Die indische Malerei hat in der indischen Kunst eine lange Tradition und Geschichte. Die frühesten indischen Gemälde waren die Felsmalereien der prähistorischen Zeit, die Petroglyphen, wie sie in den Felsunterständen von Bhimbetka gefunden wurden, einige der steinzeitlichen Felsmalereien, die in den Felsunterständen von Bhimbetka gefunden wurden, sind ungefähr 30.000 Jahre alt. Die indische buddhistische Literatur ist reich an Beispielen von Texten, die Paläste der Armee und die aristokratische Klasse mit Malereien beschreiben, aber die Gemälde der Ajanta-Höhlen sind die bedeutendsten der wenigen Überreste. Kleinere Malerei in Manuskripten wurde wahrscheinlich auch in dieser Zeit praktiziert, obwohl die frühesten Überreste aus dem Mittelalter stammen. Die Mogulmalerei stellte eine Verschmelzung der persischen Miniatur mit älteren indischen Traditionen dar, und ab dem 17. Jahrhundert verbreitete sich ihr Stil über indische Fürstenhöfe aller Religionen, die jeweils einen lokalen Stil entwickelten. Unter britischem Raj entstanden Firmenbilder für britische Kunden, die ab dem 19. Jahrhundert auch Kunstschulen nach westlichem Vorbild einführten, was zur modernen indischen Malerei führte, die zunehmend zu ihren indischen Wurzeln zurückkehrt.

Indische Gemälde bieten ein ästhetisches Kontinuum, das von der frühen Zivilisation bis zur Gegenwart reicht. Die indische Malerei hat sich im Laufe der Jahre zu einer Verschmelzung verschiedener Kulturen und Traditionen entwickelt.

Shadanga der indischen Malerei
Um das 1. Jahrhundert v. Chr. Wurden die Shadanga oder die Sechs Gliedmaßen der indischen Malerei entwickelt, eine Reihe von Kanons, die die Grundprinzipien der Kunst festlegten. Vatsyayana, der im dritten Jahrhundert n. Chr. Lebte, zählt diese in seinem Kamasutra auf, nachdem er sie aus noch älteren Werken extrahiert hat.

Diese ‚Sechs Gliedmaßen‘ wurden wie folgt übersetzt:

Rupabheda Das Wissen um den Schein.
Pramanam Richtige Wahrnehmung, Messung und Struktur.
Bhava Aktion der Gefühle auf Formen.
Lavanya Yojanam Infusion der Gnade, künstlerische Darstellung.
Sadrisyam Similitude.
Varnikabhanga Künstlerische Art, Pinsel und Farben zu verwenden. (Tagore.)
Die darauffolgende Entwicklung der Malerei durch die Buddhisten zeigt, dass diese „Sechs Gliedmaßen“ von indischen Künstlern in die Praxis umgesetzt wurden und die grundlegenden Prinzipien sind, auf denen ihre Kunst gegründet wurde.

Genres der indischen Malerei
Indische Gemälde können grob als Wandbilder und Miniaturen klassifiziert werden. Wandmalereien sind große Werke, die an den Wänden fester Strukturen ausgeführt werden, wie in den Ajanta-Höhlen und im Kailashnath-Tempel. Miniaturgemälde werden in sehr kleinem Maßstab für Bücher oder Alben auf verderblichem Material wie Papier und Stoff ausgeführt. Die Palas von Bengalen waren die Pioniere der Miniaturmalerei in Indien. Die Kunst der Miniaturmalerei erreichte ihren Höhepunkt während der Moghul-Zeit. Die Tradition der Miniaturmalerei wurde von den Malern der verschiedenen Rajasthanischen Malerschulen wie Bundi, Kishangarh, Jaipur, Marwar und Mewar fortgeführt. Zu dieser Schule gehören auch die Ragamala-Gemälde, ebenso wie die Company-Malerei, die für britische Kunden unter dem britischen Raj produziert wurde.

