Die Kunst der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts in Mailand entwickelte sich, wie auch anderswo, auf mehreren Linien und Stilen, die sich in Manierismus, Gegenreform und Klassizismus zusammenfassen lassen. Diese Strömungen unterteilten die urbane Kunstszene oft gegenseitig kontaminiert.
Die Mailänder Szene der zweiten Hälfte des sechzehnten Jahrhunderts muss daher unter Berücksichtigung der besonderen Lage der Stadt analysiert werden: Wenn sie für das spanische Imperium ein strategischer militärischer Außenposten war, stand sie aus religiöser Sicht im Mittelpunkt des Konflikts zwischen die katholische Kirche und die reformierte Kirche. Folglich wurde der größte Beitrag von der religiösen Kunst angesichts einer niedrigeren künstlerischen und architektonischen bürgerlichen Produktion geleistet.
In der Übernahme des manieristischen Stils, die Kunden und die städtischen Künstler hatten ihre Referenz Erfahrungen der zentral-italienischen Herkunft, machte die Position der Stadt in der Nähe der protestantischen Schweiz Mailand zu einem der wichtigsten Zentren der Blüte und Ausarbeitung der gegenreformierten Kunst, danke zu der Kapillarwirkung von St. Charles Borromeo.
Gemälde
Das Mailänder Gemälde der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts sah die Zusammenarbeit zwischen der lokalen Schule, die mit der späten lombardischen Renaissance verbunden war, und externen Künstlern, insbesondere aus Cremona, die die zukünftige Mailänder Bilderszene stark beeinflusst haben würde. Englisch: www.db-artmag.de/2003/12/e/1/114-2.php Zu einem Gemälde religiöser Form und stark vom hl. Karl beherrscht, muss es eine starke naturalistische Komponente ausgleichen, die sich gerade wegen der starken Kontrolle der kirchlichen Autorität nicht voll entfalten konnte: Caravaggio, größter Vertreter des lombardischen Naturalismus, hatte in Tatsache, größeres Glück außerhalb der Grenzen des Herzogtums.
Die zeitgenössische Präsenz von Künstlern aus verschiedenen Traditionen Zentral- und Norditaliens war grundlegend für Caravaggio, der einen Meister einer venezianischen Schule benutzen konnte, die durch bildnerische Porträts gemildert wurde, Kontakt zu Cremonesischen Künstlern, die eine mit der Emilianischen Schule verbundene Tradition importierten , eine lombardische Schule von Leonardos Erbe, je nach Fall, mehr oder weniger von Reisen der Aktualisierung auf den Modellen des mittelitalienischen Manierismus beeinflusst.
Örtliche Schule
Unter den wichtigsten Interpreten der Mailänder Schule finden wir sicherlich Giovanni Paolo Lomazzo, der in der Werkstatt von Giovan Battista della Cerva ausgebildet wurde und seinerseits ein Schüler von Gaudenzio Ferrari war. Er lernte die Modelle sowie Ferrari von Bernardino Luini. Zur Bildung an den lombardischen Renaissance-Modellen bereicherte der Lomazzo seine Formation mit einer Reise nach Mittelitalien, wo er sich mit Tibaldi und den Werken Michelangelos vergleichen konnte; von dieser Reise zieht er seinen Stil, der die lombardische Tradition, hauptsächlich Gaudenzian, mit einer mittelitalienischen manieristischen Sprache verbindet. Wenn seine ersten Arbeiten größtenteils verloren sind, hat er wegen der Krankheit, die ihn in wenigen Jahren zur Erblindung geführt hat, immer noch keine große Produktion: unter seinen Gemälden erinnern wir uns an die Kreuzigung (1570) für die Kirche San Giovanni in Conca, vom Maler selbst in einer seiner Abhandlungen zur Farbwiedergabe und zur besonderen luministischen Modulation kommentiert; Das größte Werk des Lomazzo ist jedoch der Freskenzyklus in der Foppa-Kapelle.
Die Arbeit der Foppa-Kapelle in der Kirche San Marco, einschließlich der Gloria Angelica im Apsisbecken, der Fall von Simon Magus an der linken Wand, ein verlorener wiederbelebender Paulus Sanktuarius auf der rechten Seite und der Altaraufsatz der Madonna mit Kind eine Zusammenfassung des Versuches des Malers, die lombardisch-lombardische Tradition wiederzuerlangen. Der Bildumriß ist ein deutlicher Hinweis auf die Kuppel des Heiligtums der Beata Vergine dei Miracoli in Saronno von Gaudenzio Ferrari, mit der Charakterisierung der Charaktere von Leonardo da Vinci; Die Wahl der Themen des Werkes weist schließlich auf eine anti-thematische und konterförmige Auswahl des Malers hin. Die Bedeutung der Arbeit von Lomazzo wird durch die zahlreichen Vorwürfe des Werkes, einschließlich der von Carlo Urbino oder Ottavio Semino belegt.
