Sala de Umberto Boccioni, Museu do Século XX

No primeiro andar, há obras da coleção Jucker e dos futuristas. De particular interesse, entre as obras do artista futurista Boccioni (1882-1916), um dos vários exemplares da famosa escultura Formas únicas de continuidade no espaço, exibidas na sala dedicada ao artista.

A coleção começa com uma homenagem aos movimentos de vanguarda internacionais, com pinturas do início dos anos 1900 de Pablo Picasso, Georges Braque, Paul Klee, Kandinsky e Amedeo Modigliani. A exposição continua com o futurismo, representado por um núcleo de obras de arte únicas em todo o mundo, exibindo Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Fortunato Depero, Gino Severini, Carlo Carrà e Ardengo Soffici.

Biografia
Umberto Boccioni (19 de outubro de 1882 – 17 de agosto de 1916) foi um influente pintor e escultor italiano. Ele ajudou a moldar a estética revolucionária do movimento futurista como uma de suas principais figuras. Apesar de sua curta vida, sua abordagem ao dinamismo da forma e à desconstrução de massa sólida guiava os artistas muito tempo depois de sua morte. Suas obras são realizadas por muitos museus de arte pública e, em 1988, o Metropolitan Museum of Art, em Nova York, organizou uma grande retrospectiva de 100 peças.

Os pais de Umberto eram Raffaele Boccioni e Cecilia Forlani, originalmente de Morciano di Romagna (25 km de Rimini). O pai, que trabalhava como prefeito, foi forçado a se mudar para a Itália com base nas necessidades de serviço. Umberto nasceu em 19 de outubro de 1882 em Reggio Calabria; aqui ele frequentou as primeiras turmas do ensino fundamental, posteriormente a família mudou-se para Forlì, depois para Gênova e Pádua. Em 1897, chegou a ordem para uma nova transferência para Catania. Desta vez, a família se separou: Umberto e seu pai foram para a Sicília; a mãe com sua irmã mais velha Amelia, nascida em Roma, permaneceu em Veneto. Em Catania, Umberto frequentou o instituto técnico até a obtenção do diploma. Ele colaborou com alguns jornais locais e escreveu seu primeiro romance: Pênis da alma, que data de 6 de julho de 1900.

Em 1901, Umberto mudou-se para Roma, onde seu pai foi transferido novamente. Ele costuma visitar a casa de tia Colomba. Em pouco tempo, ele se apaixona por uma de suas filhas, Sandrina. Umberto tem cerca de vinte anos e estuda um pôster, onde aprende os primeiros rudimentos da pintura. Nesse período, ele conheceu Gino Severini, com quem participou, em Porta Pinciana, do estúdio do pintor separacionista Giacomo Balla. No início de 1903, Umberto e Severini frequentam a Escola Livre de Nudez, onde conhecem Mario Sironi, também aluno de Balla, com quem farão uma amizade duradoura. Nesse ano, Umberto pintou seu primeiro trabalho, Campagna Romana ou Meriggio.

Com a ajuda de ambos os pais, ele consegue viajar para o exterior: o primeiro destino é Paris (abril-agosto de 1906), seguido pela Rússia, da qual ele volta em novembro do mesmo ano. Em Paris, ele conheceu Augusta Popoff: do seu relacionamento, um filho, Pëtr (Pietro) nasceu em abril de 1907. Em abril de 1907, Umberto se matriculou na Escola Livre de Nudez do Instituto Real de Belas Artes de Veneza. Ele começa outra jornada para a Rússia, mas o interrompe em Munique, onde visita o museu. Em seu retorno, ele desenha, pinta ativamente, mantendo-se insatisfeito porque sente os limites da cultura italiana que ainda considera essencialmente “cultura provinciana”. Enquanto isso, ele enfrenta suas primeiras experiências no campo da gravura.

No outono de 1907, ele foi para Milão pela primeira vez, onde sua mãe e irmã viveram por alguns meses. Ele imediatamente sente que é a cidade mais do que outras em ascensão e que corresponde às suas aspirações dinâmicas. Torna-se amigo de Romolo Romani, freqüenta Previati, do qual influencia alguma influência em sua pintura que parece se transformar em simbolismo. Ele se torna um membro da Permanente. Durante esses anos de formação, visite muitos museus e galerias de arte. Tem, portanto, a possibilidade de conhecer diretamente obras de artistas de todas as idades, mas, principalmente, antigas. Alguns deles, como Michelangelo, sempre serão seus modelos ideais.

