L’iperrealismo è un genere di pittura e scultura che ricorda una fotografia ad alta risoluzione. L’iperrealismo è considerato un progresso del fotorealismo dai metodi utilizzati per creare i dipinti o le sculture risultanti. Il termine si applica principalmente a un movimento artistico indipendente e uno stile artistico negli Stati Uniti e in Europa che si è sviluppato dai primi anni ’70. Carole Feuerman è la precursore del movimento iperrealista insieme a Duane Hanson e John De Andrea.

L’iperrealismo è una forma d’arte, pittura e scultura, ma include anche fotografia e film. Il realismo è sempre stato un elemento importante nella serie di stili nell’arte. L’iperrealismo è un ulteriore sviluppo del realismo ed è legato alla pop art. Il suo ideale non è necessariamente una replica esatta fedele alla vita, come è tipico del realismo, ma un’esagerazione fotorealistica della realtà, una “realtà esagerata”. L’astrazione è respinta.

Un elemento essenziale dell’iperrealismo è la rinuncia dell’artista all’interpretazione soggettiva. L’iperrealismo utilizza mezzi di espressione del realismo fotografico, in cui il contenuto dell’immagine è dipinto con un livello di dettaglio che ricorda una fotografia. Mentre il fotorealismo vuole essere bello soprattutto attraverso la rappresentazione brillante e realistica, l’iperrealismo nella rappresentazione fredda e profana realtà “esageratamente inquietante” pone la questione della natura delle cose in un contesto quasi ironico, esistenziale. Ad esempio, i dipinti di paesaggi di Gottfried Helnwein principalmente opere di realismo fotografico, poiché sono principalmente “belli” ma non hanno il carattere inquietante dei suoi ritratti. Tuttavia, a causa delle cicatrici e delle ferite rese visibili dall’artista, è più probabile che queste siano assegnate all’iperrealismo; i confini sono fluidi ed è “irrilevante se queste immagini sono fotografate o dipinte”.

Storia
Il commerciante d’arte belga Isy Brachot ha coniato la parola francese Hyperréalisme, che significa iperrealismo, come titolo di una grande mostra e catalogo nella sua galleria a Bruxelles nel 1973. La mostra è stata dominata da fotorealisti americani come Ralph Goings, Chuck Close, Don Eddy, Robert Bechtle e Richard McLean; ma includeva artisti europei influenti come Domenico Gnoli, Gerhard Richter, Konrad Klapheck e Roland Delcol. Da allora, Hyperealisme è stato utilizzato da artisti e rivenditori europei per rivolgersi a pittori influenzati dai fotorealisti. Tra i pittori iperrealisti europei contemporanei troviamo Gottfried Helnwein (austriaco), Willem van Veldhuizen e Tjalf Sparnaay (olandese), Roger Wittevrongel (belga), nonché i francesi Pierre Barraya, Jacques Bodin, Ronald Bowen, François Bricq, Gérard Schlosser, Jacques Monory, Bernard Rancillac, Gilles Aillaud e Gérard Fromanger.

All’inizio del 21 ° secolo, l’iperrealismo fu fondato sui principi estetici del fotorealismo. Il pittore americano Denis Peterson, i cui lavori pionieristici sono universalmente visti come una derivazione del fotorealismo, per primo ha usato “Iperrealismo” per applicare al nuovo movimento e al suo gruppo frammentario di artisti. Graham Thompson ha scritto “Una dimostrazione del modo in cui la fotografia è stata assimilata nel mondo dell’arte è il successo della pittura fotorealista alla fine degli anni ’60 e all’inizio degli anni ’70. È anche chiamato super-realismo o iperrealismo e pittori come Richard Estes, Denis Peterson, Audrey Flack e Chuck Close hanno spesso lavorato con immagini fisse per creare dipinti che sembravano essere fotografie. ”

Tuttavia, l’iperrealismo è in contrasto con l’approccio letterale trovato nei tradizionali dipinti fotorealistici della fine del 20 ° secolo. Pittori e scultori iperrealisti usano le immagini fotografiche come fonte di riferimento da cui creare un rendering più definitivo e dettagliato, che spesso, a differenza del fotorealismo, è narrativo ed emotivo nelle sue raffigurazioni. I rigorosi pittori fotorealisti tendevano a imitare le immagini fotografiche, omettendo o astraggendo alcuni dettagli finiti per mantenere un disegno pittorico globale coerente. Spesso omettevano le emozioni umane, il valore politico e gli elementi narrativi. Da quando si è evoluto dalla Pop Art, lo stile fotorealistico della pittura è stato straordinariamente stretto, preciso e nettamente meccanico, con un’enfasi sulle immagini banali e quotidiane.

