Paragone de las artes

Art

La comparación (Paragone) de las artes es un tema que animó el debate sobre el tema artístico en el Renacimiento. Paragone (comparación) es un término italiano que llamó a una controversia sobre cuál de las artes sería la superior, que se volvió particularmente viva entre los artistas del Renacimiento y Manierismo, dejando descendientes largos.

La rivalidad entre las artes era antigua, y durante la Edad Media se produjo mucha literatura sobre el tema. Originalmente la disputa que enfrentaban las artes visuales, consideradas simples técnicas mecánicas, y las artes intelectuales como la poesía y la música, que está asociada al mundo de la razón y la prestigiosa tradición griega estaban cubiertas de musas protectoras, mientras que ninguna de las artes visuales estaba bajo el tutela de una deidad.

Desarrollo
Partiendo de las anécdotas relatadas en la historia de Naturalis de Plinio el Viejo, desde la segunda mitad del siglo XV en Italia se desarrolló un debate sobre qué forma artística era la principal, desde el punto de vista estético y la habilidad del artesano. A este debate, que se desarrolló a lo largo del siglo XVI, asistieron los humanistas, los literatos, los poetas, los músicos y todos los artistas figurativos más importantes de la época. Leonardo da Vinci, como “genio en todas las artes vertidas”, por ejemplo, apoyó la primacía de la pintura, proclamando su supremacía sobre la música y la poesía, ya que era “ciencia” la que representa “con más verdad y certeza las obras de la naturaleza” y como imitar era equivalente a recrear, el pintor se acercó más que ningún otro al acto creativo divino.

Miguel Ángel y otros apoyaron la primacía de la escultura, en particular la de la materia “levare” (como la escultura de mármol, a diferencia de “poner” como terracota), ya que la obra escultórica fue la única que permitió apreciar un tema en múltiples vistas, simplemente caminando alrededor.

Ante esta objeción los pintores respondieron que incluso las cosas pintadas permitían “todo el destino de las vistas” y “sin dar un paseo”: ejemplos típicos eran las figuras representadas cerca de los espejos, en las que se podían ver simultáneamente múltiples vistas del sujeto. Lorenzo Lotto, por ejemplo, pintó el retrato triple de orfebre (frente, perfil y tres cuartas partes) y Gian Girolamo Savoldo, inspirado en un trabajo perdido de Giorgione, retrató a un hombre con armadura junto a dos espejos, que multiplican la vista lateral y tergal .

La cuestión de la “comparación” tuvo particular importancia en los tribunales y en centros artísticos como Venecia y Florencia. En este último, en 1547, la contribución de Benedetto Varchi fue particularmente importante, quien pidió la opinión por carta a todos los artistas principales activos en la corte de Cosimo I y no solo: en estas cartas, en gran parte conservadas, y en otras escrituras conectadas El tema puede leerse a partir de las posiciones tomadas por Pontormo, Vasari, Cellini, Bronzino y otros. Bronzino, por ejemplo, pintó un retrato doble del Enano Morganton en los dos lados de un lienzo. Además de las vistas dobles, frontales y tergales, la pintura también mostraba el paso del tiempo: de hecho, si en el recto el hombre está a punto de salir a cazar, en la parte posterior muestra con orgullo a la presa capturada.

Tratados y debates
Leonardo da Vinci expuso el tema con una gran cantidad de argumentos en su Tratado de Pintura, donde definió las principales líneas constitutivas del modelo centrado en la comparación entre pintura y escultura. Estableció el arte en general como una hermana de la ciencia, y especificó su análisis, declaró que no encontró diferencias esenciales entre la pintura y la escultura, pero luego continuó diciendo que el trabajo del pintor era más limpio, más complejo, completo e intelectual, ya que el del escultor era más sucio, simple, limitado y manual. También consideró la imitación de la naturaleza de una manera más formidable y emocionante que la producida por la escultura, que naturalmente imitó los volúmenes que la naturaleza presenta y por lo tanto no requirió una gran preparación mental:] como la ilusión pictórica o un profundo conocimiento de Matemáticas y perspectiva, asociándola con la pintura de las artes liberales. También defendió la pintura contra la poesía y la música, lo que indica que el arte solo puede excitar al espectador a través de los sentidos, el alma. Aunque sus escritos no se imprimieron, sus ideas fueron reveladas por Castiglione, quien comentó sobre su obra El Cortesà.