Apesar disso, eles também serão os principais alvos da controvérsia lançada no período futurista contra a arte antiga e contra o passado. Em 1907, ele conheceu os divisionistas em Milão e com Filippo Tommaso Marinetti, junto com Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla e Gino Severini, escreveu o Manifesto de Pintores Futuristas (1910), seguido pelo Manifesto Técnico do Movimento Futurista. (1912): o objetivo do artista moderno tinha que ser, segundo os desenhistas, libertar-se dos modelos e tradições figurativas do passado, voltar resolutamente ao mundo contemporâneo, dinâmico, animado e em constante evolução.

Como sujeitos da representação, portanto, foram propostas a cidade, as máquinas, a realidade cotidiana caótica. Em suas obras, Boccioni expressou com maestria o movimento das formas e a concretude da matéria. Embora influenciado pelo cubismo, ao qual ele reprovou a estática excessiva, Boccioni evitou linhas retas em suas pinturas e usou cores complementares. Em pinturas como Dinamismo de um ciclista (1913) ou Dinamismo de um jogador de futebol (1911), a representação do mesmo sujeito em etapas sucessivas ao longo do tempo sugere efetivamente a idéia de se mover no espaço. A escultura também governa intenções semelhantes de Boccioni, para as quais o artista frequentemente negligenciava materiais nobres como mármore e bronze, preferindo madeira, ferro e vidro. Ele estava interessado em ilustrar a interação de um objeto em movimento com o espaço circundante. Muito poucas de suas esculturas sobreviveram.

Dentro da Humanitarian Society, ele acaba de terminar a grande pintura “Il Lavoro” (hoje no MoMA em Nova York com o título The City Rises), de abril a maio de 1911, com Ugo Nebbia, Carlo Dalmazzo Carrà, Alessandrina Ravizza e outros, dá vida a Milão no Primeiro Pavilhão da Arte Livre, uma imponente exposição com diretrizes ultramodernas, onde também será realizado o primeiro coletivo de pintores futuristas (nos pavilhões Giulio Ricordi).

Em 1912, Boccioni inaugurou um período de intensos estudos, tendo em vista a publicação de seu texto teórico mais importante, Pintura e escultura futurista (1914), e tendo em vista a realização da obra-prima Materia (1912). Consulte muitos volumes de assuntos histórico-artísticos e filosóficos dos quais ele elabora uma lista de títulos. Em particular, ele aprofunda seu conhecimento do pensamento do filósofo francês Henri Bergson, lendo o livro Materia e memoria (1896). As teorias de Bergson sobre memória espontânea, entendidas como uma intuição da unidade fundamental da matéria, sugerem a Boccioni a idéia da interpenetração dos planos como “simultaneidade do interior com o exterior + memória + sensação”, permitindo combinar memórias pessoais durante o processo criativo (familiar, por exemplo) a sugestões derivadas da arte antiga ou primitiva, à decomposição de formas cubistas. No óleo sobre tela Materia, por exemplo, Boccioni faz um retrato de sua mãe Cecilia Forlani, divinizada como Grande Mãe, integrando a decomposição cubista e o uso de cores complementares de derivação impressionista com a frontalidade hierática da estátua grega da era arcaica.

Entre os livros consultados em 1912, de fato, Boccioni cita, em sua lista, o tomo VIII, dedicado à escultura arcaica, e em particular a página 689, da obra em vários volumes de Georges Perrot e Charles Chipiez, Histoire de dell’arte dans l’antiquité (1882-1914), em que os dois autores tratam da chamada lei da frontalidade na antiga estatuária.

Entre as obras pictóricas mais relevantes de Boccioni estão Il Lavoro (A cidade que sobe) (1910), Rissa na Galleria (1910), Stati d’animo n. 1. Adeus (1911) – em que os movimentos da alma são expressos através de flashes de luz, espirais e linhas onduladas dispostas na diagonal – Forças de uma estrada (1911), onde a cidade, quase um organismo vivo, tem um peso humano preponderante presenças.