In den letzten Jahren seiner Karriere ist die Leinwand des Oratoriums Christi im Garten für die Kirche Santa Maria dei Servi von Bedeutung, in der die Veränderung des Malerregisters festgehalten wird. Wenn das Werk eine Charakterisierung der typischen Charaktere des ersten Mailänder Leonardos zeigt, gibt es ein chromatisches Licht – und Schattenspiel, das von Correggio und Albrecht Dürer in der Nachtaufnahme gegeben wird, ähnlich dem Werk der Brüder Campi in der Kirche San Paolo Converso.
Nach dem Abschluss seines wichtigsten Werkes verlor Lomazzo nach und nach den Sehsinn, bis er wegen der Degeneration einer Krankheit in seinen Augen erblindete. Dies hinderte ihn daran, seine Karriere als Maler fortzusetzen, erlaubte ihm jedoch, sich ihm zu widmen verschiedene literarische Werke, darunter die Abhandlung der Idee des Tempels der Malerei oder ein Kompendium über die Malerei auf den Spuren von Vasaris Werk. Zu den Schlussfolgerungen, die Lomazzo in seinen Werken zieht, gehört die Verwendung „verschiedener Wege“, um einen perfekten Stil zu erreichen, der das Design von Michelangelo, die Farbe von Tiziano und Correggio und die Proportionen von Raffael lobt: nur von den Malern zu erreichen Der richtige Weg ist der Vergleich der Malerei mit einem Tempel, der von sieben Gouverneuren als Stütze unterstützt wird: Neben den genannten Künstlern kommen Leonardo, Polidoro da Caravaggio, Mantegna und Gaudenzio Ferrari hinzu. Der Autor gibt auch ein Urteil über die edelste Art von Malerei, betrachtet das Fresko als das wertvollste Werk und vergleicht das Werk des Malers mit dem Werk der göttlichen Schöpfung.
Der Lomazzo geht dann über eine Anleitung zur Malerei hinaus, um in fast philosophische Aspekte zu münden, wobei er die Malerei als die einzige Quelle der Erkenntnis der „Schönheit aller Dinge“ beurteilt, aus der dann eine Bestandsaufnahme der Dinge, in denen Schönheit geformt wird, “ Frauen und Kinder „zu“ Drachen und Monstern „kommentieren die unterschiedlichsten Details, wie“ der Schatten unter dem Fisch „. Schließlich schließt der Text mit einem Kommentar zur Mode der Wunderkammerzeit ab, symptomatisch für ihre Vielfalt und Erfindung der Kunst der Zeit.
Berühmt für seine bizarren Kompositionen, wurde Giuseppe Arcimboldi, allgemein bekannt als Arcimboldo, in der Werkstatt seines Vaters ausgebildet und begann seine Karriere als Zeichner für die Buntglasfenster des Mailänder Doms. Bereits 1562 hatte er genug Berühmtheit, um an den Prager Hof von Rudolf II. Berufen zu werden, wo er seinen besonderen Geschmack zu den Themen seiner Werke fortführte und als Berater für die Wunderkammer tätig war; erst 1582 kehrte er nach Mailand zurück, wo er seine Tätigkeit als Maler fortführte und dabei enge Kontakte zum Prager Hof unterhielt. Der Stil der Arcimboldo-Porträts, die aus der Komposition von Obst und Gemüse zu anthropomorphen Elementen gemacht wurden, war eine der Besonderheiten der Epoche und sein Stil wurde oft nachgeahmt: In der Vergangenheit war es manchmal schwierig, das Autogramm des Malers zu identifizieren Vertrauen. so viele waren die Werke im Stil des Malers. Unter den berühmtesten Werken finden wir die Vier Jahreszeiten, die Vier Elemente und Rudolph II. In den Gewändern von Gott Vertumnus. Ganz besonders sind die Schale mit Gemüse und der Kopf mit Obstkorb, die Teil einer Reihe von Arbeiten sind, die je nach umgedrehtem oder nicht angeordnetem Grundriss das Aussehen eines Porträts oder eines einfachen Stillebens annehmen.
