Sala de Umberto Boccioni, Museo del Siglo XX

En el primer piso hay obras de la colección Jucker y los futuristas. De particular interés, entre las obras del artista futurista Boccioni (1882-1916), uno de los diversos ejemplares de la famosa escultura Formas únicas de continuidad en el espacio, expuestas en la sala dedicada al artista.

La colección comienza con un homenaje a los movimientos internacionales de vanguardia, con pinturas de principios de 1900 de Pablo Picasso, Georges Braque, Paul Klee, Kandinsky y Amedeo Modigliani. La exposición continúa con el futurismo, representado por un núcleo de obras de arte único en todo el mundo, que muestra a Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Fortunato Depero, Gino Severini, Carlo Carrà y Ardengo Soffici.

Biografía
Umberto Boccioni (19 de octubre de 1882 – 17 de agosto de 1916) fue un influyente pintor y escultor italiano. Ayudó a dar forma a la estética revolucionaria del movimiento futurista como una de sus figuras principales. A pesar de su corta vida, su acercamiento al dinamismo de la forma y la deconstrucción de artistas sólidos guiados en masa mucho después de su muerte. Sus obras están en manos de muchos museos públicos de arte, y en 1988 el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York organizó una gran retrospectiva de 100 piezas.

Los padres de Umberto fueron Raffaele Boccioni y Cecilia Forlani, originarios de Morciano di Romagna (a 25 km de Rimini). El padre, que trabajó como acomodador perfecto, se vio obligado a mudarse a Italia en función de las necesidades de servicio. Umberto nació el 19 de octubre de 1882 en Reggio Calabria; Aquí asistió a las primeras clases de la escuela primaria, luego la familia se mudó a Forlì, luego a Génova y Padua. En 1897 llegó la orden de una nueva transferencia a Catania. Esta vez la familia se separó: Umberto y su padre fueron a Sicilia; La madre con su hermana mayor Amelia, nacida en Roma, permaneció en Véneto. En Catania Umberto asistió al instituto técnico hasta obtener el diploma. Colaboró ​​con algunos periódicos locales y escribió su primera novela: El pene del alma que lleva la fecha del 6 de julio de 1900.

En 1901 Umberto se mudó a Roma, donde su padre fue trasladado nuevamente. A menudo visita la casa de tía Colomba. En poco tiempo se enamora de una de sus hijas, Sandrina. Umberto tiene unos veinte años y asiste al estudio de un artista de carteles, donde aprende los primeros rudimentos de la pintura. En este período conoció a Gino Severini, con quien asistió, en Porta Pinciana, al estudio del pintor divisionista Giacomo Balla. A principios de 1903, Umberto y Severini asisten a la Escuela Libre de Desnudos, donde conocen a Mario Sironi, también alumno de Balla, con quien entablarán una amistad duradera. En ese año Umberto pintó su primera obra Campagna Romana o Meriggio.

Con la ayuda de ambos padres se las arregla para viajar al extranjero: el primer destino es París (abril-agosto de 1906), seguido de Rusia, de donde regresa en noviembre del mismo año. En París conoció a Augusta Popoff: de su relación, un hijo, Pëtr (Pietro) nació en abril de 1907. En abril de 1907, Umberto se matriculó en la Escuela Libre de Desnudos del Real Instituto de Bellas Artes de Venecia. Comienza otro viaje a Rusia pero lo interrumpe en Munich, donde visita el museo. A su regreso, dibuja, pinta activamente, sin cumplir porque siente los límites de la cultura italiana que todavía considera esencialmente “cultura provincial”. Mientras tanto, se enfrenta a sus primeras experiencias en el campo del grabado.

En el otoño de 1907 fue a Milán por primera vez, donde su madre y su hermana habían vivido durante algunos meses. Inmediatamente siente que es la ciudad más que otras en ascenso y que corresponde a sus aspiraciones dinámicas. Se hace amigo de Romolo Romani, frecuenta Previati, de lo que influye cierta influencia en su pintura que parece convertirse en simbolismo. Se convierte en miembro de la Permanente. Durante estos años formativos, visite muchos museos y galerías de arte. Tiene, por lo tanto, la posibilidad de conocer directamente obras de artistas de todas las épocas pero, especialmente, antiguas. Algunos de estos, como Miguel Ángel, siempre seguirán siendo sus modelos ideales.