Em 1915, a Itália entra em guerra. Boccioni, intervencionista, voluntária, juntamente com um grupo de artistas, do Corpo Nacional de Ciclistas e Motoristas Voluntários, mas não tem oportunidade de entrar em combate. Em uma carta da frente de outubro de 1915, o pintor escreveu, de fato, que a guerra “quando se espera lutar é apenas isso: insetos + tédio = heroísmo sombrio …”.

Em junho de 1916, Boccioni (que esperava sair para a frente na época) era hóspede do marquês Della Valle di Casanova em Villa San Remigio, na margem oriental do lago Maggiore. No mesmo período, Vittoria Colonna, enquanto seu marido Leone Caetani está na frente, passa seus dias na tranquilidade do Isolino di San Giovanni (a menor das Ilhas Borromeu), que ele alugou para o verão. Aqui ela cuida do jardim e escreve cartas para o marido. Após um primeiro encontro com os Casanova, Boccioni e Vittoria começam a se ver todos os dias. E, durante o mês de julho, Boccioni é duas vezes hóspede do Vittoria all’Isolino. A última estadia termina em 23 de julho; menos de um mês depois, em 17 de agosto, ele morrerá de uma queda de um cavalo; na carteira, a última das cartas recebidas por Vittoria.

Em 17 de agosto de 1916, Boccioni morreu aos 33 anos de idade no hospital militar de Verona, devido aos ferimentos sofridos após a queda acidental de sua égua, que ficou furiosa ao ver um caminhão. A queda ocorreu no dia anterior, durante um exercício militar, na localidade de Sorte, em Chievo, uma aldeia de Verona, onde hoje está localizada sua placa comemorativa, em uma rua estreita imersa no campo. O corpo de Boccioni foi enterrado no monumental cemitério de Verona, na antiga calti do segundo acampamento, ao lado do qual a mãe também queria ser enterrada. No mármore que fecha e leva o nome do artista, pode-se observar os testemunhos escritos deixados por outros artistas visitantes e conhecidos.

Suas obras

Retratos e paisagens antigos
De 1902 a 1910, Boccioni se concentrou inicialmente em desenhos, depois esboçou e pintou retratos – com sua mãe como modelo frequente. Ele também pintou paisagens – geralmente incluindo a chegada de industrialização, trens e fábricas, por exemplo. Durante esse período, ele tece entre o pontilhismo e o impressionismo, e a influência de Giacomo Balla e as técnicas de divisionismo são evidentes nas primeiras pinturas (embora mais tarde abandonadas em grande parte). The Morning (1909) foi destacado pela “ousada e jovem violência dos tons” e como “um ousado exercício de luminosidade”. Suas Três Mulheres de 1909–1010, que retratam sua mãe e irmã, e a antiga amante Inês no centro, foram citadas como expressando grande emoção – força, melancolia e amor.

Desenvolvimento do Futurismo
Boccioni trabalhou por quase um ano na La città sale ou The City Rises, 1910, uma enorme pintura (2m por 3m), considerada seu ponto de virada no futurismo. “Tentei uma grande síntese de trabalho, luz e movimento”, escreveu a um amigo. Após sua exposição em Milão, em maio de 1911, a pintura atraiu inúmeras críticas, principalmente admiradas. Em 1912, tornou-se uma manchete para a exposição que viaja pela Europa, a introdução ao futurismo. Foi vendida ao grande pianista Ferruccio Busoni por 4.000 liras naquele ano e hoje é frequentemente exibida de forma destacada no Museu de Arte Moderna de Nova York, na entrada do departamento de pinturas.

La risata (1911, The Laugh) é considerado o primeiro trabalho verdadeiramente futurista de Boccioni. Ele havia se separado completamente do divisionismo e agora se concentrava nas sensações derivadas de sua observação da vida moderna. Sua recepção pública foi bastante negativa, comparada desfavoravelmente com Três Mulheres, e foi desfigurada por um visitante, passando os dedos pela tinta ainda fresca. As críticas subsequentes se tornaram mais positivas, com alguns considerando a pintura uma resposta ao cubismo. Foi comprado por Albert Borchardt, um colecionador alemão que adquiriu 20 obras futuristas expostas em Berlim, incluindo The Street Entra na Casa (1911), que mostra uma mulher em uma varanda com vista para uma rua movimentada. Hoje, o primeiro também pertence ao Museu de Arte Moderna e o segundo ao Museu Sprengel, em Hannover.

