L’exposition «Un défi à la lumière», tirée de la préface d’un livre de René Renne et Claude Serbanne sur les dessins de Jorn, avait «un éclat sulfurique». Les travaux n’étaient pas seulement des études d’introspection: «Ils valaient tous pour le monde».

Rassemblant des œuvres qui explorent l’expérimentalisme, la spontanéité et l’inconscient, le spectacle nous apporte des exemples de la production diversifiée de cet artiste. Composé de 48 dessins / collages et aquarelles, en plus de 53 gravures, en ajoutant 101 œuvres sur papier, du musée Jorn, au Danemark, et trois peintures de collections privées. Le membre du groupe CoBrA (1948-1951) se distingue par sa production qui s’étend du dessin, de la peinture et des arts graphiques à la céramique, la sculpture, la tapisserie, etc.

L’exposition présente des dessins réalisés de 1937 à 1973, à partir du moment où l’artiste danois a étudié avec Fernand Léger, lorsqu’il s’est approprié tout l’art qu’il a trouvé à Paris, en particulier le surréalisme, qui a été significatif pour le développement de son œuvre. Selon le conservateur, tous les dessins de l’artiste semblent absorber le paysage environnant, plus que ses peintures. « Chacune des rencontres avec l’Afrique du Nord, l’Italie et le Mexique peut être déchiffrée dans le choix des couleurs, en particulier dans les derniers dessins de l’île danoise de Læsø, où la lumière de la mer rend presque leurs dessins éthérés ».

L’exposition présente également une partie spécifique des travaux sur papier de Jorn consistant en décollages, qu’il a créés en déchirant des lames d’affiches qui étaient collées ensemble dans des colonnes (la plupart produites en 1964). Le rôle qui l’accompagnait toujours sous forme de carnets de croquis, conservés dans leur ensemble ou démembrés, est également présent dans l’exposition.

Dans le travail graphique d’Asger Jorn, l’un de ses laboratoires les plus importants, en partenariat avec des imprimeurs d’art graphique, il explore les différentes techniques: linogravure, gravure, lithographie et gravure sur bois, entre autres. «L’imprimeur a un rôle important pour moi, car je peux épuiser toutes les possibilités d’expression existant dans chaque technique – impression, pointe sèche, gravure, lithographie, gravure sur bois, etc. -, les pousser à la limite», a déclaré l’artiste. Selon Thage, depuis sa jeunesse, dans les années 1930, et jusqu’à sa mort, Jorn a fait une exploration pleinement consciente des techniques graphiques. «La collection complète d’œuvres graphiques, depuis les premiers portraits légèrement naïfs de membres de la famille dans des coupes de linoléum, jusqu’aux dernières gravures sur bois, d’une beauté presque pétillante, produites vers 1970,

Trois tableaux complètent l’exposition, un support qui a qualifié son travail de plus important en Scandinavie après Edvard Munch. Pour le conservateur, l’instrument le plus important de Jorn est l’image, que ce soit en peinture, en dessin ou en arts graphiques.

Biographie
Asger Oluf Jorn (3 mars 1914 – 1er mai 1973) était un peintre, sculpteur, céramiste et auteur danois. Il a été membre fondateur du mouvement d’avant-garde COBRA et de l’Internationale situationniste. Il est né à Vejrum, dans le coin nord-ouest du Jutland, au Danemark, et a baptisé Asger Oluf Jørgensen.

La plus grande collection d’œuvres d’Asger Jorn – y compris son œuvre majeure Stalingrad – peut être vue au Museum Jorn, Silkeborg, Danemark.

Asger Jorn a voulu sa propriété et les œuvres d’art situées à l’intérieur de la municipalité d’Albissola Marina (Savone), de sorte que le musée italien appelé « Casa Museo Jorn » a été créé pour exposer ses œuvres.

