1 층에는 Jucker 컬렉션과 미래 학자들의 작품이 있습니다. 특히, 미래파 예술가 인 Boccioni (1882-1916)의 작품 중 유명한 조각품의 다양한 표본 중 하나 인 공간에서 연속성의 독특한 형태는 작가 전용 객실에 전시되었습니다.

이 컬렉션은 1900 년대 초 파블로 피카소, 조지 브라크, 폴 클레, 칸딘스키, 아메데오 모딜리 아니의 그림으로 국제 아방가르드 운동에 대한 찬사로 시작됩니다. 이번 전시회는 Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Fortunato Depero, Gino Severini, Carlo Carrà 및 Ardengo Soffici를 보여주는 세계 고유의 예술품의 핵으로 대표되는 미래파와 함께 계속됩니다.

전기
Umberto Boccioni (1882 년 10 월 19 일 – 1916 년 8 월 17 일)는 영향력있는 이탈리아 화가이자 조각가였습니다. 그는 미래 운동의 혁명적 미학을 주요 인물 중 하나로 만드는 데 도움을주었습니다. 그의 짧은 생애에도 불구하고, 그의 역동성에 대한 그의 접근과 견실 한 대중지도 예술가들의 해체는 그의 죽음 이후 오랫동안 지속되었다. 그의 작품은 많은 공공 미술관에서 열렸으며 1988 년 뉴욕시의 메트로폴리탄 미술관은 100 개 작품의 주요 회고전을 조직했습니다.

Umberto의 부모는 원래 Morciano di Romagna (리미니에서 25km)에서 온 Raffaele Boccioni와 Cecilia Forlani였습니다. 지사 안내 원으로 일한 아버지는 서비스 요구에 따라 이탈리아로 이주해야했습니다. 움베르토는 1882 년 10 월 19 일 레지오 칼라브리아에서 태어났다. 여기서 그는 초등학교의 첫 수업에 참석했고, 그 후 가족은 Forlì로, 그 다음 Genoa와 Padua로 옮겼습니다. 1897 년에 카타니아로 새로운 이전 명령이 나왔습니다. 이번에 가족은 헤어졌다 : 움베르토와 그의 아버지는 시실리로 갔다. 로마에서 태어난 여동생 아멜리아와 함께있는 어머니는 베네토에 남아있었습니다. 카타니아에서 움베르토는 졸업장을 얻을 때까지 기술 연구소에 참석했습니다. 그는 일부 지역 신문과 협력하여 첫 소설 인 1900 년 7 월 6 일을 기록한 영혼의 성기 (Penis of the soul)를 썼습니다.

1901 년 움베르토는 로마로 이주하여 아버지를 다시 양도했습니다. 그는 종종 콜롬 바 숙모의 집을 방문합니다. 짧은 시간에 그는 딸 중 하나 인 Sandrina와 사랑에 빠지게됩니다. 움베르토는 스무 살 정도이고 포스터 아티스트의 연구에 참석하여 그림의 첫 번째 기초를 배웁니다. 이 기간에 그는 Gino Severini를 만났고, 그는 부서 화가 인 Giacomo Balla의 스튜디오 인 Porta Pinciana에서 함께 참석했습니다. 1903 년 초 움베르토와 세 베리 니는 누드 학교에 다니며 발라의 동공 인 마리오 시로 니를 만난다. 그해 움베르토는 그의 첫 작품 인 캄파 냐 로마나 (Campagna Romana) 나 메리 지오 (Merigio)를 그렸습니다.

두 부모의 도움으로 그는 해외 여행을 관리합니다. 첫 번째 목적지는 파리 (1906 년 4 월 -8 월)이며 러시아는 같은 해 11 월에 돌아옵니다. 파리에서 그는 아우 구 스타 포프 오프 (Augusta Popoff)를 만났다. 그들의 관계에서 1940 년 4 월에 Ptrr (Pietro)가 태어났다. 1907 년 4 월 움베르토는 베니스 왕립 미술 대학의 무료 누드 학교에 입학했다. 그는 러시아로의 또 다른 여행을 시작하지만 뮌헨에서 박물관을 방문하는 것을 방해합니다. 그가 돌아 왔을 때, 그는 여전히 본질적으로 “지방 문화”로 간주되는 이탈리아 문화의 한계를 느끼기 때문에 채워지지 않은 채 남아있는 채 적극적으로 페인트를 그립니다. 한편, 그는 조각 분야에서 첫 경험에 직면했다.

