インドの絵 – HiSoUR 芸術文化美術歴史

インドの絵画は、インドの美術には非常に長い伝統と歴史を持っています。最も初期のインド絵画は、史跡時代の岩絵、Bhimbetka岩シェルターなどの岩石絵画、Bhimbetka岩シェルターで見つかった石器時代の岩絵の一部は約3万年前のものです。インドの仏教文学には、軍の宮殿と貴族階級の絵画が描かれたテキストの例がいっぱいですが、アジャンタ洞窟の絵画は少数の生き残りの中で最も重要です。最も初期の生存者は中世からのものであるが、原稿の小規模な絵画もおそらくこの時期に実践されていた。ムガールの絵画は、古代インドの伝統とペルシャのミニチュアの融合を表し、17世紀から、そのスタイルはインドの宗教の宮廷を越えて拡散し、それぞれが地元のスタイルを発展させました。会社の絵は、英国の下で英国の顧客のために作られました.19世紀から西洋の線に沿ってアートスクールが導入され、インドの近代的な絵画につながりました。

インドの絵画は、初期の文明から現在までの美学の連続体を提供しています。インディアンの絵画は、本来、基本的には宗教的なものであることから、様々な文化や伝統が融合したものになりました。

インド絵画のシャダンガ
紀元前1世紀頃、シャダンガ（Shadanga）または6つのインドの絵画が進化し、一連のキャノンが進化し、アートの主な原則が打ち出されました。西暦3世紀に住んでいたヴァツヤヤナは、カマシュトラでこれを列挙し、さらに古代の作品からそれらを抽出しました。

これらの「六肢」は以下のように翻訳されています：

Rupabheda外観の知識。
プラマナム正しい知覚、尺度、構造。
バハーフォームに対する感情の行動。
Lavanya Yojanam恵み、芸術表現の注入。
Sadrisyam Similitude。
Varnikabhangaブラシと色を使用する芸術的な方法。（Tagore。）
その後の仏教徒による絵画の発展は、これらの「6つの肢」がインドの芸術家によって実践され、芸術が創設された基本原則であることを示しています。

インド絵画のジャンル
インドの絵画は、広く壁画とミニチュアに分類することができます。壁画は、Ajanta CavesやKailashnathの寺院のように、頑丈な建物の壁に施された大きな作品です。ミニチュア・ペインティングは、紙や布などの腐敗しやすい材料の書籍やアルバムに対しては、非常に小さい規模で実行されます。ベンガル宮殿はインドのミニチュア絵画の先駆者でした。ミニチュア・ペインティングの芸術は、ムガール時代に栄光に達しました。ミニチュア絵画の伝統は、Bundi、Kishangarh、Jaipur、Marwar、Mewarのような様々なRajasthani絵画学校の画家たちによって引き継がれました。 Ragamalaの絵画もこの学校に属しています。英国のRajの下で英国のクライアントのために制作された絵画もそうです。

古代インドの芸術は、1930年代にベンガル芸術学校が登場し、それに続いてヨーロッパとインドのスタイルで様々な実験が行われました。インドの独立後、Jamini Roy、MF Husain、Francis Newton Souza、Vasudeo S. Gaitondeのような重要なアーティストによって開発された多くの新しいジャンルの芸術があります。経済の進歩に伴い、芸術の形式や様式も多くの変化を遂げました。 1990年代には、インド経済は自由化され、世界経済に統合され、文化的情報の自由な流れがもたらされました。アーティストには、Subodh Gupta、Atul Dodiya、Devajyoti Ray、Bose Krishnamachari、Jitish Kahllatなどがあり、その作品は国際市場でオークションにかけられました。 Bharti Dayalは伝統的なMithilaの絵を最も現代的な方法で扱い、自分の想像力を駆使して独自のスタイルを作り出しています。彼らは新鮮で珍しいようです。

