La pittura indiana ha una tradizione e una storia molto lunghe nell’arte indiana. I primi dipinti indiani erano le pitture rupestri dei tempi preistorici, i petroglifi trovati in luoghi come i rifugi di Bhimbetka, alcuni dei dipinti rupestri dell’età della pietra che si trovano tra i rifugi di Bhimbetka hanno circa 30.000 anni. La letteratura buddista indiana è piena di esempi di testi che descrivono i palazzi dell’esercito e la classe aristocratica abbellita con dipinti, ma i dipinti delle grotte di Ajanta sono il più significativo dei pochi sopravvissuti. Probabilmente in questo periodo si praticava anche la pittura su scala minore nei manoscritti, sebbene le prime sopravvissute risalgano al periodo medievale. La pittura moghul rappresentava una fusione della miniatura persiana con le antiche tradizioni indiane, e dal XVII secolo il suo stile era diffuso tra le corti principesche indiane di tutte le religioni, ognuna sviluppando uno stile locale. I dipinti dell’azienda furono realizzati per clienti britannici sotto il raj britannico, che dal XIX secolo introdusse anche scuole d’arte lungo le linee occidentali, portando alla moderna pittura indiana, che sta tornando sempre più alle sue radici indiane.

I dipinti indiani forniscono un continuum estetico che si estende dalla prima civiltà ai giorni nostri. Dall’essenza essenzialmente religiosa allo scopo, la pittura indiana si è evoluta nel corso degli anni fino a diventare una fusione di varie culture e tradizioni.

Shadanga della pittura indiana
Intorno al 1 ° secolo aC si svilupparono Shadanga o Six Limbs of Indian Painting, una serie di canoni che stabilivano i principi fondamentali dell’arte. Vatsyayana, che visse durante il terzo secolo d.C., enumera questi nel suo Kamasutra dopo averli estratti da opere ancora più antiche.

Questi ‘Six Limbs’ sono stati tradotti come segue:

Rupabheda La conoscenza delle apparenze.
Pramanam: percezione, misura e struttura corrette.
Bhava Azione di sentimenti sulle forme.
Lavanya Yojanam Infuso di grazia, rappresentazione artistica.
Sadrisyam Similitude.
Varnikabhanga Modo artistico di usare il pennello e i colori. (Tagore).
Il successivo sviluppo della pittura da parte dei buddisti indica che queste “Sei Arti” sono state messe in pratica da artisti indiani e sono i principi base su cui è stata fondata la loro arte.

Generi di pittura indiana
I dipinti indiani possono essere generalmente classificati come murales e miniature. I murales sono grandi opere eseguite sulle pareti di strutture solide, come nelle grotte di Ajanta e nel tempio di Kailashnath. I dipinti in miniatura sono eseguiti su scala molto piccola per libri o album su materiale deperibile come carta e stoffa. I Palas del Bengala furono i pionieri della pittura in miniatura in India. L’arte della pittura in miniatura ha raggiunto la sua gloria durante il periodo Moghul. La tradizione dei dipinti in miniatura è stata portata avanti dai pittori di diverse scuole di pittura del Rajasthan come il Bundi, Kishangarh, Jaipur, Marwar e Mewar. I dipinti di Ragamala appartengono anche a questa scuola, così come la pittura della compagnia prodotta per clienti britannici sotto il Raj britannico.