El debate alcanzó su primer punto más alto a mediados del siglo XVI, se convirtió en un tema dominante para la crítica de arte manierista, cuando el poeta Benedetto Varchi en 1547 dio dos conferencias en la Academia de Artes de Diseño de Florencia, que luego imprimió y publicó con gran publicidad. En la primera conferencia de Varchi, propuso que la idea o concepto fuera superior a la realización material, destacando el papel central que asumía la retórica en las artes visuales. En segundo lugar, invitó a artistas notables a dar su opinión, tres pintores – Pontormo, Bronzino y Vasari-, y tres escultores – Cellini, Tribolo y Michelangelo – sirvieron como árbitros, aunque su preferencia por la escultura estaba claramente influenciada por el enorme prestigio que tenía Miguel Ángel. considerado como un genio incomparable para sus contemporáneos.

La pregunta sobre cuál de las artes podría representar mejor a la naturaleza, por otro lado, ha sido de gran importancia para los críticos al definir las características de cada arte, pero cada uno de ellos, al mismo tiempo, pasó a buscar una expansión de su potencial. , imitando los efectos de otras categorías. Como ejemplo, desarrolló la técnica de la pintura Trompe l’Oeil, una gran ilusión tridimensional, la escultura buscaba los efectos de la luz y la sombra características de la pintura y la poesía estaba impregnada de imágenes pictóricas y escenográficas, en busca de dar forma visual a las descripciones verbales También desde un punto de vista moral, ya que para ellos la imitación artística de la naturaleza debía ser fiel y capaz de transmitir el verdadero conocimiento. Esto generó otra disputa sobre cuál sería la mejor fuente de conocimiento, esta vez entre el arte y la naturaleza misma, ya que, como resultado de la inteligencia humana, y creyendo que el hombre creó A la imagen de Dios, el arte estaría más cerca de la idealización divina de lo que se manifiesta en la naturaleza, que tenía defectos obvios, irregularidades y limitaciones. Además, el artista podría trascender la naturaleza y crear cosas nuevas, lo que la naturaleza, la concepción estática del universo en este momento, no puede lograr.

Posiciones famosas
Numerosos teóricos del arte y artistas se han mezclado con escritos y obras de arte. Algunas intervenciones sorprendentes:

Leon Battista Alberti escribió tratados sobre todas las formas de arte, pero eligió pintar.
En las pinturas de Jan van Eyck, el mismo cuerpo a menudo se refleja con frecuencia, que sería una de las formas en que se midió a sí mismo con la escultura.
Benedetto Varchi dio una conferencia para la Academia florentina (1546) en la que examinó los argumentos de los escultores contra los pintores y citó una encuesta de Michelangelo, Bronzino, Cellini y Vasari, entre otros.
Vincenzo Borghini puso pintores por encima de los escultores en su manuscrito Selva di Notizie (1564).
Lucas d’Heere defendió la pintura para la cámara de retórica de Amberes De vintieren (1565).
Giorgio Vasari señaló en Le vite que el dibujo era el padre de todos los demás, pero ya en la introducción había insinuado su verdadera preferencia: describió la leyenda del pintor de Apelles y Campaspe como algo maravilloso y el mito del escultor de Pigmalión como una desgracia. Los frescos que hizo en la Sala delle Arti de su casa florentina también pueden leerse como un elogio de la pintura sobre el otro.
Gotthold Ephraim Lessing (1766) hizo una súplica para la escultura del grupo de Laocoöng.

Corriente
El tema del parangón, con sus diversas ramas, a lo largo de los siglos, produjo una gran cantidad de literatura e inspiró a muchos artistas y corrientes estéticas sin que ninguna de las partes pudiera garantizar su supremacía. Aunque el término original rara vez se aplica a las artes contemporáneas y sigue perteneciendo más a un tema de la historia del arte, el problema permanece sin resolver hasta hoy. Muchos artistas continúan mostrando gran interés en trascender los límites de cada modo de arte, mientras que otros defienden estableciendo límites que no deben superarse, de lo contrario los géneros los desestabilizan, los falsifican y los privan de su enfoque y su fuerza característica, y otros les preocupa cómo el arte debe imitar a la naturaleza, con la repetición o variación de los argumentos elaborados durante mucho tiempo e incorporar a la discusión las nuevas artes y disciplinas de conocimiento que aparecen.