1907 년 가을에 처음으로 밀라노로 갔는데, 그의 어머니와 자매는 몇 달 동안 살았습니다. 그는 도시가 다른 도시들보다 더 많은 도시이며 역동적 인 열망에 해당한다는 것을 즉시 감지합니다. 그는 로몰로 로마 니 (Romolo Romani)의 친구가되며, 프리비 아티 (Previati)를 자주 사용하며,이 작품에서 그는 상징주의로 바뀌는 그의 그림에 어떤 영향을 미칩니다. 그는 Permanente의 회원이됩니다. 이러한 형성기 동안 많은 박물관과 미술관을 방문하십시오. 따라서 모든 연령대의 예술가, 특히 고대 예술가의 작품을 직접 알 수있는 가능성이 있습니다. 미켈란젤로와 같은 이들 중 일부는 항상 그의 이상적인 모델로 남을 것입니다.

그럼에도 불구하고, 그들은 미래 미술 시대에 고대 예술과 과거에 대한 논쟁의 주요 목표가 될 것입니다. 1907 년 그는 밀라노의 필사들과 Filippo Tommaso Marinetti와 Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla 및 Gino Severini와 함께 Futurist Painters의 선언문 (1910)을 썼고, 그 후 미래파 운동의 기술 선언을 썼다. (1912) : 현대 예술가의 목표는 제도 전문가들에 따르면 과거의 모델과 비 유적 전통에서 벗어나 현대적이고 역동적이며 활기 차며 끊임없이 진화하는 세계로 단호하게 돌아 가야한다는 것이었다.

따라서 표현의 주제로서 도시, 기계, 혼란스러운 일상 현실이 제안되었습니다. 그의 작품에서 Boccioni는 형태의 움직임과 물질의 구체성을 마스터하게 표현했습니다. 보치 오니는 입체파에 영향을 받았지만 과도한 정체를 비난했지만 그림에서 직선을 피하고 보색을 사용했습니다. 사이클 선수의 역 동성 (1913) 또는 축구 선수의 역 동성 (1911)과 같은 그림에서 시간이 지남에 따라 동일한 주제를 연속적인 단계로 표현하면 우주에서 움직이는 아이디어를 효과적으로 제안 할 수 있습니다. 조각품은 또한 Boccioni의 유사한 의도를 지배하며, 아티스트는 종종 대리석, 청동과 같은 고귀한 재료를 무시하고 나무, 철 및 유리를 선호합니다. 그는 움직이는 물체와 주변 공간의 상호 작용을 설명하는 데 관심이있었습니다. 그의 조각품 중 살아남은 사람은 거의 없습니다.

인도주의 사회 내에서 그는 1911 년 4 월부터 5 월까지 Ugo Nebbia, Carlo Dalmazzo Carrà, Alessandrina Ravizza와 함께 위대한 그림 “Il Lavoro”(오늘 뉴욕 MoMA에서 The City Rises라는 제목으로)를 마쳤습니다. 초현대적 가이드 라인이있는 인상적인 전시회 인 Free Art의 첫 번째 파빌리온에서 밀라노에 생명을 불어 넣습니다.

