In der Malerei ist eine Laune oder ein Capriccio eine architektonische Fantasie, die Gebäude, archäologische Ruinen und andere architektonische Elemente in fiktionale und oft fantastische Kombinationen bringt und Staffagen (Figuren) enthält. Es fällt unter den allgemeineren Begriff der Landschaftsmalerei. Der Begriff wird auch für andere Kunstwerke mit einem Element der Fantasie verwendet.
In den plastischen Künsten ist Capriccio im Allgemeinen eine architektonische Fantasie, in der Gebäude, archäologische Überreste, Ruinen und andere architektonische Elemente aus Kombinationen der realen und fantastischen Elemente bestehen, die entsprechend den idiosynkratischen Kriterien des Künstlers geordnet werden. Traditionell war Caprice ein Subgenre der Landschaftsmalerei, wurde aber im Laufe der Zeit auch für andere Werkarten verwendet, in denen die Phantasie vorherrscht.
Die Laune oder „veduta ideata“ in der venezianischen Malerei zwischen dem Ende des siebzehnten und dem Anfang des achtzehnten Jahrhunderts ist als ein echtes Genre konfiguriert, das heißt als die Kunst, die Landschaft durch die freie Kombination von realen oder fantastischen architektonischen Elementen zu komponieren, Ruinen der Antike, Figuren und Figuren, nach einer Vielzahl von Deklinationen vom Grotesken bis zum Visionär, vom malerischen all’elegìaco überarbeitet.
Der Vorläufer dieser Art von dekorativen Architekturgemälden findet sich in der italienischen Malerei des 16. Jahrhunderts und insbesondere in den architektonischen Umgebungen, die als Rahmen für großformatige Fresken und Deckenverzierungen, die als „Quadrature“ bekannt sind, gemalt wurden. Diese architektonischen Elemente wurden in der Malerei des 17. Jahrhunderts zu eigenständigen Themen der Staffeleimalerei.
Nach der Definition des Komponisten und Theoretikers der deutschen Musik Michael Praetorius von 1608 ist eine Laune „eine Art improvisierte Fantasie, in der man von einem Thema zum anderen übergeht“. Besonders berühmt und geschätzt im musikalischen Bereich waren die 24 Capricen des genuesischen Violinisten Paganini, von denen 4 das Studium des ungarischen Pianisten Ferenc Liszt inspirierten.
Ursprung:
In dem italienischen Kunsthistoriker Giorgio Vasari (1511-1574) bezieht sich der Begriff Capriccio auf die Züge einer rätselhaften Phantasie, die von der Originalität eines Malers zeugt. Wenn er von Filippino Lippi spricht, betont er die „strani caprici egli espress nella pittura“ (die „seltsamen Launen, die er in seinen Bildern ausdrückt“). Raffaello Borghini (Il Riposo, 15844) unterscheidet zwischen einer Inspiration, die sich von anderen bezieht, und der, die dem Künstler innewohnt: einem Suo Capriccio.
Schon im 17. Jahrhundert schuf Viviano Codazzi in Rom Architekturgemälde, die imaginäre Ruinen darstellen, wie es in seinen architektonischen Fantasien des Palazzo Pitti zu sehen ist.
Gegen Ende des 17. Jahrhunderts definierte Philip Baldinucci (Vocabolo dell’arte del disegno, 16815) das Capriccio schließlich als ein Werk, das aus der spontanen Vorstellungskraft des Malers (improvvisa) entstand. Die Bedeutung von Caprice wird metonymisch, indem sie sich auf das Werk selbst bezieht, nicht auf die skurrile Idee, die es hervorgebracht hat.
Goldenes Zeitalter:
Frühe Vertreter des Genres, die das Genre Mitte des 17. Jahrhunderts in Rom bekannt machten, waren Alessandro Salucci und Viviano Codazzi. Die Künstler vertreten zwei unterschiedliche Herangehensweisen an das Genre: Codazzi ’s Capricci waren realistischer als diejenigen von Salucci, die mehr Kreativität und Freiheit in seinem Ansatz zeigten, indem sie römische Denkmäler an seine kompositorischen Ziele anpassten. Die „Quadratur“ Fresken von Agostino Tassi und die Stadtansichten von Claude Lorrain und Herman van Swanevelt, die er in Rom gesehen hat, mögen Viviano Codazzi animiert haben, Capricci zu malen.
Dieses Genre wurde von Marco Ricci (1676-1730) perfektioniert, aber sein bekanntester Vertreter war der Künstler Giovanni Paolo Pannini (1691-1765). Dieser Stil wurde in den 1740er Jahren von Canaletto in seinen geätzten Veduten ideali und von Piranesi und seinen Nachahmern erweitert.
