Cercanía Presente, Pabellón de Granada, Bienal de Venecia 2015

Granada fue la primera vez en la Biennale di Venezia en 2015. Gracias a la cooperación del Ministerio de Cultura, Granada fue invitada a presentar un Pabellón Nacional y presentar la exposición con el tema “Cercanía Presente”. El lugar de la exposición de Granada fue en Sala Tiziano, Opera don Orione Artigianelli, Dorsoduro, Fondamenta delle Zattere ai Gesuati 919, un hermoso edificio histórico cerca de la parada de taxis acuáticos de Zattare.

Susan Mains es la curadora de esta exposición, junto con su homólogo italiano, Francesco Elisei. El título de la exposición “La proximidad actual” retrata las interpretaciones del grupo de artistas sobre su propia interacción con el mundo desordenado, uno de los filtros de los que habla Okwui Enwezor. Se ha elegido un grupo de artistas para representar a Granada y han alineado sus pensamientos al hacer el arte con el tema de la bienal, “Todos los futuros del mundo”.

El momento de Granada ha sido auspicioso para formar parte de la primera Bienal verdaderamente global, señalando un cambio tectónico de la representación nacional hacia la mondialité como lo concibió Eduard Glissant. Enwezor es “un artista externo” que se relaciona con artistas independientemente del mercado del arte y más allá de los muros institucionales que glorifican la recolección y exhibición de objetos de arte en el aislamiento modernista. Los artistas visuales, como los escritores e intelectuales, deben tener el coraje de “decir la verdad al poder”, para abordar la violencia, los conflictos y los problemas más vitales que afectan a su sociedad. La 56a Bienal de Venecia celebra 120 años de exhibir lo internacional en el arte al pedir una evaluación del “estado actual de las cosas”. La agenda curatorial de Enwezor es un llamado a las armas pidiéndole a los artistas que investiguen su presencia a través de su arte.

La agenda curatorial de Enwezor complementa la reciente expansión de los pabellones nacionales en Venecia que presenta a los países poscoloniales más jóvenes con condiciones políticas, sociales y económicas emergentes. La producción de arte con conciencia histórica puede desafiar las narrativas actuales del pasado extrayendo el presente para desarrollar nuevos conceptos para el futuro de la “constelación poscolonial”. La temporada de puertas abiertas se ha declarado en las narrativas históricas nacionales maduras para la deconstrucción para producir obras desde un lugar contemporáneo para la etapa de arte global y este enfoque es evidente en todas partes en Venecia este año.

Para conocer un poco sobre la historia del Caribe se requiere enfrentar las condiciones psicogeográficas que son brutalmente incómodas: Inferno in Paradise. Donde “nadie en el Caribe es nativo del medio ambiente”, su historia es de violencia, trauma y opresión provocada por la esclavitud y el colonialismo yuxtapuestos con los folletos turísticos del ‘siglo-azul-turquesa-agua’ del siglo XX que contradicen las condiciones reales de la cultura caribeña poscolonial. El trabajo de los cuatro artistas granadinos se ha producido en diálogo con el llamado curatorial de Enwezor a las armas y consciente de su nuevo papel en la representación de Granada en el escenario artístico global de Venecia. Susan Mains y Maria McClafferty han producido obras monumentales que abordan el estado de violencia y opresión inherente a la sociedad. Asher Mains ha establecido un diálogo completamente nuevo entre pintura, identidad y cultivo de cacao en la cultura granadina. Como un cirujano pintor, Oliver Benoit disecciona la mente humana para representar el empuje visceral del cerebro creativo en acción.

Grenada Speak, Art: la respuesta artística prueba las condiciones de lo contemporáneo. El trabajo de estos cuatro artistas representa “Granada”, donde en el contexto de Venecia algo más grande está en juego entre el arte, la identidad nacional y la historia.

Los curadores
El curador de la Bienal de Venecia es Okwui Enwezor. Susan Mains es curadora del Pabellón de Granada.