1912 년에 Boccioni는 그의 가장 중요한 이론적 텍스트 인 Futurist painting and 조각 (1914)의 출판과 걸작 Materia (1912)의 실현이라는 관점에서 강력한 연구 기간을 시작했습니다. 그는 제목 목록을 작성하는 많은 양의 역사 예술적이고 철학적 인 주제를 상담하십시오. 특히 그는 프랑스 철학자 Henri Bergson의 생각에 대한 지식을 심화시켜 Materia e memoria (1896) 책을 읽었습니다. 물질의 기본 통일의 직관으로 이해되는 자발적 기억에 대한 Bergson의 이론은 Boccioni에게 비행기 내부의 상호 침투에 대한 아이디어를 “내부와 외부의 동시성 + 기억 + 감각”으로 제안하여 그가 예를 들어 고대 또는 원시 예술에서 입체파 형태의 분해에 이르는 제안에 대한 창의적인 과정 (예를 들어 친숙한). 예를 들어 캔버스 소재의 유 테리아에서 Boccioni는 그의 어머니 Cecilia Forlani의 초상화를 위대한 어머니로 묘사하고 입체파의 분해와 인상 주의적 파생물의 보완적인 색상 사용을 고풍 시대의 그리스 성서의 계층 적 정면 성과 통합합니다.

사실 1912 년에 논의 된 책들 중, Boccioni는 그의 목록에서 고고학 조각품, 특히 689 페이지에있는 조지 페로 (Georges Perrot)와 찰스 치피 에즈 (Charles Chipiez)의 Histoire de dell’arte의 여러 권의 작품에 대한 주제 VIII를 인용했다 단스 란티 퀴테 (Dans l’ antiquité) (1882-1914)는 두 저자가 고대 법정에서 이른바 정면 법칙을 다루고있다.

Boccioni의 가장 관련있는 그림 작품으로는 Il Lavoro (The City that Goes Up) (1910), Rissa in Galleria (1910), Stati d’ animo n. 1. 작별 (1911) – 영혼의 움직임이 대각선으로 배열 된 빛, 나선 및 물결 모양의 섬광을 통해 표현되는 경우-거의 살아있는 생물체 인 도시가 인간보다 우세한 도로의 힘 (1911) 존재.

1915 년 이탈리아는 전쟁에 들어갔다. 보치 오니 (Boccioni), 개입 자원 봉사자, 자원 봉사자, 자원 봉사자 사이클리스트 및 운전자의 전국 봉사단에서 여러 예술가와 함께 전투에 참여할 기회는 없습니다. 1915 년 10 월 전선에서 보낸 편지에서 화가는 실제로 “전쟁을하려고 할 때 곤충은 지루함 = 어두운 영웅주의 …”라고 썼다.

1916 년 6 월 Boccioni (당시 전선을 기다리고 있음)는 Maggiore 호의 동쪽 해안에 위치한 Villa San Remigio의 Marquis Della Valle di Casanova의 손님이었습니다. 같은시기에 빅토리아 콜로 나 (Vittoria Colonna)는 남편 Leone Caetani가 정면에있는 동안 여름철에 임대 한 Isolino di San Giovanni (Borromean Islands에서 가장 작은)의 조용한 곳에서 하루를 보낸다. 여기서 그녀는 정원을 돌보고 남편에게 편지를 씁니다. Casanova와의 첫 만남 후에 Boccioni와 Vittoria는 매일 서로를 만나기 시작합니다. 그리고 7 월 한 달 동안, Boccioni는 Vittoria all’Isolino의 손님으로 두 번 손님입니다. 마지막 체류는 7 월 23 일에 끝납니다. 한 달도 채 지나지 않아 8 월 17 일 그는 말에서 넘어져 죽을 것입니다. 그의 지갑에서, Vittoria가받은 마지막 편지.

1916 년 8 월 17 일, 보치 오니는 베로나의 군 병원에서 33 세의 나이로 트럭의 광경에 화를 낸 그의 암말로 인한 사고로 인한 부상으로 사망했다. 그 전날은 베로나의 작은 마을 키에보 (Corevo)의 소테 (Sorte) 지역에서 군사 운동을하는 날 하루 전부터 시골에 잠긴 좁은 거리에 기념 패가 세워졌습니다. 보치 오니의 몸은 대신 베로나의 기념비적 인 묘지에, 두 번째 캠프의 고대 칼 티에 묻혔으며, 그 옆에는 어머니도 묻기를 원했습니다. 예술가의 이름을 닫고 지탱하는 대리석에서 다른 방문 예술가와 지인이 남긴 서면 증언을 볼 수 있습니다.

