Обзор прошедших выставок 2018-2019, Музей современного искусства в Ницце, Франция

С недавних пор MAMAC активно занимается новыми чтениями истории искусства, основанными на современных социальных проблемах; выделение уникальных фигур и создание новых историй. Наше отношение к природе и то, как художники решают экологические проблемы, – одна из ключевых тем, поднятых в программе.

Экскурсии, семинары, встречи с художниками или исследователями, рассказы историй, лекции или проекции, посещение танцев, концерты, представления и мероприятия, способствуют доступности современного искусства для широкой аудитории и превращают музей в игровую площадку для художников из разных областей. В течение всего года команда музея создает целое созвездие сетей с компаниями, ассоциациями, студентами, социальными работниками, чтобы изобретать конкретные программы и способы переосмысления музея.

Выставки в 2018 году
Огюст-Дормей, если бы мне пришлось сделать все это снова
Рено Огюст-Дормей, родившийся в 1968 году, с середины 1990-х годов задается вопросом о том, как создаются образы, представленные на их общественной и политической арене. Видимость / невидимость, свет / тьма, запоминание / забвение, то, что мы знаем / то, что мы думаем, что знаем, вызывание, не показывая, говоря, не говоря… все это маркеры для понимания его работ, которые формируют коды, структурирующие поток образов. Хотя первоначальные занятия художника по существу были сосредоточены на новых картографиях, в течение ряда лет его работа приняла более метафорический и перформативный характер. Его выставка в современной галерее, задуманная как созвездие опыта внутри MAMAC и в общественных местах, приняла форму серии инфра-тонких спектаклей и перформансов, организованных во время выставки.

Cosmogonies, Au Gré des Éléments
Вызов элементов, улавливание невидимых связей, связывающих компоненты вселенной, понимание процессов эрозии, запечатления, кристаллизации, раскрытия солнечного ожога… С начала 1960-х годов, фантазируя о господстве элементов или играя с творческим смирением позволяя вещам происходить, или где-то посередине, несколько поколений художников обратились к природе и ее проявлениям. Подход этих художников-собирателей, которые намеревались «собрать» ветер, свет или пыльцу, проистекает из экспериментов, сосредоточенных на захвате природных явлений, изучении различных состояний материалов или скрупулезном наблюдении якобы неуловимых элементов.

Эксперименты Ива Кляйна по запечатлению «мгновенных состояний природы», ленд-арт и искусство повера, очарованное «действующими силами», по-видимому, являются ключевыми моментами в этом взаимодействии между миром искусства и природным миром. Обновление этого эксперимента работы, отобранные для выставки, представляют собой оду непостоянству и возникновению форм, «которым природа» содействовала через разные поколения художников. Они подчеркивают свое постоянное влечение к природным процессам и их фиксации, в то же время повторяя разнообразие современных дискуссий по экологическим вопросам. Ведомые острым пониманием хрупкости естественного порядка, практики неявно излагают призыв к окружающей среде и призыв прислушаться к тайной жизни вселенной и ощутить ее.

Мишель Блейзи, Хронология
Мишель Блази родился под пейзажем Ривьеры 24 апреля 1966 года и сегодня является одной из самых оригинальных французских фигур своего поколения. С помощью низкотехнологичных эффектов и экспериментов художник наблюдает за живыми и работает с ними, используя элементы от домашнего сада до супермаркета. Эти небольшие эволюционные и эфемерные действия показывают чувствительные исследования микроорганизмов в постоянных изменениях.

Он представил в Galerie des Ponchettes иммерсивную инсталляцию, похожую на сад наслаждений, в котором фрески, руины и спонтанная растительность буквально доставляют ощущение прошедшего времени. Арки галереи, покрытые помпейским красным, как томатное пюре, контрастировали с голубым небом, сделанным из агар-агара, напоминая картины Джотто. В центре фрески был круг из древесного угля, из которого самопроизвольно оживала растительность. Матовый черный цвет кальцинированного дерева контрастирует с блеском и свежестью зелени, подчеркивая идею регенерации. Скульптура Анрике, покрытая алюминиевой фольгой, кирпич и жесткий диск, заросший спонтанной растительностью, одежда, покрытая мхом, завершают этот хроматический, обонятельный и чувственный пейзаж, нарисованный в масштабе архитектуры.