Susan Mains
La práctica artística de Susan Mains ha sido por necesidad auto-didáctica. Al crecer en Granada no había recursos para la educación artística, sus títulos universitarios, de posgrado y de posgrado se centraron en el área de la educación. Mientras vivía en Dominica en la década de 1980, su búsqueda implacable de arte se convirtió en su misión. Durante los últimos 30 años, ha sido principalmente pintora, explorando la superficie, la textura, la intensidad y, más recientemente, recurrió al video y la instalación para lograr una gama más amplia de posibilidades de lo visual.

La práctica curatorial de Mains también ha sido auto-didáctica, nuevamente por necesidad. Sin un fuerte apoyo institucional en una isla pequeña, los artistas a menudo tienen que asumir el liderazgo. Organizando muestras grupales de Granada, ha llevado el trabajo contemporáneo a la Región del Caribe, incluido el Museo de Arte Moderno de Santo Domingo para varias bienales del Caribe. Sus esfuerzos han incluido exposiciones en el Museo de la OEA en Washington DC y la Exposición Mundial en Shanghai China en 2010. Escribe sobre el arte de las pequeñas islas del Caribe Oriental, y ha presentado trabajos en conferencias académicas en todo el mundo. Ella ha operado su propia galería comercial en Granada, Art and Soul, durante los últimos 13 años.

Francesco Elisei
El curador independiente Francesco Elisei fue fundado en 1974 y se especializa en historia del arte contemporáneo en la Universidad La Sapienza de Roma, ha comisariado exposiciones en Italia, Nueva York, Tokio, Osaka, Toronto. Ha escrito numerosos ensayos y publicado varios catálogos nacionales e internacionales. En 2007 comenzó en la Bienal de Venecia en el camino curatorial, cuidando la 52a Bienal de Venecia del Pabellón de Moldavia, en 2009 editó el pabellón “Naturaleza y sueños” IILA / Costa Rica en 53 Bi-ennale de Venecia, en 2011 editó el pabellón de la República de Costa Rica a la 54 Bienal de Venecia, en 2013 la 55 Bienal de Venecia supervisó el pabellón de la República Popular de Bangladesh, la República de Costa Rica y la garantía de eventos Volver a la Bienal dedicada al mundo de la escritura y el arte callejero . En 2015 se designó la 56ª Bienal de Venecia para garantizar el pabellón de Granada.

Francesco Elisei curatore indipendente nasce nel 1974 y si se especializa en storia dell’arte contemporanea presso l’Università La Sapienza di Roma, ha curato mostre en Italia, Nueva York, Tokio, Osaka, Toronto. Ha scritto numerosi saggi e pubblicato diversi cataloghi nazionali ed internazionali. Nel 2007 ha iniziato il percorso curatoriale in Biennale di Venezia curando il Padiglione moldavo alla 52th Biennale di Venezia, nel 2009 ha curato il padiglione «Natura e Sogni» IILA / Costa Rica al 53 Bi-ennale di Venezia, nel 2011 ha curato il padiglione della Repubblica di Costa Rica alla 54 Biennale di Venezia, nel 2013 alla 55th Biennale di Venezia ha curato il padiglione della Repubblica Popolare del Bangladesh, della Repubblica di Costa Rica e dell’evento colaterale Volver a la Bienal dedicada al mundo de la escritura e della arte callejero. Nel 2015 alla 56th Biennale di Venezia è stato incaricato di curare il padiglione di Grenada

Los artistas, las artistas
Artistas de Granada e Italia se unieron para hacer de este pabellón un gran éxito. La elegancia de Italia y la calidez de Granada, combinadas para dar un toque singular.

Oliver Benoit
Benoit vive y trabaja en Granada. Es abstraccionista, con una inclinación por oscurecer sus imágenes. También es profesor de sociología en la Universidad de St. George.

