예술과 공예 운동은 1920 년대에 영국에서 시작되어 1880 년과 1920 년 사이에 유럽과 북미에서 번성하여 일본에서 출현 한 장식과 미술 분야의 국제 운동이었습니다 (Mingei 운동). 그것은 단순한 형태를 사용하여 전통적인 장인 정신을 나타 냈고, 중세 시대, 낭만적 인 또는 사람들의 장식 스타일을 자주 사용했습니다. 그것은 경제적, 사회적 개혁을지지했고 본질적으로 반 산업적이었다. 그것은 1930 년대에 모더니즘으로 옮겨 질 때까지 유럽의 예술에 강한 영향을 미쳤고 그 영향은 공예품 제작자, 디자이너 및 도시 계획가들 사이에서 오래 지속되었습니다.
예술의 통일성, 개별 장인의 경험, 작품 자체의 재료 및 건축의 특성을 옹호 한 건축 및 비공식적 인 무술의 움직임 19 세기 후반에 개발 된 예술 및 공예 운동 자선가, 아마추어, 가정에서 일하기를 원하는 중산층 여성들의 지원을받습니다. 그들은 산업의 세계와는 별개로 작은 워크샵을 열고, 오래된 기술을 되 살리고, 겸손을 존경합니다. 산업화 이전 시대의 가정 대상 북부 유럽과 미국의 산업화 국가에서이 운동은 가장 강력했으며, 산업화에 대한 집중적이지 않은 반응으로 이해 될 수있다. 반공업주의에 속하지만 그것이 독특하지는 않았다. 참으로 현대 생활의 인공물에 대항하여 자연과 민속 문화의 낭만주의 가치를 설정 한 것은 가든 시티 운동, 채식주의, 민속 부흥과 같은 19 세기 후반의 개혁 운동들 중 단 한 번에 불과했다
이 용어는 1887 년 예술과 공예 박람회 학회에서 T. J. Cobden-Sanderson이 처음 사용했는데, 그 원리와 스타일은 적어도 20 년 동안 영국에서 발전 해왔다. 건축가 Augustus Pugin, 작가 John Ruskin, 디자이너 William Morris의 아이디어에서 영감을 얻었습니다.
이 운동은 영국 제도에서 가장 초기에 그리고 가장 완벽하게 발전했으며, 대영 제국과 유럽과 북아메리카 전역으로 확산되었습니다. 그것은 당시의 장식 예술의 가난한 상태와 생산 된 상태에 대한 반응이었습니다.
기원과 영향
디자인 개혁
예술과 공예 운동은 19 세기 중반 영국에서 디자인과 장식을 개혁하려는 시도에서 나왔습니다. 이것은 개혁자들이 기계 및 공장 생산과 관련된 기준의 감소에 대한 반발이었다. 그들의 비판은 1851 년의 대 전시에서 보았던 항목들에 의해 예리 해졌으며, 그들은 지나치게 화려하고 인공적이며 사용 된 재료의 특성을 모르는 것으로 간주했다.
미술 사학자 인 Nikolaus Pevsner는 그레이트 전시회에서의 전시가 “패턴을 만들고, 표면의 무결성을 형성하는 데 필요한 기본 지식을 알지 못했습니다. 디자인 개혁은 과장된 장식품과 비실용적 인 것을 비난 한 Henry Cole (1808-1882), Owen Jones (1809-1874), Matthew Digby Wyatt (1820-1877), Richard Redgrave (1804-1888) 그리고 심하게 만든 것들. 주최자들은 “전시회의 비난에 만장일치”했습니다. 예를 들어 Owen Jones는 “건축가, 실내 장식가, 종이 염색기, 직조기, 옥양목 프린터 및 도예가는”아름다움이없는 미술 진부함이나 지능이없는 아름다움을 생산한다고 불평했습니다. 이러한 현대의 제조품에 대한 비판으로부터 저자들이 디자인의 올바른 원리로 여긴 것을 밝히는 몇 개의 출판물이 등장했다. 리처드 레드 그레이브 (Richard Redgrave)의 디자인 보충 보고서 (1852)는 디자인과 장식의 원리를 분석하고 “장식의 적용에있어 더 많은 논리”를 호소했다. 1853 년 Wyatt의 산업 공예, Gottfried Semper의 Wissenschaft, Industrie und Kunst (1852), Ralph Wornum의 장식 분석 (1856), Redgrave ‘s Manual 디자인 (1876)과 존스의 문법 (1856). 장식 문법은 특히 영향력이 있었으며, 1910 년까지 9 개의 재판에 학생 상을 수여하여 자유롭게 배포되었습니다.