L’arte antica indiana ha visto l’ascesa della Scuola d’arte del Bengala negli anni ’30, seguita da molte forme di sperimentazione in stili europei e indiani. All’indomani dell’indipendenza dell’India, molti nuovi generi di arte sviluppati da artisti importanti come Jamini Roy, M. F. Husain, Francis Newton Souza e Vasudeo S. Gaitonde. Con il progresso dell’economia anche le forme e gli stili dell’arte subirono molti cambiamenti. Negli anni ’90, l’economia indiana è stata liberalizzata e integrata nell’economia mondiale, portando al libero flusso di informazioni culturali all’interno e all’esterno. Tra gli artisti ci sono Subodh Gupta, Atul Dodiya, Devajyoti Ray, Bose Krishnamachari e Jitish Kahllat i cui lavori sono stati venduti all’asta nei mercati internazionali. Bharti Dayal ha scelto di gestire la tradizionale pittura di Mithila in modo più contemporaneo e ha creato il proprio stile attraverso gli esercizi della propria immaginazione, appaiono freschi e inusuali.

murales
La storia dei murales indiani inizia in epoca antica e altomedievale, dal II secolo aC all’VIII-X secolo d.C. Ci sono più di 20 luoghi in India che contengono murales di questo periodo, principalmente grotte naturali e camere scavate nella roccia. I più grandi successi di questo periodo sono le grotte di Ajanta, Bagh, Sittanavasal, Armamalai Cave (Tamil Nadu), riparo roccioso di Ravan Chhaya, tempio di Kailasanatha nelle grotte di Ellora.

I murali di questo periodo rappresentano principalmente temi religiosi delle religioni buddista, giainista e indù. Ci sono però anche luoghi in cui sono stati fatti dipinti per adornare locali banali, come l’antica sala del teatro nella grotta di Jogimara e la possibile dimora reale di caccia intorno al 7 ° secolo dC – rifugio roccioso di Ravan Chhaya.

Il modello della pittura murale su larga scala che aveva dominato la scena, ha visto l’avvento di dipinti in miniatura durante l’XI e il XII secolo. Questo nuovo stile figurava prima sotto forma di illustrazioni incise su manoscritti di foglie di palma. Il contenuto di questi manoscritti includeva letteratura sul buddismo e il jainismo. Nell’India orientale, i principali centri di attività artistica e intellettuale della religione buddista erano Nalanda, Odantapuri, Vikramshila e Somarpura situati nel regno di Pala (Bengala e Bihar).

Pittura dell’India orientale
Nell’India orientale la pittura in miniatura si sviluppò nel X secolo. Queste miniature, raffiguranti divinità buddiste e scene della vita di Buddha, furono dipinte sulle foglie (circa 2,25 per 3 pollici) dei manoscritti delle foglie di palma e delle loro copertine di legno. I manoscritti illustrati buddisti più comuni includono i testi Astasahasrika Prajnaparamita, Pancharaksa, Karandavyuha e Kalachakra Tantra. Le prime miniature esistenti si trovano in un manoscritto della Astasahasrika Prajnaparamita datata al sesto anno di regno di Mahipala (circa 993), attualmente posseduto da The Asiatic Society, Kolkata. Questo stile è scomparso dall’India alla fine del 12 ° secolo.

Pittura miniatura indiana occidentale
I dipinti in miniatura sono bellissimi dipinti fatti a mano, che sono piuttosto colorati ma di piccole dimensioni. Il clou di questi dipinti è la pennellata intricata e delicata, che conferisce loro un’identità unica. I colori sono fatti a mano, da minerali, verdure, pietre preziose, indaco, conchiglie, oro puro e argento. L’evoluzione dei dipinti delle Miniature indiane ebbe inizio nell’Himalaya occidentale, intorno al XVII secolo

I soggetti di questi dipinti in miniatura sono in relazione ai soggetti dei manoscritti per lo più religiosi e letterari. Molti dipinti provengono dal sanscrito e dalla letteratura popolare. È in tema di storie d’amore. Alcuni dipinti della setta Vaishnav di religione indù e alcuni appartengono alla setta Jain. I dipinti della setta Vaishnav riguardano varie occasioni della vita di Lord Krishna e Gopies. I dipinti di Vaishnav di “Gita Govinda” riguardano il Signore Krishna. I dipinti della setta Jain riguardano i Jain Lords e soggetti religiosi.

