Il Museo Nazionale di Arte Contemporanea del Portogallo (MNAC) è un museo d’arte situato nel quartiere Chiado di Lisbona, in Portogallo. È stato creato nel 1911 e riaperto, in nuove installazioni, nel 1994.

Il museo copre il periodo tra il 1850 e il 1950, con opere dei principali artisti portoghesi del periodo, nonché alcuni stranieri. Possiede la migliore collezione di pittura e scultura portoghese dei periodi Romanticismo, Naturalismo e Moderno.

Il Museo Nazionale di Arte Contemporanea – Museu do Chiado, è stato uno dei primi musei di arte contemporanea creati in tutto il mondo. Situato nel centro storico di Lisbona, che ospita la principale collezione di arte portoghese dalla seconda metà del XIX secolo fino ai giorni nostri, il museo è una visita obbligatoria per la comprensione e il godimento dell’arte portoghese moderna e contemporanea. Il programma delle mostre temporanee è di grande importanza nell’ambito generale delle attività del museo. La presentazione della collezione viene periodicamente rinnovata sui segmenti temporali o tematici, secondo un’opera sostenuta di ricerca storica e critica, ma il programma non si limita all’arte portoghese,

Il Museo Nazionale di Arte Contemporanea – Museu do Chiado è stato istituito con decreto del governo il 26 maggio 1911. Nasce dalla divisione del vecchio Museo Nazionale di Belas-Artes nel Museu Nacional de Arte Antiga, che ha ereditato dal primo le opere prodotte prima del 1850 rimasero nel Palácio das Janelas Verdes e nel Museo Nazionale di Arte Contemporanea, che comprendeva tutte le opere completate dopo quella data e fu ospitato nel Convento de S. Francisco, in una zona vicina all’Accademia de Belas Artes. La creazione di una rete di musei, che ha esteso la lunghezza del paese, è stata la realizzazione di un progetto basato sul concetto di illuminazione umana del 18 ° secolo, dotando il paese degli strumenti necessari per salvaguardare e mostrare l’arte della nazione. La creazione di un museo di arte contemporanea fu,

Tra gli artisti rappresentati ci sono António Silva Porto, António Carneiro, António Soares dos Reis, Miguel Ângelo Lupi, Columbano Bordalo Pinheiro, Amadeo de Souza Cardoso, Abel Manta, Dórdio Gomes, Adriano Sousa Lopes, José de Almada Negreiros, Nadir Afonso, Mário Eloy , Francisco Augusto Metrass, Auguste Rodin e molti altri. Il museo ospita anche mostre temporanee.

Storia
Dal 1911, il Museo del Chiado ha occupato parte del vecchio Convento di São Francisco (San Francesco) a Lisbona, un edificio di origine medievale. L’adattamento e il rinnovo del 1994 delle aree museali furono eseguiti dall’architetto francese Jean-Michel Wilmotte

La performance del primo direttore del museo, il pittore Carlos Reis, è stata modesta. La sua nomina rappresentò un inaspettato trionfo per la lobby conservatrice, a scapito dei giovani artisti stabiliti a Parigi. Il museo all’epoca occupava tre delle sue attuali sale ed è stato inserito attraverso l’Academia de Belas-Artes. Nel 1914, il pittore Columbano Bordalo Pinheiro divenne regista, continuando e sviluppando appieno l’approccio tradizionalista precedentemente adottato, e resistendo agli spettacoli di dispiacere sfogati dai modernisti, poi centrati sul Café Brasileira a Chiado. Durante la sua carriera come regista (1914-1929), il museo fu ampliato per riempire molte altre stanze, una delle quali era dedicata alla scultura. Il pittore Adriano de Sousa Lopes, ritenuto da Columbano l’unico artista tra le giovani generazioni idoneo a succedergli, ha dato continuità al suo progetto e introdotto moderatamente alcuni elementi moderni che lui stesso non era in grado di accettare. Fino al 1944, Sousa Lopes si sarebbe dimostrato un regista più audace del previsto. Fu durante questo periodo che i modernisti iniziarono finalmente a farsi strada nelle collezioni del museo e che furono acquisite importanti sculture di Rodin, Bourdelle e Joseph Bernard. Anche durante questo periodo, il museo è cresciuto, incorporando l’atelier adiacente di Columbano Bordalo Pinheiro all’Escola de Belas-Artes, aprendo così una nuova sala dedicata al pittore.