壁画
インドの壁画の歴史は、西暦前2世紀から西暦8世紀〜10世紀にかけての古代および初期の中世に始まります。インド周辺には、この時期の壁画を含む20カ所以上の場所が知られています。主に天然の洞窟や岩塊の部屋です。この時期の最高の成果は、アジャンタ、バグ、シタナバサル、アルママライ洞窟（タミルナードゥ）、ラヴァンチャヤロックシェルター、エララ洞窟のカイルササタサ寺院の洞窟です。

この期間の壁画は、主に仏教、ジャイン、ヒンズー教の宗教のテーマを描いています。ジョギマラ（Jogimara）洞窟の古代劇場や7世紀のAD – Ravan Chhayaロックシェルターのような王立狩猟用のロッジのように、絵画が作られた場所もあります。

現場を支配していた大規模な壁画の模様は、11世紀と12世紀のミニチュア絵画の出現を目撃した。この新しいスタイルは、まず手のひら葉の原稿にエッチングされたイラストの形をしています。これらの原稿の内容には、仏教とジャイナ教に関する文献が含まれていました。インド東部では、仏教宗教の主な芸術活動や知的活動の中心地はナンランダ、オダンタプリー、ヴィクラムシラ、ソマプラであり、Pala王国（Bengal and Bihar）に位置しています。

インド東部の絵画
インドの東部では、10世紀に開発されたミニチュア絵画。これらのミニチュア、仏教の神々と仏の生活からのシーンを描いたのは、椰子の葉の原稿の葉（約2.25×3インチ）とその木製のカバーです。最も一般的な仏教のイラストは、Astasahasrika Prajnaparamita、Pancharaksa、Karandavyuha、Kalachakra Tantraのテキストが含まれています。現代初期のミニチュアは、コリタタのアジア協会が現在保有しているMahipala（c。993）の第6紀元年のAstasahasrika Prajnaparamitaの原稿に掲載されています。このスタイルは12世紀後半にインドから姿を消した。

西インドのミニチュア絵画
ミニチュア絵画は、非常にカラフルですがサイズは小さい、美しい手作りの絵です。これらの絵画のハイライトは、独特のアイデンティティを与える複雑で繊細な絵画です。色は手作りで、ミネラル、野菜、貴石、藍、貝殻、純金、銀から作られています。インドのミニチュア絵画の進化は、ヒマラヤ西部で17世紀頃から始まりました

これらのミニチュア絵画の主題は主に宗教的で文学的な写本の主題と関連している。多くの絵画はサンスクリット語と民俗文学のものです。それは愛の話の対象です。 Vaishnav宗派のヒンズー教宗派の絵やJain宗派の絵画があります。 Vaishnav宗派の絵画はLord KrishnaとGopiesの人生のさまざまな場面に関するものです。 Vaishnavの “Gita Govinda”の絵はLord Krishnaに関するものです。ジャイン宗派の絵は、ジャイン・ローズと宗教主義に関するものです。

これらの絵は、ヤドリの葉を意味する “Taadpatra”とPaperで作成されました。その間に、より早い写本がヤシの木の葉と紙の後ろから作られました。

これらの絵には、正面を持つ人間のキャラクターはほとんど見られません。人間のキャラクターのほとんどは、側面のプロファイルで見られます。大きな目、尖った鼻、スリムなウエストがこの絵の特徴です。人間の肌の色は、茶色で、きれいです。主クリシュナの肌色は青です。髪と目の色は黒です。女性キャラクターは長い髪をしています。人間のキャラクターは、手、鼻、首、髪、腰、足首にジュエリーをつけています。男性と女性は伝統的なインドのドレス、スリッパ、靴を着用しています。男性は頭にターバンを着用します。これらの絵画では、川、花、鳥、土地、空、家、伝統的な椅子、クッション、カーテン、ランプ、人間のキャラクターが描かれています。