존스는 “장식품은 꾸며진 것보다 보조적이어야한다”고 선언했다. “장식품에 장식품에 적당 함”이 있어야하며, 그 월페이퍼와 카페트에는 레벨이 아닌 다른 것을 암시하는 무늬가 없어야한다. 평원”. 위대한 전람회의 직물이나 벽지가 가능한 한 현실감있게 보이게 만들어지는 자연스러운 모티프로 장식 될 수있는 곳에서,이 작가들은 평평하고 단순한 자연적인 주제를 옹호했다. 레드 그레이브 (Redgrave)는 “스타일”은 장식 전에 건전한 건축물을 요구하고, 사용 된 재료의 품질에 대한 적절한 인식을 요구했습니다. “유틸리티는 장식보다 우선해야합니다.”
그러나 19 세기 중반의 디자인 개혁자들은 예술과 공예 운동의 설계자들에게까지 미치지 못했습니다. 건축보다는 장식에 더 관심이 있었고, 제조 방법에 대한 불완전한 이해가 있었으며, 산업을 비판하지 않았습니다 그러한 방법. 이와 대조적으로, 예술과 공예 운동은 디자인 개혁만큼이나 사회 개혁 운동이었으며 선도적 인 실무자들은 두 개를 분리하지 않았다.
A. W. N. Pugin
운동의 아이디어 중 일부는 A.W.N에 의해 예상되었다. Pugin (1812-1852), 아키텍처의 고딕 부흥의 리더. 예를 들어, 그는 예술과 공예 예술가들처럼 물질, 구조 및 기능에 진실을 옹호했습니다. 푸긴 (Pugin)은 러스킨, 모리스, 예술과 공예 운동과 함께 일상화되는 경향이있는 중세 시대와 함께 현대 사회의 잘못 (도시의 거대한 성장과 가난한 사람들의 처우와 같은)을 불리하게 비교하려는 사회적 비평가들의 경향을 분명히했다 . 그의 저서 Contrasts (1836)는 좋은 중세의 예와 비교하여 나쁜 현대 건물과 도시 계획의 예를 그린 것으로 그의 전기 작가 로즈 메리 힐 (Rosemary Hill)은 다음과 같이 결론지었습니다. “결론에 도달하면서 거의 공예와 건축의 중요성에 관한 결론에 이르렀습니다. Ruskin과 Morris의 노력으로 세기의 나머지 부분을 자세히 다룰 수 있습니다. ” 그녀는 1841 년에 건물에 지정되었던 여분의 가구들에 대해 설명합니다. “러시 체어, 오크 테이블”은 “배아의 예술과 공예품 인테리어”입니다.
존 러스킨
예술과 공예 철학은 국가의 도덕적, 사회적 건강을 건축의 본질과 일의 본질에 관련시키는 John Ruskin의 사회적 비판에서 크게 끌어 낸다. Ruskin (1819-1900)은 산업 혁명에서 “노예 노동”으로 창조 된 일종의 기계화 된 생산과 분업을 고려하여 건강하고 도덕적 인 사회는 그들이 만든 물건을 설계 한 독립적 인 노동자를 필요로한다고 생각했다. 그의 추종자들은 산업 생산에 대한 공예 생산을 선호했고 전통 기술의 손실에 대해 우려했지만 기계 시스템 자체보다는 공장 시스템의 효과에 더 큰 어려움을 겪었으며 윌리엄 모리스의 “수공예”에 대한 아이디어는 근본적으로 노동의 분할없이 작동했다 어떤 종류의 기계없이 일하기보다는.
윌리엄 모리스
19 세기 말의 디자인에서 우뚝 솟은 William Morris (1834-1896)는 예술과 공예 운동에 주요 영향을 주었다. 예술과 공예 운동에 대한 미적, 사회적 비전은 1850 년대에 옥스포드 대학에서 사회 개혁에 대한 헌신과 함께 낭만주의 문학에 대한 사랑을 결합한 학생들 그룹과 함께 발전한 아이디어에서 비롯된 것입니다. 1855 년까지 그들은 러스킨을 발견했으며, 현대 미술의야만과 라파엘 (1483 ~ 1530)을 앞선 화가 사이의 대조가 있다고 믿으며, 예술적 목표를 추구하기 위해 라파엘 이전 형제단을 결성했습니다. Mallory의 Morte d’ Arthur의 중세 시대는 초기 스타일의 표준을 설정했습니다. 에드워드 번 존스 (Edward Burne-Jones)의 말에 따르면, 그들은 “시대와의 전쟁”을 목적으로했습니다.
