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Movimento Arts and Crafts

Il movimento Arts and Crafts fu un movimento internazionale nel campo delle arti decorative e artistiche che ebbe inizio in Gran Bretagna e prosperò in Europa e Nord America tra il 1880 e il 1920, emergendo in Giappone (il movimento Mingei) negli anni ’20. Rappresentava l’artigianato tradizionale con forme semplici e spesso utilizzava stili di decorazione medievali, romantici o popolari. Sosteneva la riforma economica e sociale ed era essenzialmente anti-industriale. Ha avuto una forte influenza sulle arti in Europa fino a quando non è stato spostato dal Modernismo negli anni ’30, e la sua influenza è continuata molto tempo dopo tra artigiani, designer e urbanisti.

Il movimento informale in architettura e le arti decorative che sostenevano l’unità delle arti, l’esperienza del singolo artigiano e le qualità dei materiali e delle costruzioni nell’opera stessa Il movimento delle arti e dei mestieri si sviluppò nella seconda metà del XIX secolo e durò fino al 20 °, traendo il suo sostegno da artisti progressisti, architetti e designer, filantropi, dilettanti e donne della classe media in cerca di lavoro in casa. Hanno allestito piccoli laboratori oltre al mondo dell’industria, hanno rianimato vecchie tecniche e riverito gli umili oggetti domestici di epoca preindustriale Il movimento era più forte nei paesi industrializzati del Nord Europa e negli Stati Uniti, e può essere meglio inteso come una reazione sfocata contro l’industrializzazione Sebbene donchisciottesco nel suo antiindustrialismo, non era unico; in effetti era solo uno tra i vari movimenti di riforma della fine del XIX secolo, come il movimento Garden City, il vegetarianismo e le risurrezioni folksong, che fissavano i valori romantici della natura e della cultura popolare contro l’artificialità della vita moderna

Il termine fu usato per la prima volta da T. J. Cobden-Sanderson in una riunione della Arts and Crafts Exhibition Society nel 1887, sebbene i principi e lo stile su cui si basava si fossero sviluppati in Inghilterra per almeno venti anni. È stato ispirato dalle idee dell’architetto Augustus Pugin, dello scrittore John Ruskin e del designer William Morris.

Il movimento si sviluppò prima e più pienamente nelle isole britanniche, e si diffuse nell’Impero britannico e nel resto dell’Europa e del Nord America. È stata in gran parte una reazione contro lo stato di impoverimento percepito delle arti decorative in quel momento e le condizioni in cui sono state prodotte.

Origini e influenze

Riforma del design
Il movimento Arts and Crafts è emerso dal tentativo di riformare il design e la decorazione nella Gran Bretagna del XIX secolo. È stata una reazione contro un declino percepito negli standard che i riformatori hanno associato alle macchine e alla produzione industriale. La loro critica fu acuita dagli oggetti che videro nella Grande Esibizione del 1851, che consideravano eccessivamente ornata, artificiale e ignorante delle qualità dei materiali usati.

Lo storico dell’arte Nikolaus Pevsner ha detto che le mostre nella Grande Esibizione hanno mostrato “l’ignoranza di quel bisogno fondamentale nella creazione di schemi, l’integrità della superficie” e “volgarità nei dettagli”. La riforma del design iniziò con gli organizzatori della mostra stessa, Henry Cole (1808-1882), Owen Jones (1809-1874), Matthew Digby Wyatt (1820-1877) e Richard Redgrave (1804-1888), che deprecarono l’ornamento eccessivo e l’impraticabile e cose mal fatte. Gli organizzatori erano “unanimi nella loro condanna delle mostre”. Owen Jones, ad esempio, si è lamentato del fatto che “l’architetto, il tappezziere, il macchinista, il tessitore, il calico-stampatore e il vasaio” producono “in una novità artistica senza bellezza, o bellezza senza intelligenza.” Da queste critiche sullo stato contemporaneo dei manufatti sono emerse diverse pubblicazioni che esponevano ciò che gli scrittori consideravano i corretti principi del design. Il Supplementary Report on Design (1852) di Richard Redgrave analizzò i principi del design e dell’ornamento e invocò “più logica nell’applicazione della decorazione”. Altri lavori seguirono in modo simile: le arti industriali del XIX secolo di Wyatt (1853), Wissenschaft di Gottfried Semper, Industrie und Kunst (“Scienza, industria e arte”) (1852), Ralph Wornum’s Analysis of Ornament (1856), Redgrave’s Manual of Design (1876) e Jones’s Grammar of Ornament (1856). La Grammatica dell’Ornamento fu particolarmente influente, distribuita liberamente come premio per gli studenti e in nove ristampe nel 1910.

