Psychedelische Kunst

Psychedelische Kunst ist jede Kunst oder visuelle Darstellung, die von psychedelischen Erfahrungen und Halluzinationen inspiriert ist, von denen bekannt ist, dass sie auf die Einnahme psychoaktiver Medikamente wie LSD und Psilocybin folgen. Das Wort “psychedelisch” (geprägt vom britischen Psychologen Humphry Osmond) bedeutet “Geist manifestieren”. Nach dieser Definition können alle künstlerischen Bemühungen, die innere Welt der Psyche darzustellen, als “psychedelisch” angesehen werden. Im Volksmund bezieht sich “psychedelische Kunst” vor allem auf die Kunstbewegung der Gegenkultur der späten 1960er Jahre. Psychedelische bildende Kunst war ein Gegenstück zur psychedelischen Rockmusik. Konzertplakate, Albumcover, Liquid Light Shows, Liquid Light Art, Wandgemälde, Comics, Untergrundzeitungen und mehr reflektierten nicht nur die kaleidoskopisch wirbelnden Farbmuster von LSD-Halluzinationen, sondern auch revolutionäre politische, soziale und spirituelle Gefühle, die von diesen Erkenntnissen inspiriert wurden psychedelische Bewusstseinszustände.

Psychedelische Kunst wurde in der Literatur, Musik und der bildenden Kunst gegeben.

Alle künstlerischen Bemühungen, die innere Welt der Psyche zu projizieren, können als “psychedelisch” bezeichnet werden. Aber sowohl im gewöhnlichen Gebrauch als auch in der Fachbibliographie beziehen sich die Ausdrücke “psychedelische Kunst” oder “lysergisch” konkret auf die künstlerische Bewegung der Gegenkultur der sechziger Jahre des 20. Jahrhunderts. Später kam es im letzten Jahrzehnt des Jahrhunderts zu einer Wiederbelebung des Drogenkonsums für künstlerische Zwecke durch die Rave-Bewegung, unterstützt durch neue Computertechnologien.

Die psychedelischen bildenden Künste waren parallel und bis zu einem gewissen Grad der psychedelischen Musik untergeordnet, insbesondere der Popmusik, die sozial am weitesten verbreitet war. Konzertplakate, Albumcover, Lichtshows, Wandbilder, Comics, Fanzines (Untergrundzeitungen) und ähnliche Medien wurden verwendet, um die kaleidoskopischen Muster lysergischer Halluzinationen widerzuspiegeln, die alle wichtigen Interpretationen sozialer, politischer und revolutionärer Spirituals erhielten, die von den Veränderten inspiriert waren Bewusstseinszustände.

Das Kino experimentierte auch mit den von Psychedelia verbreiteten Bildern, selbst in weit verbreiteten Produktionen wie 2001, einer Odyssee im Weltraum (1968), wo es eine Szene von mehreren Minuten gibt, in der nur farbiges Licht radial projiziert wird; oder die kuriosen Titel des Anfangs der James Bond-Filme.

Eigenschaften
Fantastisches, metaphysisches und surrealistisches Thema
Kaleidoskopische, fraktale oder Paisley-Muster
Helle und / oder kontrastreiche Farben
Extreme Detailtiefe oder Stilisierung von Details. Auch so genannter Horror Vacui Style.
Morphen von Objekten oder Themen und manchmal Collagen
Phosphene, Spiralen, konzentrische Kreise, Beugungsmuster und andere entoptische Motive
Wiederholung von Motiven
Innovative Typografie und Handschrift, einschließlich Verzerrung und Transposition von positiven und negativen Räumen

Ursprünge
Psychedelische Kunst wird durch die Vorstellung geprägt, dass durch psychedelische Drogen verursachte Bewusstseinsveränderungen eine Quelle künstlerischer Inspiration sind. Die psychedelische Kunstbewegung ist der surrealistischen insofern ähnlich, als sie einen Mechanismus zur Erlangung von Inspiration vorschreibt. Während der Mechanismus des Surrealismus die Einhaltung von Träumen ist, wendet sich ein psychedelischer Künstler drogenbedingten Halluzinationen zu. Beide Bewegungen sind eng mit wichtigen wissenschaftlichen Entwicklungen verbunden. Während der Surrealist von Freuds Theorie des Unbewussten fasziniert war, wurde der psychedelische Künstler durch Albert Hofmanns Entdeckung von LSD buchstäblich “angemacht”.