Die antike indische Kunst hat in den 1930er Jahren den Aufstieg der Bengal School of Art erlebt, gefolgt von vielen Formen von Experimenten in europäischen und indischen Stilen. In der Zeit nach Indiens Unabhängigkeit wurden viele neue Gattungen der Kunst von bedeutenden Künstlern wie Jamini Roy, MF Husain, Francis Newton Souza und Vasudeo S. Gaitonde entwickelt. Mit dem Fortschreiten der Wirtschaft veränderten sich auch die Formen und Stile der Kunst. In den 1990er Jahren wurde die indische Wirtschaft liberalisiert und in die Weltwirtschaft integriert, was zu einem freien Fluss von kulturellen Informationen innerhalb und außerhalb führte. Zu den Künstlern gehören Subodh Gupta, Atul Dodiya, Devajyoti Ray, Bose Krishnamachari und Jitish Kahllat, deren Werke auf internationalen Märkten versteigert wurden. Bharti Dayal hat sich entschieden, mit der traditionellen Mithila-Malerei auf die modernste Art und Weise umzugehen und ihren eigenen Stil durch die Übungen ihrer eigenen Phantasie zu kreieren, sie erscheinen frisch und ungewöhnlich.

Wandbilder
Die Geschichte der indischen Wandmalerei beginnt im antiken und frühen Mittelalter, vom 2. Jahrhundert vor Christus bis zum 8. – 10. Jahrhundert nach Christus. Es gibt mehr als 20 Standorte in ganz Indien, die Wandmalereien aus dieser Zeit enthalten, vor allem natürliche Höhlen und Gesteinskammern. Die höchsten Errungenschaften dieser Zeit sind die Höhlen von Ajanta, Bagh, Sittanavasal, Aramalai Höhle (Tamil Nadu), Ravan Chhaya Felsenschutz, Kailasanatha Tempel in Ellora Höhlen.

Wandbilder aus dieser Zeit zeigen hauptsächlich religiöse Themen der buddhistischen, jainischen und hinduistischen Religionen. Es gibt jedoch auch Orte, an denen Malereien geschaffen wurden, um mondäne Räume zu schmücken, wie das antike Theaterzimmer in der Jogimara-Höhle und ein mögliches königliches Jagdhaus aus dem 7. Jahrhundert – Ravan Chhaya.

Das Muster der großformatigen Wandmalerei, die die Szene beherrschte, war Zeuge der Miniaturmalereien im 11. und 12. Jahrhundert. Dieser neue Stil kam zuerst in Form von Illustrationen zum Ausdruck, die auf Palmblattmanuskripten geätzt wurden. Der Inhalt dieser Manuskripte enthielt Literatur über Buddhismus und Jainismus. In Ostindien waren Nalanda, Odantapuri, Vikramshila und Somarpura im Pala Königreich (Bengalen und Bihar) die wichtigsten Zentren der künstlerischen und intellektuellen Aktivitäten der buddhistischen Religion.

Ost-Indien-Malerei
In Ostindien entwickelte sich im 10. Jahrhundert eine Miniaturmalerei. Diese Miniaturen, die buddhistische Gottheiten und Szenen aus dem Leben Buddhas darstellen, wurden auf die Blätter (ca. 2,25 x 3 Zoll) der Palmblatt-Manuskripte sowie ihre hölzernen Abdeckungen gemalt. Die häufigsten buddhistischen illustrierten Manuskripte umfassen die Texte Astasahasrika Prajnaparamita, Pancharaksa, Karandavyuha und Kalachakra Tantra. Die frühesten erhaltenen Miniaturen sind in einem Manuskript der Astasahasrika Prajnaparamita zu finden, das im sechsten Regierungsjahr von Mahipala (ca. 993) datiert ist, gegenwärtig der Besitz der Asiatischen Gesellschaft, Kolkata. Dieser Stil verschwand im späten 12. Jahrhundert aus Indien.

Western Indian Miniaturmalerei
Miniatur-Gemälde sind schöne handgefertigte Gemälde, die ziemlich bunt, aber klein sind. Der Höhepunkt dieser Gemälde ist die komplizierte und zarte Pinselführung, die ihnen eine einzigartige Identität verleiht. Die Farben sind handgefertigt, aus Mineralien, Gemüse, Edelsteinen, Indigo, Muschelschalen, reinem Gold und Silber. Die Entwicklung der indischen Miniaturen begann im westlichen Himalaya um das 17. Jahrhundert

Die Themen dieser Miniaturmalerei beziehen sich auf die Themen der überwiegend religiösen und literarischen Handschriften. Viele Gemälde stammen aus dem Sanskrit und der Volksliteratur. Es geht um Liebesgeschichten. Einige Gemälde von Vaishnav Sekte der Hindu-Religion und einige sind von Jain Sekte. Die Bilder der Vaishnav-Sekte beziehen sich auf verschiedene Anlässe im Leben von Lord Krishna und Gopies. Vaishnav Bilder von „Gita Govinda“ handelt von Lord Krishna. Die Gemälde der Jain-Sekte beziehen sich auf Jain-Lords und religiöse Themen.