Boccioni passou grande parte de 1911 trabalhando em uma trilogia de pinturas intitulada “Stati d’animo” (“Estados da mente”), que, segundo ele, expressava partida e chegada a uma estação ferroviária – As despedidas, quem vai e quem fica. Todas as três pinturas foram compradas originalmente por Marinetti, até que Nelson Rockefeller as adquiriu de sua viúva e depois as doou ao Museu de Arte Moderna de Nova York.

A partir de 1912, com Elasticità ou Elasticity, retratando a pura energia de um cavalo, capturada com intenso cromático, ele completou uma série de pinturas dinamistas: Dinamismo di un corpo umano (Corpo humano), ciclista (ciclista), Foot-baller e em 1914 Dinamismo plastico: cavallo + caseggiato (Dinamismo plástico: Cavalo + Casas).

Enquanto continuava esse foco, ele reviveu seu interesse anterior em retratos. Começando com L’antigrazioso (O antigracioso) em 1912 e continuando com I selciatori (The Street Pavers) e Il bevitore (The Drinker), ambos em 1914.

Em 1914, Boccioni publicou seu livro, Pittura, scultura futuriste (Pintura e Escultura Futurista), que causou uma brecha entre ele e alguns de seus camaradas futuristas. Como resultado, talvez, ele abandonou sua exploração do dinamismo e, em vez disso, buscou uma decomposição adicional de um assunto por meio da cor. Com volumes horizontais em 1915 e o retrato de Ferruccio Busoni em 1916, ele completou um retorno completo à pintura figurativa. Talvez oportunamente, essa última pintura foi um retrato do maestro que comprou seu primeiro trabalho futurista, The City Rises.

Escultura
A escrita de seu Manifesto técnico della scultura futurista, publicado em 11 de abril de 1912, foi o lançamento intelectual e físico de Boccioni na escultura; ele começou a trabalhar em escultura no ano anterior.

No final de 1913, ele completara o que é considerado sua obra-prima, Forme uniche della continuità nello spazio (Formas únicas de continuidade no espaço), em cera. Seu objetivo para o trabalho era representar uma “continuidade sintética” do movimento, em vez de uma “descontinuidade analítica” que ele viu em artistas como František Kupka e Marcel Duchamp. Durante sua vida, o trabalho só existiu como gesso. Foi fundida em bronze em 1931. Essa escultura foi objeto de extensos comentários e, em 1998, foi selecionada como a imagem a ser gravada no verso da moeda italiana de 20 centavos de euro.

Logo após a morte de Boccioni, em 1916 (e após uma exibição memorável em Milão), sua família confiou-os por um tempo impermanente a um colega escultor, Piero da Verona; da Verona solicitou então que seu assistente os colocasse no lixão local. O relato indignado de Marinetti sobre a destruição das esculturas foi um pouco diferente; em suas memórias, ele afirmou que as esculturas foram destruídas por operários para limpar a sala que o “escultor invejoso passèist de mente estreita” as havia colocado. Assim, grande parte de seu trabalho experimental do final de 1912 a 1913 foi destruído, incluindo peças relacionadas a pinturas contemporâneas, conhecidas apenas através de fotografias. Uma das poucas peças sobreviventes é o Antigrazioso (Anti-Gracioso, também chamado de Mãe).

Em 2019, a Coleção Estorick de arte moderna italiana realizou uma exposição reconstruindo várias das esculturas destruídas.

A exibição
A coleção do Museo del Novecento permite que os visitantes compreendam completamente a jornada artística do maior expoente do futuro futurismo: de pinturas ainda em estilo de divisão, como “La Signora Virginia” (Sra. Virginia, 1905), a exemplos bem conhecidos e mais representativos do experiência abstrata como a escultura “Forme uniche della continuità nello spazio” (Formas únicas de continuidade no espaço, 1913).