Ирен Копельман Растущие, переплетенные, узловатые, свернутые в спирали пейзажи
Ирен Копельман родилась в 1974 году в Кордове, Аргентина, и живет между Аргентиной и Амстердамом. Она исследует исключительные экосистемы по всему миру в поисках понимания механизмов живого мира. Каждый новый биотоп представляет собой особое приключение с погружением, которое одновременно чувствительно (ощущение ландшафта, его масштаб, его движения); визуальный (запутанность и взаимозависимость элементов) и интеллектуальный (открытие с научными группами на месте инструментов для записи и измерения, понимание самой жизни этих экосистем и их роли в крупном масштабе).

На этапах его наблюдений создаются серии тонких рисунков или гуашей на грани абстракции, фрагментарные мотивы которых вызывают столько образцов пейзажа. Эта работа «по мотивам» и практика «пост-натурных» съемок относятся к исследованиям естествоиспытателей XVIII и XIX веков. Очарованный кабинетами любопытства и множеством досок с минералами и растительными видами, рожденными в этот период открытий, художник ставит под сомнение эту эпоху исследований и конструирования знаний, идентификации природных явлений и методологических проб и ошибок, сталкиваясь с ней современные экологические проблемы.

Часто она сознательно сосредотачивалась на экстремальных ландшафтах из-за их обширности, их обволакивающей природы и относительной неспособности постичь их глобальность: пустыни, джунгли, ледники и т. Д. Из этой необъятности она каждый раз выделяла элементы, которые априори скромны (лишайники) , листья, простые наборы линий во время плавания лодки в Антарктиде и т. д.), как если бы лучше восстановить вселенную ее компоненты и движения и подчеркнуть уязвимость экосистем. На выставке MAMAC она впервые во Франции представила сериалы, созданные в тропическом лесу Панамы в 2014 году: Project Vertical Landscape, Lianas; серия рисунков на мангровых зарослях, созданных в Бокас-дель-Торо, и две большие картины, основанные на серии рисунков «Банское дерево», созданных специально для выставки.

Восемнадцать рисунков из серии Crab Pellets также представлены на выставке «Cosmogonies, au gré des éléments» и напрямую перекликаются с современной галереей. Ее следующая область исследований будет сосредоточена на морских организмах,… возможности нарисовать новое созвездие с научными сообществами по всему миру, в первую очередь, из Océanologique Observatoire de Villefranche-sur-Mer и Université Côte d’Azur, которые с MAMAC будет сопровождать художника в этом новом исследовании.

Изобретение танца: в Джадсоне и его окрестностях, Нью-Йорк, 1959 – 1970 гг.
В 1960-х годах Мемориальная церковь Джадсона (на Вашингтон-сквер в Нью-Йорке) стала главным центром художественных экспериментов и основным местом выступления для многих художников в центре Нью-Йорка. Представления будут переплетать изобразительное искусство, музыку, поэзию, театр и танец и действительно расширят само понятие того, что может считаться танцем. После работы выдающихся деятелей того периода, таких как хореографы Анна Халприн и Мерс Каннингем, художники Клас Ольденбург и Аллан Капроу, а также композиторы Джон Кейдж и Ла Монте Янг, многие танцоры Джадсона впервые собрались вместе в классе экспериментальной хореографии, который преподавали. композитора Роберта Данна.

Выставка дала возможность заглянуть в «Джадсона», который и сегодня оказывает большое влияние на современный танец и изобразительное искусство. С помощью фильмов, архивных фотографий и эфемерных материалов он пытается задокументировать различные движения тел в Джадсоне. Остается вопрос: как выставить работы, многие из которых импровизированы и специфичны для оригинального исполнения, шесть десятилетий спустя? Когда Джон Хендрикс, художник-активист и соучредитель Guerilla Art Action Group, в 1966 году вновь открыл галерею Джадсона, она снова превратилась в площадку для радикализма и междисциплинарного сотрудничества. В 1970 году он стал горячей точкой в ​​защите свободы слова художниками во время противостояния Вьетнамской войне и продолжающемуся развитию антирасистского, антиколониального, феминистского и квир-активизма в культурной сфере.