L’iperrealismo, sebbene essenzialmente fotografico, comporta spesso una messa a fuoco più morbida e molto più complessa sul soggetto rappresentato, presentandolo come un oggetto vivo e tangibile. Questi oggetti e scene nei dipinti e nelle sculture dell’iperrealismo sono meticolosamente dettagliati per creare l’illusione di una realtà non vista nella foto originale. Ciò non significa che siano surreali, poiché l’illusione è una rappresentazione convincente della realtà (simulata). Trame, superfici, effetti di luce e ombre appaiono più chiari e distinti rispetto alla foto di riferimento o persino al soggetto stesso.

L’iperrealismo ha le sue radici nella filosofia di Jean Baudrillard, “la simulazione di qualcosa che non è mai esistito”. Come tale, gli iperrealisti creano una falsa realtà, un’illusione convincente basata su una simulazione della realtà, la fotografia digitale. I dipinti e le sculture iperreali sono una proliferazione di immagini ad altissima risoluzione prodotte da fotocamere digitali e visualizzate su computer. Mentre il fotorealismo emulava la fotografia analogica, l’iperrealismo utilizza le immagini digitali e si espande su di essa per creare un nuovo senso della realtà. Pitture e sculture iperrealiste confrontano lo spettatore con l’illusione di immagini manipolate ad alta risoluzione, sebbene più meticolose.

Il fotorealismo come precursore dell’iperrealismo
Negli anni 1920, i pittori di precisione hanno già lavorato con l’aiuto di fotografie riprodotte fedelmente (come nel caso di Charles Sheeler, pittore e fotografo allo stesso tempo). Ma è innegabile che la pop art continui a essere il precursore immediato dell’iperrealismo, dal momento che prende l’iconografia del quotidiano, rimane fedele alla distanza della sua messa a fuoco e produce le stesse immagini neutre e statiche.

I fotorealisti non hanno mai formato un gruppo, ma hanno realizzato mostre che li presentavano come un unico stile: The Photographic Image e 22 realisti, entrambi a New York, a metà degli anni ’60. A quel tempo, l’astrazione era la tendenza dominante e il realismo era disapprovato; È stata considerata un’arte che ha copiato da fotografie o realtà e senza alcun interesse. Tuttavia, artisti come Chuck Close o Richard Estes hanno sviluppato tecniche totalmente nuove per rappresentare la realtà, ottenendo risultati a volte sorprendenti.

Altri artisti americani di questa tendenza sono Don Eddy, John Salt, Ralph Goings, Robert Cottingham, John Kacere, Paul Staiger, Richard McLean, Malcolm Morley e John de Andrea.

Come tutti i fotorealisti, non ci sono tracce di pennellate e l’artista sembra essere assente; i dipinti sono ricoperti da un sottile strato di vernice, applicati con una pistola e un pennello, se necessario raschiati, con una lama in modo che non ci sia rilievo, non importa. A ciò si aggiunge l’accuratezza nei dettagli. Usando la cornice nel processo della realtà, ciò che è rotto e manipolato due volte (sia nella cornice che nella fotografia), differenziando così il realismo tradizionale dal fotorealismo.

È grazie a questo tipo di arte che nasce l’iperrealismo.

Iperrealismo
L’iperrealismo di oggi è stato fondato sui principi estetici del fotorealismo. Il pittore americano Denis Peterson, i cui lavori pionieristici sono universalmente visti come una branca del fotorealismo, per primo ha usato il termine “iperrealismo” per applicare al nuovo movimento e al suo gruppo dissidente di artisti.

Graham Thompson ha scritto: “Una dimostrazione di come la fotografia è stata assimilata nel mondo dell’arte è il successo della pittura fotorealistica alla fine degli anni ’60 e all’inizio degli anni ’70. Si chiama anche super realismo o iperrealismo e pittori come Richard Estes, Denis Peterson, Audrey Flack e Chuck Close ha spesso lavorato a partire dalle fotografie per creare dipinti che sembravano essere fotografie “.