La signora Virginia, Umberto Boccioni, 1905
Formado um dos continuos no espaço, Umberto Boccioni, 1913

Umberto Boccioni e o futurismo
Umberto Boccioni, nascido em Reggio Calabria em 1882, chegou a Milão em 1908, depois de morar em Pádua e Veneza e estudar no estúdio de Giacomo Balla em Roma, ao lado de Gino Severini e Mario Sironi. Foi na capital da Lombardia, centro da modernidade e desenvolvimento econômico da Itália do início do século XX, que Boccioni conheceu Filippo Tommaso Marinetti em 1910. Juntos, eles contribuíram para a ofensiva contra o tradicionalismo cultural ao se unir ao movimento futurista: ao lado de Carlo Carrà , Luigi Russolo e Gino Severini, Boccioni assinaram o “Manifesto dos Pintores Futuristas” e o “Manifesto Técnico da Pintura Futurista” em 1910.

Stati d’animo – Gli addii, Umberto Boccioni, 1911,
Em Stati d’animo, (States of Mind), um tríptico criado em 1911, ele aborda um tópico amado por artistas que trabalham naquele período, usando um estilo que ainda trai influências divisionistas no uso da cor.

Stati d’animo – Quelli che vanno, Umberto Boccioni, 1911,
Stati d’animo – Quelli che restano, Umberto Boccioni, 1911,
Studio for gli stati d’animo, Umberto Boccioni,

Depois de Paris
Depois de ver as obras dos cubistas durante uma viagem a Paris em 1912, Boccioni começou a refletir sobre a importância da composição geométrica de uma obra; ele adicionou o impulso e o poder do movimento à mistura, levando a obras-primas como “Elasticità” (Elasticity) em 1913 e as formas fragmentadas de “Donna al Caffè” (Mulheres no café) e “Costruzione Spiralica” (Spiral Construction) .

Elasticità, Umberto Boccioni, 1912,
Donna al cafe – Compensação de lucro e piani, Umberto Boccioni, 1912/1914,
Costruzione spiralica, Umberto Boccioni, 1913,

“Sotto il pergolato to Napoli”
Seu senso de urgência criativa acabou por levá-lo a superar essa fase, e os trabalhos de seus últimos anos foram influenciados por seu estudo de Cézanne. Em “Sotto il pergolato a Napoli” (sob a pérgola de Nápoles, 1914), a solidez das formas retorna como elemento central da pintura, embora acompanhado por muitos elementos inovadores. Boccioni morreu em 1916 depois de cair de um cavalo. Sua morte prematura reduziu uma fase artística que, sem dúvida, levaria a novas experiências.

Museu do século XX em Milão
O Museo del Novecento em Milão é uma exposição permanente de obras de arte do século XX, abrigadas no Palazzo dell’Arengario e no Palácio Real adjacente em Milão. O museu absorveu as coleções do antigo Museu Cívico de Arte Contemporânea (CIMAC), localizado no segundo andar do Palácio Real e fechado em 1998.

O Museo del Novecento, localizado dentro do Palazzo dell’Arengario, na Piazza del Duomo, abriga uma coleção de mais de quatro mil obras que catalisam o desenvolvimento da arte italiana do século XX.

O Museo del Novecento foi criado em 6 de dezembro de 2010 com o objetivo de difundir o conhecimento da arte do século XX e oferecer uma visão mais abrangente das coleções que a cidade de Milão herdou ao longo do tempo. Além de sua principal atividade de exibição, o Museu atua na conservação, investigação e promoção do patrimônio cultural e artístico italiano do século XX, com o objetivo final de atingir um público cada vez maior.

Além de um quarto individual com obras de artistas estrangeiros, incluindo Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian e Picasso, a maioria das obras exibidas no museu são de artistas italianos. Uma seção importante é dedicada aos futuristas italianos, com obras de Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi e Ardengo Soffici. A grande tela de Giuseppe Pellizza da Volpedo, Il Quarto Stato (1902), também é exibida em uma sala por conta própria.

Outras seções do museu são dedicadas a artistas individuais, como Giorgio de Chirico, Lucio Fontana e Morandi. Há também seções dedicadas a movimentos artísticos do século XX, incluindo Abstracionismo, Arte Povera, Novecento Italiano, Pós-Impressionismo e Realismo, e gêneros como paisagem e arte monumental.