Paragone des arts

Art

La comparaison (Paragone) des arts est un thème qui a animé le débat sur le sujet artistique à la Renaissance. Paragone (comparaison) est un terme italien qui a appelé une controverse quant à savoir lequel des arts serait le supérieur, qui est devenu particulièrement vivant entre les artistes de la Renaissance et le maniérisme, laissant de longs descendants.

La rivalité entre les arts était ancienne, et pendant le Moyen Age beaucoup de littérature a été produite sur le sujet. A l’origine, le conflit des arts visuels, considéré comme de simples techniques mécaniques, et des arts intellectuels comme la poésie et la musique, associés au monde de la raison et à la prestigieuse tradition grecque, étaient couverts de muses protectrices, alors qu’aucun des arts visuels tutelle d’une divinité.

Développement
Partant d’anecdotes rapportées dans le Naturalis historia de Pline l’Ancien, dès la seconde moitié du XVe siècle en Italie, se développa un débat sur la forme artistique la plus importante, d’un point de vue esthétique et artisanal. Ce débat, qui s’est développé tout au long du XVIe siècle, a réuni les humanistes, les lettrés, les poètes, les musiciens et tous les plus grands artistes figuratifs de l’époque. Par exemple, Léonard de Vinci soutenait la primauté de la peinture en proclamant sa suprématie sur la musique et la poésie, puisque c’était la «science» qui représente «avec plus de vérité et de certitude les œuvres de la nature». et comme l’imitation équivalait à recréer, le peintre se rapprocha plus que tout autre de l’acte créateur divin.

Michel-Ange et d’autres ont soutenu la primauté de la sculpture, en particulier celle de la “levare” materia (comme la sculpture en marbre, contrairement au “put” comme la terre cuite), puisque l’œuvre sculpturale était la seule qui permettait d’apprécier un sujet en vues multiples. se promener.

A cette objection, les peintres répondirent que même les choses peintes permettaient «tout le sort des vues» et «sans se promener»: les exemples représentaient les figures représentées près des miroirs, dans lesquelles on pouvait voir simultanément des vues multiples du sujet. Lorenzo Lotto, par exemple, a peint le Triple portrait d’orfèvre (avant, profil et trois quarts) et Gian Girolamo Savoldo, inspiré par une œuvre perdue par Giorgione, dépeint un homme en armure à côté de deux miroirs, qui multiplient la vue latérale et tergal .

La question de la «comparaison» revêt une importance particulière dans les tribunaux et dans les centres artistiques tels que Venise et Florence. Dans ce dernier, en 1547, la contribution de Benedetto Varchi était particulièrement importante, qui a demandé l’avis par lettre à tous les artistes majeurs actifs à la cour de Cosme I et pas seulement: dans ces lettres, largement conservés, et dans d’autres écrits liés à la question peut être lu à partir des positions prises par Pontormo, Vasari, Cellini, Bronzino et d’autres. Bronzino, par exemple, a peint un double portrait du Nain Morganton les deux côtés d’une toile. En plus des vues doubles, frontales et tergales, la peinture montre aussi le passage du temps: en effet, si au recto l’homme s’apprête à partir à la chasse, sur le dos il montre fièrement la proie capturée.

Traités et débats
Léonard de Vinci a exposé le sujet avec un grand nombre d’arguments dans son traité de peinture, où il a défini les lignes principales constitutives du paragon axé sur la comparaison entre la peinture et la sculpture. Il a établi l’art en général comme une soeur de la science, et a spécifié son analyse, a déclaré qu’il n’a pas trouvé de différences essentielles entre la peinture et la sculpture, mais plus tard il a dit que le travail du peintre était plus propre, plus complexe et celui du sculpteur était plus sale, simple, limité et manuel. Il considérait aussi l’imitation de la nature d’une manière plus formidable et excitante que celle produite par la sculpture, qui imitait naturellement les volumes que la nature présente et ne nécessitait donc pas beaucoup de préparation mentale:] comme l’illusion picturale ou une profonde connaissance de mathématique et perspective, en l’associant à la peinture des arts libéraux. Il a également défendu la peinture contre la poésie et la musique, indiquant que l’art ne peut qu’exciter le spectateur à travers les sens, l’âme. Bien que ses écrits n’aient pas été imprimés, ses idées ont été divulguées par Castiglione, qui a commenté son El Cortesà.