Die frühen Beispiele für “psychedelische Kunst” sind eher literarisch als visuell, obwohl es in der surrealistischen Kunstbewegung einige Beispiele gibt, wie Remedios Varo und André Masson. Es sei auch darauf hingewiesen, dass diese von Schriftstellern stammten, die an der surrealistischen Bewegung beteiligt waren. Antonin Artaud schreibt über seine Peyote-Erfahrung auf der Reise ins Land der Tarahumara (1937). Henri Michaux schrieb Misérable Miracle (1956), um seine Experimente mit Meskalin und auch Haschisch zu beschreiben.

Aldous Huxleys The Doors of Perception (1954) und Heaven and Hell (1956) bleiben endgültige Aussagen zur psychedelischen Erfahrung.

Albert Hofmann und seine Kollegen von Sandoz Laboratories waren sofort nach seiner Entdeckung im Jahr 1943 von der Kraft und dem Versprechen von LSD überzeugt. Zwei Jahrzehnte nach seiner Entdeckung wurde LSD von Sandoz als wichtiges Medikament für die psychologische und neurologische Forschung vermarktet. Hofmann erkannte auch das Potenzial der Droge für Dichter und Künstler und zeigte großes Interesse an den psychedelischen Experimenten des deutschen Schriftstellers Ernst Jünger.

Frühe künstlerische Experimente mit LSD wurden im klinischen Kontext vom in Los Angeles ansässigen Psychiater Oscar Janiger durchgeführt. Janiger bat eine Gruppe von 50 verschiedenen Künstlern, ein Gemälde aus dem Leben eines Themas nach Wahl des Künstlers anzufertigen. Anschließend wurden sie gebeten, dasselbe Bild zu malen, während sie unter dem Einfluss von LSD standen. Die beiden Bilder wurden von Janiger und auch dem Künstler verglichen. Die Künstler gaben fast einstimmig an, dass LSD eine Verbesserung ihrer Kreativität darstellt.

Letztendlich scheint es, dass Psychedelika von der amerikanischen Gegenkultur am wärmsten angenommen würden. Die Beatnik-Dichter Allen Ginsberg und William S. Burroughs waren bereits in den 1950er-Jahren von Psychedelika fasziniert, wie die Yage Letters (1963) belegen. Die Beatniks erkannten die Rolle der Psychedelika als heilige Rauschgifte in den religiösen Ritualen der amerikanischen Ureinwohner an und verstanden die Philosophie der surrealistischen und symbolistischen Dichter, die eine “völlige Desorientierung der Sinne” forderten (um Arthur Rimbaud zu paraphrasieren). Sie wussten, dass veränderte Bewusstseinszustände eine Rolle in der östlichen Mystik spielten. Für Psychedelika als Psychiatrie waren sie angesagt. LSD war der perfekte Katalysator, um den eklektischen Ideenmix der Beats zu einem kathartischen, massenverteilten Allheilmittel für die Seele der nachfolgenden Generation zu elektrisieren.

In den 1960er Jahren Gegenkultur
Zu den führenden Vertretern der psychedelischen Kunstbewegung der 1960er Jahre gehörten Plakatkünstler aus San Francisco wie Rick Griffin, Victor Moscoso, Bonnie MacLean, Stanley Mouse und Alton Kelley sowie Wes Wilson. Ihre psychedelischen Rockkonzertplakate wurden von Art Nouveau, Victoriana, Dada und Pop Art inspiriert. Die “Fillmore Posters” gehörten zu den bemerkenswertesten der Zeit. Reich gesättigte Farben in grellem Kontrast, kunstvoll verzierte Schriftzüge, stark symmetrische Kompositionen, Collagenelemente, gummiartige Verzerrungen und bizarre Ikonografie sind Kennzeichen des psychedelischen Plakatkunststils von San Francisco. Der Stil blühte von ungefähr 1966 bis 1972. Ihre Arbeit war unmittelbar einflussreich für die Cover-Art von Schallplattenalben, und tatsächlich schufen alle oben genannten Künstler auch Album-Cover.