Giovanni Ambrogio Figino war ein Student von Lomazzo, beendete seine Ausbildung jedoch auf einer Reise der Aktualisierung zwischen Genua und Rom, wo er seine Studien insbesondere auf Michelangelo und Raffaello konzentrierte: dieser römische Aufenthalt beeinflusste seinen Stil definitiv mehr als er mit ihm gemacht hatte Lehrer. Verloren viele seiner frühen Werke, in der jungen Zeit des Malers kann die Gemälde von San Marco und San Parolo für die Kirche von San Raffaele und die Madonna della Serpe für die Kirche von San Fedele, die von dem gleichen Thema inspiriert wurde verfolgt werden Caravaggio. Der Ruhm des Malers erreichte jedoch Ende der achtziger Jahre mit den Gemälden der Madonna mit Kind Giovanni Evangelista und Michele Arcangelo (1588) für das Juristenkollegium und Sant’Ambrogio zu Pferd (1590) für die Kapelle der Bestimmung . Il Figino wagt sich auch in die Porträtmalerei, die an das Porträt von Lucio Foppa erinnert, das auch in den Chroniken der Zeit für die Liebe zum Detail der Objekte des Gemäldes, wie die Spiegelungen der Rüstung und die besondere Darstellung der Spitze, beschrieben wird. Auf dem Höhepunkt seiner Berühmtheit, im späten sechzehnten und frühen siebzehnten Jahrhundert, wurde er an den Hof der Savoyen berufen, um die Große Galerie des Königspalastes von Turin zu malen.
Eine besondere Rede muss für Aurelio Luini gehalten werden, Sohn des berühmtesten Bernardino, von dem er das Geschäft und die Aufträge für die Kirche von San Maurizio an das Maggiore Kloster geerbt hat, wo er ab 1555 die Fresken der Sintflutgeschichten signierte, einige Lünetten der Apsiswand und vor allem die Anbetung der Könige für die Gegenfassade, in der der Maler bereits eine spannungsgeladene und von Leonardos Zeichnungen inspirierte Sprache zeigt, die Aurelio Luini zusammen mit Lomazzo zu den Erben der Mailänder Leonardeschi setzt . Dem Beruf des Malers in der Stadt wurde jedoch von Erzbischof Borromeo aus Gründen, die bis zu dessen Tod nicht vollständig geklärt waren, verboten. Zu seinen berühmtesten Werken gehört die Schaufel für den Mailänder Dom von Santa Tecla, die eine hohe kompositorische Spannung zeigt, die schon im Martyrium des hl. Vinzenz für die Kirche San Vincenzo alle Monache gefunden wurde Das war die Grundlage der Feindschaft mit Kardinal Borromeo.
Schließlich lohnt es sich, ein paar Worte nicht nur auf einen Autor, sondern auf das Thema Stillleben zu verwenden. Dieses Thema fand in Mailand und der Lombardei im Allgemeinen einen seiner ersten Verbreitungsorte, begünstigt ua durch das Leonardische Erbe. Unter den ersten Stillebensproduzenten finden wir das Mailänder Ambrogio Figino, Fede Galizia und den Cremonesischen Panfilo Nuvolone: In dieser frühen Periode werden Stillleben oft in einer melancholischen Perspektive einer vergänglichen Schönheit und einer korrumpierbaren Natur aus dem Lauf der Zeit gemalt; es gibt jedoch keine symbolischen oder mystischen Referenzen, ein Symptom einer verbleibenden kirchlichen Kontrolle über die Kunst. Caravaggio, so inspiriert vom Naturalismus der lombardischen Tradition, blieb nicht völlig unabhängig von diesem Phänomen, indem er sich in die Fruit Canestra, das einzige autonome Stillleben des Malers, wagte.
Externe Schulen
Die Schule, die nach der örtlichen Schule in Mailand am meisten präsent ist, ist sicherlich die Cremoneser Künstlerschule, die in einer Zeit floriert, in der die Kathedrale von Cremona gebaut wurde. Die beiden Schulen gerieten jedoch oft in Konflikt, vor allem der Vergleich zwischen dem Mailänder Giuseppe Meda und Giuseppe Arcimboldo im Jahre 1563 und den Cremona Bernardino Campi und Carlo Urbino in einem Wettbewerb für die Gestaltung des Gonfalon von Mailand und 1564 immer zwischen den Meda und die Brüder Bernardino, Antonio und Giulio Campi in einem Wettbewerb für die Zeichnungen der Türen der Mailänder Dom-Orgel, beide von Mailänder Dolmetscher gewonnen.
