des Bildes zu vergleichen. Ein Lineal kann sowohl als Lineal als auch als Hilfsmittel zur Berechnung von Proportionen verwendet werden.

Beim Versuch, eine komplizierte Form wie eine menschliche Figur zu zeichnen, ist es hilfreich, die Form zunächst mit einer Menge primitiver Volumina darzustellen. Fast jede Form kann durch irgendeine Kombination des Würfels, der Kugel, des Zylinders und des Kegels dargestellt werden. Sobald diese Grundbände zu einer Abbildung zusammengefügt wurden, kann die Zeichnung in eine genauere und polierte Form verfeinert werden. Die Linien der primitiven Volumen werden entfernt und durch die endgültige Ähnlichkeit ersetzt. Das Zeichnen der zugrundeliegenden Konstruktion ist eine grundlegende Fähigkeit für die darstellende Kunst und wird in vielen Büchern und Schulen gelehrt. Seine korrekte Anwendung löst die meisten Unsicherheiten über kleinere Details und macht das endgültige Bild konsistent.

Eine verfeinerte Kunst der Figurenzeichnung beruht darauf, dass der Künstler ein tiefes Verständnis der Anatomie und der menschlichen Proportionen besitzt. Ein ausgebildeter Künstler kennt die Skelettstruktur, den Gelenkort, die Muskelplatzierung, die Sehnenbewegung und wie die verschiedenen Teile während der Bewegung zusammenarbeiten. Dies ermöglicht dem Künstler, natürlichere Posen zu rendern, die nicht künstlich steif erscheinen. Dem Künstler ist auch bekannt, wie sich die Proportionen je nach Alter des Subjekts unterscheiden, insbesondere beim Zeichnen eines Porträts.

Die lineare Perspektive ist eine Methode, Objekte auf einer flachen Oberfläche darzustellen, so dass die Abmessungen mit der Entfernung kleiner werden. Jeder Satz paralleler, gerader Kanten eines Objekts, ob Gebäude oder Tisch, folgt Linien, die schließlich an einem Fluchtpunkt zusammenlaufen. Typischerweise liegt dieser Konvergenzpunkt irgendwo am Horizont, da die Gebäude auf gleicher Höhe mit der flachen Oberfläche gebaut sind. Wenn mehrere Strukturen miteinander ausgerichtet sind, beispielsweise Gebäude entlang einer Straße, konvergieren die horizontalen Ober- und Unterseiten der Strukturen typischerweise an einem Fluchtpunkt.

Wenn sowohl die Fronten als auch die Seiten eines Gebäudes gezeichnet werden, konvergieren die parallelen Linien, die eine Seite bilden, an einem zweiten Punkt entlang des Horizonts (der von dem Zeichenpapier abweichen kann). Dies ist eine Zwei-Punkt-Perspektive. Die Konvergenz der vertikalen Linien zu einem dritten Punkt über oder unter dem Horizont ergibt dann eine Drei-Punkte-Perspektive.

Die Tiefe kann auch durch verschiedene Techniken zusätzlich zu dem obigen perspektivischen Ansatz dargestellt werden. Objekte ähnlicher Größe sollten umso kleiner erscheinen, je weiter sie vom Betrachter entfernt sind. So erscheint das Hinterrad eines Wagens etwas kleiner als das Vorderrad. Die Tiefe kann durch die Verwendung von Textur dargestellt werden. Wenn sich die Textur eines Objekts weiter entfernt, wird es mehr komprimiert und beschäftigt, wobei es einen völlig anderen Charakter annimmt, als wenn es nahe wäre. Die Tiefe kann auch dargestellt werden, indem der Kontrast in entfernteren Objekten verringert wird und ihre Farben weniger gesättigt werden. Dies reproduziert den Effekt der atmosphärischen Trübung und veranlasst das Auge, sich hauptsächlich auf Objekte zu konzentrieren, die im Vordergrund gezeichnet sind.

Die Bildkomposition ist ein wichtiges Element, um ein interessantes künstlerisches Werk zu schaffen. Der Künstler plant eine Elementplatzierung in der Kunst, um dem Betrachter Ideen und Gefühle zu vermitteln. Die Komposition kann den Fokus der Kunst bestimmen und zu einem harmonischen Ganzen führen, das ästhetisch ansprechend und anregend ist.

