Raum von Umberto Boccioni, Museum des 20. Jahrhunderts

Im ersten Stock befinden sich Werke aus der Jucker-Sammlung und den Futuristen. Von besonderem Interesse sind unter den Werken des futuristischen Künstlers Boccioni (1882-1916) eines der verschiedenen Exemplare der berühmten Skulptur Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum, die in dem dem Künstler gewidmeten Raum ausgestellt sind.

Die Sammlung beginnt mit einer Hommage an internationale Avantgarde-Bewegungen mit Gemälden aus den frühen 1900er Jahren von Pablo Picasso, Georges Braque, Paul Klee, Kandinsky und Amedeo Modigliani. Die Ausstellung wird mit dem Futurismus fortgesetzt, der durch einen weltweit einzigartigen Kern von Kunstwerken dargestellt wird und Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Fortunato Depero, Gino Severini, Carlo Carrà und Ardengo Soffici zeigt.

Biografie
Umberto Boccioni (19. Oktober 1882 – 17. August 1916) war ein einflussreicher italienischer Maler und Bildhauer. Er hat die revolutionäre Ästhetik der Futurismus-Bewegung als eine ihrer Hauptfiguren mitgeprägt. Trotz seines kurzen Lebens führte seine Herangehensweise an die Dynamik der Form und die Dekonstruktion solider Massenkünstler lange nach seinem Tod. Seine Werke werden von vielen öffentlichen Kunstmuseen aufbewahrt, und 1988 organisierte das Metropolitan Museum of Art in New York eine große Retrospektive mit 100 Werken.

Umbertos Eltern waren Raffaele Boccioni und Cecilia Forlani, ursprünglich aus Morciano di Romagna (25 km von Rimini entfernt). Der Vater, der als Präfektenpfleger arbeitete, musste aufgrund der Servicebedürfnisse nach Italien ziehen. Umberto wurde am 19. Oktober 1882 in Reggio Calabria geboren. hier besuchte er die ersten Grundschulklassen, anschließend zog die Familie nach Forlì, dann nach Genua und Padua. 1897 kam der Auftrag für einen neuen Transfer nach Catania. Diesmal trennte sich die Familie: Umberto und sein Vater gingen nach Sizilien; Die Mutter mit ihrer älteren Schwester Amelia, geboren in Rom, blieb in Venetien. In Catania besuchte Umberto das technische Institut bis zum Erhalt des Diploms. Er arbeitete mit einigen lokalen Zeitungen zusammen und schrieb seinen ersten Roman: Penis der Seele, der das Datum 6. Juli 1900 trägt.

1901 zog Umberto nach Rom, wo sein Vater erneut versetzt wurde. Er besucht oft das Haus von Tante Colomba. In kurzer Zeit verliebt er sich in eine seiner Töchter, Sandrina. Umberto ist ungefähr zwanzig Jahre alt und besucht das Studium eines Plakatkünstlers, wo er die ersten Grundlagen der Malerei lernt. In dieser Zeit lernte er Gino Severini kennen, mit dem er in Porta Pinciana das Atelier des Divisionisten Malers Giacomo Balla besuchte. Anfang 1903 besuchen Umberto und Severini die Free School of Nude, wo sie Mario Sironi treffen, ebenfalls einen Schüler von Balla, mit dem sie eine dauerhafte Freundschaft schließen werden. In diesem Jahr malte Umberto sein erstes Werk Campagna Romana oder Meriggio.

Mit Hilfe beider Elternteile gelingt es ihm, ins Ausland zu reisen: Das erste Ziel ist Paris (April-August 1906), gefolgt von Russland, von dem er im November desselben Jahres zurückkehrt. In Paris lernte er Augusta Popoff kennen: Aus ihrer Beziehung wurde im April 1907 ein Sohn, Pëtr (Pietro), geboren. Im April 1907 schrieb sich Umberto an der Freien Aktschule des Königlichen Instituts für Bildende Künste in Venedig ein. Er beginnt eine weitere Reise nach Russland, unterbricht ihn jedoch in München, wo er das Museum besucht. Bei seiner Rückkehr zeichnet er, malt aktiv und bleibt dabei unerfüllt, weil er die Grenzen der italienischen Kultur spürt, die er immer noch als “Provinzkultur” betrachtet. In der Zwischenzeit steht er vor seinen ersten Erfahrungen auf dem Gebiet der Gravur.