그의 작품

초기 초상화와 풍경
1902 년부터 1910 년까지 Boccioni는 처음에는 그림에 초점을 맞춘 다음 어머니를 빈번한 모델로 스케치하고 초상화를 그렸습니다. 또한 종종 산업화, 기차 및 공장의 도착을 포함하여 풍경을 그렸습니다. 이 기간 동안 그는 점묘주의와 인상파 사이를 직조하고 Giacomo Balla의 영향을 받았으며, 분할 기법은 초기 회화에서 분명합니다 (나중에 대부분 포기 됨). 아침 (1909)은 “대담하고 젊음의 색조의 폭력”과 “광도의 대담한 운동”으로 유명했습니다. 그의 1909 ~ 10 명의 여성, 그의 어머니와 여동생, 그리고 오랜 연인 인 Ines를 중심에 묘사 한 것은 힘, 우울, 사랑이라는 큰 감정을 표현하는 것으로 인용되었습니다.

미래파의 개발
Boccioni는 1 년 동안 La città 판매 또는 1910 년의 City Rises에서 거대한 (2m x 3m) 그림을 작업했으며, 이는 미래파로의 전환점으로 간주됩니다. “나는 노동, 빛, 운동의 위대한 합성을 시도했다”고 친구에게 썼다. 1911 년 5 월 밀라노에서 전시회가 열렸을 때이 그림은 수많은 감상을 불러 일으켰다. 1912 년에이 작품은 유럽을 여행하는 전시회, 미래파 소개를위한 헤드 라인 페인팅이되었습니다. 이 작품은 그 해에 4,000 리터의 위대한 피아니스트 인 Ferruccio Busoni에게 팔렸으며 오늘날 뉴욕의 현대 미술관에서 회화 부서 입구에 자주 전시되고 있습니다.

La risata (1911, The Laugh)는 Boccioni의 최초의 진정한 미래파 작품으로 간주됩니다. 그는 분열과 완전히 동참했으며, 현대 생활에 대한 그의 관찰에서 비롯된 감각에 집중했다. 대중의 응접은 Three Women과 비교할 때 상당히 부정적이며, 방문객은 여전히 ​​신선한 페인트를 통해 그의 손가락을 쳐서 겪었습니다. 이후 비판은 더욱 긍정적이되었으며, 일부는 그림을 입체파에 대한 반응으로 간주했다. 베를린에서 전시 된 20 명의 미래 학자 작품을 획득 한 독일의 수집가 Albert Borchardt가 구입했습니다.이 거리는 바쁜 거리가 내려다 보이는 발코니에있는 여성을 묘사 한 The Street Enters the House (1911)를 포함합니다. 오늘날 전자는 현대 미술관, 후자는 하노버의 Sprengel Museum이 소유하고 있습니다.

Boccioni는 1911 년 동안 “Stati d’ animo”( “마음의 상태”)라는 그림의 3 부작 작업을하면서 철도 역에 도착과 도착을 표현했습니다. 넬슨 록펠러가 그의 과부에서 그림을 얻어 뉴욕의 현대 미술관에 기증 할 때까지 세 개의 그림은 모두 Marinetti가 구입했습니다.

1912 년 Elasticità 또는 Elasticity에서 강렬한 색채로 포착 된 말의 순수한 에너지를 묘사 한 Dinamismo di un corpo umano (Human Body), ciclista (Cyclist), Foot-baller 및 1914 년 Dinamismo plastico : cavallo + caseggiato (플라스틱 역 동성 : Horse + Houses).

이 초점을 계속하면서, 그는 초상화에 대한 그의 이전 관심을 되살 렸습니다. 1912 년 L’ antigrazioso (Antigraceful)로 시작하여 1914 년에 I selciatori (Street Pavers)와 Il bevitore (The Drinker)로 계속 진행합니다.