Diese Gemälde entstanden auf „Taadpatra“, was das Blatt der Palme bedeutet, und auf Papier. In dieser Zeit entstanden frühere Handschriften aus dem Blatt der Palme und später aus dem Papier.

In diesen Gemälden sind sehr wenige menschliche Charaktere mit Frontansicht zu sehen. Die meisten menschlichen Charaktere werden mit Seitenprofilen gesehen. Große Augen, spitze Nase und schlanke Taille zeichnen diese Gemälde aus. Die Hautfarben des Menschen sind braun und schön. Die Hautfarbe des Lord Krishna ist Blau. Die Farbe der Haare und Augen ist schwarz. Frauenfiguren haben lange Haare. Menschliche Figuren haben Schmuck an Hand, Nase, Nacken, Haar, Taille und Knöcheln getragen. Männer und Frauen tragen traditionelle indische Kleidung, Hausschuhe und Schuhe. Männer tragen Turbane auf dem Kopf. In diesen Gemälden sind Bäume, Flüsse, Blumen, Vögel, das Land, der Himmel, Häuser, traditionelle Stühle, Kissen, Vorhänge, Lampen und menschliche Figuren gemalt worden.

In diesen Gemälden wurden meist natürliche Farben verwendet. Schwarze, rote, weiße, braune, blaue und gelbe Farben werden verwendet, um die Gemälde zu dekorieren.

Die Könige, Höflinge der Könige, wohlhabende Geschäftsleute und religiöse Führer der Zeit waren die Förderer dieser Miniaturbilder.

Die Maler dieser Bilder stammten aus der lokalen Gesellschaft. „Vaachhak“ war der berühmte Maler jener Zeit. Die Maler bemühten sich, das Thema des Manuskriptes durch diese Bilder lebendig zu machen, so dass die Leser des Manuskripts das Lesen genießen können.

Malwa, Deccan und Jaunpur Malerschulen
Eine neue Tendenz in der Manuskriptabbildung wurde durch ein Manuskript des Nimatnama, das in Mandu während der Herrschaft von Nasir Shah (1500-1510) gemalt wurde, eingestellt. Dies stellt eine Synthese des indigenen und des bevormundeten persischen Stils dar, obwohl dieser die Mandu-Manuskripte beherrschte. Es gab eine andere Art von Malerei bekannt als Lodi Khuladar, die in der Herrschaft des Sultanats von Nordindien blühte, die sich von Delhi bis Jaunpur erstreckte.

Die Miniaturmalerei, die zunächst am Hof ​​von Bahmani und später an den Höfen von Ahmadnagar, Bijapur und Golkonda aufblühte, wird im Volksmund auch Deccan-Schule genannt. Eines der frühesten überlebenden Gemälde sind die Illustrationen eines Manuskripts Tarif-i-Hussain Shahi (c.1565), das jetzt in Bharata Itihasa Samshodhaka Mandala, Pune ist. In der Handschrift von Nujum-ul-Ulum (Sternen der Wissenschaft) (1570), die in der Chester Beatty Library in Dublin aufbewahrt wird, sind etwa 400 Miniaturgemälde zu finden.

Mughal-Malerei
Die Mughal-Malerei ist ein besonderer Stil der indischen Malerei, der im Allgemeinen auf Illustrationen auf dem Buch beschränkt und in Miniaturen ausgeführt wurde und während der Zeit des Mogulreichs im 16.-19. Jahrhundert entstand, sich entwickelte und Gestalt annahm.

Mughal-Gemälde waren eine einzigartige Mischung aus indischen, persischen und islamischen Stilen. Weil die Mogulkönige visuelle Aufzeichnungen ihrer Taten als Jäger und Eroberer wollten, begleiteten ihre Künstler sie auf militärischen Expeditionen oder Staatsmissionen oder zeichneten ihre Fähigkeiten als Tierschlächter auf oder stellten sie in den großen dynastischen Zeremonien der Ehen dar.