Jones ha dichiarato che “Ornamento … deve essere secondario alla cosa decorata”, che ci deve essere “idoneità nell’ornamento alla cosa decorata”, e che le carte da parati e i tappeti non devono avere alcun motivo “che suggeriscono qualcosa tranne un livello o plain”. Dove una stoffa o carta da parati nella Grande Esibizione potrebbe essere decorata con un motivo naturale fatto per sembrare il più reale possibile, questi scrittori hanno sostenuto motivi naturali semplici e semplificati. Redgrave ha insistito sul fatto che lo “stile” richiedeva una costruzione solida prima dell’ornamentazione e un’adeguata consapevolezza della qualità dei materiali utilizzati. “L’utilità deve avere la precedenza sull’ornamento.”

Tuttavia, i riformatori del design della metà del XIX secolo non si spinsero tanto quanto i progettisti del movimento Arts and Crafts: erano più interessati alla decorazione che alla costruzione, avevano una comprensione incompleta dei metodi di produzione e non criticavano le metodi in quanto tali. Al contrario, il movimento Arts and Crafts era tanto un movimento di riforme sociali quanto una riforma del design e i suoi principali praticanti non ne separavano i due.

A. W. N. Pugin
Alcune delle idee del movimento furono anticipate da A.W.N. Pugin (1812-1852), un leader nel revival gotico in architettura. Ad esempio, lui, come gli artisti di Arts and Crafts, sosteneva la verità su materiale, struttura e funzione. Pugin articolò la tendenza dei critici sociali a confrontare i difetti della società moderna (come la crescita tentacolare delle città e il trattamento dei poveri) sfavorevolmente con il Medioevo, una tendenza che divenne routine con Ruskin, Morris e il movimento Arts and Crafts . Il suo libro Contrasts (1836) ha disegnato esempi di cattivi edifici moderni e urbanistica in contrasto con buoni esempi medievali, e il suo biografo Rosemary Hill nota che in esso “ha tratto conclusioni, quasi di passaggio, sull’importanza dell’artigianato e della tradizione in architettura che ci vorrebbero il resto del secolo e gli sforzi congiunti di Ruskin e Morris per elaborare i dettagli “. Descrive gli arredi di ricambio da lui specificati per un edificio nel 1841 – “sedie affrettate, tavoli di quercia” – come “l’interno di Arti e Mestieri in embrione”.

John Ruskin
La filosofia dell’Arts and Crafts derivava in larga misura dalla critica sociale di John Ruskin, che collegava la salute morale e sociale di una nazione alle qualità della sua architettura e alla natura del lavoro. Ruskin (1819-1900) considerava il tipo di produzione meccanizzata e divisione del lavoro che era stata creata nella rivoluzione industriale come “lavoro servile” e pensava che una società sana e morale richiedesse lavoratori indipendenti che progettassero le cose che facevano. I suoi seguaci prediligevano la produzione artigianale rispetto alla produzione industriale e si preoccupavano della perdita delle competenze tradizionali, ma erano probabilmente più preoccupati dagli effetti del sistema di fabbrica che dalle macchine stesse e l’idea di William Morris di “artigianato” era essenzialmente lavoro senza alcuna divisione del lavoro piuttosto che lavorare senza alcun tipo di macchinario.