En la superficie, Anima 1 es una pintura abstracta construida capa sobre capa en aceite y acrílico con elementos verticales en negrita de collage. La estructura de la composición se centra en cuatro piezas de lona pintadas de gris y malva dobladas y aplanadas como tubos arteriales suaves. Las “tuberías” centrales contienen un pasaje cerrado de actividad vertical que es más oscuro y menos articulado que las formas emergentes más allá de las “barreras”. La superficie circundante está flotando con energía en una variedad de marcas manchadas, raspadas y goteadas en un empaste grueso a medida que las capas cristalizan en rectángulos naranjas completamente formados peinados o raspados como una masilla con una espátula. Estos rectángulos parecen flotar y fluir, emerger y disolverse, entrar y escapar, siendo absorbidos y “bloqueados” por las “barreras” tridimensionales. Describir una pintura abstracta compleja es diseccionar y analizar un desglose de las cosas.

El filósofo analítico John Campbell ofrece una útil definición paralela al mirar la pintura de Benoit:

“La filosofía es pensar en cámara lenta. Desglosa, describe y evalúa los movimientos que normalmente hacemos a gran velocidad, que tienen que ver con nuestras motivaciones y creencias naturales. Entonces se hace evidente que las alternativas son posibles “.

Si la práctica de la filosofía es análoga a la práctica del arte, el trabajo de Benoit propone que el objeto de una pintura es reducir la velocidad y analizar el flujo y reflujo del acto creativo que atiende al uso del cerebro para el pensamiento, la visión y la decisión. haciendo. Las estructuras centrales audaces en Anima 1 son las “barreras”, como una serie de columnas nerviosas centrales, a través de las cuales se mueven los esquemas simbólicos. Benoit está examinando cómo el cerebro filtra las ideas “buenas” y “malas”, en el proceso de pintura, y cómo absorbemos y bloqueamos las influencias y los hábitos conscientes e inconscientes. Una pintura es una construcción y, por lo tanto, el escrutinio de las condiciones y el acto de pintar pueden revelar verdades sobre uno mismo. La función del cerebro y el pensamiento se exploran a través del acto de pintar proporcionando la evidencia de cómo podemos conocer y comprender la naturaleza de la identidad de uno a través de la observación de la mente humana creativa en el trabajo.

El trabajo de Benoit como pintor y académico explora el papel de la identidad. El empuje y atracción entre nuestras ideas y nuestras acciones mientras pintamos es un microcosmos de cómo vivimos y nos relacionamos con la sociedad. El papel de los artistas profesionales en la sociedad caribeña contemporánea es emergente. El interés de Benoit en la (re) construcción de identidad a través del arte también desafía la indiferencia cultural hacia los artistas y la práctica de las artes visuales en la sociedad décadas después del final del colonialismo.

Maria McClafferty
Maria McClafferty vive y trabaja en Granada. Sus construcciones de vidrio y acero han sido encargadas en todo el mundo. Recientemente, su trabajo en encáustica ha dado lugar a una nueva expresión.

El monumental tríptico de McClafferty, Disordered World, es una escultura de vidrio fundido de colores vivos y llamativos, suspendida frente a la ventana central paladiana del pabellón. La luz detrás proyecta el aura de un etéreo kimono flotante en verdes, amarillos, blancos nublados y vidrio transparente muy texturizado con acentos anaranjados y rojos en un espacio tipo capilla de cortinas blancas del piso al techo a cada lado. La ligereza de la instalación desafía el peso de estos paneles de vidrio encerrados en un andamio de acero unido con broches de metal y alambre suspendido por cadenas lanzadas a través de aros que se asemejan a seis manillas. La belleza decorativa pura del vidrio de color fundido en una inspección más cercana guarda un oscuro secreto.

Los paneles están hechos de capas (“apilando”) de láminas de vidrio, pintadas y fusionadas a diferentes temperaturas (“rampas” de estallido en caliente y “remojos” más largos) en el horno de McClafferty en Granada. La alquimia del calor, el vidrio y el color ha producido una densa textura abstracta de pasajes de glóbulos, burbujas de aire e intensos aerosoles de color encerrados en las texturas híbridas producidas por el estrés del vidrio recocido. El título Mundo desordenado para un trabajo en vidrio produce un doble sentido: el vidrio es un sólido amorfo, es decir, los átomos y las moléculas no están organizados en un patrón definido y, por lo tanto, por naturaleza están desordenados para formar una estructura.