ほとんどの場合、これらの絵には自然色が使われています。黒、赤、白、茶、青、黄色が絵を飾るために使われます。

キングス、王の廷臣、裕福なビジネスマン、時代の宗教指導者たちは、これらのミニチュア絵画のプロモーターでした。

これらの絵画の画家は地元の社会からのものでした。「Vaachhak」は当時の有名画家でした。絵師は原稿の読者が読書を楽しむことができるように、これらの写真によって原稿の主題を作ろうとしました。

Malwa、Deccan、Jaunpurの絵画学校
Nasir Shah（1500-1510）の治世の間、Manduで描かれたNimatnamaの写本によって原稿のイラストの新しい傾向が設定された。これは、先住民族と愛用のペルシャ語のスタイルの合成を表していますが、Manduの写本を支配するのは後者でした。南インドのスルタン帝国の支配下で栄えたロディ・クラーダール（Lodi Khuladar）と呼ばれる別のスタイルの絵画が、デリーからジャウンプールまで広がっています。

バーミンガム裁判所や後にAhmadnagar、Bijapur、Golkondaの裁判所で栄えたミニチュアの絵画様式は、デカン絵画学校として広く知られています。生存初期の絵画の1つは、プーネのBharata Itihasa Samihodhaka Mandalaに現在ある写本Tarif-i-Hussain Shahi（c.1565）の図として見られる。ダブリンのチェスタービーティー図書館に保管されているNujum-Ul-Ulum（Science of Stars）（1570）の写本には、約400点のミニチュア絵画があります。

ムガールペインティング
ムガール・ペインティングはインド絵画の特定のスタイルであり、一般的には本のイラストに限定され、ミニチュアで行われ、16世紀〜19世紀のムガール帝国期に現れ、発展し、形をなしていた。

ムガールの絵画は、インディアン、ペルシャ、イスラムの独特のスタイルを取り入れています。ムガールの王たちは、彼らの行動の視覚的な記録をハンターや征服者として欲しかったので、彼らの軍事探検や国家の任務に同行したり、動物の犠牲者としての彼らの腕前を記録したり、結婚式の偉大な王朝の儀式で描いた。

アクバルの治世（1556-1605）は、インドの小規模な絵画の新しい時代を導いた。政治力を強化した後、彼はFatehpur Sikriに新しい首都を建設し、そこでインドとペルシャのアーティストを集めました。彼はペルシャの2人の巨匠であるミール・セイエッド・アリとアブダス・サマドの監督の下、インドでアトリエを設立した最初の君主でした。以前は、両者ともカブールのフマユーンの後援を受け、1555年に王位を取り戻し、インドに同行した。百人以上の画家が雇われ、そのほとんどはグジャラート、グワリオール、カシミールのヒンドゥー教徒であり、 Mughal School of Miniature Paintingsとして知られている新しい絵画学校を誕生させました。

そのミニチュア・ペインティング・スクールの最初の作品の1つはHamzanamaシリーズで、裁判所の歴史家Badayuniによれば、1567年に始まり、1558年に完成しました。預言者の叔父であるAmir Hamzaの物語であるHamzanama Mir Sayyid Ali。ハムザナマの絵画は20×27インチの大きさで布にペイントされており、ペルシャのサファビの様式で、鮮やかな赤、青、緑の色が卓越し、ピンク、侵食された岩、植生、飛行機、梅桃の木はペルシャを連想させますが、インドの芸術家が雇われた後の仕事にはインドの色調が現れます。

彼の後、ジャハンギルはアーティストに肖像画やダーバーシーンを描くよう奨励しました。彼の最も才能のある肖像画家は、Ustad Mansur、Abul Hasan、Bishandasでした。

Shah Jahan（1627-1658）は絵画の後援を続けた。この時期の有名な作家の一人は、モハマド・ファキリュラ・カーン、ミール・ハシム、ムハンマド・ナディール、ビチットール、キタマーマン、アヌフチャータル、マノハル、ホンハールでした。