William Morris
William Morris (1834-1896), la figura imponente del design del tardo XIX secolo, fu la principale influenza del movimento Arts and Crafts. La visione estetica e sociale del movimento Arts and Crafts derivava dalle idee sviluppate nel 1850 con un gruppo di studenti dell’Università di Oxford, che univa l’amore per la letteratura romantica con l’impegno per la riforma sociale. Nel 1855 scoprirono Ruskin e, credendo che esistesse un contrasto tra la barbarie dell’arte contemporanea e i pittori che precedettero Raffaello (1483-1530), si formarono nella Confraternita dei Preraffaelliti per perseguire i loro scopi artistici. Il medievalismo della Morte d’Arthur di Mallory ha stabilito lo standard per il loro stile giovanile. Nelle parole di Edward Burne-Jones, intendevano “condurre una guerra santa contro l’età”.

Morris ha iniziato a sperimentare vari mestieri e a progettare mobili e interni. È stato personalmente coinvolto nella produzione e nel design, che doveva essere il segno distintivo del movimento Arts and Crafts. Ruskin aveva sostenuto che la separazione dell’atto intellettuale del design dall’atto manuale della creazione fisica era dannosa sia dal punto di vista sociale che da quello estetico; Morris sviluppò ulteriormente questa idea, insistendo sul fatto che nessun lavoro doveva essere svolto nei suoi laboratori prima di aver padroneggiato personalmente le tecniche e i materiali appropriati, sostenendo che “senza un’occupazione umana dignitosa e creativa le persone venivano disconnesse dalla vita”.

Nel 1861 Morris iniziò a produrre mobili e oggetti decorativi commercialmente, modellando i suoi disegni su stili medievali e usando forme audaci e colori forti. I suoi modelli erano basati su flora e fauna e i suoi prodotti erano ispirati alle tradizioni vernacolari o domestiche della campagna britannica. Per mostrare la bellezza dei materiali e il lavoro dell’artigiano, alcuni sono stati volutamente lasciati incompiuti, creando un aspetto rustico. La verità su materiali, struttura e funzione è diventata caratteristica del movimento Arts and Crafts.

Principi sociali e di design

Critica dell’industria
William Morris condivise la critica di Ruskin alla società industriale e in un momento o l’altro attaccò la fabbrica moderna, l’uso di macchinari, la divisione del lavoro, il capitalismo e la perdita dei metodi artigianali tradizionali. Ma il suo atteggiamento nei confronti delle macchine era incoerente. A un certo punto disse che la produzione di macchinari era “del tutto un male”, ma in altri era disposto a commissionare il lavoro di produttori che erano in grado di soddisfare i suoi standard con l’aiuto delle macchine; e disse che, in una “vera società”, dove non venivano fatti né lussi né spazzatura a basso costo, i macchinari potevano essere migliorati e usati per ridurre le ore di lavoro. Fiona MacCarthy afferma che “a differenza di zeloti successivi come Gandhi, William Morris non aveva obiezioni pratiche all’uso di macchinari di per sé fintanto che le macchine producevano la qualità di cui aveva bisogno”.

Morris ha insistito sul fatto che l’artista dovrebbe essere un artigiano-designer che lavora a mano e sostenuto una società di liberi artigiani, come credeva fosse esistita durante il Medioevo. “Poiché gli artigiani si dilettavano nel loro lavoro”, scrisse, “il Medioevo era un periodo di grandezza l’arte della gente comune … I tesori nei nostri musei ora sono solo gli utensili comuni usati nelle famiglie di quell’età, quando centinaia di chiese medievali – ognuna delle quali un capolavoro – furono costruite da contadini non sofisticati “. L’arte medievale fu il modello per molti design di Arti e Mestieri e la vita medievale, la letteratura e la costruzione furono idealizzate dal movimento.