1914-1932
Asger Oluf Jørgensen (plus tard Jorn) est né le 3 mars 1914 à Vejrum dans le Jutland occidental. Ses parents étaient enseignants. Le père de Jorn, Lars Peter, est décédé des suites d’une maladie soudaine en 1926, et sa mère, Maren Jørgensen, a dû élever leurs six enfants avec une modeste pension. En 1929, la famille a déménagé à Silkeborg, où Jorn a commencé un enseignement au séminaire de cinq ans. Près de Silkeborg vivait le syndicaliste Christian Christensen. Sa connaissance a aiguisé la position politique de Jorn. À certains moments, Jorn était membre du Parti communiste du Danemark, mais il a maintenu une position politique très indépendante tout au long de sa vie.

1932-1945
La première rencontre de Jorn avec la peinture moderne a été une exposition itinérante de peintres danois à Silkeborg en 1932. Jorn a contacté le peintre Martin Kaalund-Jørgensen, qui l’a encouragé à dessiner et à peindre. À la demande de Kaalund-Jørgensen, il est invité à participer avec trois tableaux au groupe Frie Jyske Painters à Silkeborg en 1933.

Après le séminaire, Jorn s’est rendu compte qu’il voulait vivre et travailler en tant qu’artiste, et il est allé à Paris en 1936. Ici, il est devenu étudiant à Fernand Léger. L’impulsion de Léger et l’environnement artistique à Paris sont devenus le facteur déterminant pour le développement ultérieur de Jorn. Les années suivantes, il revient à Paris pour un séjour plus court, mais il passe la saison d’hiver à l’Académie des Beaux-Arts de Copenhague.

Jorn a eu une exposition séparée à Copenhague avec l’artiste français Pierre Wemaëre, qu’il avait rencontré à Léger. À Paris, Jorn oscille entre le style rigoureux de l’école Léger – avec des études de la nature et des compositions établies – et la direction du surréalisme représentée par Joan Miró, Max Ernst et Jean Arp. Le Musée d’art primitif d’outre-mer a également été une source d’inspiration. Peu de temps avant la guerre, il a découvert Franz Kafka par Léger, et il a traduit comme le premier Kafka en danois.

Avec Egill Jacobsen, Ejler Bille, Carl-Henning Pedersen et l’archéologue PV Glob et al. Jorn a prévu en 1940 de publier un journal. Il s’appelait Helhesten, la bête qui annonce la mort. L’ensemble du cheval reflétait ce qui se passait dans le domaine de la nouvelle musique, de la poésie et de l’art. Les œuvres de Jorn de ces années vont de figures uniques à de riches paysages peuplés de figures animales, en utilisant une échelle de couleurs qui était redevable au début de l’expressionnisme danois. Il a cherché à combiner l’inspiration de l’art européen moderne avec une tradition danoise. Jorn a utilisé toutes les techniques traditionnelles et s’est exprimé dans la peinture, le dessin, le graphisme et les sculptures en céramique.

Même avant la libération, Jorn avait fini par croire que le développement de l’art au Danemark était important malgré l’occupation allemande et l’isolement forcé du monde extérieur.

1946-1952
À l’automne 1946, aujourd’hui sous le nom de Jorn, plus applicable à l’étranger, il a pu rentrer à Paris, où il a rencontré de nombreux artistes. L’année suivante, il prépare sa première exposition personnelle à Paris.

À l’été 1948, Jorn est resté sur la petite île de Hjarnø dans le fjord Horsens. Avec Bille et R. Dahlmann Olsen, qui avait été rédacteur en chef de Helhesten, il a écrit une déclaration de programme sur la coopération avec d’autres artistes en Europe. La déclaration a été signée par Egill Jacobsen, Ejler Bille, Asger Jorn, R. Dahlmann Olsen, Erik Thommesen, Carl-Henning Pedersen et Else Alfelt. À l’automne, Jorn est revenu à Paris où il a assisté à une conférence d’artistes. Incapable d’accepter l’attitude des Français, il s’associe au poète belge Christian Dotremont. Ensemble, ils ont gagné, entre autres. Néerlandais Karel Appel, Constant Nieuwenhuis et Corneille pour une collaboration. Cette initiative a été baptisée COBRA: CO penhague, BR uxelles et A msterdam. L’association a duré trois ans, mais est devenue importante pendant de nombreuses années à venir.

