Museo Nazionale del Costume, Lisbona, Portogallo
Il Museo Nazionale del Costume (Museu Nacional do Traje), creato nel 1976, presenta al pubblico una collezione di costumi storici, indumenti e accessori, che vanno dal XVIII secolo ad oggi, in mostre permanenti o temporanee. La collezione è ospitata nel Palazzo Angeja-Palmela con, per i suoi motivi, il Parco Botanico Monteiro-Mor.
Il museo si trova in una vasta proprietà acquisita dallo Stato portoghese nel 1975. Questa proprietà – una ex casa colonica di ricreazione del XVIII secolo – ha una vasta area verde ora aperta al pubblico e conosciuta come – Parco botanico Monteiro-Mor, e la sua il quartier generale è sollecitato in un edificio del XVIII secolo: il Palazzo Angeja-Palmela.
Il suo scopo è quello di stabilire una strategia per la ricerca, la conservazione e l’esposizione pubblica di costumi e tessuti. Inoltre, ha una politica di salvaguardia e promozione del Parco Botanico di Monteiro-Mor e di sostenere questo patrimonio tra la comunità.
Preserving Green (“Conservar Verde”) è un concetto che integra i valori di responsabilità e sostenibilità, nonché la gestione del patrimonio culturale e naturale affidato al Museo Nazionale del Costume.
Storia
Il Palácio Angeja-Palmela fu eretto nel XVIII secolo da D. Pedro José de Noronha, terzo marchese di Angeja, vicino al luogo dove si trovava il palazzo di D. Afonso Sanches, figlio naturale di Dinis I del Portogallo (1279-1325) .
Con una paternità sconosciuta, il palazzo è influenzato dall’architettura di Pombal, sviluppandosi in due facciate, una delle quali si conclude con la cappella. Del palazzo primitivo rimane solo un abutment cinquecentesco in una residenza adiacente al palazzo, e alcune strutture architettoniche del XVII secolo.
L’ingresso principale del palazzo si sviluppa come una galilee e l’articolazione tra i piani è costituita da una scala di quattro tratti rettilinei. Nelle sue stanze spiccano i soffitti masseira, gli stucchi, le pitture ornamentali e diversi pannelli di piastrelle setecentistas.
Nel 1840, la proprietà fu acquistata da D. Pedro de Sousa Holstein, marchese di Palmela e in seguito primo duca di Palmela, che intraprese opere per migliorare il palazzo, compresa la ricostruzione del padiglione neogotico, ora occupato dal ristorante del museo.
Dalla Seconda Guerra Mondiale (1939-1945), il palazzo divenne un collegio religioso per i rifugiati belgi, finché, nel 1975, lo Stato portoghese acquisì la Quinta do Monteiro-Mor, che, oltre al Palazzo Angeja-Palmela, comprende il Monteiro -Per il palazzo, una residenza del XVIII secolo, l’Orto Botanico e un’area verde di undici ettari.
Il National Costume Museum è il risultato di un progetto nato nel 1969, presentato nel 1973 e consolidato con la mostra O Traje Civil em Portugal presentata al Museo Nazionale di Arte Antica nel 1974. Il responsabile di tutto questo processo è stata Natalia Correia Guedes, che è venuta a sii il primo direttore del museo.
Il 23 dicembre 1976 è stato approvato un decreto / legge istituto del Museo Nazionale del Costume e del Parco Botanico di Monteiro-Mor.
Il 26 luglio 1977, il museo fu inaugurato dall’allora Segretario di Stato per la Cultura, David Mourão-Ferreira, il direttore del museo Natalia Correia Guedes, e la presenza dell’allora Primo Ministro, Mário Soares, con l’apertura di cinque mostre: Storia del costume civile e urbano (dall’antichità al 1925), completata dalla mostra Trajo Popular (una partnership con il Museo Nazionale di Etnologia) e che è stata anche aggiunta all’opera costume, collezione di Tomás Alcaide. Sono state inoltre esplorate tecniche di filatura, tessitura e stampaggio e sono stati esposti i giocattoli dei secoli XVIII e XX.
La biblioteca privata della museologa Maria José de Mendonça è depositata qui.
