往届展览回顾2018-2019,法国尼斯现当代美术馆

自最近几年以来,MAMAC致力于活跃的艺术史新读本,并以当代社会问题为基础。单数人物的突出显示和新故事的产生。我们与自然的关系以及艺术家应对生态挑战的方式是该计划提出的关键主题之一。

导游,讲习班,与艺术家或研究人员的会议,讲故事的游览,演讲或投影,舞蹈访问,音乐会,表演和活动,促进了当代艺术的普及,并使不同领域的艺术家在游乐场中改造了博物馆。一年四季,博物馆团队与公司,协会,学生,社会工作者建立了一个网络群,以发明特定的计划和重新发明博物馆的方式。

2018年展览
奥古斯特·多尔梅(Auguste-Dormeuil),如果我不得不再次做一遍
Renaud Auguste-Dormeuil出生于1968年,一直在质疑1990年代中期以来在公共和政治舞台上所设想的图像是如何创建的。可见性/隐蔽性,明暗度/黑暗度,记忆/遗忘,我们所知道的/我们认为的我们所知,唤起而不露面,说不说话…都是理解他的作品的标志,它们塑造了构成图像流的代码。尽管艺术家最初的工作重点主要放在新制图上,但多年来,他的作品已发生了比喻性和表现性更高的变化。根据MAMAC和公共区域内的经验而设计,他在当代画廊中的展览采用了一系列细微的形式,并在展览期间进行了表演,

宇宙学,法国
召唤元素,捕捉束缚宇宙各个组成部分的无形纽带,了解侵蚀,烙印,结晶的过程,揭示阳光的灼烧……自1960年代初以来,无论是幻想主导元素还是玩弄创造性的谦卑让事情发生或在两者之间发生的事情,几代艺术家已经转向自然及其表现。这些旨在“聚集”风,光或花粉的艺术家聚集者的方法,源于旨在捕获自然现象,探索材料的各种状态或仔细观察表面上难以捉摸的元素的实验。

伊夫·克莱因(Yves Klein)进行的捕捉“自然瞬间状态”,土地艺术和“贫穷力量”着迷的实验似乎是艺术界与自然界之间这种共谋的关键时刻。 ,为此次展览选择的作品勾勒了无常的颂歌和自然界通过各代艺术家“辅助”的形式的出现。他们强调了他们对自然过程的持续吸引力以及对自然过程的捕捉,同时呼应了当代有关环境问题的辩论中的多样性。在敏锐地意识到自然秩序的脆弱性的驱使下,这些实践隐含了对环境的呼吁以及对聆听和感知宇宙秘密生活的呼吁。

Michel Blazy,时间轴
迈克尔·布拉齐(Michel Blazy)于1966年4月24日出生在蔚蓝海岸(Riviera)的风景下,如今已成为他这一代最原始的法国人物之一。通过低技术效果和实验,艺术家使用从家里的花园到超级市场的​​元素来观察和处理生活。这些小的进化活动和短暂活动揭示了微生物在不断变化中的敏感探索。

他曾在Ponchettes画廊想象到一个身临其境的环境装置,如愉悦的花园,壁画,废墟和自发的植被在其中提供了时光的流逝体验。画廊的拱门上覆盖着像番茄泥一样的庞贝红色,与琼脂制成的蓝天形成鲜明对比,让人联想起乔托的画作。在这幅壁画的中心是一圈木炭,木炭从中自动生出。煅烧木材的亚光黑色与绿色植物的光彩与新鲜形成鲜明对比,从而彰显了再生的理念。Anrique雕塑上覆盖着铝箔,砖块和硬盘,上面长满了自发的植被,衣服上长满了苔藓,构成了这种彩色,嗅觉和感官的风景,按建筑规模绘制。

艾琳·科佩尔曼(Irene Kopelman)成长,交织,打结,盘绕的风景
艾琳·科佩尔曼(Erene Kopelman)1974年出生于阿根廷科尔多瓦,目前居住在阿根廷和阿姆斯特丹之间。她探索世界各地特殊的生态系统,以寻求对生活世界机制的理解。每个新的生物群落都构成了一个特定的浸入式冒险,既敏感(感受景观,其规模,其运动);视觉(元素的纠缠和相互依存)和知识(与现场的科学团队一起发现记录和测量工具,了解这些生态系统的生命本身及其在很大程度上的作用)。