Obwohl San Francisco bis in die frühen 1970er Jahre das Zentrum der psychedelischen Kunst blieb, entwickelte sich der Stil auch international: Die britische Künstlerin Bridget Riley wurde berühmt für ihre Op-Art-Gemälde mit psychedelischen Mustern, die optische Täuschungen erzeugen. Mati Klarwein schuf psychedelische Meisterwerke für Miles Davis ‘Jazz-Rock-Fusion-Alben und auch für Carlos Santana Latin Rock. Pink Floyd arbeitete intensiv mit den Londoner Designern Hipgnosis zusammen, um Grafiken zu erstellen, die die Konzepte in ihren Alben unterstützen. Willem de Ridder gestaltete Cover für Van Morrison. Künstler aus der Gegend von Los Angeles wie John Van Hamersveld, Warren Dayton und Art Bevacqua sowie die New Yorker Künstler Peter Max und Milton Glaser produzierten Plakate für Konzerte oder soziale Kommentare (wie die Antikriegsbewegung), die in dieser Zeit stark gesammelt wurden. Das Cover und der Leitartikel des Life Magazine für die Ausgabe vom 1. September 1967 auf dem Höhepunkt des Summer of Love konzentrierten sich auf die Explosion psychedelischer Kunst auf Postern und auf die Künstler als Anführer der Hippie-Gegenkultur-Community.

Psychedelische Lichtshows waren eine neue Kunstform, die für Rockkonzerte entwickelt wurde. Mit Öl und Farbstoff in einer Emulsion, die zwischen großen konvexen Linsen auf Overhead-Projektoren angebracht war, schufen die Lichtshow-Künstler sprudelnde flüssige Bilder, die im Rhythmus der Musik pulsierten. Dies wurde mit Diashows und Filmschleifen gemischt, um eine improvisierte Filmkunst zu schaffen, die den improvisierten Staus der Rockbands eine visuelle Repräsentation verleiht und dem Publikum eine völlig “trippige” Atmosphäre verleiht. Die Bruderschaft des Lichts war für viele der Lichtshows in psychedelischen Rockkonzerten in San Francisco verantwortlich.

Aus der psychedelischen Gegenkultur entstand auch ein neues Genre der Comics: Underground-Comix. “Zap Comix” gehörte zu den originalen Underground-Comics und zeigte unter anderem Werke von Robert Crumb, S. Clay Wilson, Victor Moscoso, Rick Griffin und Robert Williams. Underground Comix waren geradlinig, äußerst satirisch und schienen der Verrücktheit zuliebe nach Verrücktheit zu streben. Gilbert Shelton schuf mit “The Fabulous Furry Freak Brothers” die vielleicht nachhaltigsten Untergrund-Zeichentrickfiguren, deren unter Drogen gesetzte Heldentaten den Hippie-Lebensstil der 1960er-Jahre amüsant widerspiegeln.

Psychedelische Kunst wurde auch auf das LSD selbst angewendet. In den frühen 1970er Jahren begann man, LSD auf Löschpapier aufzubringen, was zu einer speziellen Kunstform der Dekoration des Löschpapiers führte. Häufig war das Löschpapier auf jedem perforierten quadratischen Streifen mit winzigen Abzeichen verziert, doch in den neunziger Jahren waren vier Farbmuster entstanden, die häufig eine ganze Seite mit 900 oder mehr Streifen umfassten. Mark McCloud ist eine anerkannte Autorität in der Geschichte der LSD-Blotter-Kunst.