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Los detalles surgen en una inspección más cercana. Las cruces de metal, como el alambre de púas, crean una cicatriz siniestra en el panel central que disecciona el contorno de una figura femenina crucificada. Sus senos se delinearon en la base de sus brazos levantados y las palmas extendidas salpicadas de salpicaduras de sangre roja y congelada. Un cepillo de pelo oculta una cabeza pesada. El simbolismo de una figura en una cruz tiene un significado universal que es la brutalidad que hacen eco las seis esposas que soportan el peso de la obra. (Esta figura se repite en sus dos obras colgadas en el claustro de aluminio veteadas brillantemente por la luz mientras caminas por el espacio). Hecho en Granada, Disordered World ha cruzado el Atlántico desde el Caribe hasta el Mediterráneo. Su oscuro secreto es que contiene historias brutales y opresivas: la esclavitud humana y el colonialismo (esposas de acero) y la violencia contra las mujeres (la forma femenina atrapada). Las conexiones históricas entre el viejo y el nuevo mundo son hoy un legado de violencia duradera que no reconoce la “emancipación”. Aquí, McClafferty “dice la verdad al poder”: el cuerpo humano atrapado en un estado de violencia es naturalizado por aquellos que continúan infligiendo violencia.

Asher Mains
Asher Mains vive y trabaja en Granada. Principalmente es pintor, pero también trabaja en construcciones e instalaciones. Su trabajo a menudo aborda preocupaciones sociales.

Este gran retrato es el último de una serie titulada: “Retratos pintados para los productores de cacao”. Al ingresar a la Sala Tiziano, la presencia de Joanne captura su mirada de inmediato. Está sentada sonriendo al espectador, relajada y formidable con su ropa de trabajo, grandes botas de goma y gorra, como si estuviera conversando con nosotros mientras se toma un descanso para descansar. Está sentada al aire libre, se puede ver una pizca de vegetación al lado de su mano y cara izquierdas y notamos que su machete (“machete”) está a su lado, también descansando en el suelo por el momento. Su sonrisa carismática y su fuerza física vistas desde abajo hacen que su apariencia sea aún más atractiva contra un fondo decorativo de constelaciones en forma de diamante estampadas en lienzo sin imprimación utilizando el popular “té de cacao” de Granada.

La descripción anterior de un sorprendente retrato pintado desmiente el proyecto más grande de Mains en cuestión. El proyecto comenzó en 2014 con entrevistas, películas y fotografías de los productores de cacao con sede en la finca Crayfish Bay en San Marcos en preparación para pintar ocho retratos. En enero de 2015, Mains realizó una reunión de exhibición en la que dio a conocer cada retrato como un regalo a los agricultores en agradecimiento y reconocimiento de su trabajo para producir cacao. Las reacciones a este proyecto captadas en la película son de deleite y desconcierto: el retrato se reconoce de inmediato como algo especial, pero ha llegado a un contexto completamente nuevo para la pintura de retratos. El proyecto de Mains desafía las convenciones inherentes a su medio, incluida la historia y la naturaleza de la relación entre el pintor y el patrón al transformar el retrato en una forma de intercambio cultural que les da a estos agricultores un estado estético nuevo y tangible a través del arte.