Бернар Венет. Концептуальные 1966-1976 гг.
В 1966 году молодой художник Бернар Венет покинул Ниццу и переехал в Нью-Йорк, где начал художественную революцию, введя математику, астрофизику, а позже и многие другие области науки и дисциплины в сферу искусства. В 1970 году он заработал репутацию одного из лидеров концептуального искусства, зарождающегося движения, охватившего Европу и весь мир. Период с 1966 по 1976 год был ослепительным и плодотворным временем, в течение которого интуиция и методическое видение Венета направили его на непреодолимый путь к новому поколению, одновременно иконоборческому – продвигающему искусство за пределы его собственного определения и процесса возникновения – и глубоко современному, поскольку в ней больше, чем в любом другом виде искусства, решался вопрос о дематериализации искусства и информационных потоков. Этот период также ознаменовал начало Бернара Венета.

Выставка распространяется на верхний этаж MAMAC с помещением, посвященным основным произведениям минималистского и концептуального искусства, выбранным из коллекции Бернара Венета, отражающим интеллектуальный и художественный ландшафт этого десятилетия и его дружеские отношения в то время. Впервые с 1971 года этот период, о котором еще мало что известно об этой работе, является предметом большой ретроспективы. В нем собрано более 150 произведений искусства и документов, большинство из которых демонстрируется впервые. Параллельно с этой десятилетней выставкой и исследованиями главная выставка MAC Lyon предлагает ретроспективу всего творчества художника: Бернар Венет: 2019 – 1959.

Выставки в 2019 году
Адриан Вескови. Мнемозина
Приглашенный MAMAC возглавить Galerie des Ponchettes, Вескови создал почти чувственную чувственную прогулку с помощью своих экспериментов с изображениями. В ответ на угловой дизайн галереи картины, подвешенные на разной высоте, акцентируют пространство, играя на параллелях и перпендикулярах, чтобы посетители могли ходить вокруг и сквозь. Краски, извлеченные художником из теплых руссильонских охр, марокканских почв и специй, пропитали холсты, которые он затем выставил на несколько месяцев прохладному свету и плохой погоде в парке в Голландии. Для Ponchettes он, наконец, собрал эти отдельно стоящие холсты в новые композиции, играя на тех движениях север-юг, которые оставили свой след в истории живописи.

Адриен Вескови создает свои собственные цвета из отваров растений или минералов, создавая «эссенции ландшафта», отражающие различные географические места, в которых он работает. Выставляя свои полотна ветру, лунному свету, солнечному свету и явлениям окисления, возникают примитивные формы или оттенки, населенные память об их различных состояниях существования. В галерее веревки, сплетенные и окрашенные художником, рисовали дикие изгибы между картинами, переплетаясь и поднимаясь между арками, как виноградные лозы, вьющиеся по земле. Они ниспровергали линии и плоскости картин. в горшках со странными отварами они постепенно наполнялись материалами / цветами, созданными Вескови. На эту внутреннюю прогулку откликались рисунки на огромных арках снаружи. Обращенные к морю и подверженные воздействию солнца, ветра и дождя,на время выставки полотна были заряжены памятью о метеоритах.

Дьявол во плоти, когда оп-арт электризует кино
В рамках Ниццкой биеннале искусств 2019: «Синема одиссея. La Victorine исполнилось 100 лет». В начале 1960-х годов кинетическое искусство произвело заметное впечатление в Европе благодаря двойному кредо: дестабилизация восприятия и популяризация искусства. Картины с фокусом света, моторизованные освещенные рельефы и головокружительная обстановка изменили восприятие. Это авангардное искусство, получившее в 1964 году прозвище «Оп-арт», имело огромный успех, настолько, что стало известно об исключительном феномене угона. В то время как рекламные агенты, дизайнеры, крупные бренды и мир моды ухватились за его волнующие формы, кино предоставило Оп-арту неожиданный угол зрения. Искусство движения и света, оно было и предшественником, способным сублимировать свои визуальные игры, и последователем, который стремился поглотить его своим стремлением к современности. От драм до триллеров,

Эта выставка погружает посетителей в эту страстную историю между двумя искусствами, перемежающуюся насмешками и непониманием, взаимной сублимацией, поп-музыкой или барокко, а также коллаборациями и подражанием. При поддержке почти 30 фильмов, 150 работ и документов он исследует происхождение и невысказанные аспекты этого хищнического увлечения, а также рассматривает то, что кинематограф раскрывает оп-арту о его собственной природе. Таким образом, он показывает дух десятилетия, охваченного современностью, жаждущего освобождения и преследуемого призраками войны. Эта эпоха, полная противоречий, создала совершенно новую эстетику, кульминацией которой стали плодотворные трения между изобразительным искусством и кино.