In der Unternehmenswerbung
In den späten 1960er Jahren war das kommerzielle Potenzial der psychedelischen Kunst schwer zu ignorieren. General Electric beispielsweise bewarb Uhren mit Entwürfen des New Yorker Künstlers Peter Max. Eine Bildunterschrift erklärt, dass jede von Max ‘Uhren “die Zeit in Multi-Fantasy-Farben umwandelt”. In dieser und vielen anderen Unternehmensanzeigen der späten 1960er Jahre mit psychedelischen Themen wurde das psychedelische Produkt oft auf Distanz zum Unternehmensimage gehalten: Während die Werbung möglicherweise die Strudel und Farben einer LSD-Reise widerspiegelte, war die Schwarz-Weiß-Firma Das Logo hielt einen gesunden visuellen Abstand. Einige Firmen haben sich jedoch expliziter mit Psychedelika in Verbindung gebracht: CBS, Neiman Marcus und NBC zeigten zwischen 1968 und 1969 gründlich psychedelische Werbung. 1968 führte Campbells Suppe eine Plakatwerbung durch, die versprach: “Mach deine Wand zu einem Souper-Delikat!”

In den frühen 1970er Jahren setzten Werbekunden psychedelische Kunst ein, um eine unbegrenzte Anzahl von Konsumgütern zu verkaufen. Haarpflegeprodukte, Autos, Zigaretten und sogar Strumpfhosen wurden zu farbenfrohen Akten des Pseudoaufstands. Die Chelsea National Bank beauftragte Peter Max mit einer psychedelischen Landschaft, und neongrüne, rosa und blaue Affen bewohnten Werbung für einen Zoo. Ein Fantasieland mit bunten, wirbelnden, psychedelischen Blasen bildete die perfekte Kulisse für eine Clearasil-Werbung. Brian Wells erklärt: “Die psychedelische Bewegung hat durch die Arbeit von Künstlern, Designern und Schriftstellern einen erstaunlichen Grad an kultureller Verbreitung erreicht … aber obwohl eine große Verbreitung stattgefunden hat, hat dies auch eine große Verbreitung stattgefunden der Verdünnung und Verzerrung. ” Sogar der Begriff “psychedelisch” selbst erfuhr eine semantische Verschiebung und bedeutete bald “alles in der Jugendkultur, was bunt, ungewöhnlich oder modisch ist”. Wortspiele mit dem Begriff “Stolpern” gab es zuhauf: Wie eine Werbung für Londoner Briten erklärte, war ihr Produkt “großartig auf Reisen!” Bis Mitte der 1970er Jahre war die psychedelische Kunstbewegung weitgehend von den kommerziellen Hauptstreitkräften kooptiert worden, die in das System des Kapitalismus eingebunden waren, mit dem die Hippies so hart zu kämpfen hatten, um es zu ändern.

Psychedelische Lichtshows
Im Kontext der Rockmusik entwickelte sich ab Mitte der 1960er Jahre die Lichtshow als neueste Form der psychedelischen Kunst. Pink Floyd waren die Ersten, die bei ihren Live-Konzerten komplexe farbige Scheinwerfer verwendeten. In den Underground-Clubs der New Yorker Künstler und Szene Greenwich Village entstanden die Vorläufer der heutigen Discos: Diaprojektoren, Filmprojektoren oder Overhead-Projektoren, deren Linsen zum Teil mit einer Emulsion aus bunten Ölfilmen behandelt wurden, warfen – nach dem Prinzip einer Lava lampenbewegt von der Hitze – farbenfrohe, sich ständig verändernde Blasen und sprudelnde Tropfen im Rhythmus der Musik des tanzenden Publikums; Dies wurde mit Filmen kombiniert, die mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten auf Endlosschleifen liefen. Alles wurde durch reflektierende Spiegelkugeln, Stroboskope oder pulsierende Lichtröhren verstärkt. Die Wände dieser Lichtshows waren in der Regel mit fluoreszierenden Farben bemalt, die mit Schwarzlicht hell leuchteten. Andy Warhol griff diesen Trend für die Eastside auf und nutzte die Idee zunächst für seine eigenen Partyevents in der legendären “Silver Factory” und später als Lichtshow für die Live-Auftritte seiner Protégé-Rockband The Velvet Underground und des Sängers Nico, Warhol nannte diese Ereignisse Exploding Plastic Inevitable. An der kalifornischen Westküste waren vor allem die Brotherhood of Light für viele Lichtshows psychedelischer Rockkonzerte verantwortlich u. ein. von The Jimi Hendrix Experience, Led Zeppelin oder Grateful Dead. Siehe auch: Psychedelische Musikvisualisierung