Im 18. Jahrhundert nimmt der Begriff unter Vedutenmalern die besondere Bedeutung der fiktionalen Landschaft an. In den 1720er Jahren zeichnete Marco Ricci (1676-1730) zahlreiche Gemälde und Drucke, die Landschaften mit Ruinen und Staffage darstellten. In Rom ist Giovanni Paolo Panini (1691-1765) ein Vorläufer der neoklassizistischen Bewegung mit ihren Ansichten, die die Stadt und die Szenen der antiken Ruinen darstellen, in die nicht existierende Details eingearbeitet sind, die aber zur hervorgerufenen Atmosphäre beitragen. In Venedig wird das Genre der Capricci besonders von den Venezianern selbst geschätzt, die vom genialen Spiel des Malers mit der Architektur amüsiert sind. In den 1740er Jahren veröffentlichte Canaletto eine Reihe von Capricci Prints, die Vedute Ideals.
Michele Marieschi (1710-1743) eignet sich für die Freiheiten von Capriccio mit der Darstellung der Treppe eines inneren Palasthofes. Es basiert auf mindestens dreizehn Versionen von Motiven, die von Marco Riccis Zeichnungen von Bühnenbildern inspiriert sind, um seiner Komposition eine theatralische Perspektive zu geben. Sein Capriccio con edificio gotico ed obelisco (1741) zeigt ein phantasiertes Venedig mit einem gotischen Portikus und einem Obelisken, der auf einen Pier weist, und im Hintergrund Reliefs von Hügeln und Bergen, die sich gegen Häuser am Wasser lehnen.
Anschließend:
Spätere Beispiele schließen Charles Robert Cockerell (Charles Robert Cockerell) ’s Tribut zu Herrn Christopher Wren (Herr Christopher Wren) und Professor’s Dream, und Joseph Gandys 1818 Öffentliche und private Gebäude ein, die von Herrn John Soane ausgeführt sind. Der Künstler Carl Laubin hat zu diesen Werken eine Reihe moderner Capriccios gemalt.
Der Begriff kann breiter für andere Werke mit einem starken Element der Fantasie verwendet werden. Die Capricci, eine einflussreiche Reihe von Radierungen von Gianbattista Tiepolo (1730er Jahre ?, veröffentlicht 1743), reduzierten die architektonischen Elemente auf Stücke von klassischen Statuen und Ruinen, unter denen kleine Gruppen aus exotischen und eleganten Figuren von Soldaten und Philosophen bestanden und schöne junge Leute gehen ihrem rätselhaften Geschäft nach. Keine einzelnen Titel helfen, diese Arbeiten zu erklären; Stimmung und Stil sind alles. Eine spätere Serie hieß Scherzi di fantasia – „Fantastic Sketches“. Sein Sohn Domenico Tiepolo gehörte zu denen, die diese Drucke nachahmen und oft in Titeln verwendeten.
Goyas achtzig-gedruckte Serie von Los Caprichos und die letzte Gruppe von Drucken in seiner Serie „Die Katastrophen des Krieges“, die er „caprichos enfáticos“ („nachdrückliche Capricen“) nannte, sind weit entfernt von dem Geist der heiteren Phantasie, den der Begriff gewöhnlich vorschlägt . Sie nehmen Tiepolos Format einer Gruppe von Figuren, die aus dem zeitgenössischen spanischen Leben stammen, auf und sind eine Serie von wilden Satiren und kommentieren ihre Absurdität, die nur zum Teil durch kurze Titel erklärt wird.
Capricci, eine Serie von Radierungen von Giambattista Tiepolo (1743), reduzieren die architektonischen Elemente in Stücke von klassischen Statuen und Ruinen, unter denen kleine Gruppen – Soldaten, Philosophen, junge Leute – ihre Geschäfte führen. Keine einzelnen Titel erklären diese Arbeiten. Eine spätere Serie heißt Scherzi di Fantasia, „Fantastische Zeichnungen“.
Die Serie von 80 Drucken von Francisco de Goya, Los caprichos und dem letzten Satz seiner Desaster des Krieges, der caprichos enfáticos („emphatische Launen“) nennt, nimmt das Format der von Tiepolo initiierten Personengruppen wieder auf Zeitgenössisches spanisches Leben, um eine Folge von Satiren und Kommentare zu seinem Quatsch zu produzieren, nur teilweise durch ihren kurzen Titel erklärt.
Zu späteren Beispielen gehören A Tribute to Sir Christopher Wren (circa 1838) und A Professor’s Dream von Charles Robert Cockerell und Joseph Gandys Öffentliche und private Gebäude, die von Sir John Soane (1818) ausgeführt wurden. Der zeitgenössische Künstler Carl Laubin hat mehrere moderne Capriccios als Hommage an diese Werke gemalt.
Capriccio Architektur:
In der Architektur ist eine Laune ein extravagantes, frivoles oder witziges Gebäude, eher als künstlerischer Ausdruck denn als praktische Absicht. Allerdings gab es nur sehr wenige Launen, die ursprünglich völlig nutzlos waren: Mit der Zeit wurden sie nicht mehr benutzt, wie es bei Jagdtürmen der Fall war.