Le débat a atteint son point le plus élevé au milieu du XVIe siècle, il est devenu un thème dominant pour la critique d’art maniériste, lorsque le poète Benedetto Varchi en 1547 a donné deux conférences à l’Académie des Arts de Florence, qui plus tard a imprimé et publié avec une grande publicité. Lors de la première conférence de Varchi, il a proposé que l’idée ou le concept soit supérieur à la réalisation matérielle, soulignant le rôle central que la rhétorique a assumé dans les arts visuels. Ensuite, il invite des artistes remarquables à donner leur avis, trois peintres – Pontormo, Bronzino et Vasari – et trois sculpteurs – Cellini, Tribolo et Michelangelo – servent d’arbitres, bien que leur préférence pour la sculpture soit clairement influencée par l’énorme prestige de Michel-Ange. considéré comme un génie incomparable pour ses contemporains.

La question de savoir lequel des arts pourrait le mieux représenter la nature, d’autre part, a été d’une grande importance pour les critiques dans la définition des caractéristiques de chaque art, mais chacun d’eux, en même temps, est passé à chercher une expansion de son potentiel , imitant les effets d’autres catégories. A titre d’exemple, il a développé la technique de peinture Trompe l’Oeil, une grande illusion tridimensionnelle, la sculpture recherchée les effets de lumière et d’ombre caractéristiques de la peinture et de la poésie a été imprégnée d’images picturales et scénographiques, en quête de forme visuelle aux descriptions verbales. Aussi d’un point de morale, puisque pour eux l’imitation artistique de la nature devait être fidèle et capable de transmettre la vraie connaissance. Cela a généré une autre dispute sur ce qui serait la meilleure source de connaissance, cette fois entre l’art et la nature elle-même, comme résultat de l’intelligence humaine et croyant l’homme créé à l’image de Dieu, l’art serait plus proche de l’idéalisation divine. de ce qui se manifeste dans la nature, qui a des défauts évidents, des irrégularités et des limitations. En outre, l’artiste pourrait transcender la nature et créer de nouvelles choses, ce que la nature, la conception statique de l’univers en ce moment, n’est pas capable de le faire.

Des positions célèbres
De nombreux théoriciens de l’art et artistes se sont mélangés avec des écrits et des œuvres d’art. Quelques interventions saisissantes:

Leon Battista Alberti a écrit des traités sur toutes les formes d’art, mais a choisi la peinture.
Sur les tableaux de Jan van Eyck, le même corps se reflète souvent fréquemment, ce qui serait l’une des façons dont il se mesure à la sculpture.
Benedetto Varchi a donné une conférence à l’Académie Florentine (1546) dans laquelle il a examiné les arguments des sculpteurs contre les peintres et cité une enquête de Michel-Ange, Bronzino, Cellini et Vasari, entre autres.
Vincenzo Borghini a mis les peintres au-dessus des sculpteurs dans son manuscrit Selva di Notizie (1564).
Lucas d’Heere a défendu la peinture pour la salle de rhétorique anversoise De vintieren (1565).
Giorgio Vasari notait dans Le Vive que le dessin était le père de tous les autres, mais déjà dans l’introduction il avait fait allusion à sa véritable préférence: il décrivait la légende d’Apelle et de Campaspe comme une chose merveilleuse et le mythe sculpteur de Pygmalion comme une disgrâce. Les fresques qu’il a réalisées dans la Sala delle Arti de sa maison florentine peuvent également être interprétées comme un éloge de la peinture au-dessus de l’autre.
Gotthold Ephraim Lessing (1766) a plaidé pour la sculpture du groupe Laocoöng.

Actuel
Le thème de la parangone, avec ses diverses branches, à travers les siècles, a produit une grande quantité de littérature et a inspiré de nombreux artistes et courants esthétiques sans qu’aucun des partis ne puisse assurer leur suprématie. Bien que le terme original soit rarement appliqué aux arts contemporains et continue d’appartenir davantage à un sujet de l’histoire de l’art, le problème reste non résolu jusqu’à aujourd’hui. Beaucoup d’artistes continuent à montrer un grand intérêt pour transcender les limites de chaque mode d’art, tandis que d’autres défendent en fixant des limites qui ne devraient pas être surmontées, sinon les genres sont déstabilisants, falsifiants et les privant de donner leur foyer et sa force caractéristique. s’inquiètent de la façon dont l’art devrait imiter la nature, avec la répétition ou la variation des arguments avancés depuis longtemps et en incorporant dans la discussion les nouveaux arts et disciplines du savoir qui apparaissent.