En collaboration avec Constant, Jorn a prévu une conférence au cours de laquelle les artistes participants pourraient travailler et discuter. Cela a été réalisé à l’automne 1949, mais sans le groupe néerlandais, qui est resté à l’écart pour protester car la femme de Constant, Matie et Jorn, s’étaient rencontrées.

Au début des années 1950, Jorn a peint une série de visions de la guerre, caractérisée par la peur de la guerre nucléaire, exprimée sous la forme d’animaux mordants et grondants. Dans le tableau Eagle’s Court, il a cherché à symboliser le comportement douloureux et récurrent de la guerre et de la mort.

Dans un appartement de la maison de l’artiste danois à la périphérie de Paris, Jorn, sa nouvelle épouse, ses deux filles et leur nouveau-né sont restés dans la pauvreté pendant des mois et, comme il l’a écrit plus tard, avec un sentiment d’étouffement par manque d’air. En avril 1951, il est physiquement tombé en panne avec une grave tuberculose et malnutrition. Avec l’aide de ses amis, il est retourné à Silkeborg et au grand sanatorium de lutte contre la tuberculose. Le premier des presque dix-huit mois passés au sanatorium a été critique, mais après quelques mois, il a été autorisé à peindre à nouveau.

1953-1963
Le musée de Silkeborg avait un comité de prévoyance qui a payé le potier Knud Jensen à Sorring DKK 2000 pour travailler pour Jorn pendant quelques semaines, en échange de pouvoir sélectionner 30 des meilleures œuvres en céramique pour le musée. Ils devaient devenir le fondement d’une collection d’art moderne, créée par Jorn à Silkeborg (environ 5 500 œuvres). En septembre 1953, il quitta le Danemark avec sa femme et leurs quatre enfants. Il est allé en Suisse pour un séjour de loisirs plus long.

En 1953, Asger Jorn réalise 21 dessins légers à l’invitation du photographe Poul Pedersen. Les dessins ont été réalisés dans un studio sombre avec une lampe de poche comme stylo devant la caméra de Poul Pedersen avec obturateur ouvert.

Jorn a quitté la Suisse et s’est installé à Albissola près de Gênes. Albissola est une ville aux traditions céramiques anciennes. Au début, Jorn vivait avec sa famille dans une tente sur la plage, plus tard l’artiste Lucio Fontana leur a prêté son studio d’été. Dans l’une des usines de céramique de la ville, Jorn a travaillé avec de nombreux artistes de différents pays.

Au début de 1955, Jorn se rend à Paris, où il peut acheter un grand loft de 50 m 2, qui peut être meublé pour vivre pour lui et sa famille. L’achat a été financé par une exposition à la Galerie Birch à Copenhague. À l’avenir, Jorn a passé les mois d’été à Albissola, où il a ensuite acheté des maisons, et les hivers à Paris.

En 1956, il commence sa plus grande peinture de tous les temps: Stalingrad, le lieu qui n’est pas ou le fou rire du courage. Il y travaille jusqu’en décembre 1972.

En juin 1957, il expose à la Galerie Rive Gauche à Paris et l’année suivante dans une toute nouvelle galerie allemande van de Loo à Munich, lieu qui prend une grande importance pour lui.

À l’été 1959, il travaille à Albissola sur un relief en céramique de 3 m de haut et 30 m de long pour le gymnase d’État d’Aarhus, commandé par la National Art Foundation. Dans le même temps, l’exécution d’une couverture de 14 mètres de long a commencé Le long voyage à Paris, conduit par Pierre Wemaëre et lui-même – jusqu’au lycée. En 1959, la première grande exposition a eu lieu au Musée de Silkeborg d’un certain nombre de cadeaux de Jorn, exécutés par des artistes internationaux.