Im Herbst 1907 ging er zum ersten Mal nach Mailand, wo seine Mutter und seine Schwester einige Monate gelebt hatten. Er spürt sofort, dass es die Stadt mehr als andere auf dem Vormarsch ist und dass sie ihren dynamischen Bestrebungen entspricht. Er wird ein Freund von Romolo Romani, er besucht Previati, von dem er einen gewissen Einfluss in seiner Malerei beeinflusst, der sich der Symbolik zuzuwenden scheint. Er wird Mitglied der Permanente. Besuchen Sie in diesen prägenden Jahren viele Museen und Kunstgalerien. Es besteht daher die Möglichkeit, Werke von Künstlern jeden Alters, insbesondere aber der Antike, direkt kennenzulernen. Einige davon, wie Michelangelo, werden immer seine idealen Vorbilder bleiben.

Trotzdem werden sie auch die Hauptziele der Kontroverse sein, die in der futuristischen Zeit gegen die antike Kunst und gegen die Vergangenheit ausgelöst wurde. 1907 traf er die Divisionisten in Mailand und schrieb zusammen mit Filippo Tommaso Marinetti zusammen mit Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla und Gino Severini das Manifest der futuristischen Maler (1910), dem das Technische Manifest der Futuristischen Bewegung folgte (1912): Das Ziel des modernen Künstlers musste nach Ansicht der Verfasser sein, sich von den Modellen und figurativen Traditionen der Vergangenheit zu befreien und sich entschlossen der zeitgenössischen, dynamischen, lebendigen, sich ständig weiterentwickelnden Welt zuzuwenden.

Als Subjekte der Repräsentation wurden daher die Stadt, die Maschinen, die chaotische Alltagsrealität vorgeschlagen. Boccioni drückte in seinen Werken meisterhaft die Bewegung der Formen und die Konkretheit der Materie aus. Obwohl Boccioni vom Kubismus beeinflusst war, dem er übermäßige Statik vorwarf, vermied er gerade Linien in seinen Gemälden und verwendete Komplementärfarben. In Gemälden wie der Dynamik eines Radfahrers (1913) oder der Dynamik eines Fußballspielers (1911) deutet die Darstellung desselben Themas in aufeinanderfolgenden Phasen im Laufe der Zeit effektiv auf die Idee hin, sich im Raum zu bewegen. Die Skulptur regiert auch ähnliche Absichten von Boccioni, für die der Künstler oft edle Materialien wie Marmor und Bronze vernachlässigte und Holz, Eisen und Glas bevorzugte. Er war daran interessiert, die Interaktion eines sich bewegenden Objekts mit dem umgebenden Raum zu veranschaulichen. Nur sehr wenige seiner Skulpturen sind erhalten.

Innerhalb der Humanitären Gesellschaft, in der er gerade das großartige Gemälde “Il Lavoro” (heute im MoMA in New York mit dem Titel The City Rises) von April bis Mai 1911 mit Ugo Nebbia, Carlo Dalmazzo Carrà, Alessandrina Ravizza und anderen fertiggestellt hat, erweckt Mailand im Ersten Pavillon der Freien Kunst zum Leben, einer imposanten Ausstellung mit hochmodernen Richtlinien, in der auch das erste Kollektiv futuristischer Maler (in den stillgelegten Pavillons von Giulio Ricordi) stattfinden wird.

