Arte portugués, razones y emociones, Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Portugal

La colección de la exposición “Arte portugués, razones y emociones”, abarca gran parte de su arco temporal, desde mediados del siglo XIX hasta la década de 1980, ocupando todas las galerías del Museo, desde el ala Serpa Pinto. Comienza con el retrato, un tema del siglo XVIII raramente abordado en diálogos generacionales por colectivos de artistas y con obras desconocidas de Miguel Lupi, Luciano Freire, Veloso Salgado, Duarte Faria y Maia y Constantino Fernandes.

Se presentan afinidades y permanencias entre paisajes románticos y naturalistas, aunque distintos en la exaltación del sentimiento y el tratamiento de la luz natural, simbolismos nostálgicos de finales del siglo XIX, de obras significativas y de autores poco referenciados como António Patrício y José de Brito, y destaca un conjunto de pinturas inéditas del recientemente incorporado Legacy Veloso Salgado.

El sentido de la modernidad de las primeras décadas del siglo XX, expresado por los vínculos de Amadeo de Souza-Cardoso con la vanguardia internacional, especialmente sus propuestas abstraccionistas, se articula con los movimientos de contestación de mediados del siglo XX y los nuevos parámetros figurativos de Paula Rego, en las principales galerías del museo. Raramente se muestran obras de Emmérico Nunes, António Soares, Abel Manta, Bernardo Marques, Mily Podez, Jorge Barradas, Hein Semke, Jorge Oliveira y los magníficos collages de Jorge Vieira.

Este viaje de ciento cincuenta años del arte portugués permite acercamientos a autores y obras raramente mostradas, contextualizando razones entre emociones y sensibilidades artísticas. La propuesta curatorial apunta a una reflexión sobre las implicaciones sociales y políticas, y las nociones de la forma moderna de ser, desde el siglo XIX, al distinguir en el camino cronológico, las continuidades y cambios, los gustos y conceptos, en el arte más completo. colección. contemporáneo, el próximo y el original, justificando así el nombre de este museo, fundado en 1911.

Tema
La exposición de arte portugués. Razones y emociones, que consiste en pintura, dibujo, grabado, escultura, fotografía y video, se divide en siete núcleos y parte de mediados del siglo XIX, con retratos y paisajes románticos y naturalistas, y viaja hasta la década de 2010.

“Espejos de almas”, “El poder de la imagen”, “Una cultura moderna”, “¡Cuidado con la pintura!”, “Formas de comunicación y contestación”, “Idiomas y experimentación”, “Postmodernismo” son los títulos de siete núcleos

Espejo de almas
Centrándose en el retrato del tema del siglo XIX, con obras de artistas como Columbano Bordalo Pinheiro, António Ramalho, Constantino Fernandes o Veloso Salgado, ambos con obras inéditas, a saber, un retrato del padre del artista del primero y el retrato de un japonés. del segundo

El poder de la imagen
Del retrato se pasa a la naturaleza y al teatro, como una puesta en escena del mundo, en un núcleo que comienza con la escultura y con una obra nunca expuesta de António Manuel da Fonseca. La conexión con el teatro también está muy presente en el arte, Un reflejo de la seducción de la modernidad del siglo XIX.

Una cultura moderna
Entra en el modernismo con algunos artistas como Sousa Lopes, Bernardo Marques, Antonio Soares, Abel Manta, Eduardo Viana o Mario Eloy, quienes introducen una estética futurista.

¡Cuidado con la pintura!
Almada Negreiros es la pintora que, para liberar a la patria portuguesa del espíritu de anhelo, se opone a la irreverencia, servida por un dibujo de observación riguroso y fluido, en pinturas como A Reading, A Nap, Acrobats y Harlequins. , Ballet o Interior, todo desde mediados del siglo XX.

Formas de comunicación y contestación
Con el final de la Segunda Guerra Mundial, los nuevos movimientos artísticos, como el abstraccionismo, el neorrealismo y el surrealismo, aparecen aquí en pinturas de Fernando Lanhas, Tereza de Arriaga, Antonio Dacosta, Vespeira, Mario Cesariny, Jorge Vieira, con collages. muy poco conocidos, surrealistas, o Alexandre O’Neill.

Lenguas y Experimentación
Un tema para los movimientos artísticos de los años 1960 a 1980, nacido de la urgencia del cambio dictado por la Guerra Colonial y renovado con la revolución de 1974, en la que los artistas ya estaban cruzando las bellas artes con la escenografía, la película o el texto, también un resultado de su experiencia en temporadas en París, Londres y Berlín, con el apoyo de becas Gulbenkian.

Artistas como Paula Rego, Lourdes Castro, João Vieira, Ana Hatherly, Eduardo Nery Jose Escada, Antonio Sena, Jorge Pinheiro y Jorge Martins son algunos de los artistas representativos de estos movimientos.

Posmodernismo
Los posmodernos abren el camino a varios conceptos, como la autorreflexividad y la identidad, la distopía de la arquitectura modernista o la crítica del paisaje, donde la fotografía se usó experimentalmente, el paisaje no es ficticio, sino una mirada documental, y las obras arquitectónicas modernas son criticadas.