Ипполит Хентген, Невидимое бикини
«Невидимое бикини»… Название может означать начало невероятного квеста, который, кажется, связан с воспоминаниями о классических триллерах и комиксах, которые мы использовали в детстве. Работы Ипполита Хентгена, разбросанные по всей галерее, поднимаются вверх, как множество подсказок или фрагментов повествования, разжигая тайну. Негабаритные руки, ноги и ступни, лишенные какой-либо фигуры, кажется, были подняты прямо из мультфильма, как если бы они сбежали от персонажей, радостно расплющенных, растянутых и измельченных Тексом Эйвери. Сплавленные формы, освобожденные от двумерной судьбы, отведенной им анимацией и комиксами, также чем-то напоминают поп-культуру. Это’ Почти невозможно не вспомнить мягкие скульптуры Класа Ольденбурга или виниловые фигурки, созданные его современниками Терезой Бурга и Кики Когельник, наблюдая за этим парадом бесформенных тел и таких тривиальных предметов, как сигареты и газеты. Эта популярная отсылка усиливается включением повешений, сочетающих пышные пин-апы и звукоподражания.

Ипполит Хентген играет с этой смесью вселенных, которые никогда не собирались вступать в контакт. В этом музее воображения творения авангарда, комиксы, анимация, популярные иллюстрации и редакционные мультфильмы смешиваются, образуя фантастическую и ликующую вселенную, полностью отделенную от иерархии жанров. Это невидимое бикини – это, конечно, немного резкий и безудержный намек на Французскую Ривьеру, ее томные тела и стереотипы; прелюдия к художественной литературе, которую посетитель волен сочинять. Но это также и непочтительный, кричащий поп и намеренно озорной взгляд на работы стольких великих имен, которые составляют коллекции MAMAC.

Ларс Фредриксон
Ларс Фредриксон родился в Швеции и поселился на юге Франции в 1960 году. Неутомимый, любознательный и изобретательный художник, он создал уникальную и чувствительную вселенную, созданную с помощью поэзии, пластических экспериментов, дальневосточной философии и современных технологий. Его исследования основывались на духе времени: как и Нам Джун Пайк, Фредриксон очень рано исследовал пластический потенциал телевидения и электроники в целом, в то время как его исследования невидимых структур и случайности кажутся поразительно близкими к работам Джона Кейджа. Эти практики были связаны одним стремлением: сделать потоки, которые обычно невидимы – будь то энергетические, теллурические, звездные или внутренние – воспринимаемыми.

Эта ретроспектива художника Ларса Фредриксона возникла в результате сотрудничества с NMNM, Новым национальным музеем Монако. Здесь впервые были показаны вместе крупные ранее невиданные работы художника и произведения из крупных государственных и частных коллекций. Выставка открылась космическим масштабом «кинетических» работ и скульптур из нержавеющей стали, а затем перешла на коллажи и рисунки, отправленные по факсу, и на звуковые инсталляции, одним из пионеров которых был Фредриксон. Шоу пролило свет на его близость к Фонду Маэ, его многократное сотрудничество с поэтами и, не в последнюю очередь, его участие в Villa Arson, где он основал самую первую звуковую студию в художественной школе во Франции, тем самым оказав влияние на несколько поколений людей. звуковые художники вплоть до сегодняшнего дня. Таким образом,

Шарлотта Прингей-Сессак. Первобытный звук
Primal Sound – это приглашение к путешествию во времени, от первых свидетельств человеческой жизни в Ницце 400 000 лет назад и от свидетельств ограненных камней, оставленных этой группой, до событий, которые проводит сегодня художница Шарлотта Прингей. Cessac, чтобы вызвать яркую память о тех прошлых жизнях. Это путешествие сквозь века основано на идее первозданного звука – выражении, заимствованном у поэта Райнера Марии Рильке. После того, как он с удивлением обнаружил потенциал первых фонографов, он мечтал об «удивительной вещи»: «вложить в звуки бесчисленные следы творения, которые сохраняются в скелете, в камне, (…), трещине в дереве. , прогулка насекомого “. Воспоминания о прошлом мире, интимный диалог со свидетелями прошлого и волшебная мысль, которую она вкладывает в то, что кажется инертным,

