Paragone der Künste

Der Vergleich (Paragone) der Künste ist ein Thema, das die Debatte über das künstlerische Thema in der Renaissance anregte. Paragone (Vergleich) ist ein italienischer Begriff, der eine Kontroverse darüber aufwarf, welche der Künste die überlegene sei, die zwischen den Künstlern der Renaissance und des Manierismus besonders lebendig wurde und lange Nachkommen hinterließ.

Die Rivalität zwischen den Künsten war alt, und während des Mittelalters wurde viel Literatur zu diesem Thema produziert. Ursprünglich war der Streit, der sich mit den visuellen Künsten, den einfachen mechanischen Techniken und den intellektuellen Künsten wie Poesie und Musik, die mit der Welt der Vernunft und der prestigeträchtigen griechischen Tradition verbunden sind, mit Musen beschützend bedeckt, während keine der bildenden Künste unter der Kunst stand Vormundschaft einer Gottheit.

Entwicklung
Ausgehend von Anekdoten, die in der Naturalis historia von Plinius dem Älteren berichtet wurden, entwickelte sich ab der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts in Italien eine Debatte darüber, welche künstlerische Form aus ästhetischer Sicht und Geschicklichkeit des Handwerkers die wichtigste war. Diese Debatte, die sich im Laufe des 16. Jahrhunderts entwickelte, wurde von den Humanisten, den Literaten, den Dichtern, den Musikern und den größten figurativen Künstlern jener Zeit besucht. Leonardo da Vinci, als “Genie in allen ausgegossenen Künsten”, unterstützte zum Beispiel das Primat der Malerei, indem er seine Vorherrschaft über Musik und Poesie aussprach, denn es war “Wissenschaft”, die “mit mehr Wahrheit und Gewissheit die Werke der Natur” darstellt. und da Nachahmung dem Nachmachen gleichkam, näherte sich der Maler mehr als jeder andere dem göttlichen schöpferischen Akt.

Michelangelo und andere unterstützten das Primat der Skulptur, insbesondere die der “levare” -Materialien (wie Marmorskulpturen, im Gegensatz zum “Putten” wie Terrakotta), da das skulpturale Werk das einzige war, das ein Thema in mehreren Ansichten einfach zu schätzen wusste herumlaufen.

Zu diesem Einwand antworteten die Maler, dass selbst die gemalten Dinge “alle Schicksale der Ansichten” und “ohne einen Spaziergang” erlaubten: Typische Beispiele waren die in der Nähe von Spiegeln dargestellten Figuren, in denen mehrere Ansichten des Subjekts gleichzeitig gesehen werden konnten. Lorenzo Lotto zum Beispiel malte das Dreifache Porträt des Goldschmieds (Front, Profil und Dreiviertel) und Gian Girolamo Savoldo, inspiriert von einem verlorenen Werk von Giorgione, porträtierte einen Mann in Rüstung neben zwei Spiegeln, die die Seitenansicht und Tergal vervielfachen .

Die Frage nach dem “Vergleich” spielte eine besondere Rolle in den Gerichten und in künstlerischen Zentren wie Venedig und Florenz. In letzterem, 1547, war der Beitrag von Benedetto Varchi besonders wichtig, der die Meinung per Brief an alle bedeutenden am Hof ​​von Cosimo I tätigen Künstler und nicht nur: in diesen Briefen, größtenteils erhalten, und in anderen verbundenen Schriften erbat zu dem Thema kann man aus den Positionen von Pontormo, Vasari, Cellini, Bronzino und anderen lesen. Bronzino, zum Beispiel, malte ein Doppelporträt des Zwerges Morganton die zwei Seiten einer Leinwand. Neben der doppelten, frontalen und tergalen Sichtweise zeigt die Malerei auch das Verstreichen der Zeit: tatsächlich, wenn der Mann auf der Recto kurz vor der Jagd ist, zeigt er auf der Rückseite stolz die erbeutete Beute.

Verträge und Debatten
Leonardo da Vinci hat das Thema in seinem Gemäldevertrag mit einer Vielzahl von Argumenten dargelegt, wobei er die Hauptkonstitutionslinien des Paragon definierte, die sich auf den Vergleich zwischen Malerei und Skulptur konzentrierten. Er etablierte die Kunst im Allgemeinen als eine Schwester der Wissenschaft und präzisierte seine Analyse, erklärte, dass er keine wesentlichen Unterschiede zwischen Malerei und Skulptur fand, aber später sagte er, dass die Arbeit des Malers sauberer, komplexer, vollständiger und intellektueller Art sei der des Bildhauers war dreckiger, einfacher, begrenzter und manueller. Er betrachtete die Nachahmung der Natur auch auf eine eindrucksvollere und aufregendere Art und Weise als die der Skulptur, die naturgemäß die von der Natur vorgestellten Bände nachahmte und daher nicht viel geistige Vorbereitung erforderte:] wie die Bildillusion oder eine profunde Kenntnis von Mathematik und Perspektive, assoziieren sie mit der Malerei der freien Künste. Er verteidigte auch die Malerei gegen Poesie und Musik und wies darauf hin, dass Kunst den Betrachter nur durch die Sinne, die Seele, erregen kann. Obwohl seine Schriften nicht gedruckt wurden, wurden seine Ideen von Castiglione offenbart, der sein El Cortesà kommentierte.