Questi dipinti sono stati creati su “Taadpatra” che significa la foglia della palma e la carta. Durante quel periodo precedenti i manoscritti furono creati dalla foglia della palma e più tardi dalla carta.

In questi dipinti ci sono pochissimi personaggi umani con la faccia frontale sono visti. La maggior parte dei personaggi umani sono visti con profilo laterale. Occhi grandi, naso appuntito e vita sottile sono le caratteristiche di questi dipinti. I colori della pelle dell’essere umano sono marroni e giusti. Il colore della pelle del Signore Krishna è Blu. Il colore dei capelli e degli occhi è nero. I personaggi delle donne hanno i capelli lunghi. Personaggi umani hanno indossato gioielli su mano, naso, collo, capelli, vita e caviglie. Uomini e donne indossano il tradizionale vestito indiano, pantofole e scarpe. Gli uomini indossano turbanti sulla loro testa. In questi dipinti sono stati dipinti alberi, fiumi, fiori, uccelli, terra, cielo, case, sedie tradizionali, cuscini, tende, lampade e personaggi umani.

I colori più naturali sono stati usati in questi dipinti. I colori nero, rosso, bianco, marrone, blu e giallo sono usati per decorare i quadri.

I re, i cortigiani dei re, i ricchi uomini d’affari e i capi religiosi dell’epoca erano i promotori di questi dipinti in miniatura.

I pittori di queste immagini provenivano dalla società locale. “Vaachhak” era il famoso pittore del tempo. I pittori cercavano di rendere vivo il soggetto del manoscritto con queste immagini, in modo che i lettori del manoscritto possano apprezzare la lettura.

Dipinti di pittura di Malwa, Deccan e Jaunpur
Una nuova tendenza nell’illustrazione manoscritta è stata fissata da un manoscritto del Nimatnama dipinto a Mandu, durante il regno di Nasir Shah (1500-1510). Questo rappresenta una sintesi dello stile persiano indigeno e patrocinato, sebbene fosse quest’ultimo a dominare i manoscritti di Mandu. C’era un altro stile di pittura conosciuto come Lodi Khuladar che prosperò nel dominio del Sultanato nel nord dell’India che si estendeva da Delhi a Jaunpur.

Lo stile pittorico in miniatura, che fiorì inizialmente nella corte dei Bahmani e successivamente nelle corti di Ahmadnagar, Bijapur e Golkonda è popolarmente conosciuto come la scuola di pittura Deccan. Uno dei primi dipinti sopravvissuti si trova nelle illustrazioni di un manoscritto Tarif-i-Hussain Shahi (1565 circa), che ora si trova in Bharata Itihasa Samshodhaka Mandala, Pune. Circa 400 dipinti in miniatura si trovano nel manoscritto di Nujum-ul-Ulum (Stelle della scienza) (1570), conservato nella Chester Beatty Library, a Dublino.

Pittura di Mughal
La pittura moghul è uno stile particolare della pittura indiana, generalmente limitata alle illustrazioni del libro e fatta in miniatura, e che emerse, si sviluppò e prese forma durante il periodo dell’Impero Mughal dal 16 ° al 19 ° secolo.

I dipinti di Mughal erano una miscela unica di stili indiani, persiani e islamici. Perché i re Mughal volevano documenti visivi delle loro azioni come cacciatori e conquistatori, i loro artisti li accompagnavano in spedizioni militari o missioni di stato, o registravano le loro prode come cacciatrici di animali, o li dipingevano nelle grandi cerimonie dinastiche dei matrimoni.

Il regno di Akbar (1556-1605) inaugurò una nuova era nella pittura in miniatura indiana. Dopo aver consolidato il suo potere politico, costruì una nuova capitale a Fatehpur Sikri dove collezionò artisti dall’India e dalla Persia. Fu il primo monarca che stabilì in India un atelier sotto la supervisione di due maestri persiani, Mir Sayyed Ali e Abdus Samad. In precedenza, entrambi avevano servito sotto il patronato di Humayun a Kabul e lo accompagnarono in India quando riacquistò il trono nel 1555. Più di un centinaio di pittori furono impiegati, la maggior parte dei quali erano indù di Gujarat, Gwalior e Kashmir, che diedero un nascita di una nuova scuola di pittura, popolarmente conosciuta come la Scuola di quadri in miniatura di Mughal.