Architettura
Il Palazzo deve il suo attuale design al 3 ° Marchese di Angeja, D. Pedro de Noronha, che qui ha progettato le sue collezioni di storia naturale, integrate da un giardino botanico. Nel 1840, la proprietà viene acquistata dal secondo duca di Palmela, D. Domingos de Sousa Holstein Beck.
La facciata principale è rivolta verso il cortile o il cortile interno, delimitato da edifici che sono annessi: vecchie stalle (oggi – biglietteria \ negozio) e collezioni (oggi – laboratori).
All’ingresso del Palazzo possiamo vedere i cappotti dei Marchesi di Faial e II Duchi di Palmela. Collocati nell’asse principale, i due cappotti sono sormontati da una corona di marchese finita da una croce di Cristo, perché il marchese di Faial era stato premiato con un encomio di questo ordine.
Il piano terra del palazzo era originariamente destinato alla cucina e ad altri locali di servizio, nonché a varie aree ad uso familiare. Il collegamento principale tra il piano terra e il 1 ° piano è costituito da una scala in marmo e nel soffitto, presenta un medaglione centrale con un’aquila che regge tre raggi nelle gambe.
Il primo piano, chiamato “piano nobile”, era destinato all’interazione sociale, ed ecco la sala nobile, che mette in risalto il soffitto a volta e l’abbondante decorazione rocaille di stucchi con temi legati alla storia naturale e, nelle quattro canzoni, allegorie alle quattro stagioni. Sono citati dipinti ornamentali della stanza orientale con le sue cineserie, gli affreschi della sala della musica e la sala delle bandiere, così come le varie tegole della fabbrica Rato.
L’antica cappella del palazzo dedicata a Santa Rita è un interessante esempio della cerniera contemporanea di D. Maria I, poiché stabilisce la transizione tra il “rocaille” e i gusti neoclassici.
Il padiglione del tè neogotico, costruito dal marchese di Angeja per essere la casa degli uccelli, integrato nei dintorni del palazzo è attualmente il ristorante Monteiro-Mor.
Parco botanico di Monteiro-Mor
Il Parco Botanico di Monteiro-Mor copre un’area di circa 11 ettari dove spicca il giardino, per la sua originalità e ricchezza botanica e paesaggistica. Il giardino è stato progettato dall’italiano Domenico Vandelli, per essere il giardino botanico del 3 ° marchese di Angeja. Questo era il terzo giardino botanico da costruire in Portogallo, dagli anni ’60 del XVIII secolo. Da quel momento solo la struttura è stata costruita, gradini, scale o pareti, laghi dal design formale e alcuni elementi decorativi interessanti, come la pietra curva e un insieme di nicchie per statue. Il parco iniziato dal marchese di Angeja, continuato nel 19 ° secolo, già di proprietà dei duchi di Palmela, che introduce nuove specie, come Araucaria heterophylla o Araucaria de Norfolk, la prima piantata in Portogallo. Una cameleira, due piantagioni monumentali, un faggio, un taxod, una sequoia e due alberi di gomma, tutti con più di 150 anni di esistenza, spiccano nel parco.
Nel 1975, con l’acquisizione di proprietà da parte dello Stato portoghese, fu l’ingegnere silviculturale Luís Filipe Sousa Lara a condurre la sua ripresa e riconversione senza manutenzione dagli anni ’60 del XX secolo. Oltre ad altre opere, il roseto è stato recuperato in una serie di cassette con siepi di bosso, con un disegno in stile barocco del XVIII secolo, sotto la guida dell’arch. paesaggista Edgar Fontes.
Nel Parco botanico di Monteiro-Mor troviamo un autentico esempio di fattorie tradizionali portoghesi, associate alla casa o al palazzo (ora il Museo del Costume Nazionale), un giardino con laghi e cascate, frutteti, frutteti e boschi. Il Parco è attraversato da una linea d’acqua di regime torrentizio, che entra in un condotto sepolto fino ad arrivare ad un collezionista di camarador. Le varie sorgenti che sfociano nel giardino consentono di soddisfare completamente le esigenze idriche dei laghi e di irrigare durante l’estate.
Flora
Il Parco Botanico di Monteiro-Mor ha una collezione variegata con oltre 250 specie botaniche rappresentate, con particolare attenzione per gli ornamenti e per la silvicoltura, ma anche dove si sviluppano ortaggi, frutta, aromatici e medicinali.
