A arte psicodélica é qualquer arte ou manifestações visuais inspiradas em experiências psicodélicas e alucinações que se sabe seguirem a ingestão de drogas psicoativas, como o LSD e a psilocibina. A palavra “psicodélico” (inventada pelo psicólogo britânico Humphry Osmond) significa “manifestação da mente”. Por essa definição, todos os esforços artísticos para representar o mundo interior da psique podem ser considerados “psicodélicos”. Na linguagem comum, “arte psicodélica” refere-se acima de tudo ao movimento artístico da contracultura do final dos anos 60. As artes visuais psicodélicas eram uma contrapartida do rock psicodélico. Cartazes de concertos, capas de álbuns, shows de luz líquida, arte líquida leve, murais, revistas em quadrinhos e mais refletiam não apenas os padrões de cores caleidoscópicas das alucinações do LSD, mas também sentimentos políticos, sociais e espirituais revolucionários inspirados por insights derivados destes. estados psicodélicos de consciência.

A arte psicodélica foi dada na literatura, música e artes visuais.

Todos os esforços artísticos para projetar o mundo interior da psique podem ser considerados “psicodélicos”; mas no uso habitual, assim como na bibliografia especializada, as expressões “arte psicodélica” ou “lisérgica” referem-se concretamente ao movimento artístico da contracultura dos anos sessenta do século XX. Mais tarde, houve uma revitalização do uso de drogas para fins artísticos pelo movimento rave, auxiliado por novas tecnologias da computação, na última década do século.

As artes visuais psicodélicas eram paralelas e, em certa medida, subordinadas à música psicodélica, especialmente a música pop, que era a mais difundida socialmente. Cartazes de concertos, capas de álbuns, shows de luzes, murais, quadrinhos, fanzines (jornais subterrâneos) e meios similares foram usados ​​para refletir os padrões caleidoscópicos de alucinações lisérgicas, que receberam todos os tipos de interpretações chaves de espirituais sociais, políticos e revolucionários inspirados naquelas alteradas. estados de consciência.

O cinema também experimentou as imagens disseminadas pela psicodelia, mesmo em produções amplamente divulgadas, como 2001, uma odisseia no espaço (1968), onde há uma cena de vários minutos em que apenas as luzes coloridas são projetadas radialmente; ou os curiosos títulos de crédito do início dos filmes de James Bond.

Características
Assunto fantástico, metafísico e surrealista
Padrões caleidoscópicos, fractal ou paisley
Cores brilhantes e / ou altamente contrastantes
Extrema profundidade de detalhes ou estilização de detalhes. Também chamado de estilo Vacu Horror.
Morphing de objetos ou temas e às vezes colagem
Fosfenos, espirais, círculos concêntricos, padrões de difração e outros motivos entópticos
Repetição de motivos
Tipografia inovadora e letras de mão, incluindo distorção e transposição de espaços positivos e negativos

Origens
A arte psicodélica é informada pela noção de que estados alterados de consciência produzidos por drogas psicodélicas são uma fonte de inspiração artística. O movimento artístico psicodélico é semelhante ao movimento surrealista, na medida em que prescreve um mecanismo para obter inspiração. Enquanto o mecanismo do surrealismo é a observância dos sonhos, um artista psicodélico recorre a alucinações induzidas por drogas. Ambos os movimentos têm fortes laços com desenvolvimentos importantes na ciência. Enquanto o surrealista ficou fascinado pela teoria do inconsciente de Freud, o artista psicodélico foi literalmente “ativado” pela descoberta do LSD por Albert Hofmann.

Os primeiros exemplos de “arte psicodélica” são mais literários do que visuais, embora haja alguns exemplos no movimento de arte surrealista, como Remedios Varo e André Masson. Também deve ser notado que estes vieram de escritores envolvidos no movimento surrealista. Antonin Artaud escreve sobre sua experiência de peiote em Voyage to the Land of the Tarahumara (1937). Henri Michaux escreveu Misérable Miracle (1956), para descrever seus experimentos com mescalina e também haxixe.

As Portas da Percepção de Aldous Huxley (1954) e Heaven and Hell (1956) permanecem declarações definitivas sobre a experiência psicodélica.