Akbars Herrschaft (1556-1605) leitete eine neue Ära der indischen Miniaturmalerei ein. Nachdem er seine politische Macht konsolidiert hatte, baute er eine neue Hauptstadt in Fatehpur Sikri, wo er Künstler aus Indien und Persien sammelte. Er war der erste Monarch, der in Indien ein Atelier unter der Aufsicht von zwei persischen Meisterkünstlern, Mir Sayyed Ali und Abdus Samad, gründete. Zuvor hatten beide unter dem Patronat von Humayun in Kabul gedient und ihn nach Indien begleitet, als er 1555 seinen Thron zurückeroberte. Mehr als hundert Maler waren angestellt, von denen die meisten Hindus aus Gujarat, Gwalior und Kaschmir waren, die einen Geburt zu einer neuen Schule der Malerei, im Volksmund bekannt als die Mughal School of Miniaturmalerei.

Eine der ersten Produktionen dieser Schule der Miniaturmalerei war die Hamzanama-Serie, die nach dem Gerichtshistoriker Badayuni 1567 begonnen und 1582 vollendet wurde. Die Hamzanama, Geschichten von Amir Hamza, einem Onkel des Propheten, wurden illustriert von Mir Sayyid Ali. Die Gemälde des Hamzanama sind groß, 20 x 27 „groß und auf Stoff gemalt. Sie sind im persischen Safawi-Stil. Brilliante rote, blaue und grüne Farben überwiegen; die rosa, erodierten Felsen und die Vegetation, Ebenen und blühende Pflaume Pfirsichbäume erinnern an Persien, indianische Töne erscheinen in späteren Arbeiten, als indische Künstler angestellt wurden.

Nach ihm ermutigte Jahangir Künstler, Porträts und Durbar-Szenen zu malen. Seine begabtesten Porträtmaler waren Ustad Mansur, Abul Hasan und Bishandas.

Shah Jahan (1627-1658) setzte die Schirmherrschaft der Malerei fort. Einige der berühmten Künstler dieser Zeit waren Mohammad Faqirullah Khan, Mir Hashim, Mohammed Nadir, Bichitr, Chitarman, Anupchhatar, Manohar und Honhar.

Aurangzeb hatte keinen Geschmack für schöne Künste. Wegen mangelnder Unterstützung wanderten Künstler nach Hyderabad im Deccan und in die Hindu-Staaten von Rajasthan auf der Suche nach neuen Gönnern.

Rajput Malerei
Rajput Malerei, ein Stil der indischen Malerei, entwickelte und florierte im 18. Jahrhundert in den königlichen Höfen von Rajputana, Indien. Jedes Königreich der Rajputen entwickelte einen eigenen Stil, aber mit bestimmten Gemeinsamkeiten. Rajput-Gemälde zeigen eine Reihe von Themen, Ereignisse von Epen wie Ramayana und Mahabharata, Krishnas Leben, wunderschöne Landschaften und Menschen. Miniaturen waren das bevorzugte Medium der Rajput-Malerei, aber einige Manuskripte enthalten auch Rajput-Gemälde und Gemälde wurden sogar an den Wänden von Palästen, Innenkammern der Forts, Havelies, insbesondere den Havelis von Shekhawati, gemacht.

Die Farben, die aus bestimmten Mineralien, Pflanzenquellen, Muschelschalen und sogar durch Verarbeitung von Edelsteinen, Gold und Silber gewonnen wurden, wurden verwendet. Die Herstellung der gewünschten Farben war ein langwieriger Prozess, der manchmal Wochen dauerte. Bürsten waren sehr gut.

Mysore-Malerei
Mysore-Malerei ist eine wichtige Form der klassischen südindischen Malerei, die in der Stadt Mysore in Karnataka entstand. Diese Gemälde sind für ihre Eleganz, gedämpften Farben und Liebe zum Detail bekannt. Die Themen für die meisten dieser Gemälde sind hinduistische Götter und Göttinnen und Szenen aus der hinduistischen Mythologie. In der heutigen Zeit sind diese Gemälde zu einem begehrten Souvenir bei festlichen Anlässen in Südindien geworden.

Der Prozess der Herstellung eines Mysore-Gemäldes beinhaltet viele Stufen. In der ersten Phase wird die vorläufige Skizze des Bildes auf der Basis erstellt. Die Basis besteht aus Kartuschenpapier, das auf einen Holzsockel geklebt ist. Eine Paste aus Zinkoxid und Gummi arabicum wird „Gesso-Paste“ genannt. Mit Hilfe eines dünnen Pinsels werden alle Schmuckstücke und Teile des Throns oder des Bogens, die etwas Relief haben, übermalt, um einen leicht erhöhten Effekt des Schnitzens zu erzielen. Dies ist erlaubt zu trocknen. Auf diese dünne Goldfolie wird geklebt. Der Rest der Zeichnung wird dann mit Wasserfarben gemalt. Es werden nur gedeckte Farben verwendet.

