Au premier étage, il y a des œuvres de la collection Jucker et des futuristes. D’un intérêt particulier, parmi les œuvres de l’artiste futuriste Boccioni (1882-1916), l’un des différents spécimens de la célèbre sculpture Formes uniques de continuité dans l’espace, exposé dans la salle dédiée à l’artiste.

La collection commence par un hommage rendu aux mouvements d’avant-garde internationaux, avec des peintures du début des années 1900 de Pablo Picasso, Georges Braque, Paul Klee, Kandinsky et Amedeo Modigliani. L’exposition se poursuit avec le futurisme, représenté par un noyau d’œuvres d’art unique au monde, présentant Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Fortunato Depero, Gino Severini, Carlo Carrà et Ardengo Soffici.

Biographie
Umberto Boccioni (19 octobre 1882 – 17 août 1916) était un peintre et sculpteur italien influent. Il a contribué à façonner l’esthétique révolutionnaire du mouvement futuriste comme l’une de ses principales figures. Malgré sa courte vie, son approche du dynamisme des formes et de la déconstruction des massifs a guidé les artistes longtemps après sa mort. Ses œuvres sont conservées par de nombreux musées d’art publics et, en 1988, le Metropolitan Museum of Art de New York a organisé une grande rétrospective de 100 pièces.

Les parents d’Umberto étaient Raffaele Boccioni et Cecilia Forlani, originaires de Morciano di Romagna (25 km de Rimini). Le père, qui travaillait comme huissier préfet, a été contraint de déménager en Italie en fonction des besoins de service. Umberto est né le 19 octobre 1882 à Reggio de Calabre; ici, il a fréquenté les premières classes de l’école primaire, puis la famille a déménagé à Forli, puis à Gênes et à Padoue. En 1897, la commande d’un nouveau transfert à Catane est intervenue. Cette fois, la famille s’est séparée: Umberto et son père sont allés en Sicile; la mère avec sa sœur aînée Amelia, née à Rome, est restée en Vénétie. A Catane, Umberto a fréquenté l’institut technique jusqu’à l’obtention du diplôme. Il collabore avec quelques journaux locaux et écrit son premier roman: Penis of the soul qui porte la date du 6 juillet 1900.

En 1901, Umberto déménage à Rome, où son père est de nouveau transféré. Il visite souvent la maison de tante Colomba. En peu de temps, il tombe amoureux de l’une de ses filles, Sandrina. Umberto a une vingtaine d’années et assiste à l’étude d’un affichiste, où il apprend les premiers rudiments de la peinture. À cette époque, il rencontre Gino Severini, avec qui il fréquente, à Porta Pinciana, l’atelier du peintre divisionniste Giacomo Balla. Début 1903, Umberto et Severini fréquentent la Free School of Nude, où ils rencontrent Mario Sironi, également élève de Balla, avec qui ils feront une amitié durable. Cette année-là, Umberto peint sa première œuvre Campagna Romana ou Meriggio.

Avec l’aide des deux parents, il parvient à voyager à l’étranger: la première destination est Paris (avril-août 1906), suivie de la Russie dont il revient en novembre de la même année. À Paris, il rencontre Augusta Popoff: de leur relation un fils, Pëtr (Pietro) est né en avril 1907. En avril 1907 Umberto s’inscrit à l’École libre de nu de l’Institut royal des beaux-arts de Venise. Il entame un autre voyage en Russie mais l’interrompt à Munich, où il visite le musée. A son retour, il dessine, peint activement, tout en restant insatisfait car il sent les limites de la culture italienne qu’il considère encore essentiellement comme « la culture provinciale ». En attendant, il fait face à ses premières expériences dans le domaine de la gravure.

À l’automne 1907, il se rend à Milan pour la première fois, où sa mère et sa sœur vivent depuis quelques mois. Il sent tout de suite que c’est la ville plus que les autres en plein essor et qu’elle correspond à ses aspirations dynamiques. Il devient un ami de Romolo Romani, il fréquente Previati, dont il influence une certaine influence dans sa peinture qui semble se tourner vers le symbolisme. Il devient membre de la Permanente. Au cours de ces années de formation, visitez de nombreux musées et galeries d’art. Il a, par conséquent, la possibilité de connaître directement les œuvres d’artistes de tous âges mais, surtout, anciens. Certains d’entre eux, comme Michel-Ange, resteront toujours ses modèles idéaux.