从他的观察阶段开始,在抽象的边缘创建了一系列细长的水粉画或水粉画,其碎片图案唤起了如此众多的景观样本。这项“主题化”的工作和“后自然”调查的这种实践是指18和19世纪自然主义者的探索。艺术家对好奇心以及对这一发现所产生的多种矿物和植物物种的迷恋着迷,他质疑这个探索和建构知识,识别自然现象和方法学尝试与错误的时代,同时面对它。当代生态问题。

通常,由于它们的广阔,包罗的性质以及相对缺乏把握其全局性的能力,她故意将注意力集中在极端景观上:沙漠,丛林,冰川等。由于这种巨大,她每次都具有孤立的先验适度的元素(地衣,树叶,在南极洲航行时的简单线条等),似乎可以更好地恢复宇宙的组成和运动,并突出生态系统的脆弱性。在MAMAC上,她首次在法国展示了2014年在巴拿马热带森林中创作的系列,藤本植物垂直景观项目;在Bocas del Toro创作的一系列关于红树林的图纸和两幅大型画作,以专为展览而创作的一系列“ Banian tree”图纸为基础。

在“ Cosmogonies,augrédeséléments”展览中还展示了18件来自“蟹丸”系列的绘画,并与当代画廊直接呼应。她的下一个研究领域将集中于海洋生物,……这次机会是与世界各地的科学界一起绘制一个新星座的机会,最重要的是,滨海维朗弗兰科河畔天文台和蔚蓝海岸大学以及MAMAC将陪伴艺术家进行这项新的探索。

发明舞蹈:贾德森及其周边地区,1959年-1970年,纽约
在1960年代,贾德森纪念堂(位于纽约华盛顿广场)成为艺术实验的主要中心,并成为纽约市区许多艺术家的主要表演空间。表演将视觉艺术,音乐,诗歌,戏剧和舞蹈交织在一起,并确实扩展了所谓舞蹈的概念。继编舞家Anna Halprin和Merce Cunningham,艺术家Claes Oldenburg和Allan Kaprow以及作曲家John Cage和La Monte Young等具有开创性的人物之后,许多Judson舞者首先参加了实验性编舞课,由作曲家罗伯特·邓恩(Robert Dunn)创作。

展览提供了对“贾德森”的一瞥,直到今天,它仍然对当代舞蹈和视觉艺术产生重大影响。通过电影,档案照片和临时照相,它试图记录贾德森尸体的各种运动。问题仍然是:如何在六十年后展示作品,其中大部分是即兴创作的并且是针对其原始表现的?激进艺术家和游击队艺术行动小组的联合创始人乔恩·亨德里克斯(Jon Hendricks)于1966年重新开放贾德森美术馆时,它再次成为激进主义和跨学科合作的场所。1970年,它成为反对越南战争和在文化领域反种族主义,反殖民主义,女权主义和酷儿行动主义的持续发展期间,艺术家捍卫言论自由的一个亮点。

伯纳尔·韦内。概念年1966-1976
1966年,年轻的艺术家Bernar Venet离开尼斯,搬到纽约,在那里发起了一场艺术革命,将数学,天体物理学以及后来的许多其他科学领域和其他学科引入了艺术领域。1970年,他以概念艺术的领军人物之一的声誉而声名远扬,这一新兴运动席卷了欧洲和国际各地。1966年至1976年是一个令人眼花pro乱,多产的时期,在此期间,维内特的直觉和方法论视野使他走上了不可阻挡的道路,使之立刻成为新一代的图标破译者,使艺术超越了其自身定义和出现过程的边界,并自此以来具有深远的当代意义。它比任何其他艺术形式都更关注艺术和信息流非物质化的问题。这个时期也标志着Bernar Venet’的开始