Der erste, der 1550 nach Mailand kam, war Bernardino Campi, benannt nach Gouverneur Ferrante Gonzaga, der ihm dank seines Rufs als Porträtist eine Serie von Porträts seiner Tochter Hippolyta anvertraute, der eine große Anzahl von Aufträgen aller Mailänder folgte Adel. Il Campi führte in der Mailänder Kunstszene ein von Parmigianinos Stil inspiriertes Gemälde ein, in klarer Gegensätzlichkeit zu der bis dahin in der Stadt in Mode gekommenen Leonardo-Gaudenzian-Malerei, auch mit Hilfe vieler Helfer wie Carlo Urbino: Wenn das Bild der Campi Englisch: www.db-artmag.de/2005/4/e/1/343-2.php Dezidiert raffiniert und elegant, hatte der Maler nicht eine ebenso hohe Kreativität in Modellen und Lösungen, für die er oft auf die Hilfe des Urbino, eines angesehenen Malers, zurückgriff, sondern ein ausgezeichneter Komponist von Themen und Modellen für die unterschiedlichsten funktioniert. Der Ruhm von Bernardino Campi nahm in den folgenden zwei Jahrzehnten so zu, dass das Auftragswerk so zahlreich war, dass einige seiner Werke direkt von seinem Mitarbeiter Urbino ausgeführt wurden: das Altarbild der Madonna mit Kind und Heiligen (1565) für die Kirche von Sant’Antonio Abate, signiert und gemalt von den Campi, von denen die Vorbereitungsmodelle von Carlo Urbino zur Verfügung stehen.
Zusätzlich zu dieser fruchtbaren Zusammenarbeit malte Carlo Urbino offensichtlich selbständig und experimentierte mit Bildern von mehr lombardischer Tradition wie Pfingsten für die Kapelle des Hl. Josef in der Kirche San Marco, die das Schema der Gloria Angelica del Lomazzo miteinbezieht in der gleichen Kirche in Cappella Foppa: trotzdem trug die Zusammenarbeit mit Bernardino Campi und seinen nachfolgenden Werken dazu bei, in Mailand einen Manierismus einzuführen, der den Erfahrungen Emilias und Mittelitaliens mehr Beachtung schöpfte, die den endgültigen Zugang zu „fremden“ Kommissionen im Mailänder Adel markierten . In diesem Sinne arbeitete Carlo Urbino zwischen 1557 und 1566 in der Dekoration der Kirche Santa Maria bei San Celso und für Gemälde, die von Isabella Borromeo in Auftrag gegeben wurden.
Der Ruhm, den Bernardino Campi erhalten hatte, begünstigte die Ankunft anderer Protagonisten der Cremoneser Schule in Mailand, darunter die Brüder Giulio Campi, für eine Kreuzigung (1560) in der Kirche Santa Maria della Passione und Antonio Campi mit der Leinwand der Auferstehung Christi (1560) für die Kirche Santa Maria in San Celso, wo wir die Kombination von Illusion und zukünftigem Luminismo in den Werken von St. Paul Stories für die gleichnamige Kirche, in der die beiden Brüder zusammenarbeiteten, aufgegriffen haben: zwischen den Bedeutendste Errungenschaften des Zyklus sind die Bekehrung des heiligen Paulus (1564), in der sich Antonio Campi von den Figuren im Hintergrund bei Giulio Romano in der Sala di Troia des Palazzo Ducale in Mantua und der Decollazione del Battista inspirieren lässt ( 1571), die für die arme Umwelt und die leuchtende Wirkung der Fackel, die die Dunkelheit der Szene in der zentralen Gruppe unterbricht, den jungen Caravaggio nicht verfehlte. In der Kirche Sant’Angelo sind immer von Antonio Campi die Gemälde des Martyriums der Heiligen Katharina (1583) und Santa Caterina im Gefängnis der Kaiserin Faustina (1584) zu sehen, gemalt in dunklen Umgebungen mit der Anwesenheit von mehreren Lichtquellen Dank dessen versuchte Campi seine Hand in einem schlauen Chiaroscurospiel, aus dem Caravaggio so viel gelernt hätte in der Anwendung der Wirkung von „streifendem Licht“ [119]. In der Kirche San Paolo Converso findet schließlich die große Verwirklichung von Antonio Campi in Zusammenarbeit mit seinem Bruder Vincenzo statt, bei dem die Brüder sich in die Fresken des Gewölbes mit der Himmelfahrt Jesu (1586-1589) wagten Ein seltenes Beispiel für quadratischen Illusionismus, inspiriert von der mantuanischen Lösung von Giulio Romano, in dem wir die Übereinstimmung mit der prospektiven Abhandlung der Zwei Regeln der praktischen Perspektive von Jacopo Barozzi da Vignola bemerken: die Kirche, die von den Nonnen der Familie Sfondrati Cremonese geleitet wird , war grundlegend, um die Schließung der Mailänder Schule zu anderen Erfahrungen zu brechen, fast alle Aufträge an Cremonese Künstler anvertrauend.