Malgré cela, ils deviendront également les cibles principales de la controverse lancée à l’époque futuriste contre l’art ancien et contre le passé. En 1907, il a rencontré les divisionnistes à Milan et avec Filippo Tommaso Marinetti, avec Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla et Gino Severini, il a écrit le Manifeste des peintres futuristes (1910), qui a été suivi du Manifeste technique du Mouvement futuriste (1912): le but de l’artiste moderne devait être, selon les rédacteurs, de se libérer des modèles et traditions figuratives du passé, de se tourner résolument vers le monde contemporain, dynamique, vivant, en constante évolution.

En tant que sujets de la représentation, donc, la ville, les machines, la réalité quotidienne chaotique ont été proposées. Dans ses œuvres, Boccioni a magistralement exprimé le mouvement des formes et le concret de la matière. Bien qu’influencé par le cubisme, auquel il reproche une statique excessive, Boccioni évite les lignes droites dans ses tableaux et utilise des couleurs complémentaires. Dans des tableaux comme Dynamisme d’un cycliste (1913) ou Dynamisme d’un footballeur (1911), la représentation du même sujet par étapes successives dans le temps suggère effectivement l’idée de se déplacer dans l’espace. La sculpture régit également les intentions similaires de Boccioni, pour lesquelles l’artiste a souvent négligé les matériaux nobles tels que le marbre et le bronze, préférant le bois, le fer et le verre. Il souhaitait illustrer l’interaction d’un objet en mouvement avec l’espace environnant. Très peu de ses sculptures ont survécu.

Au sein de la Humanitarian Society où il vient de terminer le grand tableau « Il Lavoro » (aujourd’hui au MoMA à New York avec le titre The City Rises), en avril-mai 1911, avec Ugo Nebbia, Carlo Dalmazzo Carrà, Alessandrina Ravizza et d’autres, donne vie à Milan au Premier Pavillon de l’Art Libre, une exposition imposante aux lignes directrices ultra-modernes, où se tiendra également le premier collectif de peintres futuristes (dans les pavillons désaffectés de Giulio Ricordi).

En 1912, Boccioni inaugure une période d’études intenses tant en vue de la publication de son texte théorique le plus important, Peinture et sculpture futuristes (1914), qu’en vue de la réalisation du chef-d’œuvre Materia (1912). Consulter de nombreux volumes de sujets historico-artistiques et philosophiques dont il dresse une liste de titres. Il approfondit notamment sa connaissance de la pensée du philosophe français Henri Bergson, en lisant le livre Materia e memoria (1896). Les théories de Bergson sur la mémoire spontanée, comprises comme une intuition de l’unité fondamentale de la matière, suggèrent à Boccioni l’idée de l’interpénétration des plans comme « simultanéité de l’intérieur avec l’extérieur + mémoire + sensation », lui permettant de combiner des souvenirs personnels pendant le processus créatif (familier par exemple) aux suggestions issues de l’art ancien ou primitif, à la décomposition des formes cubistes. Dans l’huile sur toile Materia, par exemple, Boccioni fait un portrait de sa mère Cecilia Forlani, déifiée comme Grande Mère, intégrant la décomposition cubiste et l’utilisation de couleurs complémentaires de dérivation impressionniste avec la frontalité hiératique de la statuaire grecque de l’époque archaïque.

Parmi les ouvrages consultés en 1912, en effet, Boccioni cite, dans sa liste, le tome VIII, consacré à la sculpture archaïque, et notamment la page 689, de l’ouvrage en plusieurs volumes de Georges Perrot et Charles Chipiez, Histoire de dell’arte dans l’antiquité (1882-1914) dans laquelle les deux auteurs traitent de la soi-disant loi de frontalité dans la statuaire antique.

Parmi les œuvres picturales les plus pertinentes de Boccioni figurent Il Lavoro (La ville qui monte) (1910), Rissa in Galleria (1910), Stati d’animo n. 1. Adieux (1911) – dans lesquels les mouvements de l’âme s’expriment à travers des éclairs de lumière, des spirales et des lignes ondulées disposées en diagonale – Forces d’une route (1911), où la ville, presque un organisme vivant, a un poids humain prépondérant présences.