Albert Hofmann e seus colegas da Sandoz Laboratories se convenceram imediatamente após sua descoberta em 1943 do poder e da promessa do LSD. Por duas décadas após sua descoberta, o LSD foi comercializado pela Sandoz como uma droga importante para pesquisas psicológicas e neurológicas. Hofmann também viu o potencial da droga para poetas e artistas, e teve grande interesse nos experimentos psicodélicos do escritor alemão Ernst Jünger.

A primeira experimentação artística com o LSD foi conduzida em um contexto clínico pelo psiquiatra Oscar Janiger, de Los Angeles. Janiger pediu a um grupo de 50 artistas diferentes para fazer uma pintura da vida de um assunto escolhido pelo artista. Eles foram posteriormente solicitados a fazer a mesma pintura enquanto estavam sob a influência do LSD. As duas pinturas foram comparadas por Janiger e também pelo artista. Os artistas quase unanimemente relataram que o LSD é um aprimoramento de sua criatividade.

Em última análise, parece que os psicodélicos seriam mais calorosamente abraçados pela contracultura americana. Os poetas beatnik Allen Ginsberg e William S. Burroughs ficaram fascinados pelas drogas psicodélicas já nos anos 50, como evidenciado por The Yage Letters (1963). Os Beatniks reconheceram o papel dos psicodélicos como inebriantes sagrados no ritual religioso dos nativos americanos, e também tinham uma compreensão da filosofia dos poetas surrealistas e simbolistas que pediam uma “desorientação completa dos sentidos” (parafraseando Arthur Rimbaud). Eles sabiam que estados alterados de consciência desempenhavam um papel no misticismo oriental. Eles eram hip a psicodélicos como medicina psiquiátrica. O LSD foi o catalisador perfeito para eletrificar a mistura eclética de idéias reunidas pelos Beats em uma panacéia catártica distribuída em massa para a alma da geração seguinte.

Na contracultura dos anos 60
Os principais defensores do movimento de arte psicodélica dos anos 1960 eram artistas de pôsteres de São Francisco, como: Rick Griffin, Victor Moscoso, Bonnie MacLean, Stanley Mouse e Alton Kelley e Wes Wilson. Seus cartazes de concertos de rock psicodélicos foram inspirados por Art Nouveau, Victoriana, Dada e Pop Art. Os “Fillmore Posters” estavam entre os mais notáveis ​​da época. Cores ricamente saturadas em contraste gritante, letras elaboradamente ornamentadas, composição fortemente simétrica, elementos de colagem, distorções parecidas com borrachas e iconografia bizarra são todas as marcas do estilo psicadélico de pôster de São Francisco. O estilo floresceu de cerca de 1966 a 1972. Seu trabalho foi imediatamente influente para a arte da capa do álbum de discos de vinil, e na verdade todos os artistas mencionados também criaram capas de álbuns.

Embora San Francisco tenha permanecido no centro da arte psicodélica no início dos anos 70, o estilo também se desenvolveu internacionalmente: a artista britânica Bridget Riley ficou famosa por suas pinturas op art de padrões psicodélicos criando ilusões de ótica. Mati Klarwein criou obras-primas psicodélicas para os álbuns de fusão Jazz-Rock de Miles Davis, e também para Carlos Santana Latin Rock. O Pink Floyd trabalhou extensivamente com designers de Londres, o Hipgnosis, para criar gráficos para apoiar os conceitos em seus álbuns. Willem de Ridder criou capa para Van Morrison. Artistas da área de Los Angeles, como John Van Hamersveld, Warren Dayton e Art Bevacqua e os artistas de Nova York Peter Max e Milton Glaser produziram pôsteres para shows ou comentários sociais (como o movimento anti-guerra) que foram muito bem coletados durante esse período. A capa da Life Magazine e o artigo principal da edição de 1º de setembro de 1967, no auge do Summer of Love, focaram na explosão de arte psicodélica em cartazes e os artistas como líderes na comunidade de contracultura hippie.