Fauna
La fauna presente nel Parco spicca soprattutto tra gli uccelli e una colonia di pipistrelli nel sottosuolo (grotte e gallerie) del palazzo Angeja-Palmela. Durante la primavera, il sotterraneo del Museo del Costume ospita circa 200 pipistrelli (Miniopterus schreibersii), una specie con lo status di “vulnerabile” in Portogallo.
sculture
Nel 1995, il progetto Garden of Sculptures è stato inaugurato nel Parco Botanico, il cui obiettivo principale era il suo arricchimento, aggiungendo così al patrimonio paesaggistico un aspetto museologico. Sparsi nel parco abbiamo sculture di Minoru Nizuma, Catarina Baleiras, João Cutileiro, José Lucas, Moreira Rato, Soares Franco e Leopoldo de Almeida.
collezioni
Le collezioni dell’istituzione includono collezioni di abbigliamento civile – donne, uomini e bambini, nazionali e internazionali – e i loro accessori, frammenti di tessuti e pezzi di bragal, materiali e attrezzature che testimoniano i processi di produzione di tessuti, costumi e accessori.
Le prime offerte di pezzi risalgono al 1974 nei registri del Museo Nazionale del Costume, tutte di individui. La collezione pubblica che integrava la sua collezione proveniva dal National Museum of the Cars che, dal 1904, collezionava un’importante collezione di costumi della Real House.
Costume del XVIII secolo (stili barocco e rocaille, dal 1700 al 1789)
Nel periodo barocco, il costume femminile era generalmente composto da tre pezzi principali, il corpetto adattato al busto, la gonna e la sporgenza. Le donne si vestivano sontuosamente, con i lacci e i lacci sui vestiti. Tra il 1740 e il 1770, nel bel mezzo del periodo Rocaille, apparve un vestito più gentile, con un corpetto, una gonna e il famoso “Plis Watteau”, formato da pieghe di tessuto che cadevano sul retro, suggerendo un falso mantello. Verso la metà del secolo, il vestito “francese” usato nelle grandi cerimonie aveva ampi volumi laterali, un corpetto cinto e una protuberanza aperta nella parte anteriore, formando un’apertura triangolare che mostrava la gonna.
La forma di base del costume maschile apparve in Francia alla fine del XVII secolo, durante il regno di Luigi XIV, essendo composta da cappotto, gilet e pantaloncini. Questo gruppo rimase nel periodo di Rocaille anche se le giacche erano meno larghe e presentate riccamente ricamate. I pantaloncini erano stretti e finivano sotto le ginocchia. I ricami formavano motivi floreali e vegetali e venivano fatti nei pezzi di stoffa prima che i tagli fossero fatti delle giacche o dei giubbotti.
Costume imperiale (dal 1796 al 1820)
Con la Rivoluzione francese, che ebbe luogo nel 1789, gli ideali rivoluzionari di “Libertà, uguaglianza e fraternità” combinati con un gusto per l’antichità greco-romana trasformarono radicalmente l’abbigliamento femminile. Nell’abbigliamento femminile le donne abbandonavano corsetti e piccoli collant, così come i loro tessuti pesanti e ricchi, i loro abiti erano dritti, a vita alta e maniche corte a palloncino accompagnate da guanti alti. Le gonne raggiunsero le caviglie e le code furono indossate solo a corte.
Alla vigilia della Rivoluzione, c’era un grande entusiasmo per le parti maschili del costume inglese, sia per la qualità del loro abbigliamento che per il loro aspetto funzionale. Ma la grande novità questa volta è stata l’introduzione dei pantaloni nell’armadio maschile, dal costume degli uomini del popolo e dei marinai, i pantaloni cominciano ad essere usati come simbolo della rivoluzione, in quanto i pantaloncini erano sinonimo del costume aristocratico.
Costume romantico (1825-1865)
Nel diciannovesimo secolo, l’era dell’industrializzazione, i rapidi progressi tecnologici sorsero in diverse aree della produzione, alle quali l’industria della moda non era estranea. Negli anni ’50 il costume femminile raggiunse la sua massima espressione con l’introduzione della crinolina. Questa struttura interna ha dato un grande volume simmetrico alle gonne senza aggiungere peso. Il corsetto ha rimodellato il busto femminile. I tessuti preferiti erano la mussola di seta e cotone con motivi, fiori, strisce e strisce. I colori erano semplici e discreti, prevalentemente blu e verde.