Fu lo scultore Diogo Macedo che, come direttore, dopo una profonda ristrutturazione della struttura e degli interni, aprì il museo ogni giorno al pubblico nel 1945, con il suo ingresso in Rua Serpa Pinto. Dopo essere stato coinvolto nel movimento modernista e in seguito uno storico dell’arte, il suo appuntamento avrebbe dovuto inaugurare una nuova era al museo. È stato implementato un programma di mostre temporanee, nonché ricerche sugli artisti rappresentati nella collezione sotto forma di brevi monografie pubblicate dal museo. Tuttavia, non era in arrivo una definizione chiara di una posizione modernista e il pernicioso impegno per il tardo naturalismo decontestualizzato dal suo tempo era continuato. Alcune opere di artisti emerse nella seconda metà degli anni ’40 furono acquisite, sebbene in modo poco chiaro e non pianificato.

Pertanto, fino al 1959, il museo era obsoleto e conservatore e aveva poco in comune con altri musei in tutta Europa. La nomina politica del pittore Eduardo Malta in quello stesso anno, nonostante le proteste generali da parte della comunità artistica e dei critici, ha tuttavia posto ulteriormente l’accento su un approccio retroattivo che ha avuto conseguenze catastrofiche per la posizione modernista della collezione e il suo rispettivo e necessario adattamento alla scena artistica internazionale. Fu prodotto un catalogo, ma i principi nazisti su cui poggiava la presentazione della collezione furono pesantemente condannati dai leader dello stesso regime che aveva nominato il regista in primo luogo. Nel 1970, Maria de Lourdes Bártholo, conservatrice per addestramento, fu nominata direttrice del museo, che era in avanzato stato di abbandono. Nei successivi 17 anni, l’edificio subì solo alcuni lavori di restauro molto superficiali. La collezione si estese fino all’era contemporanea, ma i criteri che regolavano la rappresentazione dei diversi movimenti, tendenze e figure di spicco nell’arte portoghese, che dal decennio precedente in poi avevano subito profonde trasformazioni quantitative e qualitative, non erano minimamente equiparati e nemmeno le acquisizioni del museo definiscono una comprensione coerente e ampia della contemporaneità.

Con l’incendio del Chiado nell’agosto 1988 e anche se il museo fuggì illeso, le opere d’arte furono rimosse come misura precauzionale. Fu deciso dall’allora segretario di Stato per la Cultura, Teresa Gouveia, che la casa della collezione doveva essere ripensata. Il governo francese ha presentato un progetto per rinnovare il museo dall’architetto Jean-Michel Wilmotte, che, con un team guidato dallo storico dell’arte Raquel Henriques da Silva, ha ridefinito il museo nella forma che ha esposto dalla sua nuova inaugurazione il 12 Luglio 1994.

Il progetto ha cercato di integrare gli spazi storicamente importanti esistenti dell’edificio in un linguaggio architettonico neo-moderno, migliorando l’autonomia dei piani che costituiscono le passerelle sospese, il pavimento stesso e i soffitti e le pareti improvvise che definiscono grandi estensioni verticali. Con una gamma originale ed economica di materiali e colori, la sua discreta austerità stabilisce un dialogo completo con le funzioni dell’edificio.

