Парагон искусств

Сравнение (Paragone) искусств – это тема, которая оживила дискуссии о художественном предмете в эпоху Возрождения. Парагон (сравнение) – это итальянский термин, названный противоречием относительно того, какое из искусств будет лучшим, что стало особенно живым между художниками эпохи Возрождения и маньеризма, оставив длинных потомков.

Конкуренция между искусством была древней, и в средние века на эту тему было написано много литературы. Первоначально спор, связанный с изобразительным искусством, считавшийся простыми механическими методами, и интеллектуальные искусства, такие как поэзия и музыка, которые связаны с миром разума и престижной греческой традицией, были покрыты музой, защищающими, в то время как ни одно из изобразительных искусств не находилось под опека божества.

развитие
Начиная с анекдотов, опубликованных в Истории Naturalis из Плиния Старшего, со второй половины пятнадцатого века в Италии начались дебаты, в которых художественная форма была главной, с эстетической точки зрения и мастерства ремесленника. В этих дебатах, которые развивались на протяжении шестнадцатого века, присутствовали гуманисты, литераторы, поэты, музыканты и все величайшие фигуративные художники того времени. Например, Леонардо да Винчи, «гений во всех искусствах», поддерживал примат живописи, провозглашая свое превосходство над музыкой и поэзией, поскольку именно «наука» представляет «с большей правдивостью и достоверностью произведения природы», и поскольку подражание было эквивалентно воссозданию, художник приблизился больше, чем любой другой к божественному творческому акту.

Микеланджело и другие поддержали первенство скульптуры, в частности, «levare» materia (например, мраморную скульптуру, в отличие от «портирования», как терракота), поскольку скульптурная работа была единственной, которая позволила оценить предмет во множестве взглядов, просто ходить вокруг.

На это возражение художники ответили, что даже нарисованные вещи допускают «всю судьбу взглядов» и «без прогулки»: типичными примерами были цифры, представленные рядом с зеркалами, в которых одновременно можно было увидеть несколько взглядов на предмет. Например, Лоренцо Лотто нарисовал Тройной портрет ювелира (фронт, профиль и три четверти) и Джиан Джироламо Саволдо, вдохновленный потерянной работой Джорджоне, изобразил человека в доспехах рядом с двумя зеркалами, которые умножают вид сбоку и треугольник ,

Вопрос о «сравнении» имел особое значение в судах и в таких художественных центрах, как Венеция и Флоренция. В последнем, в 1547 году, вклад Бенедетто Варчи был особенно важен, который просил свое письмо всем крупным артистам, действующим на суде Козимо I, и не только: в этих письмах, в основном сохранившихся, а в других писаниях к вопросу можно прочитать с позиций, принятых Понтормо, Вазари, Челлини, Бронзино и другими. Бронзино, например, нарисовал двойной портрет гнома Моргантона на двух сторонах холста. В дополнение к двойному, лобному и тергальному виду живопись также показывала время: фактически, если на ректо, человек собирается отправиться на охоту, на спине он с гордостью показывает захваченную добычу.

Договоры и дебаты
Леонардо да Винчи изложил эту тему с большим количеством аргументов в своем Договоре о картинах, где он определил основные составляющие строки парагона, сосредоточенные на сравнении живописи и скульптуры. Он основал искусство вообще как сестра науки и уточнил свой анализ, заявил, что не нашел существенных различий между живописью и скульптурой, но позже он сказал, что работа живописца была более чистой, сложной, полной и интеллектуальной, поскольку один скульптор был более грязным, простым, ограниченным и ручным. Он также считал подражание природе более грозным и захватывающим способом, чем то, что производилось скульптурой, которая, естественно, подражала томам, которые представляет природа, и поэтому не требовала большой психической подготовки:] как иллюстративная иллюзия или глубокое знание математики и перспективы, связывая ее с картиной либеральных искусств. Он также защищал живопись от поэзии и музыки, указывая, что искусство может только возбуждать зрителя через чувства, душу. Хотя его работы не были напечатаны, его идеи были раскрыты Кастильоне, который прокомментировал его Эль-Кортес.