En 1915, l’Italie entre en guerre. Boccioni, interventionniste, bénévole, avec un groupe d’artistes, dans le Corps national des cyclistes et automobilistes volontaires, mais n’a pas la possibilité d’aller au combat. Dans une lettre du front d’octobre 1915, le peintre écrivait, en effet, que la guerre « quand on s’attend à combattre, c’est seulement ceci: insectes + ennui = héroïsme noir …. ».

En juin 1916, Boccioni (qui attendait alors son départ pour le front) était l’invité du marquis Della Valle di Casanova à Villa San Remigio, sur la rive est du lac Majeur. Pendant la même période, Vittoria Colonna, tandis que son mari Leone Caetani est au front, passe ses journées dans le calme de l’Isolino di San Giovanni (la plus petite des îles Borromées), qu’il a loué pour l’été. Ici, elle s’occupe du jardin et écrit des lettres à son mari. Après une première rencontre avec les Casanova, Boccioni et Vittoria commencent à se voir chaque jour. Et, au cours du mois de juillet, Boccioni est deux fois l’invité de Vittoria all’Isolino. Le dernier séjour se termine le 23 juillet; moins d’un mois plus tard, le 17 août, il mourra d’une chute de cheval; dans son portefeuille, la dernière des lettres reçues par Vittoria.

Le 17 août 1916, Boccioni est décédé à l’âge de 33 ans à l’hôpital militaire de Vérone, des blessures subies à la suite de la chute accidentelle de sa jument, qui s’est fâchée à la vue d’un camion. La chute a eu lieu la veille lors d’un exercice militaire, dans la localité de Sorte in Chievo, un hameau de Vérone, où se trouve aujourd’hui sa plaque commémorative, dans une rue étroite immergée dans la campagne. Le corps de Boccioni a plutôt été enterré dans le cimetière monumental de Vérone, dans l’ancienne calti du deuxième camp, à côté de laquelle la mère voulait également être enterrée. Sur le marbre qui se ferme et porte le nom de l’artiste, on peut observer les témoignages écrits laissés par d’autres artistes et connaissances en visite.

Ses œuvres

Portraits et paysages anciens
De 1902 à 1910, Boccioni s’est d’abord concentré sur les dessins, puis a dessiné et peint des portraits – avec sa mère comme modèle fréquent. Il peint également des paysages – notamment l’arrivée de l’industrialisation, des trains et des usines par exemple. Pendant cette période, il tisse entre le pointillisme et l’impressionnisme, et l’influence de Giacomo Balla, et les techniques de divisionnisme sont évidentes dans les premières peintures (bien que plus tard largement abandonnées). The Morning (1909) a été noté pour «la violence audacieuse et jeune des teintes» et comme «un exercice audacieux de luminosité». Ses trois femmes de 1909–1010, qui représentent sa mère et sa sœur, et son amoureux de longue date Ines au centre, ont été citées comme exprimant une grande émotion – force, mélancolie et amour.

Développement du futurisme
Boccioni a travaillé pendant près d’un an sur la vente La città ou The City Rises, 1910, une immense peinture (2m sur 3m), qui est considérée comme son tournant dans le futurisme. « J’ai tenté une grande synthèse du travail, de la lumière et du mouvement », écrit-il à un ami. Lors de son exposition à Milan en mai 1911, le tableau a attiré de nombreuses critiques, pour la plupart admiratives. En 1912, il était devenu un tableau phare de l’exposition Voyager en Europe, l’introduction au futurisme. Il a été vendu au grand pianiste, Ferruccio Busoni pour 4000 lires cette année-là, et est aujourd’hui fréquemment exposé au Museum of Modern Art de New York, à l’entrée du département des peintures.

La risata (1911, The Laugh) est considérée comme la première œuvre véritablement futuriste de Boccioni. Il s’était complètement séparé du divisionnisme et se concentrait désormais sur les sensations dérivées de son observation de la vie moderne. Son accueil public a été assez négatif, comparé défavorablement à Three Women, et il a été effacé par un visiteur, passant ses doigts dans la peinture encore fraîche. Les critiques ultérieures sont devenues plus positives, certains considérant la peinture comme une réponse au cubisme. Il a été acheté par Albert Borchardt, un collectionneur allemand qui a acquis 20 œuvres futuristes exposées à Berlin, dont The Street Enters the House (1911) qui représente une femme sur un balcon donnant sur une rue animée. Aujourd’hui, le premier appartient également au Musée d’art moderne et le second au Musée Sprengel de Hanovre.