À Paris, en mai 1958, il expose un certain nombre de peintures de paysages qu’il a trouvées dans les marchés aux puces et repeintes. Ils ont reçu le titre commun Modifications.

Jorn a repris un ancien plan pour une présentation à grande échelle de l’art nordique ancien sous forme de livre. Le résultat a été une archive contenant plus de 25 000 séances photo du photographe français Gerard Franceschi. C’était l’idée de Jorn que les archives devraient devenir un centre d’études sur l’art nordique ancien: l’Institut scandinave de vandalisme comparé (SISV). En 1961-1962, Jorn repeint une série de photos du marché aux puces, cette fois des portraits. Ils ont été montrés à Paris.

1964-1973
En 1964, il a participé à un certain nombre d’expositions d’art internationales et sa première exposition rétrospective a eu lieu à Bâle, Amsterdam et Louisiane. Jorn a refusé de recevoir le prix Guggenheim. En 1965, il a dû abandonner le projet SISV, mais a publié plus tard plusieurs livres sur des sujets sélectionnés. Le professeur d’université et collectionneur d’art anglais Guy Atkins, que Jorn avait rencontré à Londres en 1956, a commencé à collecter des documents pour un dossier complet des peintures de Jorn.

Au cours de la nouvelle année 1966-1967, Jorn a exécuté un certain nombre de grandes lithographies en Suisse.

Jorn a assisté à une conférence culturelle à La Havane à Cuba, et à cet égard, la photo de Stalingrad a été exposée. Au lieu de participer aux discussions, Jorn a peint sur les murs d’une banque nationalisée. Il a observé la révolte des jeunes à Paris avec intérêt, mais à distance. Il expose régulièrement dans des galeries à Munich, Copenhague, Londres, New York et Milan. En 1970, dans une galerie parisienne, il expose dix-huit tableaux qui marquent un moment fort de l’œuvre de sa vie. Les œuvres tardives expriment un nouveau registre d’émotions. Ils vivaient à Colombes en périphérie de Paris, où Jorn avait acheté une petite maison et, pour la première fois de sa vie, avait installé un véritable studio. Il vivait avec Nanna Enzensberger. En 1971, elle a donné naissance à leur fils.

À l’été 1972, Jorn travaille à Albissola sur une série de sculptures en argile coulées en bronze. Il se rend au Danemark où il prépare un ouvrage en deux parties sur Theoderik, le roi des Goths, et Didrik, son homologue des sagas nordiques.

En janvier 1973, il a été admis à l’hôpital municipal d’Aarhus. Début avril, après avoir épousé Nanna Enzensberger, il s’est rendu à Albissola, confirmant qu’il souhaitait transférer sa maison en ville. En même temps, il s’est assuré que son ami Umberto Gambetta et sa femme pouvaient occuper la maison aussi longtemps qu’ils vivraient. Jorn est décédé à Aarhus le 1er mai 1973. Il est enterré au cimetière de Grötlingbo à Gotland.

L’écriture
Chance et chance: poignard et guitare (1952)
La première édition de Luck and Chance était le premier livre publié par Jorn, publié en privé aux abonnés en 1952. Il a été écrit au Silkeborg Sanatorium pendant sa convalescence d’une grave attaque de tuberculose aggravée par la malnutrition et le scorbut. Plus tard dans le processus, il est également devenu une thèse de doctorat qui a été refusée par un professeur de philosophie à l’Université de Copenhague. Il s’agit, entre autres, d’une critique de la triade des étapes esthétiques, éthiques et religieuses de Kierkegaard, et de sa définition de la vérité. Une autre influence puissante semble être présente sous forme fantomatique: Friedrich Nietzsche. C’est l’un des textes les plus fondamentaux pour comprendre l’engagement de Jorn d’une « reconstruction de la philosophie du point de vue d’un artiste ».