Julião Sarmento, Fernando Calhau, Victor Pomar, Nuno Cera, Paulo Catrica y Francisco Tropa son algunos de los artistas representados en este último núcleo de la exposición.

Característica del arte portugués.
La contemporaneidad del arte portugués presenta momentos significativos de ruptura, desde los años 60 en adelante, a través del trabajo de autores fundamentales de la neo-vanguardia, rompiendo con los valores modernistas heredados de la política cultural del Estado Novo. La Revolución democrática de 1974 marca el comienzo de un nuevo contexto político, social y cultural que determinará el carácter experimental y heterogéneo del arte portugués en las décadas siguientes. El panorama artístico de las siguientes décadas, hasta finales del siglo XX, estará marcado por la autonomía de las prácticas artísticas y la consagración de nuevos idiomas por parte de algunos de los artistas nacionales más establecidos, integrando el arte portugués en la escena internacional.

La colección del Museo Nacional de Arte Contemporáneo presentó algunas de las transformaciones que han tenido lugar en el arte portugués desde la década de 1960 y se evidencian particularmente.

Eventos y viajes.

Kultur (1962)
Kultur es el primer acercamiento a lo que sería la producción más extensa y quizás característica de Joaquim Rodrigo. Rodrigo mezcló los cuatro colores principales de su teoría ya definida (rojo, amarillo, blanco y negro) sobre un fondo ocre, inscribiendo algunos signos con los mismos colores, rellenando áreas o diseñando sus contornos.

Este trabajo alude a un episodio tomado de la vida política nacional, que solo se ha reconocido ahora, fue registrado por una pintura que por este medio amplió su dominio del mundo y la diversidad natural de eventos que compone un tiempo.

La figuración es esquemática y sintética y hace uso de contornos topográficos, que se adhieren estrictamente a los elementos bidimensionales ya familiares del trabajo anterior de Rodrigo. La narrativa también está presente e infiere una articulación de los signos visuales dispuestos de forma aislada en el plano. Las afinidades con la cartografía son claras y constituyen nuestra comprensión de la pintura de Joaquim Rodrigo de esta fase, que revela una disposición de pequeñas percepciones acopladas a un movimiento, un viaje o, más generalmente, una parte de un viaje.

El paisaje, que inevitablemente se refiere a un todo, desaparece dentro de un campo de múltiples fuerzas que constituyen las percepciones que el pintor cartografía como incidentes, aislados en su singularidad, pero aparentemente arrastrados por el movimiento constantemente inferido. Los letreros sugieren diferentes colores, organizados en estricta conexión con su distribución dentro del diseño perpendicular, que definen un absoluto aquí y ahora a partir del cual se desarrollan las dimensiones de espacio y tiempo creadas por la pintura.

Santa María (1961)
Las iniciales en el título de esta pieza cifran el nombre de Santa María, un trazador de líneas que fue secuestrado por Henrique Galvão para llamar la atención de la comunidad internacional sobre la situación política en Portugal. Esta pintura inicia un nuevo momento en el arte portugués.

Este episodio está narrado por letreros dispuestos dentro de una cuadrícula ortogonal estricta y se han orquestado sobre un fondo verde agitado agitado donde el centro óptico corresponde al centro de la pintura. Rodrigo usa tres colores primarios sobre el fondo en formas que se han dibujado en elevación, plano o sección transversal, lo que genera una síntesis eficiente de la información.

La imagen asume un valor significativo que permite que la pintura funcione como la escritura o la narrativa de episodios, marcando la pintura como un registro abierto al mundo y sus contingencias. Los signos gráficos se mezclan con otros signos visuales en articulación con la dimensión pictográfica escrita de la obra de Joaquim Rodrigo.

Ironía e ilusión

Los amantes (1965)
Os amorosos de Rolando Sá Nogueira es una evocación irónica y dispersa. Esta pintura revela las contradicciones surgidas dentro de la cultura y la sociedad portuguesas entre las nuevas formas dictadas por el desarrollo y el consumo, adoptadas por el arte, y la persistencia de los valores morales e ideológicos tradicionales. Los accesorios, restos de la vida contemporánea y postales, con un toque de fin de siglo, denuncian el enfoque hipócrita de la sexualidad de la época.

Las relaciones amorosas idílicas son ridiculizadas por el desprecio, la asociación y la transferencia de la imagen fotográfica y las relaciones de desorden yuxtapuesto y acumulativo de diversos fragmentos de diferentes fuentes y elementos pictóricos. De carácter gestual y expresivo, este orden es próximo al de los artistas Rauschenberg y Kitaj.

Carpa (1993 – 2006)
Esta pieza es el resultado de una investigación fotográfica realizada en los siguientes barrios de Oporto: Contumil, Pasteleira, Ilhas da Boavista e Lapa, donde la construcción ilegítima es común. El uso generalizado de carpas ilegítimas como un anexo físico a la ciudad y las viviendas suburbanas es revelador de una mentalidad sociológica.