Os espectáculos de luz psicodélicos foram uma nova forma de arte desenvolvida para concertos de rock. Usando óleo e corante em uma emulsão que foi colocada entre grandes lentes convexas sobre projetores suspensos, os artistas do show de luzes criaram visuais líquidos borbulhantes que pulsavam no ritmo da música. Isto foi misturado com slideshows e film loops para criar uma forma de arte improvisada para dar uma representação visual às improvisações das bandas de rock e criar uma atmosfera completamente “trippy” para o público. A Irmandade da Luz foi responsável por muitos dos shows de luz em concertos de rock psicodélico de São Francisco.

Fora da contracultura psicodélica também surgiu um novo gênero de histórias em quadrinhos: comix underground. “Zap Comix” estava entre os quadrinhos underground originais, e contou com os trabalhos de Robert Crumb, S. Clay Wilson, Victor Moscoso, Rick Griffin e Robert Williams, entre outros. Comix subterrâneo eram ribald, intensamente satírico, e parecia perseguir estranheza por causa de esquisitice. Gilbert Shelton criou talvez o mais duradouro dos personagens de desenhos animados underground, “The Fabulous Furry Freak Brothers”, cujas façanhas drogadas tinham um espelho hilariante até o estilo de vida hippie dos anos 60.

A arte psicodélica também foi aplicada ao próprio LSD. O LSD começou a ser colocado no papel mata-borrão no início dos anos 70 e isso deu origem a uma forma de arte especializada na decoração do papel mata-borrão. Muitas vezes, o papel mata-borrão era decorado com minúsculas insígnias em cada aba quadrada perfurada, mas nos anos 90 isso havia progredido para completar quatro desenhos de cores, geralmente envolvendo uma página inteira de 900 ou mais abas. Mark McCloud é uma autoridade reconhecida na história da arte do blotter do LSD.

Em publicidade corporativa
No final da década de 1960, o potencial comercial da arte psicodélica tornou-se difícil de ignorar. A General Electric, por exemplo, promoveu relógios com desenhos do artista nova-iorquino Peter Max. Uma legenda explica que cada um dos relógios de Max “transpõe o tempo para cores multi-fantasia”. Nesta e em muitas outras propagandas corporativas do final dos anos 1960 apresentando temas psicodélicos, o produto psicodélico era frequentemente mantido à distância da imagem corporativa: enquanto os anúncios podem ter refletido os redemoinhos e as cores de uma viagem do LSD, a empresa em preto-e-branco O logotipo manteve uma distância visual saudável. Várias empresas, no entanto, associaram-se mais explicitamente à psicodélica: a CBS, a Neiman Marcus e a NBC exibiram anúncios totalmente psicodélicos entre 1968 e 1969. Em 1968, a sopa Campbell publicou uma promoção de cartazes que prometia “Transformar sua parede em souper-delic!”

Os primeiros anos da década de 1970 viram anunciantes usando arte psicodélica para vender uma gama ilimitada de bens de consumo. Produtos de cabelo, carros, cigarros e até meia-calça tornaram-se atos coloridos de pseudo-rebelião. O Banco Nacional de Chelsea encomendou uma paisagem psicodélica de Peter Max, e os macacos neon verde, rosa e azul habitavam anúncios de um zoológico. Uma terra da fantasia de bolhas coloridas, rodando, psicadélicos forneceu o contexto perfeito para um anúncio de Clearasil. Como Brian Wells explica, “O movimento psicodélico, através do trabalho de artistas, designers e escritores, alcançou um espantoso grau de difusão cultural … mas, apesar de uma grande difusão ter ocorrido, também tem um grande de diluição e distorção “. Até mesmo o termo “psicodélico” sofreu uma mudança semântica, e logo passou a significar “qualquer coisa na cultura jovem que seja colorida, incomum ou elegante”. Trocadilhos usando o conceito de “tropeçar” abundaram: como um anúncio da London Britches declarou, seu produto era “ótimo em viagens!” Em meados da década de 1970, o movimento de arte psicodélico fora amplamente cooptado pelas principais forças comerciais, incorporadas ao próprio sistema de capitalismo que os hippies haviam lutado tanto para mudar.