Internationale Situationniste (1957-1961)
Originalité et ampleur (sur le système d’Isou) (1960), article dans Internationale Situationiste n ° 4.
La création ouverte et ses ennemis (1960), article dans Internationale Situationiste No. 5.
Pataphysics, A Religion in the Making (1961), article dans Internationale Situationiste No. 6.

Valeur et économie

Critique de l’économie politique et de l’exploitation de l’unique (1961)
Ce livre se compose de deux parties. La première est une critique concise des contradictions apparentes dans le Das Kapital de Marx que Jorn utilise pour préparer le terrain pour une discussion sur la façon dont le travail de « l’élite créative » peut avoir une « valeur » dans toute société future alignée sur les principes communistes. Publié à l’origine en français en 1959 par l’Internationale Situationniste, il est le plus simple et le moins discursif de tous les textes de Jorn, probablement parce que Guy Debord a participé à l’édition. La deuxième partie est une longue polémique contre le révisionnisme russe contemporain et la tentative ratée du Danemark et de la Grande-Bretagne de rejoindre le Marché commun, avant d’en venir à la proposition principale de Jorn, une « élite créative » internationale économiquement indépendante adoptant des institutions scandinaves typiques pour réaliser la « valeur artistique » pour le plus grand bien universel. Il tente également de concilier la position unique et individuelle de « l’élite créative » avec ses principes socialistes. La seconde partie alterne entre modes objectif et subjectif.

L’ordre naturel (1962)
S’il s’agit d’une critique de la théorie de la complémentarité de Niels Bohr, c’est aussi au même degré élevé une critique de ce matérialisme dialectique que j’ai, dans ma plus jeune jeunesse, pris à cœur et perçu comme le seul principe de pensée acceptable. (Asger Jorn)

Signes gravés sur les églises de l’Eure et du Calvados (1964)
Jorn avait remarqué des graffitis rayés dans le porche de l’église de Damville lors d’une visite en 1946. Ayant remarqué des rayures similaires en Scandinavie dans les cathédrales de Ribe, Lund et Trondheim, Jorn a décidé d’étudier le phénomène. Il a pu faire un voyage en Normandie en 1961 avec Franceschi. Ils ont pu enregistrer un certain nombre de ces marques dans l’Eure et le Calvados, mais pas ailleurs. Les résultats de l’étude ont été publiés sous forme de livre.

Institut Tomie Ohtake
L’Instituto Tomie Ohtake, ouvert depuis le 28 novembre 2001, est l’un des rares espaces de São Paulo à avoir été spécialement conçu pour organiser des expositions nationales et internationales d’art, d’architecture et de design.

En l’honneur de l’artiste dont il porte le nom, l’Institut abrite des expositions qui mettent en lumière les développements artistiques des six dernières décennies, ainsi que les mouvements artistiques antérieurs qui contribuent à une meilleure compréhension de la période où Tomie Ohtake a vécu et travaillé. . Depuis qu’il a ouvert ses portes au public, l’Institut a organisé des spectacles inédits au Brésil, notamment Louise Bourgeois, Josef Albers, Yayoi Kusama, Salvador Dalí et Joan Miró, entre autres.

En plus de son programme d’expositions d’avant-garde – amplifié par un programme parallèle de débats, de recherche, de production de contenu, de travaux d’archives et de publications – l’Instituto Tomie Ohtake a, depuis sa fondation, mené d’importantes recherches sur les approches de l’enseignement de l’art contemporain. Cela se traduit par de nouvelles méthodes de formation novatrices pour les enseignants et les élèves des écoles publiques et privées, un programme d’événements ouverts à tous et des projets conçus pour encourager les nouvelles générations d’artistes à se développer et à s’épanouir.