Morris는 다양한 공예품을 실험하고 가구 및 인테리어를 디자인하기 시작했습니다. 그는 개인적으로 예술과 공예 운동의 특징이었던 디자인뿐만 아니라 제조에도 관여했습니다. Ruskin은 디자인의 지적 행위와 물리적 창조의 수동적 행동의 분리가 사회적으로나 심미적으로 피해를 입었다 고 주장했다. 모리스는 “위엄 있고 창조적 인 인간 직업이없는 사람들이 삶과 단절되었다”고 주장하면서 적절한 기술과 재료를 직접 습득하기 전에 그의 워크샵에서 어떤 일도 수행해서는 안된다고 주장하면서이 아이디어를 발전시켰다.
1861 년에 모리스는 가구와 장식용 물건을 상업적으로 만들기 시작했으며, 중세 스타일의 디자인을 모델링하고 대담한 형태와 강한 색상을 사용했습니다. 그의 패턴은 동식물을 기반으로했으며 그의 제품은 영국 시골의 현지 또는 국내 전통에 영감을 받았습니다. 재료의 아름다움과 장인의 작품을 전시하기 위해 의도적으로 미완성 인 채로 소박한 모습을 만들어 냈습니다. 재료, 구조 및 기능에 대한 진실은 예술 및 공예 운동의 특징이되었습니다.
사회 및 디자인 원칙
산업 비판
윌리엄 모리스 (William Morris)는 산업 사회에 대한 러스킨의 비판을 공유했으며, 한때 또는 다른 때에 현대 공장, 기계 사용, 노동 분업, 자본주의 및 전통 공예 방법의 손실을 공격했다. 그러나 기계에 대한 그의 태도는 일관성이 없었다. 그는 어느 시점에서 기계 장치에 의한 생산은 “완전히 악의적 인”것이지만 다른 사람들은 기계의 도움을 받아 표준을 만족시킬 수있는 제조업 자들로부터 의뢰를 기꺼이 받아 들였다고 말했다. 그는 사치도 쓰레기도 아닌 “진정한 사회”에서 기계가 개선되어 노동 시간을 단축 할 수 있다고 말했다. 피오나 맥카시 (Fiona MacCarthy)는 “나중에 간디 (Gandhi)와 같은 열광적 인 사람들과 달리 윌리엄 모리스 (William Morris)는 기계가 자신이 필요로하는 품질을 생산하는 한 기계 자체를 사용하는 것에 대해 실질적으로 반대하지 않았다”고 말했습니다.
모리스는 중세 시대에 존재했다고 여겨지 던 공예가 디자이너가 손으로 일해야하고 자유로운 공예가의 사회를 주창해야한다고 주장했다. “중세 시대는 보통 사람들의 위대함의시기였습니다 … 우리 박물관의 보물은 이제 그 시대의 가구에서 사용되는 보편적 인 도구 일뿐입니다. 소박한 농민들이 만든 수백 개의 중세 교회 (각자 걸작)가 생겼을 때. ” 중세 미술은 많은 예술 및 공예품의 모델이었고 중세 시대의 삶, 문학 및 건물은이 운동으로 이상화되었습니다.