A pesar de esto, también se convertirán en los principales objetivos de la controversia iniciada en el período futurista contra el arte antiguo y el pasado. En 1907 conoció a los divisionistas en Milán y con Filippo Tommaso Marinetti, junto con Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini, escribió el Manifiesto de pintores futuristas (1910), que fue seguido por el Manifiesto técnico del movimiento futurista (1912): el objetivo del artista moderno tenía que ser, según los redactores, liberarse de los modelos y tradiciones figurativas del pasado, volverse decididamente al mundo contemporáneo, dinámico, vivo y en constante evolución.

Como sujetos de la representación, por lo tanto, se propuso la ciudad, las máquinas, la caótica realidad cotidiana. En sus obras, Boccioni expresó magistralmente el movimiento de las formas y la concreción de la materia. Aunque influenciado por el cubismo, al que reprochó una estática excesiva, Boccioni evitó las líneas rectas en sus pinturas y usó colores complementarios. En pinturas como Dynamism of a cyclist (1913) o Dynamism of a football player (1911), la representación del mismo sujeto en etapas sucesivas a lo largo del tiempo sugiere efectivamente la idea de moverse en el espacio. La escultura también gobierna la intención similar de Boccioni, por lo que el artista a menudo descuidó materiales nobles como el mármol y el bronce, prefiriendo la madera, el hierro y el vidrio. Estaba interesado en ilustrar la interacción de un objeto en movimiento con el espacio circundante. Muy pocas de sus esculturas han sobrevivido.

Dentro de la Sociedad Humanitaria donde acaba de terminar la gran pintura “Il Lavoro” (hoy en el MoMA en Nueva York con el título The City Rises), en abril-mayo de 1911, con Ugo Nebbia, Carlo Dalmazzo Carrà, Alessandrina Ravizza y otros, da vida a Milán en el Primer Pabellón de Arte Libre, una exposición imponente con pautas ultramodernas, donde también se llevará a cabo el primer colectivo de pintores futuristas (en los pabellones en desuso de Giulio Ricordi).

En 1912, Boccioni inauguró un período de intensos estudios con vistas a la publicación de su texto teórico más importante, Pintura y escultura futurista (1914), y a la realización de la obra maestra Materia (1912). Consulte muchos volúmenes de temas histórico-artísticos y filosóficos de los cuales elabora una lista de títulos. En particular, profundiza su conocimiento del pensamiento del filósofo francés Henri Bergson, leyendo el libro Materia e memoria (1896). Las teorías de Bergson sobre la memoria espontánea, entendida como una intuición de la unidad fundamental de la materia, sugieren a Boccioni la idea de la interpenetración de los planos como “simultaneidad del interior con la sensación exterior + memoria +”, lo que le permite combinar recuerdos personales durante el proceso creativo (familiar, por ejemplo) a sugerencias derivadas del arte antiguo o primitivo, a la descomposición de formas cubistas. En el óleo sobre lienzo Materia, por ejemplo, Boccioni hace un retrato de su madre Cecilia Forlani, deificada como Gran Madre, integrando la descomposición cubista y el uso de colores complementarios de derivación impresionista con la frontalidad hierática del estatuario griego de la era arcaica.

De hecho, entre los libros consultados en 1912, Boccioni cita, en su lista, el tomo VIII, dedicado a la escultura arcaica, y en particular la página 689, de la obra de varios volúmenes de Georges Perrot y Charles Chipiez, Histoire de dell’arte dans l’antiquité (1882-1914) en el que los dos autores tratan la llamada ley de la frontalidad en la antigua estatuaria.

Entre las obras pictóricas más relevantes de Boccioni se encuentran Il Lavoro (La ciudad que sube) (1910), Rissa in Galleria (1910), Stati d’animo n. 1. Adiós (1911) – en el que los movimientos del alma se expresan a través de destellos de luz, espirales y líneas onduladas dispuestas en diagonal – Fuerzas de una carretera (1911), donde la ciudad, casi un organismo vivo, tiene un peso humano preponderante presencias

En 1915 Italia entra en guerra. Boccioni, intervencionista, voluntario, junto con un grupo de artistas, en el Cuerpo Nacional de Ciclistas y Motoristas Voluntarios, pero no tiene oportunidad de entrar en combate. En una carta del frente de octubre de 1915, el pintor escribió, de hecho, que la guerra “cuando uno espera pelear, es solo esto: insectos + aburrimiento = heroísmo oscuro …”.