Предыстория, методология и инструменты, используемые археологами, составляют основу ее работы, материал, из которого она развивает опыт и рассказы, позволяя себе блуждать между наукой и поэтической свободой, отпечатком, оставленным историей, и ее современным переосмыслением. Задуманная как путешествие, ее выставка в Ницце разворачивается от доисторического музея Терра Аматы, эпицентра деятельности этих первых людей, до MAMAC, включая «Коллин дю Шато», где захоронение XII и XIII веков наполнено погребальными сооружениями. Останки были обнаружены в 2013 году.

Музей современного искусства в Ницце
Музей современного искусства, также называемый Мамак, – это музей современного искусства, открытый с 21 июня 1990 года в Ницце. Расположенный в самом центре города, рядом с площадью Гарибальди и продолжением «Куле Верт», MAMAC предлагает погрузиться в международное послевоенное искусство с 1950-х годов до наших дней. С собранием почти 1 400 работ более чем 350 художников (в среднем 200 экспонатов) музей предлагает, среди прочего, оригинальный диалог между европейским новым реализмом и американским поп-артом. В музее также представлены основные произведения минималистского искусства и искусства повера. Основу коллекций составляют два крупных художника ХХ века: Ив Кляйн с уникальным в мире постоянным помещением, которое стало возможным благодаря долгосрочным кредитам Архивов Ива Кляйна, и Ники де Сен-Фалль. Выдающаяся послевоенная художница Ники де Сен-Фалль сделала большое пожертвование музею в 2001 году. Таким образом, MAMAC теперь владеет одним из крупнейших фондов художницы в мире.

Музей также проливает свет на необычность и известность местного искусства с конца 1950-х до начала 1970-х годов. Ницца и Лазурный берег были тогда важным местом для экспериментов и изобретений новых художественных жестов с такими выдающимися художниками, как Ив Кляйн, Марсьяль Райсс, Арман, Бен и такими группами, как Supports / Surface. Несмотря на уникальность личностей и практик, возникают три ключевых вопроса: акт присвоения повседневной жизни (в частности, с новыми реалистами), искусство жеста и отношения (с Fluxus) и аналитическое исследование картины (с Support / Поверхность и группа 70). Это исследование рассматривается в контексте европейского и американского художественного творчества за последние шестьдесят лет.

Здание музея, расположенное рядом с площадью Гарибальди, спроектированное архитекторами Ивом Баяром и Анри Видалем, имеет форму арки четвероногих, пересекающей Кур дю Пайон. Монументальность проекта, разработанного для обложки Paillon, позволяет связать музей с театром через террасу, называемую Promenade des Arts. Его квадратная планировка вдохновлена ​​правилами неоклассицизма. Доступная площадь составляет около 4 000 м 2, расположенных в девяти выставочных залах на трех уровнях. Его гладкие фасады облицованы белым каррарским мрамором. Вход и магазин находятся на уровне Эспланады Ники-де-Сен-Фалль с видом на площадь Ива Кляйна, где также расположены зрительный зал и современная галерея музея. На первом этаже музейные пространства отведены под временные выставки,

Помещения занимают пять уровней, в том числе два комплекта площадью 1 200 м2, посвященные коллекциям музея. Один этаж и проектный зал посвящены международным временным показам, чередующимся с тематическими выставками и монографиями крупнейших художников последних шестидесяти лет. С террасы на крыше, доступной для публики, открывается захватывающий панорамный вид на Ниццу.

Расположенный в самом сердце Ниццы, MAMAC (Музей современного искусства) был спроектирован архитекторами Ивом Баяром и Анри Видалем и открыт в 1990 году. С террасы на крыше, открытой для публики, открывается захватывающий панорамный вид на Ниццу. Его коллекция, богатая более чем 1300 работами 300 художников, связывает региональную и международную историю искусства.