Trotz der hitzigen Rivalität zwischen den Schulen von Cremona und Mailand, haben die Maler von Cremona und insbesondere die Brüder Campi die Mailänder Kunst in den kommenden Jahren beeinflusst, vielleicht sogar mehr, als sie die Malerei der Cremones beeinflussten. Die Bildung der beiden jüngeren Brüder fand in der Werkstatt seines Bruders Giulio statt, eines Gefolgsmanns einer emilianischen Schule Raffaellas: Antonio Campi wird stattdessen in die Stadt ein Gemälde einbringen, das ebenso wie der Stil seines Bruders von einem Besonderen beeinflusst ist Aufmerksamkeit auf die Modelle von Camillo Boccaccino und Parmigianino.
Vincenzo Campi, der jüngste der drei Brüder, war derjenige, der den eigenartigsten Stil unter allen entwickelte: die zufällige Verwendung von luministischen Effekten und die größere Aufmerksamkeit für die naturalistische Malerei machen ihn manchmal zu einem Vertreter des „Präraravaggismus“. Neben der fruchtbaren Zusammenarbeit mit den Brüdern ist Vincenzo auch dafür bekannt, in die Genremalerei vorgestoßen zu sein, wie in den Werken von Pescivendoli oder Pollivendoli, die ein von der flämischen Tradition Pieter Aertsens und Joachim Beuckelaers inspiriertes Gemälde mit einem Auge für jedes Detail der typischen Szene des lombardischen Naturalismus
Die Crema Giovanni da Monte, immer noch an die Cremona-Schule gebunden, debütierte in Mailand in der Kirche Santa Maria in San Celso, kehrte von einem Aufenthalt in Vilnius und Venedig mit dem Werk der Auferstehung Christi zurück und ging dann an die Brüder Campi über. Nachdem er sich verschiedenen Aktivitäten wie Zeichnungen für vergängliche Apparate gewidmet hat, erinnert er sich in Mailand an die Orgelpförtchen der Basilika San Nazarò mit den Heiligen Nazarius und Celso, in denen er alle nordischen, venezianischen und lombardischen Elemente vereint ein Maler [125].
Simone Peterzano stammte aus der Schule von Veneto, der sein Debüt in Mailand in der Dekoration der Kirche San Maurizio im Kloster von Maggiore gab und einige Gemälde für die Kirche von San Barnaba, wo sein erster Stil noch lebt die venezianischen Modelle von Tintoretto, Veronese und Tizian, sein Lehrer. Bei seiner Ankunft in Mailand zeigte er sofort die Übereinstimmung mit den Gemälden der Gegenreformation, wie im Zyklus der Apsis der Certosa di Garegnano, wo die beauftragenden Mönche sowohl die Themen als auch die Art der Malerei bestimmten oder in der Deposition jetzt in der Kirche von San Fedele, wo der venezianische Maler auch eine gewisse Übereinstimmung mit den für Savoldo typischen Modellen des Naturalismus zeigt: der Peterzano ist auch dafür bekannt, der Meister von Caravaggio zu sein, der auch die Absetzung des Meisters ausnutzte bei der Ausarbeitung der Madesimo-Thema jetzt in der Vatikan Pinacoteca erhalten. Die Beteiligung an der Verbreitung gegenreformierter Kunst zeigt sich auch in der Zusammenarbeit mit Pellegrino Tibaldi, dem Lieblingskünstler Borromeos.
Ottavio Semino, ein Maler genuesischen Ursprungs, bevor er in Mailand ankam, um die Dekorationen des Palazzo Marino auszuführen, wurde auf der genuesischen Erfahrung von Perin del Vaga, Giulio Romano und Raphael gegründet, die auf einer Reise nach Rom studierten. Nach der Ausschmückung des Palazzo Marino, wo er dank des Rufes des Kommissars des Hauses eintraf, erhielt er verschiedene Positionen, darunter Freskenzyklen für die Kapelle San Gerolamo und die Kapelle Brasca in der Kirche Sant’Angelo: neugierig in der Der Auftrag für die Arbeit in der letzten Kapelle wurde festgelegt, da das Ergebnis mindestens der von Giovanni Paolo Lomazzo in der Foppa-Kapelle in San Marco hätte entsprechen sollen. Obwohl Ottavio Semino zu den besten Malern der Mailänder Szene gezählt wurde, beurteilt die zeitgenössische Kritik das Werk eher als enttäuschend und naheliegend für das zwanghafte Festhalten an den raphaelesken Vorbildern. Dennoch erlangte der Semino dank dieser Berühmtheit viele Aufträge, unter anderem die Fresken der Geschichten von Johannes dem Täufer in der Kirche Santa Maria delle Grazie.