Morris의 추종자는 또한 기계류와 공장 시스템에 대한 견해가 달랐습니다. C. R. 애쉬 비 (Ashbee)는 예를 들어, 예술 공예 운동의 중심 인물인데, 1888 년에 “우리는 기계를 거부하지 않고 환영한다. 그러나 우리는 그것을 마스터하고 싶다”고 말했다. 그는 길드와 공예 길드를 현대적인 제조 방법에 맞춰 실패한 후에 “현대 문명은 기계에 달려있다”고 인정했지만 그는 “메커니즘의 틀”에 대한 해로운 영향을 계속 비판하면서 ” 노예에서 자란 지팡이 나 어린이 땀을 흘리며 생산할 때와 마찬가지로 기계 용품은 국민 건강에 좋지 않습니다. ” 반면 윌리엄 아서 스미스 벤슨 (William Arthur Smith Benson)은 예술과 공예 스타일을 산업 조건에서 생산 된 금속 세공에 적용하는 것에 대해 아무런 감동을주지 못했다. (인용 상자 참조)
Morris와 그의 추종자들은 현대 산업이 의존하는 노동의 분업이 바람직하지 않다고 믿었지 만, 모든 설계가 설계자에 의해 수행되어야하는 정도는 논쟁과 불일치의 문제였습니다. 모든 예술과 공예 예술가들이 상품 제작의 모든 단계를 스스로 수행 한 것은 아니며, 20 세기에만이 기술은 장인 정신의 정의에 필수적이었습니다. Morris는 여러 가지 공예품 (직조, 염색, 인쇄, 서예 및 자수 포함)을 직접 체험 한 것으로 유명했지만 공장에서 디자이너와 임원을 분리하는 것은 문제가되지 않는다고 간주하지 않았습니다. 모리스의 가까운 정치인 인 월터 크레인 (Walter Crane)은 도덕적, 예술적 측면에서 노동 분업에 대한 냉담한 시각을 보였고, 설계와 제작이 같은 손에서 이루어져야한다고 강력히 주장했다. 루이스 포어 맨 데이 (Lewis Foreman Day)는 크레인 (Crane)의 친구이자 동시대의 인물로, 모리스에 대한 존경심에서 크레인 (Crane)으로 변함없이 크레인 (Crane)과 강력하게 일치하지 않았습니다. 그는 디자인과 집행의 분리가 현대 사회에서 불가피 할뿐만 아니라, 전문화가 디자인과 제작면에서 최고를 가능하게 만들었다 고 생각했습니다. Arts and Crafts Exhibition Society의 설립자 중 몇 명은 디자이너도 제작자가되어야한다고 주장했습니다. 1950 년대 필터 플러드 (Peter Floud)는 “사회의 창시자들은 결코 자신의 디자인을 실행하지 않았지만 결국은 상 업상으로 바꿨다”고 말했다. 디자이너가 “모리스 나 초기 예술과 공예의 가르침이 아닌”2 세대 정교 교리에서 파생 된 디자이너와 제작자가 디자이너가되어야한다는 생각은 [20 세기의 첫 번째 10 년 동안 남성들에 의해 WR Lethaby로서 “.
사회주의
예술가와 공예 운동가의 대부분은 Morris, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, C.R.Ashbee, Philip Webb, Charles Faulkner 및 A.H.Mackmurdo 등 사회 주의자였습니다. 1880 년대 초 모리스는 설계와 제작보다는 사회주의 선전에 더 많은 시간을 보내고있었습니다. 애쉬 비 (Ashbee)는 동쪽 런던에서 수공예품 길드 (Guild of Handicraft)의 공동체를 설립하고 나중에 치핑 캠든 (Chipping Campden)으로 옮겼습니다. 알프레드 호 아레 파월 (Alfred Hoare Powell)과 같은 사회 주의자가 아닌 사람들은 고용주와 고용인 사이에보다 인간적이고 개인적인 관계를 옹호했다. 매우 성공적이고 영향력있는 예술과 공예 디자이너 인 루이스 포먼 데이 (Lewis Foreman Day)는 크레인과의 오랜 우정에도 불구하고 사회 주의자가 아니 었습니다.
다른 개혁 운동과의 연관성
브리튼에서 운동은 복장 개혁, 농촌 운동, 정원 도시 운동 및 민중 노래 부흥과 연관되었다. 모든 것은 어느 정도는 “단순한 삶”의 이상으로 연결되었습니다. 유럽 대륙에서이 운동은 건축, 적용된 예술, 국내 디자인 및 의상에서 국가 전통의 보전과 관련이있었습니다.
개발
Morris의 디자인은 빠르게 인기를 얻었으며, 런던의 1862 International Exhibition에서 그의 회사의 작품이 전시되었을 때 관심을 끌었습니다. 모리스 앤 코 (Morris & Co)의 초기 작품 대부분은 교회를위한 것이 었으며 모리스는 세인트 제임스 궁전과 사우스 켄싱턴 박물관 (현재 빅토리아 앤 앨버트 박물관)에서 중요한 인테리어 디자인위원회를 수상했습니다. 나중에 그의 작품은 중산층과 상류 계급에게 인기가 있었으며, 민주주의를 창출하고자 하였음에도 불구하고, 19 세기 말에는 주택과 가정 내부의 예술과 공예 디자인이 영국에서 지배적 인 스타일이었습니다. 종래의 산업 방법에 의해.