1914 년에 Boccioni는 그의 저서 인 Pittura, scultura futuriste (미래주의 회화와 조각)를 출판했으며, 이로 인해 자신과 미래파 동지들 사이에 균열이 생겼습니다. 결과적으로, 그는 다이나믹 탐사를 포기하고 대신 색채로 대상을 더 분해하려고했다. 1915 년 수평 볼륨과 1916 년 Ferruccio Busoni의 초상화로 그는 비 유적 그림으로 완전히 돌아 왔습니다. 아마도이 마지막 그림은 첫 미래 학자 작품 인 City Rises를 구입 한 마에스트로의 초상화 일 것입니다.

조각
1912 년 4 월 11 일에 출판 된 그의 Manifesto tecnico della scultura futurista (미래 조각의 기술 선언)의 글은 Boccioni의 지적, 물리적 조각 조각에 대한 것이었다. 그는 작년에 조각 작업을 시작했습니다.

1913 년 말 그는 자신의 걸작 인 Forme uniche della continuità nello spazio (우주에서 연속성의 형태)를 왁스로 완성했습니다. 그의 작업 목표는 프란 티 K 쿠카 (František Kupka)와 마르셀 뒤샹 (Marcel Duchamp)과 같은 예술가들에게서 본 “분석적 불연속”대신 “합성 연속성”운동을 묘사하는 것이 었습니다. 그의 생애 동안 작품은 석고 캐스트로만 존재했습니다. 이 조각품은 1931 년에 청동으로 처음 주조되었습니다.이 조각품은 광범위한 해설의 대상이되었으며 1998 년 이탈리아 20 센트 유로 동전 뒷면에 새겨진 이미지로 선정되었습니다.

1916 년 Boccioni가 사망 한 직후 (밀라노에서 기념 전시회가 열린 후), 그의 가족은 동료 조각가 인 Piero da Verona에게 영원한 시간을 보냈다. 다 베로나 (Da Verona)는 그의 조수가 지역 쓰레기통에 배치하도록 요청했다. 조각품의 파괴에 대한 Marinetti의 분노한 설명은 약간 달랐다. 회고록에서 그는 조각상들이 “부러운 파시스트 협박 조각가”가 배치 한 방을 청소하기 위해 노동자들에 의해 파괴되었다고 진술했다. 따라서 1912 년 말부터 1913 년까지의 그의 실험 작업은 사진을 통해서만 알려진 동시대 회화와 관련된 작품을 포함하여 파괴되었습니다. 살아남은 몇 안되는 조각 중 하나는 안티 그라 지오 소 (Antigrazioso)입니다.

2019 년 현대 이탈리아 예술의 에스 토릭 컬렉션 (Estorick Collection of Modern Italian Art)은 몇 개의 파괴 된 조각품을 재구성하는 전시회를 열었습니다.

전시회
Museo del Novecento의 컬렉션을 통해 방문객들은 “La Signora Virginia”(1905 년 버지니아 주 버지니아)와 같은 디비전 주의적 정맥에 남아있는 회화에서부터 가장 유명한 대표적인 사례에 이르기까지 초기 미래주의 최대 지수의 예술적 여정을 완전히 파악할 수 있습니다. 조각“Forme uniche della continuità nello spazio”(1913 년 우주에서의 독특한 연속성)와 같은 추상적 경험.

1905 년 La signora Virginia, Umberto Boccioni
1913 년 움베르토 보치 오니 (Umberto Boccioni)의 uniche della continuità nello spazio

움베르토 보치 오니와 미래파
1882 년 레지오 칼라브리아에서 태어난 움베르토 보치 오니 (Umberto Boccioni)는 파도바와 베네치아에서 생활 한 후 로마의 지아코모 발라 스튜디오에서 지노 세 베리 니와 마리오 시로 니와 함께 공부 한 후 1908 년 밀라노에 도착했습니다. 2010 년대 초 이탈리아와 근대 경제 개발의 중심지 인 롬바르디아의 수도에서 Boccioni는 1910 년 Filippo Tommaso Marinetti를 만났습니다. 그들은 Carlo Carrà와 함께 미래파 운동에 동참함으로써 문화적 전통주의에 대한 공세에 기여했습니다. Lucci Russolo와 Gino Severini와 같은 Boccioni는 1910 년“미래 화가의 선언”과“미래 화가의 기술 선언”에 서명했습니다.