展览延伸至MAMAC的顶层,房间里陈列着精选自伯纳·维内(Bernar Venet)收藏的极少概念艺术的主要作品,反映了这个十年的知识和艺术风貌以及当时的友谊。这是自1971年以来的第一次,这一时期(至今对此工作知之甚少)成为主要回顾的主题。它收集了150多种艺术品和文件,其中大多数是首次展示。在这十年的展览和研究的同时,MAC Lyon大型展览提供了艺术家全部作品的回顾展:Bernar Venet:2019 – 1959年。

2019年展览
Adrien vescovi。记忆力
在MAMAC的邀请下,Vescovi接管了Galerie des Ponchettes,通过他的绘画实验创造了一种几乎感官的感官漫步。为了响应画廊的棱角设计,悬挂在不同高度的绘画点缀了这些空间,并在平行线和垂直线上播放,供游客走来走去。艺术家从温暖的Roussillon and石和摩洛哥的土壤和香料中提取的色彩注入了画布,然后在荷兰的公园里暴露于凉爽的光线和恶劣的天气下几个月。对于Ponchettes,他最终将那些独立的画布组装成新的构图,并使用那些在绘画历史上留下自己印记的南北运动。

阿德里安·维斯科维(Adrien Vescovi)从植物或矿物汤料中提取出自己的颜色,通过将画布暴露于风,月光,阳光和氧化现象,原始形态或阴影的出现,创造出反映其工作所在不同地理位置的“景观精华”。在画廊中,艺术家编结和染色的绳索在画作之间画出了狂野的曲线,在拱门之间交织并上升,就像藤蔓在地面上蜿蜒曲折,颠覆了画作的线条和平面。在罐子里装满奇怪的汤料,它们逐渐被维斯科维创造的材料/颜色注入。对室内步道的反应是外面巨大的拱门上的画作。面对大海,面对阳光,风吹雨打,在展览期间,画布上充斥着流星的记忆。

当欧普艺术为电影通电时,肉身魔鬼
作为“ 2019年尼斯艺术双年展”的一部分:“电影奥德赛。拉维汀已有100岁的年龄”。在1960年代初期,动能艺术在欧洲赢得了双重声誉:破坏稳定的观念并使艺术流行。诡计多端的绘画,机动的灯光浮雕和令人眼花environments乱的环境改变了人们的感知。1964年,这种前卫艺术被昵称为“ Op Art”,并获得了巨大的成功,以至于知道了一种特殊的踩踏现象。广告代理商,设计师,主要品牌和时尚界抓住了令人振奋的形状,而电影却给《 Op Art》带来了意想不到的角度。它既是动作和灯光的艺术,又是能够提升其视觉效果的前身,又是追随者,其努力通过对现代性的渴望来吞噬它。从戏剧到惊悚片,

该展览使游客沉浸在这两种艺术之间的激情故事中,其中充满了嘲讽和误解,相互升华,流行或巴洛克式的交付,合作和模仿。在近30部电影,150部作品和文献的支持下,它探索了这种掠夺性迷恋的起源和不言而喻的方面,并考虑了电影向Op Art揭示了其自身的本质。因此,它显示了十年间被现代主义震撼,渴望解放并被战争幽灵困扰的精神。这个充满矛盾的时代创造了一种全新的审美观,最终使视觉艺术和电影之间产生了富有成果的摩擦。

Hippolyte Hentgen,隐形比基尼
隐形比基尼……这个标题可能预示着一项不可能的探索的开始,该探索似乎是在回忆经典恐怖小说和漫画书的回忆,而这些漫画书和漫画书我们都是从小就消费的。Hippolyte Hentgen的作品散布在整个画廊中,像许多线索或叙述片段一样兴起,激发了神秘感。从任何图形上都无法体现的过大的手,脚和脚,似乎是直接从动画片中抬起的,就好像他们逃离了特克斯·艾弗里(Tex Avery)兴高采烈地扁平化,拉伸和粉碎的角色一样。从动画和漫画保留给他们的二维命运中解放出来的融化形式,也让人想起流行文化。它’ 观察这种无形的身体和琐碎的物体(如香烟和报纸)时,几乎不可能想到克莱斯·奥尔登堡(Claes Oldenburg)的软雕塑或他的同时代特蕾莎·布尔加(Teresa Burga)和基奇·科格尼克(Kiki Kogelnik)制作的黑胶唱片。流行参考通过结合了丰胸针和拟声词的绞刑而得到加强。