En junio de 1916, Boccioni (que estaba esperando salir al frente en ese momento) fue invitado del marqués della Valle di Casanova en Villa San Remigio, en la orilla oriental del lago Maggiore. En el mismo período, Vittoria Colonna, mientras su esposo Leone Caetani está al frente, pasa sus días en la tranquilidad de Isolino di San Giovanni (la más pequeña de las islas Borromeas), que alquiló para el verano. Aquí ella cuida el jardín y le escribe cartas a su esposo. Después de una primera reunión con los Casanova, Boccioni y Vittoria comienzan a verse todos los días. Y, durante el mes de julio, Boccioni es dos veces invitado de Vittoria all’Isolino. La última estadía termina el 23 de julio; menos de un mes después, el 17 de agosto, morirá de una caída de un caballo; en su billetera, la última de las cartas recibidas por Vittoria.

El 17 de agosto de 1916, Boccioni murió a la edad de 33 años en el hospital militar de Verona, por las heridas sufridas tras la caída accidental de su yegua, que se enojó al ver un camión. La caída tuvo lugar el día anterior durante un ejercicio militar, en la localidad de Sorte en Chievo, una aldea de Verona, donde hoy se encuentra su placa conmemorativa, en una calle estrecha inmersa en el campo. El cuerpo de Boccioni fue enterrado en el monumental cementerio de Verona, en el antiguo calti del segundo campamento, al lado del cual la madre también quería ser enterrada. En el mármol que cierra y lleva el nombre del artista, se pueden observar los testimonios escritos que dejaron otros artistas y conocidos visitantes.

Sus trabajos

Retratos y paisajes tempranos
De 1902 a 1910, Boccioni se centró inicialmente en dibujos, luego dibujó y pintó retratos, con su madre como modelo frecuente. También pintó paisajes, a menudo incluyendo la llegada de la industrialización, los trenes y las fábricas, por ejemplo. Durante este período, él teje entre el puntillismo y el impresionismo, y la influencia de Giacomo Balla, y las técnicas de divisionismo son evidentes en las primeras pinturas (aunque más tarde en gran parte abandonadas). The Morning (1909) se destacó por “la violencia atrevida y juvenil de los tonos” y como “un ejercicio atrevido de luminosidad”. Su Three Women, de 1909–10, que retrata a su madre y hermana, y a su amante Ines en el centro, fue citada como una expresión de gran emoción: fuerza, melancolía y amor.

Desarrollo del futurismo
Boccioni trabajó durante casi un año en La città sale o The City Rises, 1910, una pintura enorme (2m por 3m), que se considera su punto de inflexión en el futurismo. “Intenté una gran síntesis de trabajo, luz y movimiento”, le escribió a un amigo. Tras su exposición en Milán en mayo de 1911, la pintura atrajo numerosas críticas, en su mayoría de admiración. En 1912 se había convertido en una pintura de titular para la exposición que viaja por Europa, la introducción al futurismo. Fue vendido al gran pianista, Ferruccio Busoni por 4.000 liras ese año, y hoy se exhibe con frecuencia en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, a la entrada del departamento de pinturas.

La risata (1911, The Laugh) es considerada la primera obra verdaderamente futurista de Boccioni. Se había separado por completo del divisionismo, y ahora se centró en las sensaciones derivadas de su observación de la vida moderna. Su recepción pública fue bastante negativa, comparada desfavorablemente con Three Women, y fue alterada por un visitante, pasando los dedos por la pintura aún fresca. Las críticas posteriores se hicieron más positivas, y algunos consideraron que la pintura era una respuesta al cubismo. Fue comprado por Albert Borchardt, un coleccionista alemán que adquirió 20 obras futuristas exhibidas en Berlín, incluida The Street Entrs the House (1911), que representa a una mujer en un balcón con vista a una calle concurrida. Hoy, el primero también es propiedad del Museo de Arte Moderno, y el segundo del Museo Sprengel en Hannover.