Boccioni a passé une grande partie de 1911 à travailler sur une trilogie de peintures intitulée « Stati d’animo » (« States of Mind »), qui, selon lui, exprimait le départ et l’arrivée dans une gare ferroviaire – The Farewells, ceux qui partent et ceux qui restent. Les trois tableaux ont été initialement achetés par Marinetti, jusqu’à ce que Nelson Rockefeller les ait acquis de sa veuve et les ait ensuite donnés au Museum of Modern Art de New York.

À partir de 1912, avec Elasticità ou Elasticity, représentant l’énergie pure d’un cheval, capturée avec un chromaticisme intense, il a complété une série de peintures Dynamist: Dinamismo di un corpo umano (Corps humain), ciclista (Cycliste), Foot-baller, et en 1914 Dinamismo plastico: cavallo + caseggiato (Dynamisme plastique: cheval + maisons).

Tout en poursuivant cet objectif, il a ravivé son intérêt pour le portrait. Commençant par L’antigrazioso (L’antigrace) en 1912 et continuant avec I selciatori (The Street Pavers) et Il bevitore (The Drinker) tous les deux en 1914.

En 1914, Boccioni publie son livre, Pittura, scultura futuriste (peinture et sculpture futuristes), qui provoque une rupture entre lui-même et certains de ses camarades futuristes. En conséquence, peut-être, il a abandonné son exploration du dynamisme et a plutôt cherché à décomposer davantage un sujet au moyen de la couleur. Avec Horizontal Volumes en 1915 et le Portrait de Ferruccio Busoni en 1916, il achève un retour complet à la peinture figurative. À juste titre, ce dernier tableau était un portrait du maestro qui a acheté sa première œuvre futuriste, The City Rises.

Sculpture
L’écriture de son Manifeste tecnico della scultura futurista (manifeste technique de la sculpture futuriste), publiée le 11 avril 1912, fut le lancement intellectuel et physique de Boccioni dans la sculpture; il avait commencé à travailler dans la sculpture l’année précédente.

À la fin de 1913, il avait achevé en cire ce qui est considéré comme son chef-d’œuvre, Forme uniche della continuità nello spazio (Formes uniques de continuité dans l’espace). Son objectif pour l’œuvre était de dépeindre une «continuité synthétique» du mouvement, au lieu d’une «discontinuité analytique» qu’il a vue chez des artistes tels que František Kupka et Marcel Duchamp. Au cours de sa vie, l’œuvre n’a existé que sous forme de plâtre. Elle a été coulée pour la première fois en bronze en 1931. Cette sculpture a fait l’objet de nombreux commentaires et, en 1998, elle a été choisie comme image à graver au dos de la pièce italienne de 20 cents.

Peu de temps après la mort de Boccioni en 1916 (et après une exposition commémorative à Milan), sa famille les confia pour une période non permanente à un autre sculpteur, Piero da Verona; da Verona a alors demandé à son assistant de les déposer dans la décharge locale. Le récit outragé de Marinetti de la destruction des sculptures était légèrement différent; dans ses mémoires, il déclare que les sculptures ont été détruites par des ouvriers pour dégager la pièce que le « sculpteur envieux et borné » avait placée. Ainsi, une grande partie de son travail expérimental de la fin de 1912 à 1913 a été détruite, y compris des pièces relatives à des peintures contemporaines, qui ne sont connues que par des photographies. L’une des rares pièces survivantes est l’Antigrazioso (Anti-Graceful, également appelé The Mother).

En 2019, la Collection Estorick d’art moderne italien a organisé une exposition reconstituant plusieurs des sculptures détruites.

L’exposition
La collection du Museo del Novecento permet aux visiteurs de saisir pleinement le parcours artistique du plus grand représentant du futur futurisme: des peintures toujours dans une veine divisionniste telles que «La Signora Virginia» (Mme Virginia, 1905) jusqu’aux exemples bien connus et plus représentatifs de la expérience abstraite comme la sculpture «Forme uniche della continuità nello spazio» (Formes uniques de continuité dans l’espace, 1913).