Hippolyte Hentgen玩具具有从不打算接触的这种混合宇宙。在这个充满想象力的博物馆中,前卫的作品,漫画,动画,流行的插图和社论漫画相交融,形成了一个与幻想体系完全分离的奇幻而又欢乐的宇宙。当然,这种看不见的比基尼是对法国蔚蓝海岸及其蓬勃发展的身体和刻板印象的一种敏锐而无拘无束的点头。访客可以自由组成自己的小说的序幕。但这也是对MAMAC众多收藏中如此众多大名鼎鼎的作品的不敬,尖叫,流行和故意调皮。

拉尔斯·弗雷德里克森
拉尔斯·弗雷德里克森(Lars Fredrikson)生于瑞典,于1960年定居在法国南部。他是一位孜孜不倦的好奇和娴熟的创造力艺术家,他通过诗歌,塑料实验,远东哲学和现代技术创造了一个独特而敏感的宇宙。他的研究扎根于《时代精神》:就像南克·派克(Nam June Paik)一样,弗雷德里克森(Fredrikson)很早就研究了电视和整个电子领域的可塑性,而他对无形结构和随机性的研究与约翰·凯奇(John Cage)的研究非常接近。这些做法是通过一个单一的追求联系在一起的:使通常不可见的流(无论是能量流,碲流,恒星流或室内流)都可以感知。

通过与摩纳哥新国家博物馆(NMNM)的合作,对艺术家拉斯·弗雷德里克森(Lars Fredrikson)进行了回顾展。在这里,艺术家迄今为止从未见过的主要作品以及从重要的公共和私人收藏中借来的作品首次被一起展出。展览以“动能”作品和Inox雕塑的宇宙维度开始,然后通过传真到声音装置缝入拼贴画和绘画,其中Fredrikson就是其中的先驱之一。该节目展示了他与Maeght基金会的亲密关系,他与诗人的多次合作,以及他与Villa Arson的参与,在那里他在法国的一所艺术学校成立了第一家录音棚,从而影响了几代人。声音艺术家直到今天。通过这种方式,

夏洛特pringuey-cessac。原始声音
Primal Sound是一次时空旅行的邀请,从40万年前尼斯的人类生活的第一批证据,到该小组留下的切石的证词,直到艺术家Charlotte Pringuey今日的经历,塞萨克(Cessac)唤起人们对前世的活跃记忆。百年历程的旅程是基于原始声音的概念,原始声音是从诗人赖纳·玛丽亚·里尔克(Rainer Maria Rilke)借来的。在他惊奇地发现了第一款留声机的潜力之后,他梦见了一件“了不起的事”:“将无数的创作签名融入了声音,这些签名持续存在于骨架,石头,(……),木材的裂缝中。 ,昆虫的踪迹”。对过去世界的回忆,与过去目击者的亲密对话以及她为似乎惰性而投入的神奇思想,

史前史,考古学使用的方法和工具构成了她的工作基础,她以此为基础发展了经验和故事,使自己可以在科学和诗意的执照之间徘徊,历史留下的印记及其对当代的重新塑造。她被认为是一次旅程,在尼斯的展览从历史悠久的Terra Amata史前博物馆展开,该博物馆是这些首批人类活动的中心,并到MAMAC,包括la“ Colline duChâteau”,那里的葬礼可追溯至十二世纪和十三世纪。遗体于2013年被发现。