Tanjore-Malerei
Tanjore-Malerei ist eine wichtige Form der klassischen südindischen Malerei aus der Stadt Tanjore in Tamil Nadu. Die Kunstform geht auf das frühe 9. Jahrhundert zurück, eine Periode, die von den Chola-Herrschern dominiert wurde, die Kunst und Literatur förderten. Diese Gemälde sind für ihre Eleganz, satte Farben und Liebe zum Detail bekannt. Die Themen für die meisten dieser Gemälde sind hinduistische Götter und Göttinnen und Szenen aus der hinduistischen Mythologie. In der heutigen Zeit sind diese Gemälde zu einem begehrten Souvenir bei festlichen Anlässen in Südindien geworden.

Der Prozess der Herstellung eines Tanjore-Gemäldes beinhaltet viele Stufen. In der ersten Phase wird die vorläufige Skizze des Bildes auf der Basis erstellt. Die Basis besteht aus einem Tuch, das auf einen Holzfuß geklebt wird. Danach wird Kreidepulver oder Zinkoxid mit wasserlöslichem Kleber angemischt und auf den Untergrund aufgetragen. Um die Basis glatter zu machen, wird manchmal ein mildes Schleifmittel verwendet. Nach dem Zeichnen wird die Dekoration des Schmucks und der Kleidung im Bild mit Halbedelsteinen gemacht. Schnürsenkel oder Fäden werden auch verwendet, um den Schmuck zu schmücken. Darüber hinaus sind die Goldfolien eingeklebt. Schließlich werden Farbstoffe verwendet, um den Figuren in den Gemälden Farben hinzuzufügen.

Kangra-Malerei
Dieser Stil entstand in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts im Staat Guler und erreichte während der Herrschaft von Maharaja Sansar Chand Katoch seinen Höhepunkt.

Madhubani-Malerei
Madhubani-Malerei ist eine Art der Malerei, die in der Mithila-Region des Bundesstaates Bihar praktiziert wird. Themen drehen sich um Hindu Götter und Mythologie, zusammen mit Szenen aus dem königlichen Hof und gesellschaftliche Veranstaltungen wie Hochzeiten. Generell ist kein Platz frei. Die Lücken füllen sich mit Gemälden von Blumen, Tieren, Vögeln und sogar geometrischen Mustern. In diesen Gemälden verwenden Künstler Blätter, Kräuter und Blumen, um die Farbe zu schaffen, mit der die Bilder gezeichnet werden.

Pattachitra
Pattachitra bezieht sich auf die klassische Malerei von Westbengalen und Odisha, in der östlichen Region von Indien. „Patta“ auf Sanskrit bedeutet „Vastra“ oder „Kleidung“ und „Chitra“ bedeutet Gemälde.

Das Bengal Patachitra bezieht sich auf das Gemälde von Westbengalen. Es ist ein traditionelles und mythologisches Erbe von Westbengalen. Das Bengal Patachitra ist in verschiedene Aspekte wie Durga Pat, Chalchitra, Tribal Patachitra, Medinipur Patachitra, Kalighat Patachitra usw. unterteilt. Das Thema von Bengal Patachitra ist vor allem mythologische, religiöse Geschichten, Volkskunde und soziale Themen. Die Kalighat Patachitra, die letzte Tradition von Bengalen Patachitra, wurde von Jamini Roy entwickelt. Der Künstler des Bengal Patachitra heißt Patua.