1912 leitete Boccioni eine Phase intensiver Studien ein, sowohl im Hinblick auf die Veröffentlichung seines wichtigsten theoretischen Textes, der futuristischen Malerei und Skulptur (1914), als auch im Hinblick auf die Realisierung des Meisterwerks Materia (1912). Konsultieren Sie viele Bände historisch-künstlerischer und philosophischer Themen, von denen er eine Liste von Titeln erstellt. Insbesondere vertieft er sein Wissen über den Gedanken des französischen Philosophen Henri Bergson und liest das Buch Materia e memoria (1896). Bergsons Theorien über das spontane Gedächtnis, verstanden als Intuition der fundamentalen Einheit der Materie, legen Boccioni die Idee der Durchdringung der Ebenen als “Gleichzeitigkeit des Inneren mit dem Äußeren + Gedächtnis + Empfindung” nahe, die es ihm ermöglicht, persönliche Erinnerungen währenddessen zu kombinieren der kreative Prozess (zum Beispiel bekannt) zu Vorschlägen aus der alten oder primitiven Kunst, zur Zersetzung kubistischer Formen. In dem Öl auf Leinwand Materia zum Beispiel porträtiert Boccioni seine Mutter Cecilia Forlani, die als Große Mutter bezeichnet wird, und integriert die kubistische Zerlegung und die Verwendung von Komplementärfarben impressionistischer Ableitung mit der hieratischen Frontalität der griechischen Statuen aus der archaischen Zeit.

Unter den 1912 konsultierten Büchern zitiert Boccioni in seiner Liste den Band VIII, der der archaischen Skulptur gewidmet ist, und insbesondere Seite 689 des mehrbändigen Werks von Georges Perrot und Charles Chipiez, Histoire de dell’arte dans l’antiquité (1882-1914), in dem sich die beiden Autoren mit dem sogenannten Gesetz der Frontalität in alten Statuen befassen.

Zu den wichtigsten Bildwerken von Boccioni zählen Il Lavoro (1910), Rissa in Galleria (1910), Stati d’animo n. 1. Abschiede (1911) – in denen die Bewegungen der Seele durch Lichtblitze, Spiralen und Wellenlinien ausgedrückt werden, die diagonal angeordnet sind – Kräfte einer Straße (1911), in der die Stadt, fast ein lebender Organismus, ein überwiegendes menschliches Gewicht hat Präsenzen.

1915 tritt Italien in den Krieg ein. Boccioni, Interventionist, Freiwillige, zusammen mit einer Gruppe von Künstlern, im Nationalen Korps der freiwilligen Radfahrer und Autofahrer, hat aber keine Gelegenheit, in den Kampf zu ziehen. In einem Brief von der Oktober-1915-Front schrieb der Maler tatsächlich, dass Krieg “wenn man erwartet zu kämpfen, nur dies ist: Insekten + Langeweile = dunkler Heldentum …”.

Im Juni 1916 war Boccioni (der zu dieser Zeit darauf wartete, an die Front zu gehen) Gast des Marquis Della Valle di Casanova in der Villa San Remigio am Ostufer des Lago Maggiore. Im gleichen Zeitraum verbringt Vittoria Colonna, während ihr Ehemann Leone Caetani an der Front steht, seine Tage in der Stille des Isolino di San Giovanni (der kleinsten der Borromäischen Inseln), den er für den Sommer gemietet hat. Hier kümmert sie sich um den Garten und schreibt Briefe an ihren Mann. Nach einem ersten Treffen mit der Casanova sehen sich Boccioni und Vittoria jeden Tag. Und im Juli ist Boccioni zweimal Gast von Vittoria all’Isolino. Der letzte Aufenthalt endet am 23. Juli; weniger als einen Monat später, am 17. August, wird er an einem Sturz von einem Pferd sterben; in seiner Brieftasche den letzten Brief, den Vittoria erhalten hat.

Am 17. August 1916 starb Boccioni im Alter von 33 Jahren im Militärkrankenhaus in Verona an den Verletzungen, die er sich durch den versehentlichen Sturz seiner Stute zugezogen hatte, die beim Anblick eines Lastwagens wütend wurde. Der Sturz fand am Vortag während einer Militärübung in der Ortschaft Sorte in Chievo, einem Weiler von Verona, statt, wo sich heute seine Gedenktafel befindet, in einer engen Straße inmitten des Landes. Boccionis Leiche wurde stattdessen auf dem monumentalen Friedhof von Verona begraben, im alten Calti des zweiten Lagers, neben dem auch die Mutter begraben werden wollte. Auf dem Marmor, der sich schließt und den Namen des Künstlers trägt, kann man die schriftlichen Zeugnisse anderer besuchender Künstler und Bekannter beobachten.