Boccioni pasó gran parte de 1911 trabajando en una trilogía de pinturas titulada “Stati d’animo” (“Estados de la Mente”), que según él expresó su partida y llegada a una estación de ferrocarril: Los adiós, los que van y los que se quedan. Las tres pinturas fueron compradas originalmente por Marinetti, hasta que Nelson Rockefeller las adquirió de su viuda y luego las donó al Museo de Arte Moderno de Nueva York.

A partir de 1912, con Elasticità o Elasticity, que representa la energía pura de un caballo, capturado con un intenso cromatismo, completó una serie de pinturas dinamistas: Dinamismo di un corpo umano (Cuerpo humano), ciclista (Ciclista), Foot-baller y en 1914 Dinamismo plastico: cavallo + caseggiato (dinamismo plástico: caballo + casas).

Mientras continuaba con este enfoque, revivió su interés anterior en el retrato. Comenzando con L’antigrazioso (The antigraceful) en 1912 y continuando con I selciatori (The Street Pavers) e Il bevitore (The Drinker) en 1914.

En 1914, Boccioni publicó su libro, Pittura, scultura futuriste (Pintura y escultura futurista), que causó una ruptura entre él y algunos de sus camaradas futuristas. Como resultado, tal vez, abandonó su exploración del dinamismo y, en cambio, buscó una mayor descomposición de un sujeto por medio del color. Con Volúmenes horizontales en 1915 y el Retrato de Ferruccio Busoni en 1916, completó un regreso completo a la pintura figurativa. Quizás de manera adecuada, esta última pintura fue un retrato del maestro que compró su primera obra futurista, The City Rises.

Escultura
La escritura de su Manifiesto técnico de la ciencia futurista (Manifiesto técnico de la escultura futurista), publicado el 11 de abril de 1912, fue el lanzamiento intelectual y físico de Boccioni en la escultura; había comenzado a trabajar en escultura en el año anterior.

A finales de 1913 había completado lo que se considera su obra maestra, Forme uniche della continuità nello spazio (Formas únicas de continuidad en el espacio), en cera. Su objetivo para el trabajo era representar una “continuidad sintética” del movimiento, en lugar de una “discontinuidad analítica” que vio en artistas como František Kupka y Marcel Duchamp. Durante su vida, el trabajo solo existió como un molde de yeso. Fue fundido por primera vez en bronce en 1931. Esta escultura ha sido objeto de numerosos comentarios, y en 1998 fue seleccionada como la imagen que se grabará en el reverso de la moneda italiana de 20 centavos de euro.

Poco después de la muerte de Boccioni en 1916 (y después de una exposición conmemorativa en Milán), su familia los confió por un tiempo impermanente a un colega escultor, Piero da Verona; da Verona luego solicitó que su asistente los colocara en el basurero local. La cuenta indignada de Marinetti de la destrucción de las esculturas era ligeramente diferente; En sus memorias, declaró que las esculturas fueron destruidas por los trabajadores para limpiar la habitación que el “escultor de mente estrecha y envidiosa” había colocado. Por lo tanto, gran parte de su trabajo experimental desde finales de 1912 hasta 1913 fue destruido, incluidas piezas relacionadas con pinturas contemporáneas, que solo se conocen a través de fotografías. Una de las pocas piezas sobrevivientes es el Antigrazioso (Anti-Graceful, también llamado The Mother).

En 2019, la Colección Estorick de Arte Italiano Moderno realizó una exposición que reconstruye varias de las esculturas destruidas.

La exibición
La colección del Museo del Novecento permite a los visitantes comprender completamente el viaje artístico del máximo exponente del futurismo temprano: desde pinturas todavía en una veta divisionista como “La Signora Virginia” (Sra. Virginia, 1905) hasta ejemplos conocidos y más representativos de experiencia abstracta como la escultura “Forme uniche della continuità nello spazio” (Formas únicas de continuidad en el espacio, 1913).