尼斯现代与当代艺术博物馆
现代与当代艺术博物馆(又称Mamac)是一家致力于现代和当代艺术的博物馆,自1990年6月21日起在尼斯开放。MAMAC位于城市中心,毗邻加里波第广场(Place Garibaldi)和“库尔维特(CouléeVerte)”的延伸,从1950年代至今,您都可以潜入国际战后艺术。博物馆收藏了350多个艺术家的近1400件作品(平均展出200件),其中包括(其中包括)欧洲新现实主义与美国波普艺术之间的原创对话。博物馆还展示了极简艺术和贫困艺术的主要作品。该系列的核心是20世纪艺术的两位主要画家:伊夫·克莱因(Yves Klein)拥有世界上独一无二的永久房间,这得益于伊夫·克莱因档案馆(Yves Klein Archives)的长期贷款,和妮基·圣法勒(Niki de Saint Phalle)。战后著名的女画家Niki de Saint Phalle在2001年向博物馆捐赠了巨款。因此,MAMAC现在拥有世界上最大的艺术家基金之一。

该博物馆还揭示了从1950年代末到1970年代初当地艺术界的奇异之处。当时,尼斯和蔚蓝海岸是与著名艺术家(如伊夫·克莱因(Yves Klein),马丁·雷塞(Martial Raysse),阿尔曼,本(Beman)和支持/表面(Supports / Surface)等团体进行实验和发明新艺术姿态的重要场所。尽管人格和做法很独特,但还是出现了三个关键问题:挪用日常生活的行为(尤其是新现实主义者),手势和态度的艺术(对于Fluxus)以及对绘画的分析性探索(与Support / Surface和Group 70)。这项研究与近六十年来欧洲和美国的艺术创作放在一起。

博物馆大楼位于加里波第广场旁,由建筑师伊夫·贝亚德(Yves Bayard)和亨利·维达尔(Henri Vidal)设计,其形状为四脚架拱形,横跨库尔斯·杜佩隆(Cours du Paillon)。佩隆(Paillon)封面上开发的项目具有纪念意义,可以通过名为Promenade des arts的露台将博物馆与剧院联系起来。凭借其平面图,其建筑受到新古典主义规则的启发。可用的表面积约为4,000 m 2,分布在三个级别的9个展示厅中。其光滑的外墙覆盖着白色卡拉拉大理石。入口和商店位于圣尼法尔教堂广场(Esplanade Niki de Saint Phalle)的高度,俯瞰伊夫·克莱因广场(Place Yves Klein),该剧院的礼堂和当代美术馆也位于此。博物馆专用于二楼的临时展览,

这些空间涵盖五个层次,包括两套面积为1.200平方米的博物馆藏品。一层和一个项目室专门用于国际临时展览,交替展示主题展览和过去60年主要艺术家的专题论文。公众可以进入屋顶露台,欣赏尼斯的壮丽全景。

MAMAC(现代和当代艺术博物馆)位于尼斯的中心,由建筑师伊夫·贝亚德(Yves Bayard)和亨利·维达尔(Henri Vidal)设计,于1990年开放。向公众开放的屋顶露台可欣赏尼斯的壮丽全景。该馆藏有300余位艺术家的1300多种作品,将地区和国际艺术史联系在一起。

由艺术评论家皮埃尔·雷斯蒂尼(Pierre Restany)撰写的《新现实主义宪法宣言》于1960年10月27日在巴黎伊夫·克莱因画廊(Yves Klein’s)签署。然而,正是在过去的十年中,艺术家们才奠定了基础:海恩斯(Hains)和维尔格莱(Villeglé)早在1949年将他们的第一批“分层海报”“分离”在一起;克莱因(Klein)首次创作单色画,而丁格利(Tinguely)首次创作动画雕塑…

1960年是生动的一年:Tinguely在纽约制造了他的第一台自毁机器。克莱因做了“人体测量学”,然后做了“宇宙学”。塞萨尔(César)在巴黎的沙龙(Salon de Mai)展示了三辆压缩车,阿尔曼(Arman)在名为“满满”的展览中将爱丽丝·克雷特(Iris Clert)画廊装满了废物。

新现实主义者的共同特征是拒绝抽象,对“现代自然”的意识:工厂和城市,广告,大众媒体,科学和技术之一。在这种现实中,他们的过程与罗兰·巴特斯(Roland Barthes)1956年在其著作《神话》中提出的对消费社会及其偶像的精彩分析相呼应。该小组利用对象的诗意方面使对象参与新的冒险:碎屑,海报分离,组合,压缩或来自工业技术元素的堆积。