Seine Arbeiten

Frühe Porträts und Landschaften
Von 1902 bis 1910 konzentrierte sich Boccioni zunächst auf Zeichnungen, skizzierte und malte dann Porträts – mit seiner Mutter als häufigem Vorbild. Er malte auch Landschaften – oft einschließlich der Ankunft von Industrialisierung, Zügen und Fabriken zum Beispiel. Während dieser Zeit bewegt er sich zwischen Pointillismus und Impressionismus und dem Einfluss von Giacomo Balla, und Divisionismus-Techniken sind in frühen Gemälden offensichtlich (obwohl später weitgehend aufgegeben). Der Morgen (1909) wurde als “kühne und jugendliche Gewalt der Farben” und als “gewagte Übung in der Leuchtkraft” bezeichnet. Seine Drei Frauen von 1909 bis 19010, in denen seine Mutter und seine Schwester sowie die langjährige Geliebte Ines im Mittelpunkt stehen, wurden als Ausdruck großer Emotionen bezeichnet – Stärke, Melancholie und Liebe.

Entwicklung des Futurismus
Boccioni arbeitete fast ein Jahr lang an La città sale oder The City Rises, 1910, einem riesigen Gemälde (2 x 3 m), das als sein Wendepunkt zum Futurismus gilt. “Ich habe versucht, eine großartige Synthese aus Arbeit, Licht und Bewegung zu erreichen”, schrieb er an einen Freund. Bei seiner Ausstellung in Mailand im Mai 1911 zog das Gemälde zahlreiche Kritiken an, die größtenteils bewunderten. Bis 1912 war es ein Schlagzeilenbild für die Ausstellung “Reisen durch Europa”, die Einführung in den Futurismus. Es wurde in diesem Jahr für 4.000 Lire an den großen Pianisten Ferruccio Busoni verkauft und ist heute häufig im Museum of Modern Art in New York am Eingang zur Malabteilung zu sehen.

La risata (1911, The Laugh) gilt als Boccionis erstes wirklich futuristisches Werk. Er hatte sich vollständig vom Divisionismus getrennt und konzentrierte sich nun auf die Empfindungen, die sich aus seiner Beobachtung des modernen Lebens ergaben. Die öffentliche Aufnahme war im Vergleich zu Three Women ziemlich negativ, und sie wurde von einem Besucher unkenntlich gemacht, der mit den Fingern durch die noch frische Farbe fuhr. Die anschließende Kritik wurde positiver, wobei einige das Gemälde als Reaktion auf den Kubismus betrachteten. Es wurde von Albert Borchardt gekauft, einem deutschen Sammler, der 20 in Berlin ausgestellte futuristische Werke erwarb, darunter The Street Enters the House (1911), das eine Frau auf einem Balkon mit Blick auf eine belebte Straße zeigt. Ersteres gehört heute auch dem Museum of Modern Art und letzteres dem Sprengel Museum in Hannover.

Boccioni verbrachte einen Großteil des Jahres 1911 damit, an einer Trilogie von Gemälden mit dem Titel “Stati d’animo” (“Geisteszustände”) zu arbeiten, in der er die Abreise und Ankunft an einem Bahnhof zum Ausdruck brachte – “Abschied”, “Wer geht” und “Wer bleibt”. Alle drei Gemälde wurden ursprünglich von Marinetti gekauft, bis Nelson Rockefeller sie von seiner Witwe erwarb und sie später dem Museum of Modern Art in New York schenkte.

Ab 1912 fertigte er mit Elasticità oder Elasticity, das die reine Energie eines Pferdes darstellt und mit intensiver Chromatik eingefangen wurde, eine Reihe dynamistischer Gemälde an: Dinamismo di un corpo umano (menschlicher Körper), Ciclista (Radfahrer), Fußballer und bis 1914 Dinamismo plasto: cavallo + caseggiato (Plastische Dynamik: Pferd + Häuser).

Während er diesen Fokus fortsetzte, belebte er sein bisheriges Interesse an der Porträtmalerei. Beginnend mit L’antigrazioso (The antigraceful) im Jahr 1912 und weiter mit I selciatori (The Street Pavers) und Il bevitore (The Drinker) im Jahr 1914.