オーランゼブは美術の味がなかった。後援の欠如のために、デカンではハイデラバードに移り、新しい利用者を求めてヒンドゥー教徒はラージャスターン州に移住した。

ラジャットペインティング
インドのRajputanaの王室裁判所で、18世紀にインドの絵画のスタイル、Rajput paintingが進化し、栄えました。各ラウンドプット王国は異なるスタイルを持ちましたが、共通の特徴を持っていました。ラジャプトの絵画には、ラマヤナとマハブラタ、クリシュナの生涯、美しい風景、人間のような叙事詩のテーマが数多く描かれています。ミニチュアはラジエット絵画の好ましい媒体であったが、いくつかの写本にはラウトプト絵画も含まれており、宮殿の壁、城砦の内部室、ハビーズ、特にシェフワワティの飾りにも絵が描かれていた。

特定のミネラル、植物源、貝殻から抽出された色は、宝石、金、銀を加工して得られたものでもありました。所望の色の準備は、時には数週間かかる長いプロセスでした。使用されたブラシは非常に細かいものでした。

マイソール絵画
マイソールの絵画は、カルナタカのマイソールの町で始まった古典的な南インド絵画の重要な形態です。これらの絵画は、エレガントさ、控えめな色彩、細部への注意で知られています。これらの絵画のほとんどのテーマは、ヒンドゥー教の神話とヒンズー教神話のシーンです。現代では、これらの絵画は、南インドでのお祝いの機会の間に非常に求められているお土産になっています。

マイソール絵画の製作プロセスには多くの段階があります。第1段階は、ベース上の画像の予備的スケッチの作成を含む。ベースは木製ベースに貼られたカートリッジペーパーで構成されています。酸化亜鉛とアラビアガムからなるペーストを「ガッソペースト」といいます。細いブラシの助けを借りて、宝飾品と玉座の一部またはいくつかの救済のあるアーチを塗って、彫刻の効果を少し上げます。これを乾燥させる。この薄い金箔には貼り付けられています。残りの図面は、水彩画を使用して塗装されます。消音された色のみが使用されます。

タンジェールの絵画
Tanjoreの絵画は、タミル・ナードゥ州のTanjore町に生息する古典的な南インド絵画の重要な形態です。芸術の形態は、芸術と文学を奨励したチョーラ支配者が支配する9世紀初頭の時代にまでさかのぼります。これらの絵画は、優雅さ、豊かな色彩、細部への配慮で知られています。これらの絵画のほとんどのテーマは、ヒンドゥー教の神話とヒンズー教神話のシーンです。現代では、これらの絵画は、南インドでのお祝いの機会の間に非常に求められているお土産になっています。

タンゴール絵画の製作プロセスには多くの段階があります。第1段階は、ベース上の画像の予備的スケッチの作成を含む。ベースは、木製ベースに貼られた布で構成されています。次にチョーク粉末または酸化亜鉛を水溶性接着剤と混合し、それをベースに塗布する。ベースを滑らかにするために、穏やかな研磨剤が使用されることがあります。作図が終わったら、半貴石で宝石と装飾のイメージを作ります。紐や糸はジュエリーを飾るためにも使われます。さらに、金箔を貼り付けます。最後に、絵の中の人物に色を付けるために染料が使われています。

カングラ絵画
このスタイルは、18世紀前半にグラー州で生まれ、マハラジャ・サンシャー・チャント・カトーの治世の天頂に達しました。

マドゥバニ絵画
Madhubaniの絵画はビハール州のMithila地域で実践された絵画のスタイルです。テーマは、ヒンドゥー教の神々と神話の周りを回っており、王室の場面や結婚式のような社会行事の場面もあります。一般に空白は空白になりません。隙間は花、動物、鳥、幾何学的なデザインの絵で満たされています。この絵画では、葉やハーブ、花などを使って絵を描くのに使われる色を作ります。