Die Launen werden normalerweise in den Parks und auf dem Land gefunden, das große Landhäuser und Schlösser umgibt. Einige wurden absichtlich in Ruinen gebaut. Die Launen waren zwischen dem späten 16. und dem 19. Jahrhundert besonders beliebt.
Heutzutage enthalten Themenparks und Weltmessen oft Gebäude, die Launen ähneln (um nur ein Beispiel zu geben, das gigantische Märchenschloss in Disneyland); Diese Strukturen sind jedoch darauf ausgerichtet, Besucher anzuziehen und zu unterhalten.
Hagley Castle im Hagley Hall Gelände. Es wurde von Sanderson Miller für George, Lord Lyttelton in der Mitte des achtzehnten Jahrhunderts gebaut, um die Formen einer zerstörten mittelalterlichen Burg wieder aufzunehmen.
Der Begriff der Laune wurde oft durch die Definition vorgeschlagen, dass Wahnsinn „eine Torheit in den Augen des Zuschauers“ ist. Die typischen Merkmale sind:
Es gibt keinen anderen Zweck, als ein Ornament zu sein. Oft mit dem Aussehen von echten Gebäuden, in Wirklichkeit sind die architektonischen Launen nur Dekorationen.
Sie sind Gebäude oder Gebäudeteile. Sie heben sich deutlich von anderen Gartenornamenten wie Skulpturen ab.
Sie sind absichtlich gebaut. Die Torheiten sind absichtlich als Ornamente gebaut.
Sie werden oft exzentrisch gemacht. Dies ist als Eigenschaft nicht unbedingt notwendig, jedoch ist es üblich, dass diese Strukturen mit ungewöhnlichen Formen und Details auf sich aufmerksam machen.
Es gibt oft eindeutig falsche Elemente in der Konstruktion von Launen. Ein kanonisches Beispiel stellen die Ruinen dar: eine Torheit, die behauptet, der Rest eines alten Gebäudes zu sein, die aber in Wirklichkeit bereits in diesem Zustand gebaut wurde.
Sie sind zum reinen Vergnügen beauftragt.
Folies begann, als dekorative Elemente für Gärten zwischen dem späten sechzehnten und frühen siebzehnten Jahrhundert vorhanden zu sein, blühte jedoch besonders in den zwei folgenden Jahrhunderten auf. Es gab viele Ruinen von Klosterhäusern und (besonders in Italien) von römischen Villen, besonders während der Romantik in der Architektur.
In jedem Fall wurden die meisten Folies komplett ohne praktische Unterstützung gemacht, aber unter Beibehaltung ihres dekorativen Sinnes hatten einige tatsächlich Gebrauch, oft im Zusammenhang mit der Jagd, wie im Fall von Türmen oder kleinen Häusern, um die verschiedenen Wildhüter unterzubringen. In einigen Fällen konnten einige architektonische Launen als Teehäuser dienen. Ein Verein, das Folly Fellowship, wurde 1988 gegründet, um die architektonischen Launen zu schützen. Bis heute ist es darum bemüht, die Geschichte und den Glanz dieser Bauten zu feiern und sie der Öffentlichkeit bekannt zu machen.
Capriccio Gärten:
folies (oder auf französisch: fabriques) waren im achtzehnten Jahrhundert ein wichtiger Teil des englischen Gartens und des französischen Gartens, wie im Fall von Stowe und Stourhead in England und Ermenonville und in den Gärten von Versailles in Frankreich. Oft waren diese Strukturen in Form von römischen Tempeln, zerstörten gotischen Abteien oder ägyptischen Denkmälern und Pyramiden. Painshill Park in Surrey enthält eine große Anzahl dieser Launen, mit einem großen gotischen Turm und verschiedenen anderen Strukturen des gleichen Stils, einem römischen Tempel, einer Einsiedelei, einem türkischen Zelt, einer mit Muscheln bedeckten Höhle und mehr. In Frankreich waren die Launen manchmal die Form von Bauernhöfen, Mühlen und Hütten, wie im Falle des Hameau de la Reine von Marie Antoinette in Versailles. Oft hatten diese Strukturen Bedeutungen von symbolischer Bedeutung, um die Tugenden des alten Roms oder die Freuden des Landlebens zu verbessern. Der Tempel der Philosophie von Ermenonville, der nicht absichtlich beendet wurde, symbolisiert in der Tat die Tatsache, dass Wissen niemals als vollständig betrachtet werden kann, während der Tempel der modernen Tugenden von Stowe bewusst zerstört wurde, um den Verfall der zeitgenössischen Bräuche zu zeigen.
Am Ende des 18. Jahrhunderts wurden architektonische Launen exotischer und stellten Strukturen aus anderen Teilen der Welt dar, wie chinesische Pagoden, japanische Brücken, Zahnsteinzelte.