Die Tradition von Orisha Pattachitra ist eng mit der Verehrung von Lord Jagannath verbunden. Abgesehen von den fragmentarischen Zeugnissen von Gemälden in den Höhlen von Khandagiri und Udayagiri und Sitabhinji Wandmalereien des sechsten Jahrhunderts n. Chr., Sind die frühesten einheimischen Gemälde von Odisha die Pattachitra der Chitrakars (die Maler heißen Chitrakars). Das Thema der Oriya-Malerei dreht sich um die Vaishnava-Sekte. Seit Beginn der Pattachitra-Kultur war Lord Jagannath, der eine Inkarnation von Lord Krishna war, die Hauptquelle der Inspiration. Das Thema von Patta Chitra ist vor allem mythologische, religiöse Geschichten und Folklore. Themen sind hauptsächlich Lord Jagannath und Radha-Krishna, verschiedene „Vesas“ von Jagannath, Balabhadra und Subhadra, Tempelaktivitäten, die zehn Inkarnationen von Vishnu, basierend auf der „Gita Govinda“ von Jayadev, Kama Kujara Naba Gunjara, Ramayana, Mahabharata. Die einzelnen Gemälde von Göttern und Göttinnen werden ebenfalls bemalt. Die Maler verwenden pflanzliche und mineralische Farben, ohne sich für die Herstellung von Plakatfarben zu entscheiden. Sie bereiten ihre eigenen Farben vor. Weiße Farbe wird aus den Muschelschalen durch Pulverisieren, Kochen und Filtern in einem sehr gefährlichen Prozess hergestellt. Es erfordert viel Geduld. Aber dieser Prozess verleiht dem Farbton Brillanz und Vorläufigkeit. „Hangula“, eine mineralische Farbe, wird für Rot verwendet. ‚Haritala‘, König der Steinzutaten für Gelb, ‚Ramaraja‘, eine Art Indigo für Blau wird verwendet. Reine Lampenschwarz oder Schwarz, die aus dem Verbrennen von Kokosnussschalen hergestellt werden, werden verwendet. Die Bürsten, die von diesen „Chitrakaras“ verwendet werden, sind ebenfalls einheimisch und bestehen aus Haaren von Haustieren. Ein Haarbüschel am Ende eines Bambusstäbchens macht den Pinsel. Es ist wirklich eine Frage des Wunders, wie diese Maler Linien solcher Präzision hervorbringen und mit Hilfe dieser groben Bürsten beenden. Diese alte Tradition der Oriya-Malerei überlebt heute noch in den geschickten Händen der Chitrakaras (traditionelle Maler) in Puri, Raghurajpur, Paralakhemundi, Chikiti und Sonepur.

Bengalische Schule
Die Bengal School of Art war ein einflussreicher Kunststil, der während des britischen Raj im frühen 20. Jahrhundert in Indien florierte. Es wurde mit dem indischen Nationalismus in Verbindung gebracht, wurde aber auch von vielen britischen Kunstverwaltungen gefördert und unterstützt.

Die bengalische Schule entstand als avantgardistische und nationalistische Bewegung, die gegen die akademischen Kunststile der indischen Künstler wie Ravi Varma und an britischen Kunstschulen reagierte. Nach dem weit verbreiteten Einfluss indischer spiritueller Ideen im Westen versuchte der britische Kunstlehrer Ernest Bilfield Havel, die Lehrmethoden an der Kalkutta School of Art zu reformieren, indem er Studenten ermutigte, Mughal-Miniaturen nachzuahmen. Dies führte zu einer immensen Kontroverse, die zu einem Streik von Studenten und Beschwerden der lokalen Presse führte, einschließlich von Nationalisten, die dies als rückschrittlich betrachteten. Havel wurde von dem Künstler Abanindranath Tagore, einem Neffen des Dichters Rabindranath Tagore, unterstützt. Tagore malte eine Reihe von Werken, die von der Mughal-Kunst beeinflusst waren, ein Stil, den er und Havel im Gegensatz zum „Materialismus“ des Westens als Ausdruck der ausgeprägten spirituellen Qualitäten Indiens ansahen. Abanindranath Tagores bekanntestes Gemälde, Bharat Mata (Mutter Indien), stellte eine junge Frau dar, die in der Art hinduistischer Gottheiten mit vier Armen dargestellt ist und Objekte hält, die symbolisch für die nationalen Bestrebungen Indiens stehen. Tagore versuchte später, Verbindungen zu fernöstlichen Künstlern aufzubauen, um ein panasiatisches Kunstmodell zu schaffen. Diejenigen, die mit diesem Indo-FarEastern-Modell in Verbindung standen, waren Nandalal Bose, Mukul Dey, Kalipada Ghoshal, Benode Behari Mukherjee, Vinayak Shivaram Masoji, BC Sanyal, Beohar Rammanohar Sinha und später ihre Schüler A. Ramachandran, Tan Yuan Chameli, Ramananda Bandopadhyay und ein paar andere Andere.