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Anche i seguaci di Morris avevano opinioni divergenti riguardo alle macchine e al sistema di fabbrica. C. R. Ashbee, ad esempio, una figura centrale del Movimento per l’Arte e l’Artigianato, nel 1888, affermò: “Noi non rifiutiamo la macchina, noi la diamo il benvenuto, ma vorremmo vederla padroneggiata”. Dopo aver invalidato la sua gilda di Guild and School of Handicraft contro i moderni metodi di produzione, ha riconosciuto che “la civiltà moderna poggia su macchine”, ma ha continuato a criticare gli effetti deleteri di quello che ha definito “meccanismo”, affermando che “la produzione di certe le merci meccaniche sono altrettanto nocive per la salute nazionale, come lo è la produzione di canna da schiavo o di articoli sudati per bambini “. William Arthur Smith Benson, d’altra parte, non ha avuto remore dall’adattare lo stile Arts and Crafts alla lavorazione dei metalli prodotta in condizioni industriali. (Vedi la casella di quotazione.)

Morris ei suoi seguaci credevano che la divisione del lavoro da cui dipendeva l’industria moderna fosse indesiderabile, ma la misura in cui ogni progetto doveva essere realizzato dal progettista era argomento di dibattito e disaccordo. Non tutti gli artisti di arti e mestieri eseguivano personalmente ogni fase della fabbricazione dei prodotti, e fu solo nel ventesimo secolo che divenne essenziale per la definizione di artigianato. Sebbene Morris fosse famoso per avere esperienza diretta di molti mestieri (tra cui tessitura, tintura, stampa, calligrafia e ricamo), non considerava problematica la separazione tra designer e esecutore nella sua fabbrica. Walter Crane, uno stretto collaboratore politico di Morris, ha preso una visione antipatica della divisione del lavoro su basi sia morali che artistiche, e ha sostenuto con forza che la progettazione e la realizzazione dovrebbero provenire dalla stessa mano. Lewis Foreman Day, un amico e contemporaneo di Crane’s, per quanto generoso come Crane nella sua ammirazione per Morris, non era d’accordo con Crane. Pensava che la separazione tra design ed esecuzione non fosse solo inevitabile nel mondo moderno, ma anche che solo quel tipo di specializzazione permettesse il meglio nel design e il meglio nel fare. Pochi dei fondatori della Arts and Crafts Exhibition Society hanno insistito sul fatto che il progettista dovrebbe essere anche il creatore. Peter Floud, scrivendo negli anni ’50, disse che “I fondatori della Società … non hanno mai eseguito i loro progetti, ma li hanno invariabilmente trasformati in ditte commerciali”. L’idea che il designer dovesse essere il creatore e il creatore del designer derivò “non da Morris o dai primi insegnamenti di Arti e Mestieri, ma piuttosto dalla dottrina di elaborazione della seconda generazione elaborata nel primo decennio del [XX secolo] da uomini come come WR Lethaby “.

Socialismo
Molti dei creatori del movimento Arts and Crafts erano socialisti, tra cui Morris, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, C.R.Ashbee, Philip Webb, Charles Faulkner e A.H.Mackmurdo. Nei primi anni del 1880 Morris trascorreva più tempo nella propaganda socialista che nel progettare e fare. Ashbee fondò una comunità di artigiani, la Gilda dell’Artigianato, nella zona est di Londra, per poi trasferirsi a Chipping Campden. Quegli adepti che non erano socialisti, ad esempio, Alfred Hoare Powell, sostenevano una relazione più umana e personale tra datore di lavoro e dipendente. Anche Lewis Foreman Day, un designer di Arti e Mestieri di grande successo e influente, non era un socialista, nonostante la sua lunga amicizia con Crane.

Associazione con altri movimenti di riforma
In Gran Bretagna il movimento era associato alla riforma dell’abbigliamento, al ruralismo, al movimento della città giardino e alla rinascita del canto popolare. Tutti erano collegati, in una certa misura, dall’ideale di “la vita semplice”. Nell’Europa continentale il movimento era associato alla conservazione delle tradizioni nazionali nell’edilizia, nelle arti applicate, nel design domestico e nei costumi.