Shows de luz psicodélica
No contexto da música rock desenvolvida a partir de meados da década de 1960, o show de luzes é a mais recente forma de arte psicodélica. O Pink Floyd foi o primeiro a usar refletores coloridos complexos em seus shows ao vivo. Nos clubes underground dos artistas e da cena Greenwich Village de Nova York, surgiram os precursores das discotecas de hoje: slides, filmes ou retroprojetores, cujas lentes eram tratadas em parte com uma emulsão de filmes a óleo coloridos, lançados – de acordo com o princípio da lava lampmoved pelo calor – bolhas coloridas e em constante mudança e gotas borbulhantes ao ritmo da música no público dançante; Isso foi combinado com filmes que rodavam em velocidades diferentes em loops infinitos. Tudo foi reforçado refletindo bolas de espelhos, estroboscópios ou tubos de luz pulsantes. As paredes desses espetáculos de luz eram geralmente pintadas com cores fluorescentes que brilhavam intensamente usando luz negra. Andy Warhol assumiu essa tendência para o Eastside e usou a idéia primeiro para seus próprios eventos no lendário “Silver Factory” e mais tarde como um show de luzes para as performances ao vivo de sua banda de rock “The Velvet Underground” e do cantor Nico, Warhol. chamado esses acontecimentos Exploding Plastic Inevitable. Na costa oeste californiana foram principalmente a Irmandade da Luz responsável por muitos shows de luz de concertos de rock psicodélico u. uma. de The Jimi Hendrix Experience, Led Zeppelin ou Grateful Dead. Veja também: visualização de música psicodélica

Comix Subterrâneo Psicodélico
Publicações psicodélicas de contracultura com declarações sociocíticas, políticas ou sexuais-pornográficas foram encontradas acima de tudo em um novo gênero de quadrinhos: The Underground Comix. Entre os representantes mais importantes está Robert Crumb, que teve grande sucesso com a série “Fritz the Cat” para Zap Comix (mais tarde filmado por Ralph Bakshi), bem como Gilbert Shelton, Art Spiegelman, Robert Williams ou S. Clay Wilson. Na maior parte, os quadrinhos eram compra de drogas e uso de drogas e todos os tipos de sexo, drogas e rock ‘n’ roll. Em uma história em quadrinhos, desenhou o guru do LSD, Timothy Leary, mesmo como personagem de desenho animado.

“LSD Art” e “Blotter Art”
Também no projeto do LSD se desengaja, os chamados “tickets” logo desenvolveram potencial criativo. Inicialmente, o medicamento era aplicado a papel mata-borrão ou a cubos de açúcar simples, não impressos, mas logo descobriu-se que uma maneira mais decorativa e profissional de projetar o LSD era simplesmente aplicada a folhas de carimbo perfuradas ou “impressas”. Por um lado, a quantidade, a força e o valor comercial das viagens poderiam ser melhor calculados, por outro lado, a área oferecia muita liberdade para o design do chamado mata-borrão LSD (German Blotting Paper), o LSD. células quadradas semelhantes a mosaico revestidas. Uma folha de papel de parede geralmente consiste de linhas perfuradas de quadrados de 15 (quadrados) com 4 tickets. Com o passar do tempo, as simples cozinhas de medicamentos se transformaram em impressoras de LSD cada vez mais complexas, que acabaram por trabalhar com a impressão em quatro cores e o chiclete com sabor. Enquanto isso, inúmeras lojas de pôsteres oferecem “Blotter Art” livre de drogas como decoração de parede. Os sujeitos psicodélicos também são encontrados em batik (Tie-dye) ou em colchas. Os temas vão desde figuras coloridas de animais e fantasias de ficção científica com elementos do misticismo do Extremo Oriente ou da Índia até padrões gráficos complexos, que, por sua vez, aproveitam a estrutura matemática dos fractais, seja na forma quadrática.

Outro material
Exemplos de outros materiais de arte psicodélica são tapeçarias, cortinas e adesivos, roupas, telas e outros artefatos e móveis impressos.

Idade digital
A arte computacional permitiu uma expressão ainda maior e mais profusa da visão psicodélica. O software de geração de fractal fornece uma representação precisa dos padrões alucinatórios psicodélicos, mas, ainda mais importante, o software de gráficos 2D e 3D permite uma liberdade inigualável de manipulação de imagens. Grande parte do software gráfico parece permitir uma tradução direta da visão psicodélica. A “revolução digital” foi de fato anunciada no início como “Novo LSD” por ninguém menos que Timothy Leary.