Una delle prime produzioni di quella scuola di pittura in miniatura fu la serie di Hamzanama, che secondo lo storico della corte, Badayuni, fu iniziata nel 1567 e completata nel 1582. Gli Hamzanama, storie di Amir Hamza, uno zio del Profeta, furono illustrate di Mir Sayyid Ali. I dipinti di Hamzanama sono di grandi dimensioni, 20 x 27 “e sono stati dipinti su stoffa, sono in stile safavo persiano, predominano i colori brillanti di rosso, blu e verde, le rocce rosa e erose e la vegetazione, gli aerei e la prugna in fiore e gli alberi di pesco ricordano la Persia, tuttavia, i toni indiani appaiono nei lavori successivi, quando venivano impiegati artisti indiani.

Dopo di lui, Jahangir ha incoraggiato gli artisti a dipingere ritratti e scene durbar. I suoi ritrattisti più talentuosi furono Ustad Mansur, Abul Hasan e Bishandas.

Shah Jahan (1627-1658) ha continuato il patrocinio della pittura. Alcuni dei famosi artisti del periodo erano Mohammad Faqirullah Khan, Mir Hashim, Muhammad Nadir, Bichitr, Chitarman, Anupchhatar, Manohar e Honhar.

Aurangzeb non aveva gusto per le belle arti. A causa della mancanza di artisti patrocinanti, emigrarono a Hyderabad nel Deccan e negli stati indù del Rajasthan in cerca di nuovi mecenati.

Pittura Rajput
La pittura Rajput, uno stile di pittura indiana, si evolse e prosperò, durante il XVIII secolo, nelle corti reali di Rajputana, in India. Ogni regno Rajput ha sviluppato uno stile distinto, ma con alcune caratteristiche comuni. I dipinti di Rajput rappresentano una serie di temi, eventi di epopea come il Ramayana e il Mahabharata, la vita di Krishna, i bellissimi paesaggi e gli umani. Le miniature erano il mezzo preferito della pittura di Rajput, ma diversi manoscritti contenevano anche dipinti di Rajput, e le pitture venivano persino eseguite sulle pareti dei palazzi, nelle camere interne dei forti, nelle fattorie, in particolare gli haveli di Shekhawati.

Sono stati utilizzati i colori estratti da alcuni minerali, fonti vegetali, conchiglie e sono stati anche ottenuti dalla lavorazione di pietre preziose, oro e argento. La preparazione dei colori desiderati era un processo lungo, a volte richiedendo settimane. I pennelli usati erano molto belli.

Pittura di Mysore
La pittura di Mysore è una forma importante di pittura classica dell’India del sud originatasi nella città di Mysore in Karnataka. Questi dipinti sono noti per la loro eleganza, colori tenui e attenzione ai dettagli. I temi per la maggior parte di questi dipinti sono divinità indù e dee e scene della mitologia indù. In tempi moderni, questi dipinti sono diventati un souvenir molto richiesto durante le festività nel sud dell’India.

Il processo di creazione di un dipinto di Mysore comprende molte fasi. Il primo stadio prevede la realizzazione dello schizzo preliminare dell’immagine sulla base. La base è costituita da carta a cartuccia incollata su una base di legno. Una pasta a base di ossido di zinco e gomma arabica viene prodotta con il nome di “pasta di gesso”. Con l’aiuto di un pennello sottile tutti i gioielli e le parti del trono o l’arco che hanno un po ‘di rilievo sono dipinti sopra per dare un effetto leggermente sollevato di intaglio. Questo è permesso asciugare. Su questa sottile lamina d’oro è incollata. Il resto del disegno viene quindi dipinto usando acquerelli. Vengono utilizzati solo i colori tenui.