1961年,在纽约现代艺术博物馆举行的名为“集合艺术”的展览将新现实主义者与波普艺术艺术家的亲密关系奉为神圣。

美国波普艺术是建立在英国波普艺术遗产的基础上的,而英国波普艺术则来自劳伦斯·阿洛威(Lawrence Alloway)领导的独立组织,并于1956年在伦敦组织了“这就是明天”标志性展览。在美国方面,这一运动从新达达艺术家罗伯特·劳森伯格(Robert Rauschenberg)和贾斯珀·约翰斯(Jasper Johns)广泛出现。它的核心在纽约,安迪·沃霍尔(Andy Warhol),罗伊·利希滕斯坦(Roy Lichtenstein)和汤姆·韦塞尔曼(Tom Wesselmann)等艺术家展出了他们的作品。流行艺术家直接指消费社会及其与现代消费主义社会有关的破坏性影响。他们主张回归现实,转向商品世界和新形式的大众文化:电影明星,广告和漫画,赋予他们标志性和超然的维度,并以美国社会的价值观为背景。

MAMAC拥有Niki de Saint Phalle世界上最大的藏书之一:超过200幅作品,使他们可以定期更改展出的作品。Niki de Saint Phalle(法国塞纳河畔纳伊,1930年-美国拉荷亚,2002年)使她的一生成为一件艺术品。除了本能之外,没有任何特殊的艺术教育,并且没有确定这就是她的命运,她完全致力于自己的作品。对她来说艺术是治疗,她的艺术胃口帮助她克服了困难,彰显了她的痛苦并在面对疾病时能够应付。Niki de Saint Phalle写给艺术家朋友Marina Karella 1979年的一封信的标题“ Champagne,glacier et fleurs”总结了她的个性,既坚强,敏感又富有魅力。她是叛军,选择使用武器,

其中的第一部作品创作于1961年。“摄影”是她获得了广泛认可的一系列作品,尽管遭到了严厉批评,在法国乃至国际上也声名狼藉。她还通过将装满颜料的袋子放在石膏覆盖的画布上,然后用步枪在画布上射击来创作原创作品。作品被拍摄,结果是新的创意作品。艺术家以一种外向的姿态表达了她内心的愤怒和暴力。她向11岁时遭到虐待的父亲开枪,向母亲开枪,还向教会协会及其所有不公正待遇开枪。

在首次Tirs展览之后,新现实主义者邀请她加入小组,她是唯一的女性成员。1963年,妮基·德·圣法尔(Niki de Saint Phalle)脱离了Tirs的过渡时,她开始用白色石膏创作雕塑,其中一些雕塑是致命的或令人不安的,代表新娘,爱心甚至分娩的妇女的作品系列就是这种情况。她的雕塑是用布和羊毛在金属框架上制成的,尼基·德·圣法尔经常在上面加上打捞的物品。Niki de Saint Phalle所描绘的女性仍然因婚姻或母性而束缚,她正试图让她们自由。到1964年,妮基·德·圣法尔(Niki de Saint Phalle)拥抱“娜娜斯(Nanas)”系列再次凸显了女性形象。这些雕塑以大胆的色彩和大方的曲线象征着从传统中解放出来的现代女性。Nanas是黑色的

艺术家将毕生的精力都投入到了这些具有纪念意义的项目中。她的雕塑变成了真正的建筑作品:1972年在耶路撒冷的Golem滑梯或1966年由Niki在斯德哥尔摩建造的Nanas中最大的Hon(长28 m)。她在巴黎附近的Millyla-Forêt的Jean Tinguely积极参与了Cyclope(1969-1994)的工作。但是,毫无疑问,1978年开始的托斯卡纳地区的塔罗德花园(Jardin des Tarots)是她最全面的工作。她为整个项目自筹资金,花了20多年才完成。艺术也许挽救了她的生命,但她在创作聚酯雕塑时呼吸的空气却是她一生都将遭受肺部疾病困扰的原因。在2001年去世的前一年,她向MAMAC捐赠了许多重要作品,