パタチトラ
Pattachitraは、インド東部のWest BengalとOdishaの古典絵画を指します。Sanskritの「Patta」は「Vastra」または「clothings」を意味し、「chitra」は絵画を意味します。

ベンガル・パタチトラは、西ベンガル州の絵画を指します。それは西ベンガルの伝統的で神話的な遺産である。ベンガル・パタチトラは、Durga Pat、Chalchitra、Tribal Patachitra、Medinipur Patachitra、Kalighat Patachitraなどいくつかの異なる側面に分かれています。ベンガル・パタチトラの主題は主に神話的、宗教的、民俗学的、社会的なものです。ベンガル・パタチトラの最後の伝統であるKalighat Patachitraは、Jamini Royによって開発されました。ベンガル・パタチトラの芸術家はパトゥアと呼ばれています。

Orisha Pattachitraの伝統はJagannath主の崇拝と密接に関連しています。紀元6世紀のKhandagiriとUdayagiriとSitabhinjiの洞窟の絵画の断片的な証拠を除いて、Odishaの最も初期の固有の絵はChitrakarsによって行われたPattachitra（画家はChitrakarsと呼ばれています）です。オリヤの絵画館のテーマは、ヴァイシュナヴァ派の周りです。 Pattachitraの文化の始まり以来、Lord JagannathはLord Krishnaの化身であり、インスピレーションの主要な源泉でした。 Patta Chitraの主題は主に神話的で宗教的な物語と民俗伝承です。テーマはJagannath、Balabhadra、Subhadraの異なる “Vesas”、Jayadev、Kama Kujara Naba Gunjara、Ramayana、Mahabharataの「Gita Govinda」に基づいたビシュヌの10人の象徴です。神々と女神の個々の絵画も塗装されています。画家は工場のポスターの色を使わずに野菜やミネラルの色を使います。彼らは自分の色を準備する。白色は、非常に危険なプロセスでパウダー、沸騰、およびろ過によって殻から作られます。それは多くの忍耐を必要とします。しかし、このプロセスは色合いに輝きと優越感を与えます。鉱物色の「Hingula」は赤の色に使われます。黄色の石材の王様である「ハリタラ」、青色の藍色の「ラマラジャ」が使われています。ココナッツ殻の焼成から作られた純粋なランプ – 黒または黒が使用されます。これらの「チトラカラス」によって使用されるブラシは、先住民でもあり、家畜の毛でできています。竹の棒の端に結ばれた毛束は、ブラシを作る。これらの画家がこのような精度のラインを引き出し、これらの粗製ブラシの助けを借りてどのように仕上げるかについては、本当に不思議な問題です。オリヤの絵画の古い伝統は、プリ、ラグラプール、パララクムンディ、チキティ、ソネプールのチトラカラス（伝統的な画家）の熟練した手の中で今日もなお生き残っています。

ベンガル学校
ベンガル・スクール・オブ・アートは、20世紀初めの英国ラージ時代にインドで栄えた影響力のある芸術作品でした。それはインドのナショナリズムに関連していたが、多くの英国の芸術管理者によって促進され支持された。