Die Beleuchtung des Motivs ist auch ein Schlüsselelement bei der Schaffung eines künstlerischen Werkes, und das Zusammenspiel von Licht und Schatten ist eine wertvolle Methode in der Werkzeugkiste des Künstlers. Die Anordnung der Lichtquellen kann einen wesentlichen Unterschied in der Art der präsentierten Nachricht bewirken. Mehrere Lichtquellen können beispielsweise Falten im Gesicht einer Person auswaschen und ein jugendlicheres Aussehen verleihen. Im Gegensatz dazu kann eine einzelne Lichtquelle, wie z. B. hartes Tageslicht, dazu dienen, jede Textur oder interessante Merkmale hervorzuheben.

Beim Zeichnen eines Objekts oder einer Figur achtet der geschickte Künstler sowohl auf den Bereich innerhalb der Silhouette als auch darauf, was außerhalb liegt. Das Äußere wird als negativer Raum bezeichnet und kann in der Darstellung genauso wichtig sein wie die Figur. Objekte, die im Hintergrund der Figur platziert sind, sollten korrekt platziert sein, wo auch immer sie angezeigt werden können.

Eine Studie ist eine Entwurfszeichnung, die in Vorbereitung auf ein geplantes endgültiges Bild erstellt wird. Studien können verwendet werden, um das Aussehen bestimmter Teile des fertigen Bildes zu bestimmen oder um mit dem besten Ansatz zu experimentieren, um das Endziel zu erreichen. Eine gut ausgearbeitete Studie kann jedoch ein eigenständiges Kunstwerk sein, und viele Stunden sorgfältiger Arbeit können in die Fertigstellung einer Studie fließen.

Individuen zeigen Unterschiede in ihrer Fähigkeit, visuell genaue Zeichnungen zu erzeugen. Eine visuell genaue Zeichnung wird beschrieben als „als ein bestimmtes Objekt zu einer bestimmten Zeit und in einem bestimmten Raum erkannt, mit wenig Hinzufügung von visuellen Details wiedergegeben, die nicht in dem dargestellten Objekt oder mit wenig Löschung von visuellen Details zu sehen sind“.

Investigative Studien haben zum Ziel, die Gründe zu erklären, warum manche Menschen besser zeichnen als andere. Eine Studie postulierte vier Schlüsselfähigkeiten im Zeichenprozess: die Wahrnehmung von Objekten, die gezeichnet werden, die Fähigkeit, gute Repräsentationsentscheidungen zu treffen, motorische Fähigkeiten, die für die Markierung benötigt werden, und die eigene Wahrnehmung der Zeichnung durch die Schublade. Nach dieser Hypothese haben mehrere Studien versucht, zu schließen, welcher dieser Prozesse die Genauigkeit der Zeichnungen am signifikantesten beeinflusst.

Motorsteuerung ist eine wichtige physikalische Komponente in der „Produktionsphase“ des Zeichenprozesses. Es wurde vorgeschlagen, dass die motorische Kontrolle eine Rolle bei der Ziehfähigkeit spielt, obwohl ihre Auswirkungen nicht signifikant sind.

Es wurde vorgeschlagen, dass die Fähigkeit eines Individuums, ein Objekt, das er zeichnet, wahrzunehmen, der wichtigste Schritt im Zeichenprozess ist. Dieser Vorschlag wird durch die Entdeckung einer robusten Beziehung zwischen Wahrnehmung und Zeichnungsfähigkeit unterstützt.

Diese Beweise dienten als Grundlage für Betty Edwards ‚How-To-Zeichnung, Zeichnung auf der rechten Seite des Gehirns. Edwards zielte darauf ab, ihren Lesern zu lehren, wie man zeichnet, basierend auf der Entwicklung der Wahrnehmungsfähigkeiten des Lesers.

Darüber hinaus betonte der einflussreiche Künstler und Kunstkritiker John Ruskin in seinem Buch The Elements of Drawing die Bedeutung der Wahrnehmung im Zeichenprozess. Er sagte: „Ich bin fast überzeugt, dass es sehr schwierig ist, das, was wir sehen, zu zeichnen, wenn wir erst einmal scharf genug gesehen haben“.

Es wurde auch gezeigt, dass dies die Fähigkeit beeinflusst, visuell genaue Zeichnungen zu erstellen. Kurzzeitgedächtnis spielt eine wichtige Rolle beim Zeichnen, wenn sich der Blick zwischen dem Objekt, das er zeichnet, und der Zeichnung selbst verschiebt.

Einige Studien, die Künstler mit Nicht-Künstlern vergleichen, haben herausgefunden, dass Künstler mehr Zeit damit verbringen, beim Zeichnen strategisch zu denken. Insbesondere verbringen Künstler mehr Zeit mit „metakognitiven“ Aktivitäten, wie zum Beispiel mit verschiedenen hypothetischen Plänen, wie sie sich mit einer Zeichnung weiterentwickeln könnten.