El cultivo de cacao y el desarrollo de una industria de chocolate en toda regla es el desarrollo agrícola más emocionante en Granada desde el huracán Iván. El territorio volcánico y los árboles de cacao de Granada son de una calidad excepcional, pero el cacao fue eclipsado por la nuez moscada durante el colonialismo. El comercio del cacao experimentó una mini revolución con la llegada de la compañía de chocolate Grenada Chocolate “de árbol a bar” de Mott Green en 1999. Esta colorida marca empoderó a los productores independientes de cacao cuyos granos se procesan en fábricas como la finca Belmont (donde trabaja Joanne) y el nueva empresa Diamond. La industria no es inmune a las preocupaciones de que la edad promedio de los agricultores (finales de los años 50) refleja el hecho de que, a pesar del entusiasmo reciente por el cacao, la agricultura sigue teniendo dificultades para atraer a los jóvenes mientras crece la amenaza de patrones climáticos impredecibles. Sin embargo, la industria del cacao de Granada se ha convertido en una fuente de orgullo después de que el proyecto de Ivan y Mains refleje la auténtica “fuerza impulsora” y el “puro amor a la agricultura” que inspira a sus cuidadores. Por el momento, Granada es única, ya que es el único país productor de cacao que también produce y comercializa sus propias marcas de chocolate. La esperanza es que la industria del cacao en Granada pueda liderar como un modelo de comercio justo sostenible y ético para otros países productores de cacao.

Francesco Bosso
Francesco Bosso vive y trabaja en Italia. Potencia la fotografía tradicional con películas y una habitación oscura, e imprime en papel de gelatina de plata para capturar una luz única.

Giuseppe Linardi
Giuseppe Linardi es un pintor y escultor que vive y trabaja en Italia. Su serie “decodificazion” tiene una característica única, push-pull.

Carmine Ciccarini
Carmine Ciccarini es una pintora que utiliza métodos tradicionales e históricos. Su uso del color es importante para sus paisajes urbanos, que a menudo resaltan la importancia de la humanidad. Vive y trabaja en Italia.

Susan Mains
Susan Mains vive y trabaja en Granada. Su trabajo internacional a menudo está en instalación, y a menudo explora la inhumanidad del hombre hacia el hombre.

Como curador y artista, Mains ha producido una instalación provocativa en la entrada al pabellón: None Calls for Justice (2015). Haciéndose eco del Epílogo de Enwezor en el catálogo de la Bienal de Venecia sobre el “clima de miedo” después de los disparos de Charlie Hebdo, el trabajo de Mains traduce y presenta para una inspección más cercana la violencia icónica contenida en las recientes fotografías de noticias. Su instalación está hecha de ropa postrada como cuerpos, construida suavemente para implicar una forma en el interior y cuidadosamente sembrada de flores y velas encendidas. Al llegar, esta pieza se enfrenta inmediatamente y exige nuestra atención al reconocer estos cuerpos a partir de las fotografías de las masacres nigerianas. Las velas y las flores conmemoran las figuras fantasmas que atraen a los visitantes para convertirse en testigos y reflexionar sobre vidas brutales y sin sentido.

La intención original de Mains era tener la instalación abierta a los elementos del claustro, sin embargo, la esquina del claustro proporciona un refugio oscuro para proteger y aumentar el efecto de las velas encendidas. Aquí, la instalación None Calls for Justice se transforma en un recuerdo mori que reverbera un clamor a la humanidad y por cada alma humana perdida.

Ninguno llama a la justicia
La ropa representa los cuerpos de los asesinados por la violencia: las niñas en Nigeria, los estudiantes en Kenia, los que se han ahogado en el Mediterráneo y otros en todo el mundo. Todas las vidas parecen no iguales.

Pabellón de Granada
La mayor área de desarrollo que se necesita en el Caribe ahora es la infraestructura artística. Los artistas de Granada han utilizado sus habilidades empresariales artísticas para llegar a Venecia con gran éxito, pero ahora Granada debe responder a este primer paso histórico. Los beneficios económicos de construir una infraestructura artística han demostrado una y otra vez mejorar la calidad de vida en las comunidades. Invertir en infraestructura artística (y cultural) significa desarrollar instituciones e iniciativas que ejecuten eventos públicos como Bienales, desarrollen residencias de artistas y talleres educativos. Y hasta que haya un mercado de arte internacional más boyante en el arte caribeño, los artistas y curadores deben continuar viajando y exhibiendo internacionalmente para comercializar el arte granadino y reunir a los artistas a su vez para promover sus instituciones locales.