Die Debatte erreichte ihren ersten Höhepunkt in der Mitte des 16. Jahrhunderts, es wurde ein beherrschendes Thema für die manieristische Kunstkritik, als der Dichter Benedetto Varchi 1547 zwei Vorträge an der Kunstakademie von Florenz hielt, die später gedruckt und veröffentlicht wurde mit großer Publicity. In der ersten Varchi-Konferenz schlug er vor, dass die Idee oder das Konzept der materiellen Verwirklichung überlegen sei, und hob die zentrale Rolle hervor, die die Rhetorik in der bildenden Kunst einnahm. Zweitens lud er bemerkenswerte Künstler ein, ihre Meinung zu äußern. Drei Maler – Pontormo, Bronzino und Vasari – und drei Bildhauer – Cellini, Tribolo und Michelangelo – dienten als Schiedsrichter, obwohl ihre Vorliebe für Bildhauerei eindeutig vom enormen Prestige Michelangelos beeinflusst war als ein unvergleichliches Genie für seine Zeitgenossen angesehen.

Die Frage, welche der Künste die Natur am besten repräsentieren könnte, war für die Kritiker von großer Bedeutung, um die Charakteristika jeder Kunst zu definieren, aber gleichzeitig ging jede von ihnen auf die Suche nach einer Erweiterung ihres Potentials Nachahmung der Auswirkungen anderer Kategorien. Als ein Beispiel entwickelte er die Technik der Malerei Trompe l’Oeil, eine große dreidimensionale Illusion, die Skulptur suchte die Auswirkungen von Licht und Schatten charakteristisch für Malerei und Poesie wurde mit malerischen und szenographischen Bildern imprägniert, auf der Suche nach geben visuelle Form zu den verbalen Beschreibungen. Auch aus moralischer Sicht, denn für sie musste die künstlerische Nachahmung der Natur treu und fähig sein, wahres Wissen zu vermitteln. Dies erzeugte einen weiteren Streit darüber, was die beste Wissensquelle wäre, diesmal zwischen der Kunst und der Natur selbst, als Folge der menschlichen Intelligenz und dem Glauben an den geschaffenen Menschen. Im Bild Gottes wäre die Kunst der göttlichen Idealisierung näher von dem, was sich in der Natur manifestiert, die offensichtliche Mängel, Unregelmäßigkeiten und Begrenzungen hatte. Darüber hinaus könnte der Künstler die Natur transzendieren und neue Dinge erschaffen, was die Natur, die statische Vorstellung des Universums zu dieser Zeit, nicht kann.

Berühmte Positionen
Zahlreiche Kunsttheoretiker und Künstler haben sich mit Schriften und Kunstwerken vermischt. Einige markante Interventionen:

Leon Battista Alberti schrieb Traktate über alle Kunstformen, wählte aber Malerei.
Auf Jan van Eycks Gemälden wird oft derselbe Körper oft reflektiert, und das wäre einer der Wege, an denen er sich mit der Skulptur messen würde.
Benedetto Varchi hielt einen Vortrag für die Florentiner Akademie (1546), in der er die Argumente von Bildhauern und Malern untersuchte und aus einer Untersuchung von Michelangelo, Bronzino, Cellini und Vasari zitierte.
Vincenzo Borghini stellte in seiner Handschrift Selva di Notizie (1564) Maler über Bildhauer.
Lucas d’Heere verteidigte Gemälde für die Antwerpener Rhetorikkammer De vintieren (1565).
Giorgio Vasari bemerkte in Le vite, dass die Zeichnung der Vater aller anderen sei, aber schon in der Einleitung hatte er seine wahre Präferenz angedeutet: Er beschrieb die Legende des Malers Apelles und Campaspe als eine wunderbare Sache und den Bildhauermythos von Pygmalion als eine Schande. Die Fresken, die er in der Sala delle Arti seines florentinischen Hauses angefertigt hat, können auch als eine Laudatio der Malerei über dem anderen gelesen werden.
Gotthold Ephraim Lessing (1766) plädierte für die Skulptur aus der Laocoöng-Gruppe.

Strom
Das Thema des Parangones mit seinen verschiedenen Zweigen hat im Laufe der Jahrhunderte eine große Menge an Literatur hervorgebracht und viele Künstler und ästhetische Strömungen inspiriert, ohne dass die Parteien ihre Überlegenheit sicherstellen konnten. Obwohl der ursprüngliche Begriff in der zeitgenössischen Kunst nur selten Anwendung findet und immer mehr zu einem kunsthistorischen Thema gehört, bleibt das Problem bis heute ungelöst. Viele Künstler zeigen weiterhin großes Interesse, die Grenzen jeder Kunstform zu überschreiten, während andere durch das Setzen von Grenzen, die nicht überwunden werden sollen, verteidigen, da sonst die Genres destabilisieren, verfälschen und ihnen den Fokus und die charakteristische Stärke nehmen und andere sind besorgt darüber, wie Kunst die Natur nachahmen sollte, mit der Wiederholung oder Variation von Argumenten, die für lange Zeit gemacht wurden und die neuen Künste und Disziplinen des Wissens, die erscheinen, in die Diskussion einbeziehen.