La signora Virginia, Umberto Boccioni, 1905
Forme uniche della continuità nello spazio, Umberto Boccioni, 1913

Umberto Boccioni y el futurismo
Umberto Boccioni, nacido en Reggio Calabria en 1882, llegó a Milán en 1908 después de vivir en Padua y Venecia y estudiar en el estudio de Giacomo Balla en Roma junto a Gino Severini y Mario Sironi. Fue en la capital de Lombardía, el centro de la modernidad y el desarrollo económico a principios del siglo XX en Italia, donde Boccioni conoció a Filippo Tommaso Marinetti en 1910. Juntos, contribuyeron a la ofensiva contra el tradicionalismo cultural al unirse al movimiento futurista: junto a Carlo Carrà , Luigi Russolo y Gino Severini, Boccioni firmaron el “Manifiesto de los pintores futuristas” y el “Manifiesto técnico de la pintura futurista” en 1910.

Stati d’animo – Gli addii, Umberto Boccioni, 1911,
En Stati d’animo, (Estados de la mente), un tríptico creado en 1911, aborda un tema querido de los artistas que trabajan en ese período, utilizando un estilo que todavía traiciona las influencias divisionistas en su uso del color.

Stati d’animo – Quelli che vanno, Umberto Boccioni, 1911,
Stati d’animo – Quelli che restano, Umberto Boccioni, 1911,
Studio per gli stati d’animo, Umberto Boccioni,

Despues de Paris
Después de ver las obras de los cubistas durante un viaje a París en 1912, Boccioni comenzó a reflexionar sobre la importancia de la composición geométrica de una obra; agregó el empuje y el poder del movimiento a la mezcla, lo que llevó a obras maestras como “Elasticità” (Elasticity) en 1913 y las formas fragmentadas de “Donna al Caffè” (Mujeres en el café) y “Costruzione Spiralica” (Construcción en espiral) .

Elasticità, Umberto Boccioni, 1912,
Donna al caffe – Compenetrazione di luci e piani, Umberto Boccioni, 1912/1914,
Costruzione spiralica, Umberto Boccioni, 1913,

“Sotto il pergolato a Napoli”
Su sentido de urgencia creativa eventualmente lo llevó a superar esta fase, y las obras de sus últimos años fueron influenciadas por su estudio de Cézanne. En “Sotto il pergolato a Napoli” (Bajo la pérgola en Nápoles, 1914), la solidez de las formas vuelve como un elemento central de la pintura, aunque acompañada de muchos elementos innovadores. Boccioni murió en 1916 después de caerse de un caballo. Su muerte prematura redujo una fase artística que indudablemente habría llevado a una mayor experimentación.

Museo del siglo XX en Milán.
El Museo del Novecento de Milán es una exposición permanente de obras de arte del siglo XX alojadas en el Palazzo dell’Arengario y el adyacente Palacio Real de Milán. El museo absorbió las colecciones del anterior Museo Cívico de Arte Contemporáneo (CIMAC) que se encuentra en el segundo piso del Palacio Real y que se cerró en 1998.

El Museo del Novecento, ubicado dentro del Palazzo dell’Arengario en la Piazza del Duomo, alberga una colección de más de cuatro mil obras que catalizan el desarrollo del arte italiano del siglo XX.

El Museo del Novecento se estableció el 6 de diciembre de 2010 con el objetivo de difundir el conocimiento del arte del siglo XX y ofrecer una visión más completa de las colecciones que la ciudad de Milán ha heredado con el tiempo. Además de su actividad principal de exhibición, el Museo está activo en la conservación, investigación y promoción del patrimonio cultural y artístico italiano del siglo XX con el objetivo final de llegar a un público cada vez más amplio.

Además de una habitación individual que alberga obras de artistas extranjeros como Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian y Picasso, la mayoría de las obras exhibidas en el museo son de artistas italianos. Una sección importante está dedicada a los futuristas italianos, con obras de Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi y Ardengo Soffici. El gran lienzo de Giuseppe Pellizza da Volpedo, Il Quarto Stato (1902), también se exhibe en una habitación propia.

Otras secciones del museo están dedicadas a artistas individuales como Giorgio de Chirico, Lucio Fontana y Morandi. También hay secciones dedicadas a los movimientos artísticos del siglo XX, que incluyen el abstraccionismo, el arte povera, el novecento italiano, el postimpresionismo y el realismo, y géneros como el paisaje y el arte monumental.