19 세기 후반과 20 세기 초반에 예술과 공예에 대한 아이디어가 확산됨에 따라 많은 협회와 공예 공동체가 설립되었지만, 당시 모리스는 당시 사회주의에 몰두했기 때문에 모리스와 관련이 없었다. 영국에서는 1903 년부터 1905 년 사이에 130 개가 넘는 예술과 공예 조직이 결성되었습니다.
1881 년, Eglantyne Louisa Jebb, Mary Fraser Tytler 및 다른 사람들은 노동 계급, 특히 농촌 지역의 노동자 계급이 이익을위한 것이 아닌 유용성을 제공하기 위해 수공예품을 취하도록 권장하기 위해 가정 예술 및 산업 협회를 창설했습니다 직업을 개선하고 취향을 개선 할 수 있습니다. 1889 년까지 450 개의 수업, 1,000 명의 교사, 5,000 명의 학생이있었습니다.
1882 년 A.H.Mackmurdo 건축가는 Selwyn Image, Herbert Horne, Clement Heaton 및 Benjamin Creswick을 비롯한 디자이너의 파트너십 인 Century Guild를 설립했습니다.
1884 년 Art Workers Guild는 훌륭한 예술과 응용 예술을 모으고 후자의 지위를 높이기 위해 5 명의 젊은 건축가 William Lethaby, Edward Prior, Ernest Newton, Mervyn Macartney 및 Gerald C. Horsley가 시작했습니다. George Blackall Simonds가 원래 지시했습니다. 1890 년이되어서 길드에는 150 명의 회원이 생겨 예술과 공예 스타일의 실무자가 늘어났습니다. 그것은 여전히 존재합니다.
1875 년에 설립 된 런던 백화점 리버티 앤 컴퍼니 (Liberty & Co.)는 스타일과 예술과 공예 운동의 추종자들이 선호하는 “예술적 드레스”의 상품 소매상이었습니다.
1887 년에 운동에 이름을 부여한 예술 및 공예품 전시회 협회 (Art and Crafts Exhibition Society)는 월터 크레인 (Walter Crane)과 함께 사장으로 설립되어 1888 년 11 월 런던 뉴 갤러리에서 첫 번째 전시회를 개최했습니다. 런던 그로스 베너 갤러리 (Grosvenor Gallery)의 1881 년 겨울 전시회 이후. 런던, 모리스 앤 컴퍼니 (Morris & Co.)는 가구, 직물, 카페트 및 자수로 잘 전시되었습니다. Edward Burne-Jones는 “지난 20 년 동안 일어난 변화를 처음으로 측정 할 수 있습니다.” 사회는 여전히 디자이너 장인의 사회로 존재합니다.
1888 년 영국의 스타일을 가장 많이 개척 한 C.R.Ashbee는 런던 동쪽 끝에 길드 (Guild)와 수공예 학교 (School of Handicraft)를 설립했습니다. 길드는 중세 길드를 모델로 한 공예 협동 조합이었으며, 장인들이 장인 정신을 만족시킬 수 있도록했습니다. Ruskin과 Morris의 원칙에 따라 숙련 된 장인은 수공예품을 생산하고 견습생을위한 학교를 관리해야했습니다. 아이디어는 모리스를 제외한 거의 모든 사람들의 열정으로 환영을 받았다. 모리스는 지금까지 사회주의를 홍보하고 애쉬 비의 계획을 사소한 것으로 생각했다. 1888 년에서 1902 년까지 약 50 명의 남성을 고용하여 길드가 번창했습니다. 1902 년 애쉬 비 (Ashbee)는 길드를 런던에서 옮겨 코츠 월즈 (Cotswolds)의 치핑 캠든 (Chipping Campden)에서 실험 공동체를 시작했습니다. 길드의 작업은 은색의 은색 표면과 단순한 세팅의 유선과 컬러 스톤이 특징입니다. 애쉬 비 (Ashbee)는 보석과은 식기를 디자인했습니다. 길드는 치핑 캠든에서 번영했지만 1908 년에 번성하지 못하고 청산되었습니다. 일부 장인들이 머물러이 지역의 현대적인 장인 정신의 전통에 기여했습니다.