El efecto Venecia de Granada debería funcionar en ambos sentidos ahora que se ha formado un puente con el mundo del arte contemporáneo. La presencia del “arte granadino” en el mundo del arte internacional es una oportunidad para que las instituciones de arte de Granada en el país desarrollen este nuevo estatus e identidad. Un pabellón de Venecia establece una identidad oficial de arte nacional que se puede agregar a los diálogos políticos existentes en Granada con referencia a la cultura granadina en el éter internacional, similar a exhibir en el “grupo” de CARICOM en la Expo de Milán o ganar medallas de oro en Chelsea Flower Mostrar. Las comunidades creativas de Granada deben ser reconocidas donde existen redes políticas, económicas y sociales que necesitan emprendedores y artistas del arte para liderar los intereses culturales y estéticos de la identidad nacional de Granada juntos y en toda la Comunidad del Caribe.

El debut de Granada en Venecia es afortunado de coincidir con la constelación global de arte inclusiva de Enwezor. El trabajo de los cuatro artistas granadinos tiene un nuevo estatus y significado que representan la identidad y el patrimonio artístico nacional de Granada. Los futuros de Venecia son ahora parte del futuro de Granada. Granada es un país pequeño en comparación con los países del Caribe que ya han exhibido en la Bienal y tienen identidades artísticas nacionales más fuertes. Sin embargo, la presencia de Granada ha revelado las conexiones actuales que establecerán las “conversaciones” internacionales cruciales para los legados futuros de Granada establecidos en su primer año en la Bienal de Venecia.

Bienal de Venecia 2015
La Bienal de Arte de 2015 cierra una especie de trilogía que comenzó con la exposición comisariada por Bice Curiger en 2011, Illuminations, y continuó con el Palacio Enciclopédico de Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale continúa su investigación sobre referencias útiles para hacer juicios estéticos sobre el arte contemporáneo, un tema “crítico” después del final del arte vanguardista y “no artístico”.

A través de la exposición comisariada por Okwui Enwezor, La Biennale vuelve a observar la relación entre el arte y el desarrollo de la realidad humana, social y política, en la presión de las fuerzas y fenómenos externos: las formas en que, es decir, las tensiones de lo externo mundo solicita las sensibilidades, las energías vitales y expresivas de los artistas, sus deseos, los movimientos del alma (su canción interior).

La Biennale di Venezia fue fundada en 1895. Paolo Baratta ha sido su presidente desde 2008, y antes de eso desde 1998 hasta 2001. La Biennale, que se encuentra a la vanguardia de la investigación y la promoción de nuevas tendencias de arte contemporáneo, organiza exposiciones, festivales e investigaciones. en todos sus sectores específicos: Artes (1895), Arquitectura (1980), Cine (1932), Danza (1999), Música (1930) y Teatro (1934). Sus actividades están documentadas en el Archivo Histórico de Artes Contemporáneas (ASAC) que recientemente ha sido completamente renovado.

La relación con la comunidad local se ha fortalecido a través de actividades educativas y visitas guiadas, con la participación de un número creciente de escuelas de la región del Véneto y más allá. Esto difunde la creatividad en la nueva generación (3,000 maestros y 30,000 alumnos involucrados en 2014). Estas actividades han sido apoyadas por la Cámara de Comercio de Venecia. También se ha establecido una cooperación con universidades e institutos de investigación que realizan visitas especiales y estancias en las exposiciones. En los tres años transcurridos entre 2012 y 2014, 227 universidades (79 italianas y 148 internacionales) se han unido al proyecto Biennale Sessions.

En todos los sectores ha habido más oportunidades de investigación y producción dirigidas a la generación más joven de artistas, directamente en contacto con maestros de renombre; Esto se ha vuelto más sistemático y continuo a través del proyecto internacional Biennale College, que ahora se ejecuta en las secciones de Danza, Teatro, Música y Cine.

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