Alla riapertura del museo, un catalogo intitolato Museu do Chiado, Arte Portuguesa 1850-1950, prodotto da Pedro Lapa, Raquel Henriques da Silva e Maria de Aires Silveira, presentava i nuclei più consistenti e coerenti della sua vasta collezione, oltre duemila articoli, con studi individuali su ciascuna opera, nonché rispettive bibliografie e sfondi storici. Dati i fallimenti della collezione per quanto riguarda la sua rappresentazione dell’arte della seconda metà del XX secolo, la politica di acquisizione del museo si concentrò sulle opere fondamentali dei movimenti di quel periodo. È stato messo in atto un programma sistematico di mostre temporanee su artisti portoghesi emerse durante i decenni meno rappresentati della collezione, insieme a una forte enfasi sugli studi e le ricerche presentate nei rispettivi cataloghi. Un programma di arte contemporanea rivolto ad artisti emergenti, il cui lavoro si basava su interpretazioni della collezione del museo, è stato istituito e ha permesso l’acquisizione di varie opere che hanno avviato un aggiornamento del corpo dell’arte contemporanea della collezione. Dalla riapertura, la mancanza di spazio nel museo, sia per la collezione che per le mostre temporanee, è diventata nota.

Alla fine del 1998, Pedro Lapa, membro del team di riorganizzazione del museo, divenne direttore. Il programma delle mostre temporanee ha acquisito maggiore importanza e l’attenzione si è spostata su quattro aree specifiche, direttamente o indirettamente correlate all’ambito cronologico della collezione. Fu così iniziata una serie di mostre retrospettive su artisti portoghesi del XIX secolo. Continuarono le grandi retrospettive del museo sui movimenti e gli artisti modernisti portoghesi, con il primo catalogo pubblicato su un artista portoghese, Joaquim Rodrigo. Parallelamente, grandi mostre sugli artisti e sui movimenti all’avanguardia sono state coprodotte con altri prestigiosi musei internazionali. Il programma Interferências (1998-2002) si è svolto parallelamente alle mostre di cui sopra e ha presentato lavori appositamente realizzati per esso da artisti contemporanei portoghesi e internazionali. Un altro aspetto a cui questo programma ha dato particolare importanza è stato il formato delle pubblicazioni che accompagnavano le mostre e che presentava un’analisi scientifica e saggistica approfondita.

La politica di acquisizioni è stata sviluppata su due linee al fine di mitigare le carenze menzionate nella raccolta e gli anni ’50 e ’60, così come gli anni ’90, sono già ora ben rappresentati in modo significativo. È stato anche iniziato a incorporare altri generi artistici nella collezione, come la fotografia e il video, i media che sono fortemente sfruttati nell’arte contemporanea. Numerosi custodi del museo sono stati coinvolti più attivamente nel dare al Museu do Chiado – Museo nazionale di arte contemporanea le risorse che il suo titolo suggerirebbe abbia contribuito notevolmente a questo processo.

La mancanza di spazio è stato uno dei fattori che ha maggiormente ostacolato l’attuazione dell’ampia gamma di attività che il museo ha cercato di sviluppare. La possibilità di esporre le sue collezioni in modo continuo, o di sviluppare mostre temporanee della scala desiderata, o persino di sviluppare attività pedagogiche, tutti questi aspetti dell’attività di un museo sono soggetti a limiti per i quali una soluzione è attesa da tempo.

Architettura
Ospitato dalla sua fondazione nel 1911 nel monastero di São Francisco da Cidade, gravemente danneggiato dal terremoto del 1755, l’attuale Museo Nazionale di Arte Contemporanea – Museu do Chiado è stato riaperto nel 1994 a seguito di un incendio che ha danneggiato l’area nel 1988 e dopo il completamento dei lavori di ristrutturazione dell’architetto francese Jean-Michel Wilmotte.

L’atrio del museo funge sia da ingresso che da area di accoglienza dei visitatori e rivela il progetto generale adottato per il complesso: uno stile architettonico neo-moderno che ha rispettato le vestigia storiche preesistenti – una struttura monastica risalente al periodo di ricostruzione post-terremoto che è stato successivamente acquisita, in seguito all’abolizione degli ordini religiosi nel 1834, dal mercante inglese Abraham Wheelhouse. L’atrio rivela due pilastri di lias che sostengono una volta a mattoni a sei lati in un’austerità della linea costruita che rientra nella tradizione dell’architettura delle pianure portoghesi. I lavori di restauro hanno rispettato e valorizzato queste vestigia, sfruttando l’alto soffitto attraverso l’aggiunta di una piattaforma sospesa che fornisce un piano intermedio attualmente utilizzato per esporre la scultura. La passerella sospesa e le scale di accesso, la reception,

Il grigio cenere predomina nella sala successiva e in quella superiore, utilizzata per esibire sculture, la cui alta apertura verticale amplifica illusoriamente il piccolo spazio espositivo del museo. Tramite una scala in pietra, il visitatore raggiunge il secondo piano dell’edificio. Qui si accede alla Sala dos Fornos, originariamente costruita tra il 1830 e il 1840 da Abraham Wheelhouse, che all’epoca la dotò di una serie di notevoli forni in mattoni. L’apertura quadrangolare nel pavimento che si collega al corridoio inferiore, attualmente rivestito in vetro di roccia, era quasi certamente destinata al sollevamento e allo spostamento della farina.

Una nuova rampa di scale conduce a una galleria quadrangolare che si apre nella sala delle sculture e consente l’accesso sia agli uffici amministrativi superiori che alla terrazza, con vista sul fiume, e sull’altra area espositiva, due gallerie longitudinali unite in una “L” e intersecati da stretti fasci di luce naturale.

Dalla galleria successiva si accede a una stanza annessa, uno spazio sperimentale rivestito in legno dove si alternano luce naturale e artificiale.

Adiacente a questa sala si trovano la biblioteca e il Gabinete de Desenhos (sala da disegno), le due aree in cui l’eredità monastica è probabilmente più evidente, ad esempio nei soffitti a volta e nei pilastri gemelli, che si stagliano tra la serie di attrezzature tecniche.

Concludendo il tour, il visitatore scende attraverso una scala sospesa fino al caffè ed entra nella terrazza all’aperto e nel giardino con la sua esposizione di sculture in bronzo del XIX e XX secolo. Dal giardino si ritorna, attraverso una porta a vetri, alla passerella sospesa dell’atrio e da lì fino all’area della reception.

Collezione
Il Museo Nazionale di Arte Contemporanea – La collezione del Museu do Chiado attraversa la storia dell’arte portoghese dalla seconda metà del XIX secolo ad oggi, costituendo un punto di riferimento obbligatorio per coloro che sono interessati al suo studio.

L’inizio della collezione è segnato dall’emergere del Romanticismo, a metà del XIX secolo. Artisti come Tomás da Anunciação e Cristino da Silva trasmettono lo spirito romantico attraverso paesaggi colossali, ambienti rustici e vibranti e illuminazione crepuscolare sullo sfondo. L’animalismo e la ritrattistica, i cui maggiori esponenti furono Anunciação e Luiz de Menezes, completano i temi romantici. Anche il ritratto nell’opera di Miguel Ângelo Lupi è stato riconsiderato da una prospettiva realistica.

Un momento di rinnovamento è stato vissuto con l’introduzione, da parte di Silva Porto e Marques de Oliveira, della ricerca sulle possibilità della luce naturale, aggiornando la comprensione della natura e il modo in cui era stata affrontata pittoricamente. Il paesaggio reso come osservato era la principale area di sperimentazione nel Naturalismo, accanto al ritratto, che trova la sua espressione più raffinata nell’opera di António Ramalho e, soprattutto, di Columbano Bordalo Pinheiro.

Introducendo nuovi elementi artistici, il Simbolismo di António Carneiro e Sousa Lopes segna la transizione al 20 ° secolo, che iniziò con un breve ma sorprendente scoppio dell’avanguardia, esemplificato al meglio dall’opera di Amadeo de Souza-Cardoso, l’opera quasi unica di Santa Rita e l’orfismo di Eduardo Viana. Altri percorsi di rinnovamento furono definiti dall’espressionismo di Mário Eloy negli anni ’20 e dal dimensionismo e dal surrealismo che António Pedro sviluppò negli anni ’30, stabilendo un legame con i successivi giovani surrealisti degli anni ’40.

Accanto a questi studi innovativi, il modernismo portoghese, definito da un “indispensabile equilibrio” coerente con la “politica dello spirito” di António Ferro, veniva sviluppato da un gruppo di artisti. Così, Almada Negreiros, Dordio Gomes, Abel Manta, Bernardo Marques, Carlos Botelho e Viana ed Eloy stessi, e gli scultori Canto da Maia, Diogo de Macedo e Francisco Franco hanno basato le loro ricerche su un classicismo che ha preso i suoi riferimenti fondamentali dall’organizzazione volumetrica di Cezánne e il lavoro del periodo classico di Picasso.

Le preoccupazioni politiche rimasero al di fuori dell’espressione artistica fino al neorealismo degli anni ’40, quando un gruppo di artisti, tra i quali spiccano Manuel Filipe e Júlio Pomar, diede una forma formale alla critica sociale attraverso una distorsione espressiva. Allo stesso tempo, si sviluppò il Surrealismo, che aggiornava il discorso artistico attraverso la sperimentazione e la possibilità nei processi di produzione. António Dacosta, Marcelino Vespeira, Fernando Lemos, Fernando de Azevedo, Jorge Vieira e Mário Cesariny sono stati i principali protagonisti del movimento. L’arte astratta, introdotta nel 1944 da Fernando Lanhas, completa questo panorama. Lanhas ha lavorato da solo fino a quando Jorge Vieira in scultura e Nadir Afonso e Joaquim Rodrigo in pittura hanno sviluppato anche un interesse per l’astrazione.

Gli anni ’60 e ’70 consolidarono una rottura, in termini artistici, dall’aggiornamento di supporti e metodi di stampa. Lo spirito di avanguardia è stato recuperato e gli artisti e le tendenze che li riguardavano si moltiplicarono, spaziando dalla Nuova Figurazione nelle opere di Paula Rego e Joaquim Rodrigo, alla Nuova Astrazione che oggettifica il dipinto di Jorge Pinheiro, la sperimentazione sull’oggetto condotta da diversi membri del gruppo KWY, in particolare Lourdes Castro e René Bértholo, l’adattamento della Pop Art al contesto portoghese di Sá Nogueira, l’esame dei problemi di percezione di Noronha da Costa e Jorge Martins, la ricerca di segni di António Sena e João Vieira e l’opera rilegata dalla pressuposizione del movimento di Land Art e Post-concettualistico esternamente dominante, tra cui Alberto Carneiro, Si distinguono Helena Almeida e Julião Sarmento. Il ritorno alla pittura, alle forme e all’espressionismo vissuto negli anni ’80, così come altre questioni di gravidanza internazionale relative all’immagine e alla sua identità, sono rappresentati nella collezione attraverso il lavoro dei principali artisti del decennio: Júlia Ventura, José Pedro Croft, Julião Sarmento, Jorge Molder, Pedro Cabrita Reis e Rui Sanches.

Paternità, deviazione e somiglianza sono i temi espressi nell’opera di João Penalva, che, insieme al romanticismo di Rui Chafes e alla coscienza critica del gruppo Homeostético, fa il passaggio agli anni ’90, caratterizzato da preoccupazioni diverse ma consumanti (Ângela Ferreira , João Tabarra, Miguel Palma, Augusto Alves da Silva), nell’instaurare un dialogo riflessivo con dichiarazioni politicamente, socialmente e culturalmente compromesse. In un costante processo di aggiornamento, la collezione contiene esempi di opere realizzate di recente da artisti all’avanguardia dell’arte del 21 ° secolo, come Alexandre Estrela, João Onofre e João Pedro Vale.