Der Einfluss der bengalischen Schule auf die indische Kunstszene begann allmählich mit der Verbreitung der modernistischen Ideen nach der Unabhängigkeit zu lindern. Die Rolle von Subramanyan in dieser Bewegung ist bedeutend. Heute ist die Rednova Kunstakademie von Bankura, Indien, auch eine bemerkenswerte Kunstakademie, die vom Künstler Abirlal gegründet wurde.

Kontextuelle Moderne
Der Kontextuelle Modernismus, den Siva Kumar im Katalog der Ausstellung verwendete, hat sich als postkoloniales kritisches Werkzeug im Verständnis der Kunst, die die Künstler aus Santiniketan praktiziert haben, herauskristallisiert.

Einige Begriffe, darunter Paul Gilroys Gegenkultur der Moderne und Tani Barlows koloniale Modernität, wurden verwendet, um die Art alternativer Modernität zu beschreiben, die in außereuropäischen Kontexten auftauchte. Professor Gall argumentiert, dass „kontextueller Modernismus“ ein passenderer Begriff ist, weil „das Kolonialwesen in der kolonialen Moderne nicht die Verweigerung vieler Menschen in kolonisierten Situationen berücksichtigt, Minderwertigkeit zu internalisieren. Santiniketans Unterlassungsverweigerung der Künstler lehrte eine Gegenvision der Moderne, die den rassischen und kulturellen Essentialismus korrigieren wollte, der die imperiale westliche Moderne und moderne Moderne trieb und auszeichnete. Jene europäischen Modernitäten, projiziert durch eine triumphierende britische Kolonialmacht, provozierten nationalistische Reaktionen, die ebenso problematisch waren, wenn sie ähnliche Essenzialismen inkorporierten. “

Laut R. Siva Kumar „waren die Künstler aus Santiniketan eine der ersten, die diese Idee der Moderne bewusst in Frage stellten, indem sie sich sowohl aus der internationalistischen Moderne als auch aus der historisierenden Indigenität entschieden und versuchten, eine kontextsensitive Moderne zu schaffen.“ Er beschäftigte sich seit den frühen 80er Jahren mit der Arbeit der santiniketanischen Meister und dachte über ihre Annäherung an die Kunst nach. Die Praxis, Nandalal Bose, Rabindranath Tagore, Ram Kinker Baij und Benode Behari Mukherjee unter der Bengal School of Art zusammenzufassen, war laut Siva Kumar irreführend. Dies geschah, weil frühe Autoren eher durch Genealogien der Lehre als durch ihre Stile, Weltanschauungen und Perspektiven auf die Kunstpraxis geleitet wurden.

Der Literaturkritiker Ranjit Hoskote schreibt, während er die Werke des zeitgenössischen Künstlers Atul Dodiya rezensiert: „Die Auseinandersetzung mit Santinketan öffnete Dodiyas Augen durch einen literarischen Umweg die Augen für die historischen Umstände dessen, was die Kunsthistorikerin R Siva Kumar eine“ kontextuelle Moderne „nannte in Ostindien in den 1930er und 1940er Jahren während der turbulenten Jahrzehnte der Weltwirtschaftskrise, des gandhischen Befreiungskampfes, der kulturellen Renaissance und des Zweiten Weltkriegs. “

Kontextuelle Moderne in der jüngsten Vergangenheit hat ihre Verwendung in anderen verwandten Bereichen der Studien, insbesondere in der Architektur gefunden.

Vernacular indische Malerei
Volkskunst ist eine lebendige Kunst (zeitgenössische Kunst), die auf der Vergangenheit (den Mythen, den Traditionen und der Religion) basiert und von definierten Gruppen gemacht wird. Die Volkskunst basiert auf dem kollektiven Gedächtnis dieser Gruppe.

Beispiele für einheimische Indianermalerei:

Stammes-Malerei:
Bhil Malerei
Warli Malerei
Gondelmalerei
Santal Malerei
Saora-Malerei
Kurumba-Malerei

Ländliche Malerei:
Pattachitra-Malerei
Madhubani-Malerei
Kalamkari-Malerei
Kolam Malerei
Kalam Malerei
Mandana-Gemälde

Moderne indische Malerei
Während der Kolonialzeit begannen westliche Einflüsse die indische Kunst zu beeinflussen. Einige Künstler entwickelten einen Stil, der westliche Ideen von Komposition, Perspektive und Realismus benutzte, um indische Themen zu illustrieren. Andere, wie Jamini Roy, haben sich bewusst von der Volkskunst inspirieren lassen. Bhari Dayal hat sich entschieden, die traditionelle Mithila-Malerei auf die modernste Art und Weise zu behandeln und verwendet sowohl Realismus als auch Abstraktion in ihrer Arbeit mit viel Fantasie ein tadelloser Sinn für Balance, Harmonie und Anmut.

Zur Zeit der Unabhängigkeit im Jahr 1947 gewährten mehrere Kunstschulen in Indien Zugang zu modernen Techniken und Ideen. Galerien wurden eingerichtet, um diese Künstler zu präsentieren. Moderne indische Kunst zeigt typischerweise den Einfluss westlicher Stile, wird aber oft von indischen Themen und Bildern inspiriert. Große Künstler gewinnen zunehmend internationale Anerkennung, zunächst in der indischen Diaspora, aber auch bei nicht-indischen Zuhörern.

Die Progressive Artists ‚Group, die kurz nach der Unabhängigkeit Indiens im Jahr 1947 gegründet wurde, sollte neue Wege eröffnen, Indien in der postkolonialen Ära auszudrücken. Die Gründer waren sechs bedeutende Künstler – KH Ara, SK Bakre, HA Gade, MF Husain, SH Raza und FN Souza. Obwohl die Gruppe 1956 aufgelöst wurde, beeinflusste sie tiefgreifend die Sprache der indischen Kunst. Fast alle großen Künstler Indiens in den 1950er Jahren waren mit der Gruppe verbunden. Einige von denen, die heute bekannt sind, sind Bal Chabda, Manishi Dey, VS Gaitonde, Krishen Khanna, Ram Kumar, Tyeb Mehta, Beohar Rammanohar Sinha und Akbar Padamsee. Andere berühmte Maler wie Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins und Bijon Choudhuri bereicherten die Kunstkultur Indiens. Sie sind zur Ikone der modernen indischen Kunst geworden. Kunsthistoriker wie Prof. Rai Anand Krishna haben auch auf Werke moderner Künstler Bezug genommen, die das indische Ethos widerspiegeln.

Auch der zunehmende Diskurs über indische Kunst, sowohl auf Englisch als auch in den einheimischen indischen Sprachen, eignete sich die Art an, wie Kunst in den Kunstschulen wahrgenommen wurde. Kritischer Ansatz wurde rigoros, Kritiker wie Geeta Kapur, R. Siva Kumar trug dazu bei, die zeitgenössische Kunstpraxis in Indien neu zu denken. Ihre Stimmen repräsentierten indische Kunst nicht nur in Indien, sondern auf der ganzen Welt. Die Kritiker spielten auch eine wichtige Rolle als Kuratoren wichtiger Ausstellungen, die die Moderne und die indische Kunst neu definierten.

Die indische Kunst wurde durch die wirtschaftliche Liberalisierung des Landes seit den frühen 1990er Jahren angekurbelt. Künstler aus verschiedenen Bereichen brachten nun unterschiedliche Arbeitsstile ein. Nach der Liberalisierung arbeitet die indische Kunst nicht nur innerhalb der akademischen Traditionen, sondern auch außerhalb. In dieser Phase haben Künstler noch neuere Konzepte eingeführt, die bisher in der indischen Kunst nicht zu finden waren. Devajyoti Ray hat ein neues Genre der Kunst namens Pseudorealism eingeführt. Pseudorealistische Kunst ist ein origineller Kunststil, der vollständig auf indischem Boden entwickelt wurde. Der Pseudorealismus berücksichtigt das indische Konzept der Abstraktion und verwandelt damit regelmäßige Szenen des indischen Lebens in fantastische Bilder.

In der Zeit nach der Liberalisierung Indiens haben sich viele Künstler wie Anish Kapoor und Chintan auf dem internationalen Kunstmarkt etabliert, deren Mammut-Kunstwerke aufgrund ihrer Größe große Beachtung gefunden haben. Viele Kunsthäuser und Galerien haben auch in den USA und in Europa geöffnet, um indische Kunstwerke zu präsentieren. Einige Künstler wie chiman dangi (Maler, Druckgraphiker) Bhupat Dudi, Subodh Gupta, Piu Sarkar, Vagaram Choudhary, Amitava Sengupta und viele andere haben weltweit Magie gezaubert.Chhaya Ghosh ist ein begnadeter Maler und aktiv in der Triveni Art Gallery in New Delhi.