Sviluppo
I disegni di Morris divennero rapidamente popolari, suscitando interesse quando il lavoro della sua compagnia fu esposto all’esposizione internazionale del 1862 a Londra. Gran parte dei primi lavori di Morris & Co era per le chiese e Morris vinse importanti commissioni per l’interior design al St James’s Palace e al South Kensington Museum (oggi Victoria and Albert Museum). Più tardi il suo lavoro divenne popolare con le classi medie e alte, nonostante il suo desiderio di creare un’arte democratica e, alla fine del 19 ° secolo, il design di Arts and Crafts nelle case e negli interni era lo stile dominante in Gran Bretagna, copiato in prodotti realizzati con metodi industriali convenzionali.

La diffusione delle idee dell’Arte e dell’Artigianato tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo portò alla fondazione di molte associazioni e comunità artigiane, sebbene Morris avesse poco a che fare con loro a causa della sua preoccupazione per il socialismo in quel periodo. Centotrenta organizzazioni di arti e mestieri si sono formate in Gran Bretagna, la maggior parte tra il 1895 e il 1905.

Nel 1881, Eglantyne Louisa Jebb, Mary Fraser Tytler e altri iniziarono l’Home Arts and Industries Association per incoraggiare le classi lavoratrici, specialmente quelle nelle aree rurali, a occuparsi di artigianato sotto supervisione, non a scopo di lucro, ma per fornire loro utili occupazioni e migliorare il loro gusto. Nel 1889 aveva 450 classi, 1.000 insegnanti e 5.000 studenti.

Nel 1882 l’architetto A.H.Mackmurdo formò la Century Guild, una partnership di designer tra cui Selwyn Image, Herbert Horne, Clement Heaton e Benjamin Creswick.

Nel 1884, la Art Workers Guild fu iniziata da cinque giovani architetti, William Lethaby, Edward Prior, Ernest Newton, Mervyn Macartney e Gerald C. Horsley, con l’obiettivo di riunire belle arti applicate e lo status di quest’ultimo. È stato diretto in origine da George Blackall Simonds. Nel 1890 la Gilda aveva 150 membri, che rappresentavano il crescente numero di praticanti dello stile Arts and Crafts. Esiste ancora.

Il grande magazzino londinese Liberty & Co., fondato nel 1875, era un importante rivenditore di beni nello stile e negli “abiti artistici” preferiti dai seguaci del movimento Arts and Crafts.

Nel 1887 l’Arts and Crafts Exhibition Society, che diede il nome al movimento, fu formata da Walter Crane come presidente, che tenne la sua prima mostra nella New Gallery, a Londra, nel novembre 1888. Fu la prima mostra di arti decorative contemporanee a Londra dall’Esposizione invernale della Grosvenor Gallery del 1881. Morris & Co. era ben rappresentata nella mostra con mobili, tessuti, tappeti e ricami. Edward Burne-Jones ha osservato, “qui per la prima volta si può misurare un po ‘il cambiamento avvenuto negli ultimi vent’anni”. La società esiste ancora come la Society of Designer Craftsmen.

Nel 1888, C.R.Ashbee, uno dei maggiori praticanti dello stile in Inghilterra, fondò la Gilda e la Scuola di Artigianato nell’East End di Londra. La gilda era una cooperativa artigianale modellata sulle corporazioni medievali e pensata per dare soddisfazione ai lavoratori nella loro arte. Abili artigiani, lavorando sui principi di Ruskin e Morris, dovevano produrre manufatti artigianali e gestire una scuola per apprendisti. L’idea fu accolta con entusiasmo da quasi tutti tranne Morris, che era ormai impegnato a promuovere il socialismo e pensò che il piano di Ashbee fosse banale. Dal 1888 al 1902 la gilda prosperò, impiegando circa 50 uomini. Nel 1902 Ashbee trasferì la gilda da Londra per iniziare una comunità sperimentale a Chipping Campden, nel Cotswolds. Il lavoro della gilda è caratterizzato da superfici semplici di argento martellato, fili ondeggianti e pietre colorate in contesti semplici. Ashbee ha progettato gioielli e posate d’argento. La corporazione prosperò a Chipping Camden ma non prosperò e fu liquidata nel 1908. Alcuni artigiani rimasero, contribuendo alla tradizione di artigianato moderno nell’area.