Dekorative Künste
Schon in der Frührenaissance zählten die Mailänder Handwerker zu den am meisten geschätzten in Europa, doch die größte Pracht der dekorativen Künste in der Stadt ereignete sich in der ersten spanischen Domäne. Einer der führenden Bereiche der Mailänder Handwerkskunst war die Rüstung, deren Rechnung die anderer europäischer Hersteller weit übertraf. Die Mailänder Waffenschmiede war so berühmt, dass ihre Werke als ein echtes Statussymbol des Adels ganz Europas betrachtet wurden, obwohl andere ausländische Staaten ihre eigenen Läden gegründet hatten, wie in Innsbruck, Augusta oder Greenwich; unter den besten Handwerkern der zweiten Hälfte des Jahrhunderts erinnern wir uns an Lucio Marlianisaid, den Piccinino und Giovanni Battista Panzeri, die Zarabaglia, beide gehören zu bekannten Familien von Büchsenmachern.
Im Allgemeinen lieferten die Mailänder Handwerksprodukte der damaligen Zeit viele Wunderkammern europäischer Herrscher mit Luxusartikeln verschiedener Art. Seit den 1930er Jahren wurden die Herstellung von Kameen, das Schnitzen von Edelsteinen und die Verarbeitung von Bergkristall konsolidiert: Die Produkte waren Geschirr und Geräte, andere Tischeinrichtungen, Tassen, Amphoren, liturgische Objekte, zusätzlich zu den bereits erwähnten Kameen und Schnitzereien. Selbst diese Objekte, wie die Rüstungen, wurden als die beste Qualität betrachtet: Nicht selten erließen die großen Adelsfamilien oder die europäischen Höfe Werke von Mailänder Geschäften, die sie als Geschenk an Fürsten, Verwandte oder Freunde ausgaben.
Initiatoren dieser Tradition waren die Brüder Gaspare und Gerolamo Miseroni, die mit ihrer Werkstatt ab der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts Maximilian II. Von Habsburg, Cosimo I. de ‚Medici und die Gonzagas als Lieferanten dienten.
In der Werkstatt der Miseroni gibt es viele Porträts von Kristallmedaillons aus der Sammlung von Rudolf II. Von Habsburg, darunter jene von Ottavio Miseroni, Erfinder der Technik des „commesso“ auf Kameen, die aufgrund der vielen Aufträge des Kaisers ein Geschäft in Prag eingepflanzt.
Eine weitere berühmte Familie von Schnitzern war die Scala-Familie: von den Siebzigern hatte er unter den Hauptherren die Herzöge von Bayern von Alberto V von Bayern, den Gonzaga und dem Savoyen. Unter den verschiedenen Werken der Familie wird im Testament des Pompeius Leoni eine Kristallkugel von sechzig Zentimetern Durchmesser erwähnt, in der die Form des Königreichs Spanien und goldene Verzierungen graviert sind, die für Wilhelm V. von Bayern ausgeführt wurde. In der umfangreichen Sammlung der Herzöge von Bayern finden sich auch viele Werke von Annibale Fontana, zu denen die Scala manchmal inspiriert hat, wie die Kassette für Alberto V mit gravierten Kristallplatten Geschichten aus dem Alten Testament und mit Edelsteinen wie Lapislazuli, Rubinen und Smaragden verziert sowie Gold-Emaille. Al Fontana arbeitet auch ausschließlich in Kristall wie die Vase mit der Geschichte von Jason (Schatzkammer der Residenz, Monaco) und die Vase mit Stories of Proserpine (Kunsthistorisches Museum, Wien).
Auch hier müssen die Mailänder Künstlerfamilien die Saracchi-Werkstatt hinzufügen, die auch die Zeichnungen von Annibale Fontana wegen seiner Hochzeit mit Ippolita Saracchi, der Schwester der Gründer der Werkstatt, in Besitz nahm. Speziell für die Kunden von Albert II. Von Bayern aktiv, widmeten sich die Saracis insbesondere den Geschirrgegenständen sowie der kanonischen Glattalkunst: Zu den bekanntesten Beispielen zählt der Galley-Tisch mit geschnitzten Geschichten der biblischen und klassischen Tradition (Schatzkammer der Residenz, Monaco) oder Kristallglasbrunnen, emailliertes Gold, Edelsteine und Kameen, in Auftrag gegeben für die Hochzeit von Ferdinando I. de ‚Medici mit Cristina di Lorena (Museo degli Argenti, Florenz). Besonders geschätzt für die Verarbeitung von Kristall und harten Steinen, hatten die Saracis die Gelegenheit, sich in den bizarrsten Feldern zu versuchen, wie die Jaspis zoomorphe Jaspis Vasen für die Gonzagas, die in der großen Sammlung der „zoielera“ enthalten sind andere Gönner waren auch Filippo II. von Spanien, Rudolf II. von Habsburg und die Savoyen.