Pittura Tanjore
La pittura Tanjore è una forma importante di pittura classica dell’India del Sud originaria della città di Tanjore nel Tamil Nadu. La forma d’arte risale agli inizi del 9 ° secolo, un periodo dominato dai sovrani Chola, che incoraggiavano l’arte e la letteratura. Questi dipinti sono noti per la loro eleganza, i colori ricchi e l’attenzione ai dettagli. I temi per la maggior parte di questi dipinti sono divinità indù e dee e scene della mitologia indù. In tempi moderni, questi dipinti sono diventati un souvenir molto richiesto durante le festività nel sud dell’India.

Il processo di creazione di una pittura Tanjore comprende molte fasi. Il primo stadio prevede la realizzazione dello schizzo preliminare dell’immagine sulla base. La base è costituita da un panno incollato su una base di legno. Quindi la polvere di gesso o l’ossido di zinco vengono miscelati con l’adesivo idrosolubile e applicati sulla base. Per rendere la base più liscia, a volte viene utilizzato un leggero abrasivo. Dopo che il disegno è stato fatto, la decorazione dei gioielli e degli abiti nell’immagine è fatta con pietre semi-preziose. Lacci o fili sono usati anche per decorare i gioielli. Inoltre, le lamine d’oro sono incollate. Infine, i colori sono usati per aggiungere colori alle figure nei dipinti.

Pittura di Kangra
Questo stile ebbe origine nello stato di Guler, nella prima metà del XVIII secolo e raggiunse il suo apice durante il regno di Maharaja Sansar Chand Katoch.

Pittura di Madhubani
La pittura di Madhubani è uno stile pittorico, praticato nella regione di Mithila nello stato di Bihar. I temi ruotano attorno a divinità indù e mitologia, insieme a scene della corte reale e eventi sociali come i matrimoni. Generalmente nessuno spazio è lasciato vuoto; le lacune sono riempite da dipinti di fiori, animali, uccelli e persino disegni geometrici. In questi dipinti, gli artisti usano foglie, erbe e fiori per creare il colore usato per disegnare i dipinti.

Pattachitra
Pattachitra si riferisce alla pittura classica del Bengala Occidentale e dell’Orissa, nella regione orientale dell’India. “Patta” in sanscrito significa “Vastra” o “vestiti” e “chitra” significa dipinti.

Il Bengala Patachitra si riferisce al dipinto del Bengala occidentale. È un’eredità tradizionale e mitologica del Bengala Occidentale. Il Bengala Patachitra è diviso in diversi aspetti come Durga Pat, Chalchitra, Tribal Patachitra, Medinipur Patachitra, Kalighat Patachitra, ecc. L’argomento del Bengala Patachitra è per lo più mitologico, storie religiose, tradizioni popolari e sociali. Il Kalighat Patachitra, l’ultima tradizione del Bengala Patachitra è stata sviluppata da Jamini Roy. L’artista del Bengala Patachitra si chiama Patua.