La moda maschile del 1850 ha mantenuto le tendenze dei decenni precedenti. I cappotti di colore nero o di toni sobri erano anche usati con i pantaloni per le piazze. Per la notte indossava un cappotto nero con pantaloni e un gilet dello stesso tessuto, una camicia con un bavaglino inamidato e un fiocco.
Costume Belle Époque (1870-1914)
Le signore indossavano abiti in due pezzi, composti da corpo e gonna, che erano fatti con tessuti pesanti e il corsetto è rimasto in voga. La gonna è stata indossata a lungo, accumulando drappeggi, guarnizioni, ninnoli, nastri, fiocchi, pompon e frange. Tuttavia, la caratteristica sagoma di questo periodo è stata data da un interno voluminoso, chiamato tournure, applicato sul retro della gonna.
Nel 1890, le donne videro l’emergere dei cosiddetti corsetti “sani” che producevano un cuscinetto a forma di S ondulato. In questo modo fu eretto il busto della donna e così evidenziato che era denominato “petto di rotoli”. Le lunghe gonne a campana di solito avevano una piccola coda. Gli abiti da giorno avevano una cintura a vita alta e un bavaglino in pizzo o tulle. Di notte gli abiti avevano ampie scollature e le braccia erano protette da lunghi guanti.
Nel costume maschile, le redingote e i frac che continuavano a essere usati nella maggior parte delle situazioni cerimoniali con il cappello a cilindro. Per la vita di tutti i giorni i set da tre pezzi – giacca, gilet e pantaloni – venivano indossati con una bombetta.
Costume del 20 ° secolo
La Repubblica impiantata in Portogallo il 5 ottobre 1910 mette fine alla monarchia e trasforma le dinamiche sociali della vita portoghese. Molti formalismi e vincoli sociali sono scomparsi e le arti, così come la moda, sono state teatro di diversi cambiamenti. Gli sport e le attività all’aria aperta hanno promosso un nuovo stile di vita e le donne preferivano abiti da uomo, come il tailleur. Di origine inglese, il tailleur formato da gonna e giacca si adatta bene alle passeggiate ed è stato particolarmente apprezzato dai giovani che hanno sempre più integrato il mercato del lavoro.
1910-1918
Le donne portoghesi si unirono rapidamente a una nuova silhouette sottile proposta a Parigi da Paul Poiret. Ispirato al costume del periodo napoleonico, questo couturier propose l’uso di abiti per sostituire i completi da donna in due pezzi consumati. I suoi vestiti mostravano linee dritte e vita alta, che permettevano alla donna di liberarsi dal corsetto. A Parigi, i Ballets Russes de Diaghilev hanno ispirato la moda, portando influenze orientali per l’abbigliamento attraverso nuove forme, colori vivaci e tessuti lussuosi.
Il costume maschile ha mantenuto le forme della fine del secolo scorso. In occasioni solenni, il cappotto e il cappotto erano consumati, nella vita di tutti i giorni la redingote cominciava a essere sostituita dal cappotto corto con un gilet e dei pantaloni.
1920-1930
L’abbigliamento femminile ha dato a questo decennio il passaggio definitivo alla funzionalità, seguendo lo stile Art Deco, caratterizzato da una geometria decorativa ed elegante. Gli abiti dalla linea diritta con una vita slacciata mostravano le sue gambe dalle sue ginocchia. Gli abiti da ballo erano corti con scollature rotonde o quadrate, di solito con una gonna e talvolta ricoperti di perline, paillettes e perline. Le calze e le scarpe divennero pezzi di rilievo, riempiendosi di colori. I colori erano vividi, sebbene fosse scelto anche il nero.
Nel costume maschile degli anni ’20, l’uso di cappotti di tweed, di lana o di scacchi rivestiti a scacchi di toni sobri, accompagnati da ampi pantaloni con pieghe e pieghe all’estremità inferiore, in tessuto semplice o di fantasia erano generalizzati nelle città. Lo smoking è sicuramente diventato il costume maschile preferito per eventi semi-informali come cene pubbliche, private, balli e feste. Di colore nero con risvolti in raso di seta, era accompagnato da una cravatta dello stesso tono.