La signora Virginia, Umberto Boccioni, 1905
Forme uniche della continuità nello spazio, Umberto Boccioni, 1913

Umberto Boccioni et le futurisme
Umberto Boccioni, né à Reggio de Calabre en 1882, est arrivé à Milan en 1908 après avoir vécu à Padoue et Venise et étudié au studio Giacomo Balla à Rome aux côtés de Gino Severini et Mario Sironi. C’est dans la capitale de la Lombardie, plaque tournante de la modernité et du développement économique de l’Italie du début du XXe siècle, que Boccioni rencontre Filippo Tommaso Marinetti en 1910. Ensemble, ils contribuent à l’offensive contre le traditionalisme culturel en rejoignant le mouvement futuriste: aux côtés de Carlo Carrà , Luigi Russolo et Gino Severini, Boccioni signa le «Manifeste des peintres futuristes» et le «Manifeste technique de la peinture futuriste» en 1910.

Stati d’animo – Gli addii, Umberto Boccioni, 1911,
Dans Stati d’animo, (States of Mind), triptyque créé en 1911, il aborde un sujet adoré des artistes travaillant à cette époque, en utilisant un style qui trahit encore les influences divisionnistes dans son utilisation de la couleur.

Stati d’animo – Quelli che vanno, Umberto Boccioni, 1911,
Stati d’animo – Quelli che restano, Umberto Boccioni, 1911,
Studio per gli stati d’animo, Umberto Boccioni,

Après Paris
Après avoir vu les œuvres des cubistes lors d’un voyage à Paris en 1912, Boccioni a commencé à réfléchir sur l’importance de la composition géométrique d’une œuvre; il a ajouté la poussée et la puissance du mouvement au mélange, menant à des chefs-d’œuvre tels que «Elasticità» (élasticité) en 1913 et aux formes fragmentées de «Donna al Caffè» (Femmes au café) et «Costruzione Spiralica» (construction en spirale) .

Elasticità, Umberto Boccioni, 1912,
Donna al caffe – Compenetrazione di luci e piani, Umberto Boccioni, 1912/1914,
Costruzione spiralica, Umberto Boccioni, 1913,

« Sotto il pergolato a Napoli »
Son sens de l’urgence créatrice l’a finalement conduit à dépasser cette phase, et les travaux de ses dernières années ont été influencés par son étude de Cézanne. Dans «Sotto il pergolato a Napoli» (Sous la pergola de Naples, 1914), la solidité des formes revient comme un élément central de la peinture, mais accompagnée de nombreux éléments innovants. Boccioni est décédé en 1916 après être tombé d’un cheval. Sa mort prématurée a interrompu une phase artistique qui aurait sans aucun doute conduit à de nouvelles expérimentations.

Musée du XXe siècle à Milan
Le Museo del Novecento de Milan est une exposition permanente d’œuvres d’art du XXe siècle logées dans le Palazzo dell’Arengario et le Palais Royal adjacent à Milan. Le musée a absorbé les collections du précédent Musée civique d’art contemporain (CIMAC) qui était situé au deuxième étage du Palais Royal et qui a été fermé en 1998.

Le Museo del Novecento, situé à l’intérieur du Palazzo dell’Arengario sur la Piazza del Duomo, abrite une collection de plus de quatre mille œuvres qui catalysent le développement de l’art italien du XXe siècle.

Le Museo del Novecento a été créé le 6 décembre 2010 dans le but de diffuser la connaissance de l’art du XXe siècle et d’offrir un aperçu plus complet des collections dont la ville de Milan a hérité au fil du temps. En plus de son activité principale d’exposition, le Musée est actif dans la conservation, la recherche et la promotion du patrimoine culturel et artistique italien du 20e siècle dans le but final d’atteindre un public toujours plus large.

Hormis une seule pièce abritant des œuvres d’artistes étrangers dont Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian et Picasso, la majorité des œuvres exposées au musée sont des artistes italiens. Une section importante est consacrée aux futuristes italiens, avec des œuvres de Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi et Ardengo Soffici. La grande toile Il Quarto Stato de Giuseppe Pellizza da Volpedo (1902) est également exposée dans une pièce à part entière.

D’autres sections du musée sont consacrées à des artistes individuels tels que Giorgio de Chirico, Lucio Fontana et Morandi. Il existe également des sections consacrées aux mouvements artistiques du XXe siècle, notamment l’abstractionnisme, l’Arte Povera, le Novecento Italiano, le post-impressionnisme et le réalisme, ainsi qu’à des genres tels que le paysage et l’art monumental.