La tradizione dell’Orisha Pattachitra è strettamente legata all’adorazione di Lord Jagannath. Oltre alle prove frammentarie di dipinti sulle grotte di Khandagiri e Udayagiri e sui murali Sitabhinji del D.C. del VI secolo, i primi dipinti indigeni dell’Orissa sono i Pattachitra dei Chitrakar (i pittori sono chiamati Chitrakar). Il tema della pittura di Oriya ruota intorno alla setta dei Vaisnava. Sin dall’inizio della cultura di Pattachitra, il Signore Jagannath che era un’incarnazione del Signore Krishna fu la principale fonte di ispirazione. Il tema di Patta Chitra è per lo più mitologico, storie religiose e folklore. I temi sono principalmente su Lord Jagannath e Radha-Krishna, diversi “Vesas” di Jagannath, Balabhadra e Subhadra, attività del tempio, le dieci incarnazioni di Vishnu basate sulla “Gita Govinda” di Jayadev, Kama Kujara Naba Gunjara, Ramayana, Mahabharata. Vengono anche dipinti i singoli dipinti di dei e dee. I pittori usano i colori vegetali e minerali senza andare a vedere i colori dei manifesti fatti in fabbrica. Preparano i loro colori. Il colore bianco viene ricavato dalle conchiglie mediante polverizzazione, bollitura e filtraggio in un processo molto pericoloso. Richiede molta pazienza. Ma questo processo dà brillantezza e preminenza alla tonalità. ‘Hingula’, un colore minerale, è usato per il rosso. ‘Haritala’, re degli ingredienti di pietra per il giallo, ‘Ramaraja’ è una sorta di indaco per il blu. Vengono usate pure lampade nere o nere preparate con la combustione delle conchiglie di cocco. I pennelli usati da questi “Chitrakaras” sono anche indigeni e sono fatti di peli di animali domestici. Un mazzo di capelli legati all’estremità di un bastone di bambù fa il pennello. È davvero una questione di meravigliarsi su come questi pittori tirano fuori linee di tale precisione e finiscono con l’aiuto di questi grezzi pennelli. Quella vecchia tradizione della pittura Oriya sopravvive ancora oggi nelle abili mani di Chitrakaras (pittori tradizionali) a Puri, Raghurajpur, Paralakhemundi, Chikiti e Sonepur.

Scuola del Bengala
La Bengal School of Art fu un influente stile di arte che fiorì in India durante il Raj britannico all’inizio del XX secolo. È stato associato al nazionalismo indiano, ma è stato anche promosso e sostenuto da molti amministratori delle arti britanniche.

La scuola del Bengala sorse come un’avanguardia e un movimento nazionalista che reagiva contro gli stili artistici accademici precedentemente promossi in India, sia da artisti indiani come Ravi Varma che nelle scuole d’arte britanniche. In seguito alla diffusa influenza delle idee spirituali indiane in Occidente, l’insegnante d’arte inglese Ernest Binfield Havel ha tentato di riformare i metodi di insegnamento presso la Calcutta School of Art incoraggiando gli studenti a imitare le miniature di Mughal. Ciò causò immense polemiche, che portarono a uno sciopero da parte degli studenti e denunce da parte della stampa locale, anche da parte di nazionalisti che lo consideravano una mossa regressiva. Havel è stato sostenuto dall’artista Abanindranath Tagore, un nipote del poeta Rabindranath Tagore. Tagore dipinse una serie di opere influenzate dall’arte Mughal, uno stile che lui e Havel ritenevano essere espressivi delle distinte qualità spirituali dell’India, in contrasto con il “materialismo” dell’Occidente. Il dipinto più noto di Abanindranath Tagore, Bharat Mata (Madre India), raffigurava una giovane donna, ritratta con quattro braccia alla maniera delle divinità indù, con oggetti simbolici delle aspirazioni nazionali dell’India. Tagore in seguito tentò di sviluppare legami con artisti dell’Estremo Oriente come parte di un’aspirazione a costruire un modello di arte pan-asiatica. Quelli associati a questo modello Indo-FarEastern includevano Nandalal Bose, Mukul Dey, Kalipada Ghoshal, Benode Behari Mukherjee, Vinayak Shivaram Masoji, B.C. Sanyal, Beohar Rammanohar Sinha, e successivamente i loro studenti A. Ramachandran, Tan Yuan Chameli, Ramananda Bandopadhyay e pochi altri.

L’influenza della scuola del Bengala sulla scena artistica indiana gradualmente ha iniziato ad alleviare con la diffusione delle idee moderniste post-indipendenza. K. Il ruolo di G. Subramanyan in questo movimento è significativo. Oggi la Rednova Art Academy di Bankura, in India, è anche un’accademia d’arte degna di nota fondata dall’artista Abirlal.