Psychedelic Underground Comix
Psychedelische Veröffentlichungen der Gegenkultur mit soziokritischen, politischen oder sexuell-pornografischen Aussagen fanden sich vor allem in einem neuen Comic-Genre: The Underground Comix. Zu den wichtigsten Vertretern zählen Robert Crumb, der mit der Serie “Fritz the Cat” für Zap Comix (später von Ralph Bakshi gedreht) große Erfolge hatte, sowie Gilbert Shelton, Art Spiegelman, Robert Williams oder S. Clay Wilson. Zum größten Teil handelte es sich bei den Comics um Drogenkauf und Drogenkonsum sowie alle Arten von Sex, Drogen und Rock’n’Roll. In einem Comic zeichnete Crumb den LSD-Guru Timothy Leary sogar als Zeichentrickfigur.

“LSD Art” und “Blotter Art”
Auch in der Gestaltung der LSD-Fahrten selbst entwickelten sich bald die sogenannten “Tickets” kreativen Potenzials. Das Medikament wurde anfangs auf einfaches unbedrucktes Löschpapier oder Zuckerwürfel aufgetragen, fand aber bald eine dekorativere und professionellere Möglichkeit, das LSD einfach auf perforierte Stempelbögen aufzutragen oder “zu bedrucken”. Einerseits ließen sich Menge, Stärke und wirtschaftlicher Wert der Fahrten besser berechnen, andererseits bot das Gebiet viel Gestaltungsfreiheit für den sogenannten LSD-Blotter (German Blotting Paper), den LSD mosaikähnliche quadratische Zellen. Ein Blatt Blotterpapier besteht normalerweise aus perforierten Reihen von Quadraten 15 (Quadrate) mit 4Tickets. Mit der Zeit entwickelten sich aus einfachen Drogenküchen immer komplexere LSD-Drucker, die schließlich mit Vierfarbendruck und aromatisiertem Kaugummi arbeiteten. Inzwischen bieten zahlreiche Posterläden drogenfreie “Blotter Art” als Wanddekoration an. Psychedelische Themen finden sich auch in Batik (Tie-Dye) oder auf Quilts. Die Motive reichen von kitschig bunten Tier- und Science-Fiction-Fantasy-Figuren mit Elementen fernöstlicher oder indischer Mystik bis hin zu komplexen grafischen Mustern, die wiederum den mathematischen Rahmen von Fraktalen ausnutzen, ob in quadratischer Form.

Anderes Material
Beispiele für anderes psychedelisches Kunstmaterial sind Wandteppiche, Vorhänge und Aufkleber, Kleidung, Leinwand und andere bedruckte Artefakte und Möbel.

Digitales Zeitalter
Die Computerkunst hat einen noch umfassenderen Ausdruck des psychedelischen Sehens ermöglicht. Fraktalerzeugungssoftware bietet eine genaue Darstellung von psychedelischen halluzinatorischen Mustern, aber noch wichtiger ist, dass 2D- und 3D-Grafiksoftware eine beispiellose Freiheit bei der Bildmanipulation bietet. Ein Großteil der Grafiksoftware scheint eine direkte Übersetzung der psychedelischen Vision zu ermöglichen. Die “digitale Revolution” wurde in der Tat von niemand anderem als Timothy Leary als “New LSD” angekündigt.

Die Rave-Bewegung der neunziger Jahre war eine psychedelische Renaissance, die durch das Aufkommen neu verfügbarer digitaler Technologien ausgelöst wurde. Die Rave – Bewegung entwickelte einen neuen Grafikstil, der teilweise von der psychedelischen Plakatkunst der 1960er Jahre, aber auch stark von der Graffitikunst und der Werbekunst der 1970er Jahre beeinflusst war Zeit der Schöpfung. Umgekehrt findet und verbessert das konvolutionelle neuronale Netzwerk DeepDream Muster in Bildern ausschließlich über algorithmische Pareidolie.