Учредительная декларация нового реализма, написанная искусствоведом Пьером Рестани, подписана у Ив Кляйна в Париже 27 октября 1960 года. Однако именно в течение предыдущего десятилетия художники подготовили почву: Хайнс и Виллегле уже в 1949 году. «отделить» вместе свои первые «рваные плакаты»; Кляйн делает свои первые монохромные изображения, а Тингли – первые анимированные скульптуры …

1960 год – яркий год: Тингли создает свою первую самоуничтожающуюся машину в Нью-Йорке; Клейн создает свои «Антропометрии», а затем «Космогонии»; в Париже Сезар показывает три прессованные машины в Салоне де Май, а Арман заполняет галерею Ирис Клерт мусором во время шоу под названием «Полный» и т. д.

Общими чертами новых реалистов являются отказ от абстракции, осознание «современной природы»: природы фабрики и города, рекламы и средств массовой информации, науки и техники. Их процесс, основанный на этой реальности, перекликается с блестящим анализом общества потребления и его идолов, предложенным в 1956 году Роландом Бартсом в его книге «Мифологии». Группа вовлекает объект в новое приключение, используя поэтический аспект объекта: обломки, отсоединение плакатов, сборки, сжатия или скопления элементов, пришедших из промышленной технологии.

В 1961 году выставка под названием «Искусство сборки» в Музее современного искусства Нью-Йорка освящает близость Новых Реалистов с художниками поп-арта.

Американский поп-арт был построен на наследии британского поп-арта, созданного Независимой группой, ведущим членом которой был Лоуренс Аллоуэй, и в 1956 году он организовал в Лондоне символическую выставку «Это завтра». С американской стороны движение широко проявилось через художников-неодадаистов Роберта Раушенберга и Джаспера Джонса. Его ядро ​​находится в Нью-Йорке, где такие художники, как Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и Том Вессельманн выставляли свои работы. Поп-артисты напрямую относятся к обществу потребления и разрушительным последствиям, связанным с современным обществом потребления. Они выступали за возвращение к реальности, обращение к миру товаров и новым формам популярных культур: звезд кино, рекламы и комиксов, придавая им знаковое и отстраненное измерение, на фоне ценностей американского общества.

MAMAC хранит одну из самых больших коллекций работ Ники де Сен-Фалль в мире: более 200 работ, что позволяет им регулярно менять выставленные работы. Ники де Сен-Фалль (Neuillysur-Seine, Франция, 1930 – Ла Хойя, США, 2002) сделала из своей жизни произведение искусства. Без какого-либо особого художественного образования, кроме своего чутья и некой уверенности в том, что это ее судьба, она полностью посвящает себя своей работе. Искусство для нее было терапией, и ее артистический аппетит помогал ей преодолевать трудности, подчеркивать свои страдания и справляться с болезнью. «Шампанское, ледник и флер» – название письма 1979 года, которое Ники де Сен-Фалль написала своей подруге-художнице Марине Карелле, резюмирует ее личность, которая была одновременно сильной, чувствительной и харизматичной. Она была бунтарем и решила использовать оружие,

Первый из них был создан в 1961 году. «Тирс» [съемки] – это серия работ, благодаря которым она получила признание как художница и, несмотря на суровую критику, приобрела известность во Франции и быстро приобрела международную известность. Она также создавала оригинальные работы, помещая мешки с краской на покрытые гипсом холсты, а затем стреляла по холстам из винтовки. Работа снята, и в результате получилось новое творческое произведение. Художник выразил гнев и насилие внутри нее внешним жестом; она стреляла в своего отца, который подвергся насилию в возрасте 11 лет, в свою мать, а также в церковное общество и все его несправедливости.