En esta pieza, la artista, Ângela Ferreira, utiliza estos materiales de construcción industrializados de mala calidad y les da un significado conceptual y escultórico. Al hacerlo, el artista destaca la ironía de una característica arquitectónica nacional común hecha por ciudadanos comunes.

El reflejo de aspectos relacionados con la naturaleza del tiempo y su asimilación en la imagen de lo real, así como el encanto divertido o ilusorio, subyacen a otros mecanismos desarrollados por el artista René Bertholo. Más allá de la influencia cinematográfica inmediata de Tinguely, la producción de Bertholo es más tecnológica y escenográfica y quizás más cercana a los divertidos mecanismos de la realidad de Calder.

Este trabajo desarrolla los mecanismos que activan nuestra percepción de acción condicionando nuestra aceptación de lo virtual como realidad. Este artilugio pone en acción referentes suaves al crear la ilusión de un paisaje animado. Al dislocar el movimiento de un sujeto concreto e inmediato, el bote, a la dimensión imperceptible de las nubes, se instala una poética mecánica e idílica. El tiempo se representa a sí mismo, sin evolucionar, ya que se refleja constantemente.

Signos y gestos

Sin título (1972)
La carta, en lugar de escribir, se afirma como un signo en la página en blanco. Pero el gesto es lo que nos han dado para ser leídos. La acción del cuerpo durante el proceso de producción agrega una dimensión performativa a la pintura de João Vieira. El gesto se concentra en la mancha, ya no es un rastro en la amplia y firme estela de la espátula. Una consistencia material acentuada confiere al gesto una apariencia monumental y lo erige como una presencia formal.

Las letras están aisladas cromáticamente, como signos autónomos que han alcanzado su límite. Son los elementos plásticos que organizan y riman la composición, estructurándola en una cuadrícula ortogonal donde adoptan rotaciones e inversiones, haciendo posible una amplia variedad de combinaciones.

Sombra proyectada de René Bertholo (1964)
El año de 1964, y los años siguientes, marcan el comienzo de la exploración de Lourdes Castro en la silueta y el contorno de figuras aisladas y acompañadas en poses instantáneas y característicamente fotográficas, pintadas sobre lienzo. Lourdes Castro dijo que, además de la sombra de la silueta, debe haber un contorno circunscrito al contorno de una ausencia. Definidas por sus límites e identificadas por sus títulos, estas figuras forman una galería de personajes con quienes compartió su vida diaria. La proximidad del arte y la vida encuentra una posible relación a través de este vestigio, como en la cartografía de los instantes.

Profundo (1975)
Las señales de escritura siguen siendo legibles pero no interpretables, como el resto de un movimiento que nos lleva a leer no el producto sino el proceso de producción de António Sena. La desviación de la escritura es una marca inimitable de un gesto, del cuerpo del artista disperso en una superficie de textura expresamente diseñada.

Los signos dispersos en el vacío junto a las trazas lineales geométricas dan lugar a un conjunto de densidades espaciales. Entre la opacidad, la sorpresa llega al encuentro de una palabra mar que, junto con el título Profundo, actúa como cebo: el poder nominalista del nombre activa la capacidad de evocación, trayendo todas las referencias de las cuales es depositaria, un Conjunto de sensaciones sin relaciones analógicas que convergen en el azul profundo y profundo.

Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Portugal
El Museo Nacional de Arte Contemporáneo – Museu do Chiado, fue uno de los primeros museos de arte contemporáneo que se creó en todo el mundo. Ubicado en el centro histórico de Lisboa, que presenta la colección líder de arte portugués desde la segunda mitad del siglo XIX hasta la actualidad, el museo es de visita obligatoria para la comprensión y el disfrute del arte portugués moderno y contemporáneo. El programa de exposiciones temporales es de gran importancia dentro del alcance general de las actividades del museo. La presentación de la colección se renueva periódicamente en sus segmentos temporales o temáticos, de acuerdo con un trabajo sostenido de investigación histórica y crítica, pero el programa no se limita al arte portugués,

El Museo Nacional de Arte Contemporáneo – Museu do Chiado fue establecido por decreto gubernamental el 26 de mayo de 1911. Nació de la división del antiguo Museu Nacional de Belas-Artes en el Museu Nacional de Arte Antiga, que heredó del primero las obras producidas antes de 1850 y permanecieron en el Palácio das Janelas Verdes y el Museo Nacional de Arte Contemporáneo, que incluía todas las obras terminadas después de esa fecha y se encontraba en el Convento de S. Francisco, en un área vecina a la Academia de Belas Artes. La creación de una red de museos, que se extendió por todo el país, fue el cumplimiento de un proyecto basado en el concepto de la iluminación humana del siglo XVIII, dotando al país de las herramientas necesarias para salvaguardar y exhibir el arte de la nación. La creación de un museo de arte contemporáneo fue,

La vivienda, aunque solo de manera temporal, del Museo Nacional de Arte Contemporáneo en el Convento de S. Francisco la ubicó simbólica y oportunamente en el área frecuentada por los artistas de los períodos representados en el museo. Ocupaba las grandes salas antiguas, anexos del convento, donde se habían realizado las exposiciones de los románticos y los naturalistas.