1930-1946
Negli anni ’30, l’abito da donna tornò a linee più sinuose, la lunghezza della gonna scese e la vita tornò alla sua naturale posizione. Gli abiti da sera erano lunghi, con la schiena scoperta. I tessuti più apprezzati erano crepe e rasi. Le attrici cinematografiche, con il loro glamour, ispirarono le donne e divennero modelli di riferimento. Madeleine Vionnet ha creato il taglio in sbieco, una tecnica che ha dato ai pezzi un’elasticità e una fluidità molto apprezzate, modellando i corpi femminili in modo sensuale.
La Seconda Guerra Mondiale (1939-1945) causò enormi vincoli materiali. Il razionamento impone pezzi di vestiti stretti e corti. Le donne indossavano tailleur con una vita attillata, una gonna a linea dritta, spalle a pizzico e ampie tasche che davano alla loro silhouette un atteggiamento maschile, quasi di ispirazione militare.
Dal 1947 al 1950
Con la fine della seconda guerra mondiale, Christian Dior ha risposto ai desideri delle donne creando una silhouette femminile e lussuosa. Lo stile proposto dal couturier francese si chiamava New-Look, come risultato della reazione alla moda funzionale degli anni ’40. Presentato a Parigi nel 1947, intendeva restituire alle donne l’aspetto sensuale. Questa nuova immagine è stata caratterizzata dall’uso di gonne larghe o dritte, molto tonde e ad arco, vita stretta e delicata, spalle piccole e rotonde e corsetto corporeo con petto ben definito.
Contemporaneamente all’apparizione dell’aspetto New Look, emerse una generazione inquieta della classe media, che respingeva il materialismo in vigore. Negli Stati Uniti le t-shirt sono state trasformate in parti esterne, soprattutto dopo che Marlon Brando è apparso con una t-shirt White nel film “On the Waterfront” nel 1954. I jeans, noti come jeans, hanno iniziato ad essere adottati dai giovani le persone come espressione della loro ribellione.
Dal 1960 al 1970
Gli anni Sessanta rappresentarono un nuovo cambiamento nel costume. La gioventù divenne un modello da seguire, trasmettendo un atteggiamento di non conformità e contestazione alla politica e alla mentalità in vigore. Le mosse della moda lasciarono la strada e iniziarono ad influenzare l’Haute Couture. I produttori di abbigliamento hanno visto giovani potenziali clienti e hanno iniziato a creare parti appositamente per loro. Alla base della moda femminile di questo decennio la minigonna, presentata da André Courrèges, nel 1965, e resa popolare da Mary Quant.
Alla fine di questo decennio è apparso a San Francisco, in California, il movimento hippy che era prima di un movimento di mentalità e diffuso attraverso la musica pop. Il loro abbigliamento era ispirato agli abiti etnici internazionali: i ragazzi indossavano vesti di cotone grezzo e jeans, avevano capelli lunghi e barbe; le ragazze indossavano lunghe vesti, portavano i capelli sciolti con fiori e le facce senza trucco.
1980-2000
I marchi prêt-à-porter hanno iniziato ad acquisire importanza con l’emergere di designer che, insieme a Haute Couture, hanno contribuito a bilanciare la massificazione del settore della moda. La relativa stabilità e prosperità degli anni ’80 favorì, ancora una volta, la rinascita dei valori e dei gusti tradizionali. Tuttavia, gli anni ’90 erano internazionali, dando una quota equa al villaggio globale. Le televisioni, le riviste di moda, il turismo e Internet slacciano i confini, consentendo la diffusione di creazioni non solo francesi ma anche italiane, inglesi, giapponesi e americane.
I marchi prêt-à-porter si sono sviluppati a un ritmo sempre crescente per rispondere a coloro che desiderano trasmettere un aspetto contestato. D’altra parte, gli stilisti emergono e quello che è stato chiamato “autore di moda”, che attribuisce la possibilità di creare un’alternativa di qualità e stile alla massificazione che lo sviluppo dell’industria tessile e della confezione stava operando.