O movimento rave dos anos 90 foi uma renascença psicodélica alimentada pelo advento das novas tecnologias digitais disponíveis. O movimento rave desenvolveu um novo estilo de arte gráfica parcialmente influenciado pela arte dos cartazes psicodélicos da década de 1960, mas também fortemente influenciado pela arte do grafite e pela arte publicitária dos anos 70, mas claramente definido pelo que a arte digital e os softwares gráficos e computadores pessoais tinham a oferecer tempo de criação. Por outro lado, a rede neural convolucional DeepDream encontra e aprimora padrões em imagens puramente via pareidolia algorítmica.

Concomitantes ao movimento das raves, e em aspectos fundamentais para ele, estão o desenvolvimento de novas drogas que alteram a mente, mais notadamente o MDMA (Ecstasy). O ecstasy, como o LSD, teve uma influência tangível na cultura e na estética, particularmente na estética da cultura rave. Mas MDMA é (sem dúvida) não um verdadeiro psicodélico, mas é descrito pelos psicólogos como um entactogênico. O desenvolvimento de novos psicodélicos como o 2C-B e compostos relacionados (desenvolvidos principalmente pelo químico Alexander Shulgin) são verdadeiramente psicodélicos, e esses novos psicodélicos são um terreno fértil para a exploração artística, já que muitos dos novos psicodélicos possuem propriedades únicas que afetarão o artista. visão em conformidade.

Mesmo que as modas tenham mudado e os movimentos de arte e cultura tenham surgido e desaparecido, certos artistas se dedicaram à psicodelia. Exemplos bem conhecidos são Amanda Sage, Alex Gray e Robert Venosa. Esses artistas desenvolveram estilos únicos e distintos que, embora contenham elementos “psicodélicos”, são claramente expressões artísticas que transcendem a simples categorização. Embora não seja necessário usar psicodélicos para chegar a tal estágio de desenvolvimento artístico, artistas psicodélicos sérios estão demonstrando que há uma técnica tangível para obter visões, e essa técnica é o uso criativo de drogas psicodélicas.

Artistas psicodélicos
Pablo Amaringo
Chris Dyer (artista)
David Barnes
Doug Binder
Brummbaer
Mark Boyle e Joan Hills
Laurence Caruana
James Clifford
Lee Conklin
Robert Crumb
Roger Dean
Warren Dayton
Scott Draves
Donald Dunbar
M. C. Escher
Karl Ferris
William Finn
The Fool (design coletivo)
Ernst Fuchs
Bob Gibson
H. R. Giger
Terry Gilliam
Alex Gray
Rick Griffin
Gary Grimshaw
Leif Podhajsky
John Hurford
Alton Kelley
Mati Klarwein
Oleg A. Korolev
Abby Martin
Bob Masse
Peter Max
Stanley “Mouse” Miller
Victor Moscoso
Vali Myers
Martin Sharp
Gilbert Shelton
Grace Slick
Harold Thornton
Vernon Treweeke
John Van Hamersveld
David Vaughan
Louis Wain
Robert Williams
Wes Wilson

Papel na música
Os principais defensores do movimento de arte psicodélica de 1960 foram artistas como: Rick Griffin, Victor Moscoso, Stanley Mouse e Alton Kelley e Wes Wilson. Estes para os cartazes de seus concertos usavam arte psicodélica: cores saturadas em contraste evidente, texto ricamente ornamentado, forte composição simétrica, elementos de colagem, distorções parecidas com borrachas e iconografias bizarras, todas as características distintivas do estilo de cartazes de arte psicodélica. Embora San Francisco permanecesse o foco da arte psicodélica no início dos anos 1970, o estilo também se desenvolveu internacionalmente: a artista inglesa Bridget Rileyshe ficou famosa por suas pinturas inspiradas em modelos psicodélicos; Mati Klarwein criou obras-primas para os álbuns de Miles Davis; O Pink Floyd trabalhou extensivamente com designers baseados em Londres, Hipgnosis, para criar um gráfico para apoiar os conceitos em seus álbuns, e tantos outros artistas como Jefferson Airplane, John Van Hamersveld, Warren Dayton e Peter Max.