ベンガルの学校は、ラヴィ・ヴェルマのようなインドの芸術家や英国の美術学校の両方で、以前にインドで宣伝されていた学術的スタイルに反するアヴァンギャルドな、民族主義的な運動として生まれました。英国の芸術教師Ernest Binfield Havelは、インドの精神的なアイデアが西洋に広まった後、カルカッタ美術学校の教授法を改革しようと試みました。これは、反逆的行為であると考えた民族主義者を含む、地元のマスコミからの学生や苦情につながる、激しい論争を招いた。ハヴェルは、詩人ラビンドラナット・タゴール（Rabindranath Tagore）の甥、アバニンドラナー・タゴール（Abanindranath Tagore）によって支持されました。タゴールは、西洋の「物質主義」とは対照的に、彼とハーヴェルがインドの明確な霊的資質を表現していると信じていたムガール芸術の影響を受けた数多くの作品を描いた。 Abanindranath Tagorの最も有名な絵画、Bharat Mata（母インド）は、インドの国家の願望を象徴する物体を保持しながら、ヒンズー教の神のように4本の腕を描いた若い女性を描写した。タゴールはその後、汎アジア主義の芸術モデルを構築するための熱望の一部として、極東のアーティストとのつながりを開拓しようと試みた。このIndo-FarEasternモデルに関連するものは、Nandalal Bose、Mukul Dey、Kalipada Ghoshal、Benode Behari Mukherjee、Vinayak Shivaram Masoji、BC Sanyal、Beohar Rammanohar Sinha、そしてその後の学生A. Ramachandran、Tan Yuan Chameli、Ramananda Bandopadhyayなどその他。

インドのアートシーンへのベンガル学校の影響は、徐々に近代的なアイデアの普及とともに緩和し始めた.KGスブラヤニャンのこの動きにおける役割は重要である。今日、インドのBankuraのRednova Art Academyは、Artist Abirlalによって設立された著名な芸術アカデミーです。

文脈モダニズム
Siva Kumarが展覧会のカタログで使用した文脈のモダニズムという言葉は、Santiniketanの芸術家が実践した芸術を理解するための脱植民地的な重要なツールとして浮上しています。

ポール・ギルロイの近代化の反対文化やタニ・バローの植民地近代などのいくつかの用語は、非ヨーロッパの文脈で現れる代替近代性の種類を記述するために使われてきた。ゴール教授は、「植民地近代における植民地は植民地化された状況における多くの人々の劣等感の内在化を拒否しているわけではないので、「コンテクスト・モダニズム」はより適切な用語であると主張している。 Santiniketanの芸術家の教師による従属の拒絶は、帝国の西洋近代性とモダニズムを推進した人種的、文化的な本質主義を修正しようとする近代性の逆説を組み込んだ。イギリスの植民地支配権を勝ち取った欧州の近代化は、同様の本質主義を組み込んだときにも同様に問題を抱えたナショナリストの反応を誘発した。

R. Siva Kumarによると「Santiniketanの芸術家は、国際主義的なモダニズムと歴史的な先住民の両方からオプトアウトすることによって意識的にこのモダニズムのアイデアに挑戦し、文脈に敏感なモダニズムを作り出そうとした最初の人のひとりでした。彼はSantiniketanの巨匠の作品を勉強していて、80年代初頭から芸術へのアプローチを考えていました。 Bengal School of Artの下で、Nandalal Bose、Rabindranath Tagore、Ram Kinker Baij、Benode Behari Mukherjeeを含める習慣は、Siva Kumarによると、誤解を招いていました。これは、初期の作家が、スタイル、世界観、芸術実践の視点ではなく、見習いの系譜に導かれたために起こりました。

文学批評家Ranjit Hoskoteは、現代芸術家のAtul Dodiyaの作品を見直しながら、「Sintra Kumarが「文脈的なモダニズム」と呼んできた歴史的事情について、Dodiyaの目を開いた。 1930年代と40年代のインド東部では、世界の恐慌、ガンダンス解放闘争、タゴレーン文化ルネッサンス、第二次世界大戦の乱闘の間に起こった。

近年の文脈モダニズムは、特に建築学における他の関連分野での利用を見出している。

荒れ果てたインドの絵画
Vernacular artは、過去（未来、伝統、宗教）に基づいており、定義されたグループによって作られた生きたアート（現代アート）です。 Vernacular artはこのグループの集合的な記憶に基づいています。