C.F.A. Voysey (1857-1941) è stato un architetto di arti e mestieri che ha anche progettato tessuti, piastrelle, ceramiche, mobili e lavori in metallo. Il suo stile combina semplicità e raffinatezza. Le sue carte da parati e tessuti, con forme stilizzate di uccelli e piante in contorni audaci con colori piatti, erano ampiamente utilizzati.

Il pensiero di Morris influenzò il distributismo di G. K. Chesterton e Hilaire Belloc.

Alla fine del diciannovesimo secolo, gli ideali di Arti e Mestieri avevano influenzato l’architettura, la pittura, la scultura, la grafica, l’illustrazione, la fotografia e il libro, il design domestico e le arti decorative, compresi mobili e lavori in legno, vetrate, pellami, lacame, ricami, fabbricazione e tessitura di tappeti, gioielli e lavori in metallo, smalti e ceramiche. Nel 1910, c’era una moda per “Arts and Crafts” e tutte le cose fatte a mano. C’è stata una proliferazione di artigianato amatoriale di qualità variabile e di imitatori incompetenti che hanno indotto il pubblico a considerare Arte e Artigianato come “qualcosa di meno, invece di più, competente e adatto allo scopo di un normale articolo prodotto in serie”.

L’Arts and Crafts Exhibition Society organizzò undici mostre tra il 1888 e il 1916. Con lo scoppio della guerra nel 1914 fu in declino e affrontò una crisi. La sua mostra del 1912 era stata un fallimento finanziario. Mentre i designer dell’Europa continentale stavano apportando innovazioni nel design e alleanze con l’industria attraverso iniziative come il Deutsche Werkbund e nuove iniziative erano state prese in Gran Bretagna dagli Omega Workshops e dal Design in Industries Association, la Arts and Crafts Exhibition Society, ora sotto la il controllo di una vecchia guardia, si stava ritirando dal commercio e dalla collaborazione con i produttori nel lavoro manuale purista e ciò che Tania Harrod descrive come “decommoditisation”. Il suo rifiuto di un ruolo commerciale è stato visto come un punto di svolta nelle sue fortune. Nikolaus Pevsner nel suo libro Pioneers of Modern Design presenta il movimento Arts and Crafts come radicali del design che ha influenzato il movimento moderno, ma non è riuscito a cambiare e alla fine è stato sostituito da esso.

Influenze successive
Il vasaio britannico Bernard Leach portò in Inghilterra molte idee che aveva sviluppato in Giappone con il critico sociale Yanagi Soetsu sul valore morale e sociale dei mestieri semplici; entrambi erano lettori entusiasti di Ruskin. Leach fu un attivo propagandista per queste idee, che colpirono i praticanti dell’artigianato negli anni tra le due guerre, e le espose in A Potter’s Book, pubblicato nel 1940, che denunciò la società industriale in termini veemente come quelli di Ruskin e Morris. Così la filosofia dell’Art and Crafts fu perpetuata tra gli artigiani britannici negli anni ’50 e ’60, molto tempo dopo la scomparsa del movimento Arts and Crafts e l’alta marea del Modernismo. I mobili di utilità britannica degli anni ’40 derivano anche dai principi di Arts and Crafts. Uno dei suoi principali promotori, Gordon Russell, presidente del pannello di design di mobili per l’edilizia, era intriso di idee di arti e mestieri. Ha prodotto mobili nelle Cotswold Hills, una regione di produzione di mobili per arti e mestieri da Ashbee, ed è stato membro della Arts and Crafts Exhibition Society. La biografa di William Morris, Fiona MacCarthy, rilevò la filosofia dell’Art and Crafts anche dietro al Festival of Britain (1951), il lavoro del designer Terence Conran (nato nel 1931) e la fondazione del British Crafts Council negli anni ’70.

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