Tuttavia, l’iperrealismo è in contrasto con l’approccio letterale trovato nei tradizionali dipinti fotorealistici della fine del 20 ° secolo. Pittori e scultori iperrealisti usano le immagini fotografiche come fonte di riferimento per creare una rappresentazione più definitiva e dettagliata, che è spesso, a differenza del fotorealismo, della narrazione e delle emozioni nelle loro rappresentazioni. I rigorosi pittori fotorealistici tendevano a imitare le immagini fotografiche, omettendo o astraggendo alcuni dettagli finiti per mantenere un disegno pittorico complessivamente coerente. Spesso omettevano le emozioni umane, il coraggio politico e gli elementi narrativi. Da quando si è evoluto dalla Pop Art, lo stile fotorealistico della pittura è stato straordinariamente stretto, preciso e acutamente meccanico, con un’enfasi sulle immagini banali e quotidiane.

L’iperrealismo, sebbene essenzialmente fotografico, comporta spesso un approccio più morbido e molto più complesso al soggetto rappresentato, presentandolo come un oggetto vivo e tangibile. Questi oggetti e scene nei dipinti e nelle sculture dell’iperrealismo sono meticolosamente dettagliati per creare l’illusione di una realtà non vista nella foto originale. Ciò non significa che siano surreali, poiché l’illusione è una rappresentazione convincente della realtà (simulata). Trame, superfici, effetti di luce e ombre appaiono più chiari e chiari della foto di riferimento o persino del soggetto stesso.

Per quanto riguarda la scultura iperrealista americana, dobbiamo evidenziare Duane Hanson, che riproduce personaggi a grandezza naturale delle classi lavoratrici, e Segal, che utilizza la stessa tecnica di Hanson: fondere calchi in gesso, riempire gli stampi con fibra di vetro. vetro e poliestere, assemblaggio delle parti e verniciatura color carne; Il pezzo è finito vestendolo con abiti usati. John de Andrea scolpisce nudi di iperrealismo così pronunciati da sembrare persone vere, proprio come Nancy Graves con le sue sculture di cammelli.

Alcune delle figure più rilevanti dell’iperrealismo sarebbero i pittori Antonio López, Eduardo Naranjo o Gregorio Palomo.

Nell’attuale mercato dell’arte, le figure più consolidate della sua carriera sono il cileno Claudio Bravo, che attraverso le sue nature morte, i disegni e, soprattutto, la sua serie di dipinti su tessuti, pacchetti e carte, è riuscito a reinventare l’iperrealismo, dandogli un stato quasi metafisico; e l’argentino Enrique Sobisch, che vive e muore a Madrid, le cui opere, di grande perfezione artistica, competono con l’istantanea fotografica.

Pittura iperrealista
In pittura, questa direzione è rappresentata in particolare da Chuck Monroe, Don Eddy, Claudio Bravo, Chuck Close, Richard Estes, Ralph Goings, Audrey Flack, Vija Celmins, Franz Gertsch, Rudolf Häsler o Gottfried Helnwein. Artisti contemporanei che lavorano con mezzi iperrealistici includono Jeff Koons, Ron Mueck e Luigi Rocca, nonché gli aerografi Hajime Sorayama, Gerard Boersma e Dru Blairand numerosi altri artisti (in Germania, ad esempio Maximilian Pfalzgraf, Günther Hermann, Lars Reiffers, Dietmar Gross o Roland H. Heyder con il suo “Realismo fantastico”). Lo svedese Tommy TC Carlsson lavora con dispositivi stilistici iperrealistici nella sua arte dell’oggetto (“Modern Illusion Art”). Roland Delcol, nato a Bruxelles nel 1942, è un rappresentante idiosincratico tra l’iperrealismo e il pluralismo postmoderno di oggi.

Stile e metodi
Lo stile iperrealista concentra molto di più la sua enfasi sui dettagli e sui soggetti. I dipinti e le sculture iperreali non sono interpretazioni rigorose delle fotografie, né illustrazioni letterali di una scena o di un soggetto particolari. Invece, usano elementi pittorici aggiuntivi, spesso sottili, per creare l’illusione di una realtà che in realtà non esiste o non può essere vista dall’occhio umano. Inoltre, possono incorporare elementi tematici emotivi, sociali, culturali e politici come un’estensione dell’illusione visiva dipinta; un distinto distacco dalla più antica e letteralmente più letterale scuola di fotorealismo.

Pittori e scultori iperrealisti tengono conto di alcuni mezzi meccanici per trasferire le immagini sulla tela o sullo stampo, inclusi disegni preliminari o pitture e stampi a grisaglia. Le proiezioni di diapositive fotografiche o i proiettori multimediali vengono utilizzati per proiettare immagini su tele e tecniche rudimentali come la griglia possono essere utilizzate anche per garantire la precisione. Le sculture utilizzano poliesteri applicati direttamente sul corpo umano o sulla muffa. L’iperrealismo richiede un alto livello di abilità tecnica e virtuosismo per simulare una falsa realtà. Come tale, l’iperrealismo incorpora e spesso capitalizza le limitazioni fotografiche come la profondità di campo, la prospettiva e la gamma di messa a fuoco. Le anomalie riscontrate nelle immagini digitali, come la frattalizzazione, sono anche sfruttate per enfatizzare le loro origini digitali da alcuni pittori iperrealisti, come Chuck Close, Denis Peterson, Bert Monroy e Robert Bechtle.

Temi
L’argomento spazia da ritratti, arte figurativa, nature morte, paesaggi, paesaggi urbani e scene narrative. Lo stile iperrealista più recente è molto più letterale del fotorealismo per quanto riguarda l’esatto dettaglio pittorico con un’enfasi su temi sociali, culturali o politici. Questo è anche in netto contrasto con il nuovo fotorealismo concomitante con la sua continua prevenzione delle anomalie fotografiche. I pittori iperrealisti simulano e migliorano immediatamente immagini fotografiche precise per produrre illusioni visive della realtà otticamente convincenti, spesso in un contesto sociale o culturale.

Alcuni iperrealisti hanno messo in luce regimi totalitari e governi militari del terzo mondo attraverso le loro rappresentazioni narrative dell’eredità dell’odio e dell’intolleranza. Denis Peterson e Gottfried Helnwein hanno raffigurato deviazioni politiche e culturali della decadenza sociale nel loro lavoro. Il lavoro di Peterson si è concentrato su diaspore, genocidi e rifugiati. Helnwein ha sviluppato un lavoro narrativo non convenzionale incentrato su deviazioni passate, presenti e future dell’Olocausto. I soggetti provocatori includono immagini enigmatiche di genocidi, le loro conseguenze tragiche e le conseguenze ideologiche. Tematicamente, questi controversi artisti iperreali hanno affrontato in modo aggressivo la condizione umana corrotta attraverso dipinti narrativi come mezzo fenomenologico. Questi dipinti realistici sono un commento storico sul grottesco maltrattamento degli esseri umani.

I dipinti e le sculture iperreali creano ulteriormente una solidità tangibile e una presenza fisica attraverso sottili effetti di illuminazione e ombreggiatura. Forme, forme e aree più vicine alla parte anteriore dell’immagine appaiono visivamente oltre il piano frontale della tela; e nel caso delle sculture, i dettagli hanno più chiarezza che nella natura. Le immagini iperrealistiche hanno in genere dalle 10 alle 20 volte le dimensioni della fonte di riferimento fotografica originale, pur mantenendo una risoluzione estremamente elevata in termini di colore, precisione e dettagli. Molti dei dipinti sono realizzati con un aerografo, utilizzando acrilici, oli o una combinazione di entrambi. Le sculture realistiche di Ron Mueck sono ridimensionate molto più grandi o più piccole della vita e rifinite con dettagli incredibilmente convincenti attraverso l’uso meticoloso di resine poliestere e stampi multipli. Le immagini digitali di Bert Monroy sembrano veri e propri dipinti tratti da fotografie, eppure sono completamente create su computer.

Critica
Una visione critica dell’iperrealismo enfatizza la natura priva di fantasia della rappresentazione: “L’iperrealismo spreca le possibilità che la pittura ha in favore di una semplice battuta all’interno della competizione tra pittura e fotografia”. L’iperrealismo americano negli anni ’60 e ’70 divenne europeo descritto come “americano alla caricatura”: “Questo iperrealismo sviluppato e diffuso della Pop Art degli anni ’60 era iper-provocatorio, iper-superficiale e iper-commerciale”.