Neben den Kristallen, Edelsteinen und Gold war auch die Verarbeitung von Edelhölzern wie Ebenholz, Elfenbein, die vor allem zur Dekoration von Kartons verwendet wurden, und der Schildkrötenpanzer in Mailand üblich. Angesichts der Zerbrechlichkeit dieses letzten Materials bleiben nur sehr wenige Exemplare im Umlauf; In den Katalogen der alten Sammlungen der europäischen Herrscher gibt es jedoch ausführliche Beschreibungen: In den Elfenbeinarbeiten erinnern wir uns an Giuseppe Guzzi, einen Schüler von Cristoforo Sant’Agostino oder den Bildhauer des Holzchors von San Vittore al Corpo, der eine Holzbläserei lieferte und Elfenbein Schreibtisch zu Rodolfo II, und hatte mehrere Kollaborationen mit den Miseroni und mit den Arcimboldi.
Aus den Objekten der Wunderkammer kam in der Stadt auch die Stickerei, die seit 1560 besonders erfolgreich war dank der Arbeit von Scipione Delfinone, dem berühmtesten der Mailänder Sticker, zusammen mit Camillo Pusterla, mit dem er sich zur Ausführung wagte des Mailänder Banners auf einem Projekt von Giuseppe Meda. Der Workshop der Delfinone (oder Delfinoni) wurde von Stuart und Tudor of England in Auftrag gegeben. Besonders aktiv in der Stadt war damals die Zunft der Stickerinnen, die die Registrierung ausschließlich von Arbeiterinnen beinhaltete, zu der auch Caterina Cantona gehörte, die im Auftrag von Christine von Lothringen und Katharina von Österreich arbeitete und auch im Rhymesof Lomazzo erinnert wird. Auf jeden Fall war jede Aktivität in der Luxusbekleidungsbranche sowie Accessoires wie Handschuhe und Hüte in der Stadt präsent. Die Bedeutung des verarbeitenden Gewerbes veranlasste den Gesetzgeber, Normen für die Kleidung und Dekoration von Frauen einzuführen: Obwohl die Verbreitung einer nüchterneren Kleidung und die Verhinderung von zu hohen Ausgaben für Familien die erklärte Absicht war, die lokalen Hersteller zu bevorzugen, so die Nachteil von Dekorationen wie Federn und Schnürsenkel, die aus Genua und Venedig importiert wurden.
Auf dem Höhepunkt ihrer Berühmtheit wurde den meisten Familien der Mailänder Handwerker angeboten, ihr Geschäft in verschiedene Städte zu verlegen, gewöhnlich an den gewählten Hof: Es ist der Fall des oben erwähnten Ottavio Miseroni, der auf Wunsch von Rodolfo seine Werkstatt nach Prag verlegte II. Oder die Laboratorien der Familien Caroni und Gaffuri, die das Angebot der Medici-Familie nach Florenz übertrugen; es war auch üblich, zeitweilig zu einem Gericht zu ziehen, wie Michele Scala, die etwa ein Jahr in Mantua für die Gonzagas oder die sehr kurzen Aufenthalte der Saracs in München arbeitete. Die Mailänder Manufakturen hatten in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts noch Glück: Ihr Ende wird oft mit der großen Manzonenplage in Mailand oder mit der Plünderung Mantuas gleichgesetzt: Die großen Herzogssammlungen wurden von Charles I. von England einige Jahre vor der Dieser Sack wurde von den Herzögen von Mantua „verkauft“, um mit den finanziellen Problemen der Familie fertig zu werden, und dann von den deutschen Truppen, die in die Stadt eindrangen, zerstört oder zerstreut.
Die Akademie der Facchini des Val di Blenio
Um die Diskussion über die Mailänder künstlerische Situation des späten 16. Jahrhunderts zu beenden, lohnt es sich, ein paar Worte über ein seit langem bekanntes Phänomen als marginal und unterirdisch zu sagen, das erst seit dem letzten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts aufgewertet wurde Erfahrung von „Rabisch“, wie sie auch Anhänger der Gruppe genannt wurden, als ein Phänomen parallel zur gegenreformierten Kunst der Zeit, auf die wir als „alternativer Klassizismus“ verweisen können. Die Neubewertung führte dazu, dass die Akademie von einer rein goliderischen und entspannenden Rolle zu einer kulturellen Bewegung überging, die mit ihrer „anti-intellektualistischen Haltung“ und der Idee der Kunst „als freie Schöpfung“ Scapillatura war.