1914 veröffentlichte Boccioni sein Buch Pittura, scultura futuriste (Futuristische Malerei und Skulptur), das eine Kluft zwischen ihm und einigen seiner futuristischen Kameraden verursachte. Vielleicht gab er deshalb seine Erforschung der Dynamik auf und suchte stattdessen nach einer weiteren Zerlegung eines Subjekts mittels Farbe. Mit Horizontal Volumes im Jahr 1915 und dem Porträt von Ferruccio Busoni im Jahr 1916 vollendete er eine vollständige Rückkehr zur figurativen Malerei. Vielleicht passend war dieses letzte Gemälde ein Porträt des Maestro, der sein erstes futuristisches Werk, The City Rises, kaufte.

Skulptur
Das am 11. April 1912 veröffentlichte Schreiben seines Manifests tecnico della scultura futurista (Technisches Manifest der futuristischen Skulptur) war Boccionis intellektueller und physischer Einstieg in die Skulptur; Er hatte im vergangenen Jahr begonnen, in der Bildhauerei zu arbeiten.

Bis Ende 1913 hatte er das, was als sein Meisterwerk gilt, Forme uniche della continuuità nello spazio (Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum) in Wachs fertiggestellt. Sein Ziel für die Arbeit war es, eine “synthetische Kontinuität” der Bewegung darzustellen, anstatt eine “analytische Diskontinuität”, die er bei Künstlern wie František Kupka und Marcel Duchamp sah. Während seines Lebens existierte das Werk nur als Gipsabdruck. Es wurde erstmals 1931 in Bronze gegossen. Diese Skulptur wurde ausführlich kommentiert und 1998 als Bild ausgewählt, das auf der Rückseite der italienischen 20-Cent-Euro-Münze eingraviert werden soll.

Kurz nach Boccionis Tod im Jahr 1916 (und nachdem in Mailand eine Gedenkausstellung stattgefunden hatte) vertraute seine Familie sie für eine unbeständige Zeit einem Bildhauerkollegen an, Piero da Verona; da Verona bat daraufhin seinen Assistenten, sie in die örtliche Müllkippe zu legen. Marinettis empörter Bericht über die Zerstörung der Skulpturen war etwas anders; In seinen Memoiren erklärte er, dass die Skulpturen von Arbeitern zerstört wurden, um den Raum zu räumen, den der “neidische engstirnige Bildhauer” sie platziert hatte. So wurde ein Großteil seiner experimentellen Arbeiten von Ende 1912 bis 1913 zerstört, darunter Stücke über zeitgenössische Gemälde, die nur durch Fotografien bekannt sind. Eines der wenigen erhaltenen Stücke ist das Antigrazioso (Anti-Graceful, auch Mutter genannt).

Im Jahr 2019 veranstaltete die Estorick-Sammlung für moderne italienische Kunst eine Ausstellung, in der mehrere der zerstörten Skulpturen rekonstruiert wurden.

Die Ausstellung
Die Sammlung des Museo del Novecento ermöglicht es den Besuchern, die künstlerische Reise des größten Vertreters des frühen Futurismus vollständig zu erfassen: von Gemälden, die noch in einer Divisionisten-Ader wie „La Signora Virginia“ (Frau Virginia, 1905) sind, bis hin zu bekannten und repräsentativeren Beispielen des abstrakte Erfahrung wie die Skulptur „Forme uniche della continuuità nello spazio“ (Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum, 1913).

La signora Virginia, Umberto Boccioni, 1905
Forme uniche della continuuità nello spazio, Umberto Boccioni, 1913

Umberto Boccioni und der Futurismus
Umberto Boccioni, 1882 in Reggio Calabria geboren, kam 1908 nach Mailand, nachdem er in Padua und Venedig gelebt und zusammen mit Gino Severini und Mario Sironi in Giacomo Ballas Atelier in Rom studiert hatte. In der Hauptstadt der Lombardei, dem Zentrum der Moderne und der wirtschaftlichen Entwicklung im Italien des frühen 20. Jahrhunderts, lernte Boccioni 1910 Filippo Tommaso Marinetti kennen. Gemeinsam trugen sie zur Offensive gegen den kulturellen Traditionalismus bei, indem sie sich der futuristischen Bewegung anschlossen: neben Carlo Carrà Luigi Russolo und Gino Severini, Boccioni, unterzeichneten 1910 das „Manifest der futuristischen Maler“ und das „Technische Manifest der futuristischen Malerei“.