Modernismo contestuale
Il termine Modernismo contestuale che Siva Kumar usava nel catalogo della mostra è emerso come uno strumento critico postcoloniale nella comprensione dell’arte che gli artisti di Santiniketan avevano praticato.

Diversi termini tra cui la controcultura della modernità di Paul Gilroy e la modernità coloniale di Tani Barlow sono stati usati per descrivere il tipo di modernità alternativa emersa in contesti non europei. Il professor Gall sostiene che il “Modernismo contestuale” è un termine più adatto perché “il coloniale nella modernità coloniale non accetta il rifiuto di molti nelle situazioni colonizzate di interiorizzare l’inferiorità. Il rifiuto di subordinazione degli insegnanti artisti di Santiniketan incorporava una contro visione della modernità, che cercava di correggere l’essenzialismo razziale e culturale che guidava e caratterizzava la modernità e il modernismo occidentali imperiali. Quelle modernità europee, proiettate attraverso un trionfale potere coloniale britannico, provocarono risposte nazionaliste, altrettanto problematiche quando incorporarono analoghi essenzialismi “.

Secondo R. Siva Kumar “Gli artisti di Santiniketan sono stati uno dei primi a sfidare consapevolmente questa idea di modernismo optando per il modernismo internazionalista e l’indigeno storicista e cercando di creare un modernismo sensibile al contesto”. Stava studiando il lavoro dei maestri di Santiniketan e pensava al loro approccio all’arte fin dai primi anni ’80. La pratica dell’assunzione di Nandalal Bose, Rabindranath Tagore, Ram Kinker Baij e Benode Behari Mukherjee sotto la Scuola d’Arte del Bengala, secondo Siva Kumar, era fuorviante. Questo è accaduto perché i primi scrittori erano guidati da genealogie di apprendistato piuttosto che dai loro stili, visioni del mondo e prospettive sulla pratica artistica.

Il critico letterario Ranjit Hoskote durante la revisione delle opere dell’artista contemporaneo Atul Dodiya scrive: “L’esposizione a Santinketan, attraverso una deviazione letteraria, ha aperto gli occhi di Dodiya alle circostanze storiche di ciò che lo storico dell’arte R Siva Kumar ha definito un” modernismo contestuale “sviluppato nell’India orientale negli anni ’30 e ’40 durante i turbolenti decenni della Depressione globale, la lotta di liberazione gandhiana, il rinascimento culturale di Tagorean e la seconda guerra mondiale. ”

Il modernismo contestuale nel recente passato ha trovato il suo utilizzo in altri campi di studio correlati, specialmente in architettura.

Pittura indiana vernacolare
L’arte vernacolare è un’arte viva (arte contemporanea), basata sul passato (i miti, le tradizioni e la religione) e realizzata da gruppi definiti. L’arte vernacolare si basa sulla memoria collettiva di questo gruppo.

Esempi di pittura indiana vernacolare:

Pittura tribale:
Pittura bhil
Warli painting
Gond painting
Pittura di Santhal
Pittura di Saora
Pittura di Kurumba

Pittura rurale:
Pittura di Pattachitra
Pittura di Madhubani
Pittura di Kalamkari
Pittura di Kolam
Pittura di Kalam
Mandana Dipinti

Pittura indiana moderna
Durante l’era coloniale, le influenze occidentali iniziarono ad avere un impatto sull’arte indiana. Alcuni artisti hanno sviluppato uno stile che utilizzava idee occidentali di composizione, prospettiva e realismo per illustrare temi indiani. Altri, come Jamini Roy, hanno consapevolmente tratto ispirazione dall’arte popolare.Bharti Dayal ha scelto di gestire la tradizionale pittura di Mithila in modo molto contemporaneo e usa sia il realismo che l’astrattismo nel suo lavoro con molta fantasia mista a entrambi. Il suo lavoro ha un impeccabile senso di equilibrio, armonia e grazia.

Al tempo dell’Indipendenza, nel 1947, diverse scuole d’arte in India fornirono l’accesso a tecniche e idee moderne. Le gallerie sono state istituite per mostrare questi artisti. L’arte indiana moderna mostra in genere l’influenza degli stili occidentali, ma è spesso ispirata a temi e immagini indiane. I maggiori artisti stanno iniziando a ottenere riconoscimenti internazionali, inizialmente tra la diaspora indiana, ma anche tra il pubblico non indiano.

Il Progressive Artists Group, fondato poco dopo che l’India divenne indipendente nel 1947, era destinato a stabilire nuovi modi di esprimere l’India nell’era post-coloniale. I fondatori erano sei eminenti artisti: K. H. Ara, S. K. Bakre, H. A. Gade, M.F. Husain, S.H. Raza e F. N. Souza, anche se il gruppo fu sciolto nel 1956, fu profondamente influente nel cambiare l’idioma dell’arte indiana. Quasi tutti i maggiori artisti indiani negli anni ’50 erano associati al gruppo. Alcuni di coloro che sono ben noti oggi sono Bal Chabda, Manishi Dey, V. S. Gaitonde, Krishen Khanna, Ram Kumar, Tyeb Mehta, Beohar Rammanohar Sinha e Akbar Padamsee. Altri famosi pittori come Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins e Bijon Choudhuri hanno arricchito la cultura artistica dell’India. Sono diventati l’icona dell’arte moderna indiana. Storici d’arte come la prof.ssa Rai Anand Krishna hanno anche fatto riferimento a quelle opere di artisti moderni che riflettono l’ethos indiano.

Inoltre, l’aumento del discorso sull’arte indiana, in inglese e in lingue indiane vernacolari, si appropriò del modo in cui l’arte veniva percepita nelle scuole d’arte. L’approccio critico divenne rigoroso, critici come Geeta Kapur, R. Siva Kumar, ha contribuito a ripensare la pratica dell’arte contemporanea in India. Le loro voci hanno rappresentato l’arte indiana non solo in India ma in tutto il mondo. Anche i critici hanno avuto un ruolo importante come curatori di importanti mostre, ridefinendo il modernismo e l’arte indiana.

L’arte indiana ha avuto un impulso con la liberalizzazione economica del paese dai primi anni ’90. Artisti di vari settori ora hanno iniziato a portare vari stili di lavoro. La post-liberalizzazione dell’arte indiana funziona quindi non solo all’interno dei confini delle tradizioni accademiche, ma anche al di fuori di essa. In questa fase, gli artisti hanno introdotto concetti ancora più nuovi che finora non sono stati visti nell’arte indiana. Devajyoti Ray ha introdotto un nuovo genere d’arte chiamato Pseudorealismo. L’arte pseudorealista è uno stile artistico originale che è stato sviluppato interamente sul suolo indiano. Lo pseudorealismo prende in considerazione il concetto indiano di astrazione e lo usa per trasformare scene regolari della vita indiana in immagini fantastiche.

Nell’India post-liberalizzazione, molti artisti si sono stabiliti nel mercato dell’arte internazionale come Anish Kapoor e Chintan, le cui opere gigantesche hanno acquisito attenzione per le loro dimensioni. Molte case e gallerie d’arte sono state aperte anche negli Stati Uniti e in Europa per mostrare opere d’arte indiane.Alcuni artisti come chiman dangi (pittore, incisore) Bhupat Dudi, Subodh Gupta, Piu Sarkar, Vagaram Choudhary, Amitava Sengupta e molti altri hanno fatto magia in tutto il mondo. Ghosh è un pittore di talento, ed è piuttosto attivo nella Triveni Art Gallery, a Nuova Delhi.