Gleichzeitig mit der Rave-Bewegung und in entscheidender Hinsicht von wesentlicher Bedeutung für sie ist die Entwicklung neuer Medikamente, die den Geist verändern, insbesondere MDMA (Ecstasy). Ecstasy hat wie LSD einen spürbaren Einfluss auf Kultur und Ästhetik, insbesondere auf die Ästhetik der Rave-Kultur. Aber MDMA ist (wohl) kein echtes Psychedelikum, sondern wird von Psychologen als Entaktogen beschrieben. Die Entwicklung neuer Psychedelika wie 2C-B und verwandter Verbindungen (hauptsächlich von dem Chemiker Alexander Shulgin entwickelt) ist wirklich psychedelisch, und diese neuartigen Psychedelika sind ein fruchtbarer Boden für die künstlerische Erforschung, da viele der neuen Psychedelika ihre eigenen einzigartigen Eigenschaften besitzen, die sich auf die Eigenschaften des Künstlers auswirken Vision entsprechend.

Auch wenn sich die Moden geändert haben und Kunst- und Kulturbewegungen gekommen und gegangen sind, haben sich bestimmte Künstler unerschütterlich der Psychedelik verschrieben. Bekannte Beispiele sind Amanda Sage, Alex Gray und Robert Venosa. Diese Künstler haben einzigartige und eigenständige Stile entwickelt, die zwar “psychedelische” Elemente enthalten, aber eindeutig künstlerische Ausdrücke sind, die über die einfache Kategorisierung hinausgehen. Während es nicht notwendig ist, Psychedelika zu verwenden, um zu einem solchen Stadium der künstlerischen Entwicklung zu gelangen, demonstrieren ernsthafte psychedelische Künstler, dass es greifbare Techniken gibt, um Visionen zu erhalten, und dass es sich bei dieser Technik um den kreativen Einsatz von Psychedelika handelt.

Psychedelische Künstler
Pablo Amaringo
Chris Dyer (Künstler)
David Barnes
Doug Binder
Brummbaer
Mark Boyle und Joan Hills
Laurence Caruana
James Clifford
Lee Conklin
Robert Crumb
Roger Dean
Warren Dayton
Scott Draves
Donald Dunbar
M. C. Escher
Karl Ferris
William Finn
The Fool (Designkollektiv)
Ernst Fuchs
Bob Gibson
H. R. Giger
Terry Gilliam
Alex Gray
Rick Griffin
Gary Grimshaw
Leif Podhajsky
John Hurford
Alton Kelley
Mati Klarwein
Oleg A. Korolev
Abby Martin
Bob Masse
Peter Max
Stanley “Mouse” Miller
Victor Moscoso
Vali Myers
Martin Sharp
Gilbert Shelton
Grace Slick
Harold Thornton
Vernon Treweeke
John Van Hamersveld
David Vaughan
Louis Wain
Robert Williams
Wes Wilson

Rolle in der Musik
Die wichtigsten Befürworter der psychedelischen Kunstbewegung von 1960 waren Künstler wie Rick Griffin, Victor Moscoso, Stanley Mouse und Alton Kelley sowie Wes Wilson. Diese verwendeten für die Plakate ihrer Konzerte psychedelische Kunst: satte Farben in deutlichem Kontrast, reich verzierter Text, stark symmetrische Komposition, Collage-Elemente, gummiartige Verzerrungen und bizarre Ikonographien, alles charakteristische Merkmale des psychedelischen Kunstplakatstils. Obwohl San Francisco in den frühen 1970er Jahren der Schwerpunkt der psychedelischen Kunst blieb, entwickelte sich der Stil auch international: Die englische Künstlerin Bridget Rileyshe wurde berühmt für ihre von psychedelischen Modellen inspirierten Gemälde; Mati Klarwein schuf Meisterwerke für die Alben von Miles Davis; The Pink Floyd arbeitete intensiv mit Designern aus London, Hipgnosis, zusammen, um eine Grafik zu erstellen, die die Konzepte in ihren Alben unterstützt, und so vielen anderen Künstlern wie Jefferson Airplane, John Van Hamersveld, Warren Dayton und Peter Max.