Obwohl die Akademie der Facchini des Val di Blenio schwer zu definieren und in eine einzige Aktivität einzuordnen war, war sie ab der zweiten Hälfte des Jahrhunderts in Mailand tätig, als eine Gruppe von Persönlichkeiten, die sich aus den Kulturprogrammen befreien wollten verbreitet von Kardinal Borromeo. Die Arbeit der Gruppe war so vielfältig wie ihre Mitglieder, streng geheim: Die Seele und „Abt“ des Ordens war Giovanni Paolo Lomazzo, der sich fast allen Aktivitäten des Ordens widmete, einschließlich der Malerei, der Karikatur, der Poesie, des Komponierens die Dialektsammlung der Verse des Rabisch. Unter den anderen aktiven Mitgliedern finden wir Pirro Visconti Borromeo, edler Beschützer des Ordens, der Graveur Ambrogio Brambilla und „großer Kanzler des Tals“, die Maler Giuseppe Arcimboldi, Aurelio Luini, Ottavio Semino, Paolo Camillo Landriani, der Bildhauer Annibale Fontana und endlich der flämische Verleger Nicolas van Aelst.
Die Aktivitäten der Gruppe reichten von Zeichnungen und Karikaturen des Leonardeschen Erbes über den Geschmack der Groteske bis hin zur Genremalerei; von Münzen, die an Mitglieder der Gruppe verteilt wurden, an Gedichte in einem auf Bleniense beruhenden Dialekt: eine Art rustikales Mailänder Dialekt, das in den Tälern des Kantons Graubünden gesprochen wurde und zu dem noch Leihgaben aus verschiedenen Sprachen der Zeit hinzukamen, darunter Spanisch, Toskanisch und Deutsch Genueser. Die Kompositionen führten oft zu Spott, wenn nicht im Volksmund: deshalb blieb die Assoziation in einer Zeit geheim, in der die Kontrolle der Kirche über die öffentliche Moral auf den Punkt gelangte, dem assoziierten Aurelio Luini die Ausübung der Malerei in der Stadt zu verweigern Ordnung wie der Erzbischof.
Einige der Dokumente, die der Akademie zuzuschreiben sind, erlauben uns, einige der Bräuche der Gruppe zu beschreiben. Der berühmteste ist sicherlich das Selbstbildnis als Abt der Akademie des Val di Blenio del Lomazzo, wo der Maler mit einem Pelzmantel und einem Strohhut mit dem Siegel der Akademie, wahrscheinlich von Annibale Fontana geschaffen, eine Darstellung bildet Weinkiste mit Efeublättern und Rebe, Symbol des Bacchus, das zentrale Thema der Akademie in der Wiederaufnahme des aristotelischen Glaubens der Vereinigung der künstlerischen Kreativität mit Weintrunkenheit. Es ist ungewiss, ob sich die Mitglieder tatsächlich in der vom Gemälde dargestellten Weise kleiden sollten, aber während der Treffen war es obligatorisch, sich im blenienischen Dialekt auszudrücken; die Sprache, in der die „Aufnahmeprüfung“ durchgeführt wurde, die eine Reihe von Fragen über die Verwendung und Bräuche der Brentatori oder der alten Ticinese Weintransporter enthielt.
So fehlte es der Akademie nicht an der spielerischen und scherzenden Komponente in sich selbst, aber es wäre falsch, sie nur als solche zu klassifizieren: In den Lomazzo – Sonetten finden sich neben Doppeldeutigkeiten und Neckerei auch wichtige Elemente der Gesellschaftskritik gegenüber der rigide Richtlinien del Borromeo, sowie Verweise auf die Werke von Pietro Aretino und Luciano di Samosata. Ein Angriff auf den Humanismus findet sich in Karikaturen, die den menschlichen Körper verdrehen und deformieren, im Zentrum der Renaissance-Humanismuskultur mit ihrer Perfektion, während im gleichen Sinne die Gemälde des Arcimboldo eingefügt werden können, die menschliche Figuren darstellen, die aus Gemüse bestehen letztlich für die Zwecke der Akademie wegen der klassischen Symbolik, der sich der Maler an die mächtigen Kommissare halten musste. Wenn man also die Analyse dieser bizarren und eklektischen Gruppe von Künstlern betrachtet, kann man sagen, dass der Schlüssel der Gruppe darin bestand, sich gegen das Herz der reformierten Kunst zu stemmen, das heißt gegen aufgezwungene Modelle und feste Regeln, die zu orthodoxen Kompositionen führen würden von denen man nicht ausgehen konnte, um es mit den Worten von Francesco Porzio zu sagen, durch „.