Vernacular Indian Paintingの例：

部族の絵画：
Bhilペインティング
ウォーリィ絵画
ゴンドペイント
サンタルの絵画
サオラ絵画
クルンバ絵画

田舎の絵画：
パタチトラ絵画
マドゥバニ絵画
カラムカリ絵画
コラム絵画
カラム絵画
マンダナの絵画

現代インド絵画
植民地時代には、西洋の影響がインドの芸術に影響を与え始めました。一部のアーティストは、インドのテーマを説明するために、構図、視点、リアリズムの西洋のアイデアを使ったスタイルを開発しました。他にも、Jamini Royのように、意識的に民俗芸術のインスピレーションを引き出しています.Barti Dayalは伝統的なMithila Paintingを最も現代的な方法で扱い、現実主義と抽象主義の両方を使用しています。バランス、ハーモニー、猶予の完璧なセンス。

1947年の独立以来、インドのいくつかの美術学校は、現代的な技術とアイデアへのアクセスを提供していました。これらのアーティストを紹介するギャラリーが開設されました。現代のインドの芸術は、典型的には西洋スタイルの影響を示しますが、しばしばインドのテーマやイメージに触発されます。主な芸術家は、当初はインドのディアスポラの中でも、非インディアンの観客の間でも、国際的に認められ始めています。

1947年にインドが独立した直後に設立されたプログレッシブ・アーティスト・グループは、ポスト・コロニアル時代にインドを表現する新しい方法を確立しようとしていた。創業者はKH Ara、SK Bakre、HA Gade、MF Husain、SH Raza、FN Souzaの6人の著名なアーティストであったが、1956年に解散されたが、インドの芸術のイディオムに大きな影響を与えた。 1950年代のインドの大手アーティストのほとんどすべてがこのグループと関連していました。バル・チャブダ、マニシ・デイ、VSガイトンデンド、クリセン・ハナ、ラム・クーマル、タイブ・メータ、ベアハル・ラママノハル・シンハ、アクバー・パダンゼーなどが有名です。 Jahar Dasgupta、Prokash Karmakar、John Wilkins、Bijon Choudhuriのような有名な画家たちは、インドの芸術文化を豊かにしました。彼らは現代のインドの芸術のアイコンになっています。 Rai Anand Krishna教授のような美術史家はまた、インドの精神を反映する現代芸術家の作品を参照しました。

また、インディアンの芸術に関する談話の増加は、インディアン語と同様に英語でも、芸術学校で芸術がどのように認識されたかを考慮したものであった。クリティカルなアプローチは厳密になり、Geeta Kapur、Rのような批評家たちは、 Siva Kumarは、インドの現代美術を再考することに貢献しました。彼らの声は、インドだけでなく世界中でインドの芸術を表現していました。批評家はまた重要な展覧会のキュレーターとして重要な役割を果たし、モダニズムとインディアンアートを再定義しました。

インドのアートは、1990年代初め以来、経済の自由化を促進しました。様々な分野のアーティストが様々なスタイルの作品を取り入れ始めました。自由化後のインドの芸術は、学問的な伝統の範囲内だけでなく、その外でも働く。この段階では、アーティストは、これまでインドのアートには見られなかったより新しいコンセプトを紹介しました。 Devajyoti RayはPseudorealismという新しいジャンルの芸術を導入しました。 Pseudorealist Artはインドの土壌で完全に開発された独創的なアートスタイルです。 Pseudorealismは、インドの抽象概念を考慮に入れ、それを使用してインドの生活の通常の場面を幻想的なイメージに変換します。

自由化後のインドでは、多くのアーティストがAnish KapoorやChintanのような国際美術市場に立ち、巨大な芸術作品がその大きさで注目を集めています。インドのアートワークを紹介するために、多くのアートハウスやギャラリーが開かれています。キマンダンギ（画家、版画家）Bhupat Dudi、Subodh Gupta、Piu Sarkar、Vagaram Choudhary、Amitava Senguptaなど多くのアーティストが世界中で魔法を使っています.Chhaya Ghoshは才能のある画家であり、ニューデリーのTriveni Art Galleryでかなり活躍しています。