После ее первых выставок Тирса «Новые реалисты» пригласили ее присоединиться к их группе, и она была единственной участницей. Когда в 1963 году Ники де Сен-Фалль уехала из Тира, она начала создавать скульптуры из белого гипса, некоторые из которых были смертельными или тревожными, как в случае с сериями, изображающими невест, сердец и даже рожающих женщин. Ее скульптуры были сделаны из ткани и шерсти на проволочных каркасах, к которым Ники де Сен-Фалль часто добавляла утилизированные предметы. Женщины, которых изображала Ники де Сен-Фалль, все еще были скованы браком или материнством, и она пыталась освободить их. К 1964 году Ники де Сен-Фалль обратилась к серии «Nanas», чтобы снова выделить женские фигуры. Эти скульптуры ярких цветов и изящных изгибов символизировали современную женщину, свободную от традиций. Наносы черные,

Этим монументальным проектам художница посвятила большую часть своей жизни. Ее скульптуры превратились в настоящие архитектурные произведения: горку Голема в Иерусалиме в 1972 году или Хон, самый большой из Нанас (длина 28 м), построенный Ники в 1966 году в Стокгольме. Она принимала активное участие в «Циклопе» (1969–1994) Жана Тингели в Миллила-Форе, недалеко от Парижа. Однако, без сомнения, Jardin des Tarots, проект в Тоскане, начатый в 1978 году, был ее самой обширной работой. Она самостоятельно финансировала весь проект, и на его выполнение у нее ушло более 20 лет. Искусство, возможно, спасло ей жизнь, но воздух, которым она дышала, создавая свои скульптуры из полиэстера, был причиной проблем с легкими, от которых она страдала всю оставшуюся жизнь. За год до своей смерти в 2001 году она подарила МАМАК много важных работ.

Ив Кляйн
Монохромное приключение
Посетите уникальную в мире галерею, посвященную мастеру нематериального. Ив Кляйн родился в Ницце в апреле 1928 года. его родители оба были художниками (Мари Реймонд и Фред Кляйн). В 1946 году он познакомился в Ницце с Арманом и поэтом Клодом Паскалем, с которыми поделился поэтическими приключениями на местных пляжах.

Он изучал дзюдо у Клода Паскаля (он стал 4-м даном), и они вдвоем гуляли босиком по авеню Жана Медсена, одетые в белые рубашки с отпечатками ладоней и ног Кляйна. Кляйн и Арман интересовались философией дзен, и именно на стене подвала, принадлежащего семье Армана, Кляйн нарисовал свои первые синие монохромы в период с 1947 по 1948 год. В 1955 году в Париже он познакомился с Тингели, Сезаром, Рэссом и Рестани, а в «Новом салоне» показал одноцветную картину «Выражение Вселенной в оранжевом цвете». Color Lead Orange], (M60), 1955, подписанный «Yves le Monochrome», который был отклонен и вызвал настоящий переполох.

С 1956 года последовали выставки “Yves: peintures”: Propositions Monochromes, Галерея Colette Allendy в Париже, Yves Klein: Proposte monocrome epoca blu в Милане и Pigment pur в 1957 году снова в галерее Allendy, во время которой он представил практические применения «синего периода» после создания ультрамаринового синего, который стал известен как IKB (международный синий Кляйн). Это было в 1958 году, после крупного медиа-события, выставки Vide в галерее Iris Clert в Париже, где Кляйн представил совершенно пустую галерею; стены были окрашены художником в белый цвет, а окно галереи – в синий цвет. В гостях у своего друга Роберта Годе на острове Сен-Луи он организовал первый из своих «живых кистей»,

Первые антропометрии были показаны публике в Galerie internationale d’Art contemporain в Париже в марте 1960 года, во время которого три обнаженные девушки, покрытые синей краской, ползли и двигались по полу, покрытому по этому случаю бумагой; модели также запечатлели свои тела на стенах под руководством «дирижера» Кляйна под звуки Симфонии Монотонно-Безмолвие. Кляйн умер в июне 1962 года в Париже, оставив после себя произведения большой лирической глубины, продемонстрировав силу пустоты, изваял воду и огонь, изобрел архитектуру воздуха и т. Д. Свидетельство этого – в серии «Космогонии» ». момент-состояния природы », фиксируя признаки атмосферного поведения холстов, путешествующих на крыше его автомобиля между Парижем и Ниццей,

3-й этаж
Игра слов. Играйте по знакам.
Знаменитая работа MAMAC, La Cambra или «Музей Бена» дает отчет о месте написания в творчестве этого выдающегося художника. Его гладкая, непринужденная, почти детская каллиграфия возвращает нас к ветрам перемен и искусству отношения, начатому в конце 1950-х годов в Ницце. Вокруг этого монументального произведения выставлены другие игры со словами, письмами и языками. На стенах, картинах и листах бумаги придумываются глифы и алфавиты, рисуются анаграммы, танцевальные стихи, теги и кроссворды. Эта выставка объединяет работы из коллекции, а также предоставленные в наследство и презентации художников разных поколений, связанные с историей музея. Выделены отношения между стеной и письмом.