Stati d’animo – Gli addii, Umberto Boccioni, 1911,
In Stati d’animo (States of Mind), einem Triptychon aus dem Jahr 1911, geht er auf ein Thema ein, das von Künstlern dieser Zeit geliebt wird, und verwendet dabei einen Stil, der die Einflüsse der Division in der Verwendung von Farben immer noch verrät.

Stati d’animo – Quelli che vanno, Umberto Boccioni, 1911,
Stati d’animo – Quelli che restano, Umberto Boccioni, 1911,
Atelier per gli stati d’animo, Umberto Boccioni,

Nach Paris
Nachdem Boccioni 1912 während einer Reise nach Paris die Werke der Kubisten gesehen hatte, begann er über die Bedeutung der geometrischen Komposition eines Werks nachzudenken. Er fügte dem Mix den Schub und die Kraft der Bewegung hinzu und führte 1913 zu Meisterwerken wie „Elasticità“ (Elastizität) und den fragmentierten Formen von „Donna al Caffè“ (Frauen im Café) und „Costruzione Spiralica“ (Spiralkonstruktion). .

Elasticità, Umberto Boccioni, 1912,
Donna al caffe – Compenetrazione di luci e piani, Umberto Boccioni, 1912/1914,
Costruzione spiralica, Umberto Boccioni, 1913,

“Sotto il pergolato a Napoli”
Sein Gefühl kreativer Dringlichkeit führte ihn schließlich dazu, aus dieser Phase herauszuwachsen, und die Werke seiner späteren Jahre wurden durch sein Studium von Cézanne beeinflusst. In „Sotto il pergolato a Napoli“ (Unter der Pergola in Neapel, 1914) kehrt die Solidität der Formen als zentrales Element des Gemäldes zurück, wenn auch begleitet von vielen innovativen Elementen. Boccioni starb 1916 nach einem Sturz von einem Pferd. Sein vorzeitiger Tod verkürzte eine künstlerische Phase, die zweifellos zu weiteren Experimenten geführt hätte.

Museum des 20. Jahrhunderts in Mailand
Das Museo del Novecento in Mailand ist eine Dauerausstellung von Kunstwerken des 20. Jahrhunderts, die im Palazzo dell’Arengario und im angrenzenden Königspalast in Mailand untergebracht ist. Das Museum nahm die Sammlungen des früheren CIMAC (Civic Museum of Contemporary Art) auf, das sich im zweiten Stock des Königspalastes befand und 1998 geschlossen wurde.

Das Museo del Novecento befindet sich im Palazzo dell’Arengario auf der Piazza del Duomo und beherbergt eine Sammlung von über viertausend Werken, die die Entwicklung der italienischen Kunst des 20. Jahrhunderts katalysieren.

Das Museo del Novecento wurde am 6. Dezember 2010 mit dem Ziel gegründet, das Wissen über die Kunst des 20. Jahrhunderts zu verbreiten und einen umfassenderen Einblick in die Sammlungen zu bieten, die die Stadt Mailand im Laufe der Zeit geerbt hat. Neben seiner Hauptausstellungstätigkeit befasst sich das Museum mit der Erhaltung, Untersuchung und Förderung des italienischen kulturellen und künstlerischen Erbes des 20. Jahrhunderts mit dem Ziel, ein immer breiteres Publikum zu erreichen.

Abgesehen von einem einzigen Raum, in dem Werke ausländischer Künstler wie Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian und Picasso ausgestellt sind, stammen die meisten im Museum ausgestellten Werke italienischer Künstler. Ein großer Teil ist den italienischen Futuristen gewidmet, mit Werken von Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi und Ardengo Soffici. Giuseppe Pellizza da Volpedos große Leinwand Il Quarto Stato (1902) wird ebenfalls in einem eigenen Raum ausgestellt.

Andere Bereiche des Museums sind einzelnen Künstlern wie Giorgio de Chirico, Lucio Fontana und Morandi gewidmet. Es gibt auch Abschnitte, die Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts gewidmet sind, darunter Abstraktionismus, Arte Povera, Novecento Italiano, Postimpressionismus und Realismus sowie Genres wie Landschafts- und Monumentalkunst.