Stati d’ animo-Gli addii, 움베르토 보치 오니, 1911,
1911 년에 창안 된 삼부작 인 스테 티 다니 모 (States of Mind)에서 그는 그 시대의 예술가들에게 사랑을 불러 일으키는 스타일을 사용하여 그 시대의 예술가들의 주제를 다루고 있습니다.

1911 년 움베르토 보치 오니 (Umberto Boccioni)
Stati d’ animo-Quelli che restano, 움베르토 보치 오니, 1911,
glist stati d’ animo, Umberto Boccioni,

파리 후
1912 년 파리로 여행하는 동안 입체파의 작품을 본 후, Boccioni는 작품의 기하학적 구성의 중요성을 반영하기 시작했습니다. 그는 믹스에 추력과 힘을 더해 1913 년 “Elasticità”(Elasticity)와 같은 걸작과 “Donna al Caffè”(Cafe의 여성) 및 “Costruzione Spiralica”(Spiral Construction) .

1912 년 움베르토 보치 오니
Donna al caffe-Compenetrazione di luci e piani, 움베르토 보치 오니, 1912/1914,
1913 년 움베르토 보치 오니 (Umberto Boccioni)

“나폴리 롯데 일 페르 골라 토”
그의 창의적 긴박감은 결국이 단계에서 벗어나게되었고, 그의 후기 작품은 세잔 (Cézanne)의 연구에 영향을 받았다. 1914 년 나폴리의 페르 골라 (Pergola)에서“토르 페르 골라 토 나폴리 (Sotto il pergolato a Napoli)”에서, 형태의 견고 함은 많은 혁신적인 요소와 함께 회화의 중심 요소로 돌아왔다. Boccioni는 말에서 떨어지고 1916 년에 사망했습니다. 그의 조기 사망은 의심 할 여지없이 추가 실험으로 이끈 예술적 단계를 단축시켰다.

밀라노에서 20 세기의 박물관
밀라노의 Museo del Novecento는 팔라 초 델아 렝가 리오 (Palazzo dell’Arengario)와 밀라노의 인접한 왕궁 (Royal Palace)에 상주하는 20 세기 예술 작품을 상설 전시합니다. 박물관은 왕궁 2 층에 위치하고 1998 년에 문을 닫았 던 이전 시민 예술 박물관 (CIMAC)의 컬렉션을 흡수했습니다.

피아자 델 두오모 (Piazza del Duomo)에있는 팔라 초 델아 렝가 리오 (Palazzo dell’Arengario) 안에 위치한 Museo del Novecento는 20 세기 이탈리아 예술의 발전을 촉진하는 4 천 개가 넘는 작품을 소장하고 있습니다.

Museo del Novecento는 20 세기 예술 지식을 널리 알리고 밀라노 시가 오랜 세월 동안 물려받은 소장품에 대한보다 포괄적 인 통찰력을 제공하기 위해 2010 년 12 월 6 일에 설립되었습니다. 주요 전시 활동 외에도 박물관은 20 세기 이탈리아 문화 예술 유산의 보존, 조사 및 홍보에 적극적으로 참여하여 더 많은 사람들에게 도달하려는 최종 목표를 가지고 있습니다.

Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian 및 Picasso를 포함한 외국 예술가의 싱글 룸 하우징 작품 외에도 박물관에 전시 된 작품의 대부분은 이탈리아 예술가입니다. Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi 및 Ardengo Soffici의 작품으로 주요 섹션이 이탈리아 미래 학자에게 바쳐졌습니다. 주세페 펠리 짜 다 볼 페도의 대형 캔버스 Il Quarto Stato (1902)도 방 안에 전시되어 있습니다.

박물관의 다른 섹션은 Giorgio de Chirico, Lucio Fontana 및 Morandi와 같은 개별 아티스트에게 바쳐졌습니다. 추상주의, 아르테 포 베라 (Arte Povera), 노베 켄토 이탈리아 노 (Noveecento Italiano), 포스트 인상파와 현실주의, 풍경과 기념비 예술과 같은 장르를 포함하여 20 세기의 예술 운동에 관한 섹션도 있습니다.