Дебаты достигли своей первой высшей точки в середине 16-го века, она стала доминирующей темой для маньеристской художественной критики, когда поэт Бенедетто Варчи в 1547 году прочитал две лекции в Академии художеств во Флоренции, которая позже была напечатана и опубликована с большой рекламой. На первой вархинской конференции он предложил, чтобы идея или концепция были выше материальной реализации, подчеркивая центральную роль, которую риторика подразумевала в изобразительном искусстве. Во-вторых, он пригласил замечательных художников, чтобы выразить свое мнение, три художника – Понтормо, Бронзино и Вазари, и три скульптора – Челлини, Триболо и Микеланджело – служили рефери, хотя на их предпочтение скульптуре явно влиял огромный престиж, который Микеланджело имел считающийся несравненным гением для его современников.

С другой стороны, вопрос о том, какое из искусств может лучше всего представлять природу, имеет большое значение для критиков в определении характеристик каждого искусства, но каждый из них в то же время перешел к расширению своего потенциала , имитируя эффекты других категорий. В качестве примера он разработал технику живописи Trompe l’Oeil, великую трехмерную иллюзию, скульптуру, которую искал эффект света и тени, характерный для живописи и поэзии, был пропитан живописными и сценографическими изображениями в поисках визуальной формы к словесным описаниям. Также с точки зрения морали, поскольку для них художественная подражание природе должна была быть верной и способной передавать истинное знание. Это породило еще один спор о том, что было бы лучшим источником знаний, на этот раз между искусством и самой природой, поскольку в результате человеческого интеллекта и веры в человека, созданного По образу Бога, искусство было бы ближе к божественной идеализации того, что проявляется в природе, которое имело очевидные недостатки, нарушения и ограничения. Кроме того, художник мог бы превзойти природу и создать новые вещи, какая природа, статическая концепция вселенной в это время, не в состоянии это сделать.

Знаменитые должности
Многочисленные теоретики искусства и художники смешались с произведениями и произведениями искусства. Некоторые поразительные вмешательства:

Леон Баттиста Альберти писал трактаты обо всех формах искусства, но выбрал живопись.
На картинах Яна ван Эйка часто часто отражается одно и то же тело, которое было бы одним из способов, которыми он измерил себя скульптурой.
Бенедетто Варчи прочитал лекцию для Флорентийской академии (1546), в которой он рассмотрел аргументы скульпторов и художников и привел цитаты из обзора Микеланджело, Бронзино, Челлини и Вазари и других.
Винченцо Боргини выставил художников над скульпторами в своей рукописи Selva di Notizie (1564).
Лукас д’Иере защитил живопись для антверпенской риторической палаты Де Винтьера (1565).
Джорджио Вазари отметил в «Le vite», что рисунок был отцом всех остальных, но уже во введении он намекнул на его истинное предпочтение: он описал легенду художника о Апеллесе и Кампаспе как замечательную вещь, а скульпторский миф о Пигмалионе стал позором. Фрески, которые он сделал в Sala delle Arti своего флорентийского дома, также можно прочитать как восхваление картины над другим.
Готтольд Эфраим Лессинг (1766) обратился к скульптуре из группы Лаоконг.

Текущий
Тема парангона с его различными ветвями на протяжении веков создавала большое количество литературы и вдохновляла многих художников и эстетические течения, и ни одна из сторон не могла обеспечить их превосходство. Хотя первоначальный термин редко применяется к современному искусству и продолжает принадлежать больше к теме истории искусства, проблема остается нерешенной до сегодняшнего дня. Многие художники продолжают проявлять большой интерес в преодолении пределов каждого способа искусства, в то время как другие защищают, устанавливая пределы, которые не следует преодолевать, в противном случае жанры дестабилизируют, фальсифицируют и лишают их возможности сосредоточиться и его характерную силу, и другие обеспокоены тем, как искусство должно подражать природе, с повторением или вариацией аргументов в течение длительного времени и включения в дискуссию новых искусств и дисциплин знания, которые появляются.