C.F.A. Voysey (1857-1941)는 직물, 타일, 도자기, 가구 및 금속 세공을 디자인 한 예술 및 공예 건축가였습니다. 그의 스타일은 단순함과 정교함을 결합했습니다. 스타일리쉬 한 새와 식물 형태를 평면 색상으로 굵은 윤곽선으로 장식 한 그의 월페이퍼와 직물이 널리 사용되었습니다.
Morris의 생각은 G.K. Chesterton과 Hilaire Belloc의 분배론에 영향을 미쳤다.
19 세기 말에 예술과 공예의 이상은 가구, 목공예품, 스테인드 글라스, 가죽 세공, 옻칠, 자수, 문양, 그림, 그림, 그림, 그림, 건축 및 그림, 깔개 만들기 및 직조, 보석 및 금속 세공, 에나멜 및 도자기. 1910 년에는 “예술과 공예”와 수공예품에 대한 패션이있었습니다. 가변적 인 품질의 무수한 수공예품과 무능한 모방 자의 확산으로 대중이 예술과 공예를 “보통의 대량 생산 물품보다 목적에 부합되고 유능하고, 적게는 아닌 것”으로 간주하게 만들었다.
Arts and Crafts Exhibition Society는 1888 년과 1916 년 사이에 11 차례의 전시회를 개최했습니다. 1914 년 전쟁이 발발하자 쇠퇴하고 위기에 직면했습니다. 1912 년 전시회는 재정적 인 실패였습니다. 유럽 대륙의 디자이너들은 도이체 베르크 번트 (Deutsche Werkbund)와 같은 이니셔티브를 통해 산업계와 디자인 및 동맹 관계에 혁신을 일으키고 있으며 오메가 워크샵과 산업 협회 (Arts and Crafts Exhibition Society)에서 영국에서 새로운 시도가 진행되고 있습니다. 낡은 가드의 통제는 제조업 자와의 상거래 및 협업에서 순수 주의적 세공 작업으로 탈락했으며 타니아 해로 드 (Tania Harrod)는 “비 환각주의”라고 설명했다. 상업적 역할에 대한 거부는 운명의 전환점으로 여겨져왔다. Nikolaus Pevsner는 자신의 저서 ‘Modern Design of Pioneers’에서 예술과 공예 운동을 근대 운동에 영향을 미쳤지 만 변화시키지 못하고 궁극적으로 그것을 대체 한 디자인 과격 분자로서 제시합니다.
나중에 영향
영국의 예술가 도예가 인 버나드 리치 (Babard Leach)는 사회 비평가 야나기 소 엣츠 (Yanagi Soetsu)와 함께 영국에서 단순한 공예품의 도덕적, 사회적 가치에 대한 많은 아이디어를 영국으로 가져왔다. 둘 다 Ruskin의 열렬한 독자들이었습니다. 리치 (Leach)는이 아이디어를 적극적으로 선전 한 사람으로, 전 (前) 전쟁 시대의 공예가들에게 줄을 쳤고, 1940 년에 출판 된 A Potter ‘s Book (A Potter ‘s Book)에서 그들을 설명했다.이 책은 산업 사회를 러스 킨 (Ruskin) 모리스. 따라서 예술과 공예 철학은 1950 년대와 1960 년대에 영국의 공예가들 사이에서 예술과 공예 운동의 붕괴와 모더니즘의 고조에서 오랫동안 지속되었습니다. 1940 년대 영국의 실용적인 가구도 예술과 공예의 원리에서 파생되었습니다. 주요 발기인 중 하나 인 고든 러셀 (Gordon Russell) 유틸리티 가구 디자인 패널 (Utility Furniture Design Panel) 회장은 예술 및 공예품 아이디어에 젖었습니다. 그는 애쉬 비 (Ashbee) 이후 예술 및 공예품 가구 제조 지역 인 코츠 월드 언덕 (Cotswold Hills)에 가구를 제조했으며, 그는 예술 및 공예품 전시회 사회 (Art and Crafts Exhibition Society)의 회원이었습니다. 윌리엄 모리스 (William Morris)의 전기 작가 피오나 매카시 (Fiona MacCarthy)는 영국의 축제 (1951), 디자이너 테렌스 콘란 (Terence Conran, 1931 년작)의 작업과 1970 년대 영국 공예위원회의 창립 이후에도 예술과 공예 철학을 발견했다.