Работы вовлекают тело зрителя, читателя, диктора или даже актера. Некоторые работы имеют очень низкий статус и требуют от посетителей внимания, другие кричат ​​на них, берут на себя задачу, вызывают их воображение. Центральный вопрос их расшифровки перекликается с вопросом понимания произведения и ключей к его интерпретации. В то время как слова призывают к миру поэзии и детства, они устанавливают в высшей степени политические отношения с миром, определяя место художника в нашем обществе.

Американское абстрактное искусство
Минимальное искусство появилось в США в середине 1960-х годов.
С минимализмом искусство рассматривалось с совершенно новой точки зрения, претерпевая радикальный переход, избегающий традиционных условностей. Самым замечательным аспектом этой трансформации были новые отношения между зрителем и произведением искусства, которые заново изобрели эстетическое восприятие объекта вплоть до его сути. Произведения искусства монополизировали пространство, которое стало экзистенциальным, а не эстетическим. Раньше произведение искусства занимало отдельную от зрителя территорию. Минимальное искусство открыло для художника новую сферу деятельности, в которой преобладало сознание собственного тела в его отношениях с окружающим пространством, что привело к появлению очень больших полотен и устареванию постамента.

Куплено с помощью FRAM Photo Muriel Anssens, Ville de Nice – ADAGP, Paris, 2019, треугольники и т. Д.) И по вопросам объема, поверхности и плоскостности. Стремясь к максимальному эффекту с минимальными затратами ресурсов, эти художники устранили любые следы субъективности в своей работе и часто использовали промышленные материалы и методы.

Среди сторонников движения: Дональд Джадд, Эллсуорт Келли, Роберт Моррис, Кеннет Ноланд, Франк Стелла и Ричард Серра.

Концептуальное искусство зародилось в 1960-е годы. Он утверждал примат идеи над объектом до такой степени, что создание произведения больше не было даже строго необходимым. Он раздвинул границы традиционного художественного поля, поставив под сомнение значение и цель художественной практики. В 1969 году Сол Левитт заявил: «Идеи могут быть произведениями искусства. Они находятся в цепочке развития, которая в конечном итоге может обрести некоторую форму. Все идеи необязательно превращать в физические».

В этом зале представлены следующие концептуальные художники: Сол Левитт, Джозеф Кошут, Роберт Моррис, Джеймс Ли Байарс и Эд Руша.

Альберт Чубак
Альберт Чубак родился в Женеве в 1925 году. После учебы в области декоративного искусства и изобразительного искусства в Женеве на его творчество повлияли некоторые периоды становления: его интерес к Клее, Кандинскому, Миро, Матиссу и Пикассо; встреча с Николя де Сталь в 1950 году; и его путешествия по Италии, Испании, Греции, Египту и Алжиру.

Выставки, созданные с использованием работ из коллекции MAMAC и неоценимой помощью: Архив Ива Кляйна, Национальный центр пластических искусств (Париж), Жан Дюпюи, Estate Robert Filliou, Peter Freeman, Inc. (Нью-Йорк / Париж), Жан-Батист Ганн, Эрик Гишар. , Arnaud Labelle-Rojoux, La Succession Arman, Lilja Art Fund Foundation, Loevenbruck (Париж), Стефани Марин, Tania Mouraud, Niki Charitable Art Foundation, Emmanuel Regent, Sharing Art Foundation, Бен Вотье, Бернар Венет и коллекционеры, пожелавшие остаться неизвестными .

С самых первых своих картин, которые были почти абстрактными, он использовал палитру основных цветов, нанесенных блоками. Затем он применил эту технику к «трансформируемым» деревянным скульптурам. Идея этих скульптур заключалась в том, чтобы позволить зрителю переключать элементы. Позднее он исследовал люминесцентные свойства цветного оргстекла.

В 2004 году Альберт Чубак подарил городу Ницце около сотни работ для Музея современного искусства. MAMAC представил это пожертвование в 2004 году, став тем самым ориентиром для работ художника во Франции.

Tags: