Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Lisboa, Portugal.

El Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Portugal (MNAC) es un museo de arte ubicado en el barrio de Chiado de Lisboa, Portugal. Fue creado en 1911 y re-inaugurado, en nuevas instalaciones, en 1994.

El museo abarca el período comprendido entre 1850 y 1950, con obras de los principales artistas portugueses de la época, así como de algunos extranjeros. Contiene la mejor colección de pintura y escultura portuguesa de los períodos Romanticismo, Naturalismo y Modernismo.

El Museo Nacional de Arte Contemporáneo – Museu do Chiado, fue uno de los primeros museos de arte contemporáneo que se creó en todo el mundo. Ubicado en el centro histórico de Lisboa, que presenta la colección líder de arte portugués desde la segunda mitad del siglo XIX hasta la actualidad, el museo es de visita obligatoria para la comprensión y el disfrute del arte portugués moderno y contemporáneo. El programa de exposiciones temporales es de gran importancia dentro del alcance general de las actividades del museo. La presentación de la colección se renueva periódicamente en sus segmentos temporales o temáticos, de acuerdo con un trabajo sostenido de investigación histórica y crítica, pero el programa no se limita al arte portugués,

El Museo Nacional de Arte Contemporáneo – Museu do Chiado fue establecido por decreto gubernamental el 26 de mayo de 1911. Nació de la división del antiguo Museu Nacional de Belas-Artes en el Museu Nacional de Arte Antiga, que heredó del primero las obras producidas antes de 1850 y permanecieron en el Palácio das Janelas Verdes y el Museo Nacional de Arte Contemporáneo, que incluía todas las obras terminadas después de esa fecha y se encontraba en el Convento de S. Francisco, en un área vecina a la Academia de Belas Artes. La creación de una red de museos, que se extendió por todo el país, fue el cumplimiento de un proyecto basado en el concepto de la iluminación humana del siglo XVIII, dotando al país de las herramientas necesarias para salvaguardar y exhibir el arte de la nación. La creación de un museo de arte contemporáneo fue,

Entre los artistas representados se encuentran António Silva Porto, António Carneiro, António Soares dos Reis, Miguel Ângelo Lupi, Columbano Bordalo Pinheiro, Amadeo de Souza Cardoso, Abel Manta, Dórdio Gomes, Adriano Sousa Lopes, José de Almada Negreiros, Nadir Afonso, Mário Eloy , Francisco Augusto Metrass, Auguste Rodin y muchos otros. El museo también alberga exposiciones temporales.

Historia
Desde 1911, el Museo Chiado ha ocupado parte del antiguo Convento de San Francisco (San Francisco) en Lisboa, un edificio de origen medieval. La adaptación y renovación de 1994 de las áreas del museo fueron realizadas por el arquitecto francés Jean-Michel Wilmotte

La actuación del primer director del museo, el pintor Carlos Reis, fue discreta. Su nombramiento representó un triunfo inesperado para el lobby conservador, en detrimento de los jóvenes artistas establecidos en París. El museo en ese momento ocupaba tres de sus salas actuales, y se ingresó a través de la Academia de Belas-Artes. En 1914, el pintor Columbano Bordalo Pinheiro se convirtió en director, continuando y desarrollando completamente el enfoque tradicionalista previamente adoptado, y resistiendo los espectáculos de disgusto expresados ​​por los modernistas que luego se centraron en el Café Brasileira en Chiado. Durante su tiempo como director (1914-1929), el museo se amplió para llenar varias salas más, una de las cuales se dedicó a la escultura. El pintor Adriano de Sousa Lopes, considerado por Columbano como el único artista de la generación más joven en condiciones de sucederlo, dio continuidad a su proyecto e introdujo, moderadamente, algunos elementos modernos que él mismo no pudo aceptar. Hasta 1944, Sousa Lopes demostraría ser un director más audaz de lo esperado. Fue durante este período cuando los modernistas finalmente comenzaron a incursionar en las colecciones del museo y se adquirieron importantes esculturas de Rodin, Bourdelle y Joseph Bernard. También durante este período, el museo creció, incorporando el atelier adyacente de Columbano Bordalo Pinheiro en la Escola de Belas-Artes, abriendo así una nueva sala dedicada al pintor.

Fue el escultor Diogo Macedo quien, como director, después de una extensa remodelación de la estructura y el interior, abrió el museo todos los días al público en 1945, con su propia entrada en Rua Serpa Pinto. Habiendo estado involucrado en el movimiento modernista y luego historiador del arte, se esperaba que su nombramiento marcara el comienzo de una nueva era en el museo. Se implementó un programa de exposiciones temporales, así como investigaciones sobre artistas representados en la colección en forma de monografías cortas publicadas por el museo. Sin embargo, no se obtuvo una definición clara de una postura modernista, y se continuó con el pernicioso compromiso con el naturalismo tardío descontextualizado de su tiempo. Algunas obras de artistas que surgieron en la segunda mitad de la década de 1940 fueron adquiridas, aunque de manera poco clara y no planificada.

Por lo tanto, hasta 1959, el museo era anticuado y conservador y tenía poco en común con otros museos de toda Europa. La designación política del pintor Eduardo Malta en ese mismo año, a pesar de las protestas generales de la comunidad artística y los críticos, puso mayor énfasis en un enfoque retrospectivo que tuvo consecuencias catastróficas para la posición modernista de la colección y su respectivo y necesario ajuste a la escena artística internacional. Se produjo un catálogo, pero los principios nazis en los que se basaba la presentación de la colección fueron fuertemente condenados por los líderes del mismo régimen que había designado al director en primer lugar. En 1970, Maria de Lourdes Bártholo, conservadora de formación, fue nombrada directora del museo, que se encontraba en un estado avanzado de deterioro. Durante los siguientes 17 años, El edificio solo sufrió algunos trabajos de restauración muy superficiales. La colección se extendió hasta la era contemporánea, pero los criterios que rigen la representación de los diversos movimientos, tendencias y figuras destacadas en el arte portugués, que desde la década anterior habían experimentado profundas transformaciones cuantitativas y cualitativas, no fueron equiparados en lo más mínimo y tampoco Las adquisiciones del museo definen una comprensión coherente y amplia de la contemporaneidad.

Con el incendio de Chiado en agosto de 1988, y aunque el museo escapó ileso, las obras de arte fueron retiradas como medida de precaución. La entonces secretaria de Estado de Cultura, Teresa Gouveia, decidió que la casa de la colección debería ser repensada. El gobierno francés presentó un proyecto para renovar el museo por el arquitecto Jean-Michel Wilmotte, quien, con un equipo dirigido por la historiadora del arte Raquel Henriques da Silva, redefinió el museo en la forma en que ha exhibido desde su re-inauguración el 12. Julio de 1994.

El proyecto buscaba integrar los espacios históricamente importantes del edificio existentes en un lenguaje arquitectónico neo-moderno, mejorando la autonomía de los planos que constituyen las pasarelas suspendidas, el piso en sí y los techos y las paredes repentinas que definen grandes extensiones verticales. Con una gama original y económica de materiales y colores, su austeridad discreta establece un diálogo completo con las funciones del edificio.

Cuando reabrió el museo, un catálogo titulado Museu do Chiado, Arte Portuguesa 1850-1950, producido por Pedro Lapa, Raquel Henriques da Silva y Maria de Aires Silveira, presentó los núcleos más consistentes y coherentes de su extensa colección, más de dos mil artículos, con estudios individuales sobre cada trabajo, así como bibliografías respectivas y antecedentes históricos. Dadas las fallas de la colección con respecto a su representación del arte de la segunda mitad del siglo XX, la política de adquisiciones del museo se centró en las obras fundamentales de los movimientos de ese período. Se puso en marcha un programa sistemático de exposiciones temporales sobre artistas portugueses que había surgido durante las décadas menos representadas en la colección, junto con un fuerte énfasis en los estudios e investigaciones presentados en los respectivos catálogos. Se creó un programa de arte contemporáneo dirigido a artistas emergentes, cuyo trabajo se basó en interpretaciones de la colección del museo, y permitió la adquisición de obras variadas que iniciaron una actualización del cuerpo de arte contemporáneo de la colección. Desde la reapertura, la falta de espacio del museo, tanto para la colección como para las exposiciones temporales, se ha vuelto notoria.

A finales de 1998, Pedro Lapa, miembro del equipo de reorganización del museo, se convirtió en director. El programa de exposiciones temporales adquirió mayor importancia y el enfoque se trasladó a cuatro áreas específicas, directa o indirectamente relacionadas con el alcance cronológico de la colección. Así comenzó una serie de exposiciones retrospectivas sobre artistas portugueses del siglo XIX. Continuaron las grandes retrospectivas del museo sobre los movimientos y artistas modernistas portugueses, con el primer catálogo sobre un artista portugués, Joaquim Rodrigo. Paralelamente, se produjeron grandes exposiciones sobre artistas y movimientos en la vanguardia histórica con otros prestigiosos museos internacionales. El programa Interferências (1998-2002) fue paralelo a las exposiciones anteriores y presentó trabajos específicamente producidos para él por artistas contemporáneos portugueses e internacionales. Otro aspecto al que este programa le dio especial importancia fue el formato de las publicaciones que acompañaron a las exposiciones y que presentaron un análisis científico y ensayístico en profundidad.

La política de adquisiciones se ha desarrollado en dos líneas para mitigar las deficiencias mencionadas en la colección, y las décadas de 1950 y 1960, así como la de 1990, ahora ya están significativamente bien representadas. También se comenzó a incorporar otros géneros artísticos en la colección, como la fotografía y el video, medios que están muy explotados en el arte contemporáneo. Varios de los custodios del museo participaron más activamente en dar al Museu do Chiado – Museo Nacional de Arte Contemporáneo los recursos que su título sugeriría han contribuido en gran medida a este proceso.

La falta de espacio ha sido uno de los factores que más ha obstaculizado la implementación de la amplia gama de actividades que el museo ha tratado de desarrollar. La posibilidad de exhibir sus colecciones de manera continua, o desarrollar exhibiciones temporales de la escala deseada, o incluso desarrollar actividades pedagógicas, todos estos aspectos de la actividad de un museo están sujetos a limitaciones por las cuales una solución está muy atrasada.

Arquitectura
Ubicado desde su fundación en 1911 en el monasterio de São Francisco da Cidade, que sufrió graves daños en el terremoto de 1755, el actual Museo Nacional de Arte Contemporáneo – Museu do Chiado se volvió a abrir en 1994 tras un incendio que dañó el área en 1988 y después de la finalización de los trabajos de renovación por el arquitecto francés Jean-Michel Wilmotte.

El atrio del museo sirve como entrada y área de recepción de visitantes y revela el diseño general adoptado para el complejo: un estilo arquitectónico neo-moderno que respetaba los vestigios históricos preexistentes, una estructura monástica que data del período de reconstrucción posterior al terremoto que fue más tarde adquirido, tras la abolición de las órdenes religiosas en 1834, por el comerciante inglés Abraham Wheelhouse. El atrio revela dos pilares de lias que sostienen una bóveda de ladrillo de seis lados en una austeridad de línea construida que cae dentro de la tradición de la arquitectura de las llanuras portuguesas. El trabajo de renovación respetó y mejoró estos vestigios, explotando el techo alto mediante la adición de una plataforma suspendida que proporciona un piso intermedio actualmente utilizado para exhibir esculturas. La pasarela suspendida y las escaleras de acceso, el mostrador de recepción,

El gris ceniza predomina en la sala posterior y superior, utilizada para exhibir esculturas, cuya alta abertura vertical amplifica ilusoriamente el pequeño espacio de exhibición del museo. A través de una escalera de piedra, el visitante llega al segundo piso del edificio. Aquí uno ingresa a la Sala dos Fornos, originalmente construida entre 1830 y 1840 por Abraham Wheelhouse, quien en ese momento la equipó con una serie de hornos de ladrillo notables. La abertura cuadrangular en el piso que se conecta con el pasillo inferior, actualmente revestida con vidrio de roca, seguramente fue diseñada para levantar y mover harina.

Un nuevo tramo de escaleras conduce a una galería cuadrangular que se abre hacia la sala de esculturas y permite el acceso tanto a las oficinas administrativas superiores como a la terraza, con vistas al río, y a la otra área de exhibición, dos galerías longitudinales unidas en una ‘L’ y intersectado por estrechos pozos de luz natural.

Desde la siguiente galería se llega a una sala anexa, un espacio experimental forrado en madera donde se alternan la luz natural y artificial.

Junto a esta sala se encuentran la biblioteca y el Gabinete de Desenhos, las dos áreas donde el legado monástico es posiblemente más evidente, por ejemplo, en los techos abovedados y los pilares gemelos, que se destacan entre la variedad de equipos técnicos.

Al concluir el recorrido, el visitante desciende por una escalera suspendida hasta el café y entra a la terraza abierta y al jardín con su exhibición de esculturas de bronce de los siglos XIX y XX. Desde el jardín, uno regresa, a través de una puerta de vidrio, a la pasarela suspendida del atrio y desde allí hasta el área de recepción.

Colección
El Museo Nacional de Arte Contemporáneo: la colección del Museu do Chiado recorre la historia del arte portugués desde la segunda mitad del siglo XIX hasta hoy, lo que constituye un punto de referencia obligatorio para los interesados ​​en su estudio.

El inicio de la colección está marcado por la aparición del romanticismo, a mediados del siglo XIX. Artistas como Tomás da Anunciação y Cristino da Silva transmiten el espíritu romántico a través de paisajes colosales, escenarios rústicos y vibrantes e iluminación de fondo crepuscular. El animalismo y el retrato, cuyos máximos exponentes fueron Anunciação y Luiz de Menezes, completan los temas románticos. El retrato en la obra de Miguel Ângelo Lupi también ha sido reconsiderado desde una perspectiva realista.

Se experimentó un momento de renovación con la introducción, por Silva Porto y Marques de Oliveira, de la investigación sobre las posibilidades de la luz natural, actualizando la comprensión de la naturaleza y la forma en que se había abordado pictóricamente. El paisaje representado como se observó fue el área principal de experimentación en el naturalismo, junto con el retrato, que encuentra su mejor expresión en la obra de António Ramalho y, sobre todo, de Columbano Bordalo Pinheiro.

Al presentar nuevos elementos artísticos, el simbolismo de António Carneiro y Sousa Lopes marca la transición hacia el siglo XX, que comenzó con un breve pero llamativo estallido de vanguardia, mejor ejemplificado por el trabajo de Amadeo de Souza-Cardoso, la obra casi única. de Santa Rita y el orfismo de Eduardo Viana. Otros cursos de renovación fueron definidos por el Expresionismo de Mário Eloy en la década de 1920 y el Dimensionismo y el Surrealismo que António Pedro desarrolló en la década de 1930, estableciendo un vínculo con los jóvenes surrealistas posteriores de la década de 1940.

Junto a estos estudios innovadores, un grupo de artistas estaba desarrollando el Modernismo portugués, definido por un “equilibrio indispensable” consistente con la “política del espíritu” de António Ferro. Así, Almada Negreiros, Dordio Gomes, Abel Manta, Bernardo Marques, Carlos Botelho y Viana y Eloy, y los escultores Canto da Maia, Diogo de Macedo y Francisco Franco basaron su investigación en un clasicismo que tomó sus referencias fundamentales de la organización volumétrica de Cezánne. y el trabajo del período clásico de Picasso.

Las preocupaciones políticas permanecieron fuera de la expresión artística hasta el neorrealismo de la década de 1940, cuando un grupo de artistas, entre los que se destacan Manuel Filipe y Júlio Pomar, dieron a la crítica social una forma formal a través de la distorsión expresiva. Al mismo tiempo, se desarrolló el surrealismo, que re-actualizó el discurso artístico a través de la experimentación y el azar en los procesos de producción. António Dacosta, Marcelino Vespeira, Fernando Lemos, Fernando de Azevedo, Jorge Vieira y Mário Cesariny fueron los principales protagonistas del movimiento. El arte abstracto, introducido en 1944 por Fernando Lanhas, completa este panorama. Lanhas trabajó solo hasta que Jorge Vieira en escultura y Nadir Afonso y Joaquim Rodrigo en pintura también desarrollaron un interés por la abstracción.

Los años 60 y 70 consolidaron una ruptura, en términos artísticos, de la actualización de las posturas de prensa y los métodos. Se recuperó el espíritu de vanguardia y se multiplicaron los artistas y las tendencias que les preocupaban, desde la Nueva Figuración en las obras de Paula Rego y Joaquim Rodrigo, hasta la Nueva Abstracción que objetiva la pintura de Jorge Pinheiro, la experimentación sobre el objeto realizada por varios miembros. del grupo KWY, en particular Lourdes Castro y René Bértholo, la adaptación del arte pop al contexto portugués por Sá Nogueira, el examen de los problemas de percepción por Noronha da Costa y Jorge Martins, la investigación de los signos por António Sena y João Vieira , y el trabajo presionado por la presión del Land Art y el movimiento posconceptual dominante en el exterior, entre los cuales Alberto Carneiro, Helena Almeida y Julião Sarmento destacan. El regreso a la pintura, a las formas y al expresionismo experimentado en los años 80, así como a otros problemas internacionales relacionados con la imagen y su identidad, están representados en la colección a través del trabajo de los artistas más destacados de la década: Júlia Ventura, José Pedro Croft, Julião Sarmento, Jorge Molder, Pedro Cabrita Reis y Rui Sanches.

La autoría, la desviación y la similitud son los temas expresados ​​en el trabajo de João Penalva, quien, junto con el romanticismo de Rui Chafes y la conciencia crítica del grupo Homeostético, hace la transición a los 90, marcada por preocupaciones diferentes pero consumidoras (Ângela Ferreira , João Tabarra, Miguel Palma, Augusto Alves da Silva), al establecer un diálogo reflexivo con declaraciones comprometidas política, social y culturalmente. En un proceso constante de actualización, la colección contiene ejemplos de obras producidas recientemente por artistas a la vanguardia del arte del siglo XXI, como Alexandre Estrela, João Onofre y João Pedro Vale.