伊夫·克莱因(Yves Klein)
单色冒险
探索一个世界上独一无二的画廊,致力于非物质大师。伊夫·克莱因(Yves Klein)于1928年4月出生在尼斯。他的父母都是画家(玛丽·雷蒙德和弗雷德·克莱因)。1946年,他在尼斯遇到了阿尔曼(Arman)和诗人克劳德·帕斯卡尔(Claude Pascal),他将与他们分享当地海滩上的诗意冒险

他与克劳德·帕斯卡尔(Claude Pascal)一起学习柔道(他将成为第4段),他们两个光着脚漫步在让·梅德金大街上,身穿白衬衫,上面印着克莱因的手印和脚印。克莱因和阿尔曼对禅宗哲学很感兴趣,在阿尔曼一家的地窖墙上,克莱因在1947-1948年间画了他的第一批蓝色单色画。1955年,在巴黎,他遇到了丁格利(Tinguely),塞萨尔(César),雷塞(Raysse)和雷斯塔尼(Restany)。在法国新艺术沙龙(Salon desRéalitésNouvelles),他展示了一幅单色绘画,《橙色的世界表达》。彩色铅橙色,(M60),1955年,签署了“ Yves le Monochrome”,但遭到拒绝并引起轰动。

从1956年开始,举办“伊夫·佩内特斯”展览:命题单色,巴黎科莱特·阿连迪画廊,伊夫·克莱因:1957年米兰的Proposte monocrome epoca blu,米兰和颜料pur,再次在阿连迪·画廊展示实用的作品在建立群青之后,人们将其称为“ IKB”(国际克莱因蓝)。1958年,主要的媒体事件发生后,在巴黎的Iris Clert画廊举办了Vide展览,在那里Klein展示了一个完全空的画廊。艺术家将墙壁漆成白色,画廊的窗户漆成蓝色。由他的朋友罗伯特·戈代特(Robert Godet)在圣路易岛(Ile Saint-Louis)主持,他精心策划了他的“生活刷”的第一次体验,

1960年3月,第一批人体模型在巴黎国际当代艺术画廊公开展出,表演中,三名女性裸体模特被蓝色油漆覆盖,爬行并在被纸覆盖的地板上移动;这些模型还在“指挥”克莱因的指导下将他们的身体印在墙壁上,以获得单调-沉默交响乐的声音。克莱因(Klein)于1962年6月在巴黎逝世,他表现出空虚,雕刻的水和火的力量,发明了空气的建筑等,留下了深深的抒情色彩。这在“宇宙论”系列中得到了证明,“记录着大自然的瞬间状态”,记录了他在巴黎和尼斯之间的车顶上旅行的帆布的大气行为迹象,

3楼
玩文字游戏。在标志上玩。
MAMAC,La Cambra或“本博物馆”的标志性作品描述了这位重要艺术家作品的写作地点。他那流畅,朴实,几乎幼稚的书法使我们回到了1950年代后期在尼斯发起的变革之风和态度艺术。在这项具有纪念意义的作品周围,还展示了其他带有文字,文字和语言的游戏。在墙壁上,发明了绘画和纸片,字形和字母,绘制了字谜,舞诗,标签和填字游戏。该展览结合了该馆藏的作品以及与博物馆历史有关的不同世代艺术家的贷款和展示。墙和文字之间的关系突出显示。

这些作品吸引了观众,读者,发声者甚至演员的身体。有些作品的知名度很低,需要访客注意,其他作品则大喊大叫,带他们去做任务,发挥想象力。解密它们的中心问题与理解作品和解释作品的关键相呼应。文字唤起了诗歌和童年的世界,但它们与世界建立了显着的政治关系,取代了艺术家在我们社会中的地位

美国抽象艺术
1960年代中期,美国出现了极少的艺术品
极简主义使艺术从一个全新的角度出发,经历了一种避开传统惯例的根本性转变。这种转变最显着的方面是观众与艺术品之间的新关系,从根本上重塑了对物体的审美感知。艺术品垄断了这个空间,该空间变成了一个存在性空间,而不再是一个审美空间。以前,一件艺术品占据了自己与观众分开的领地。极简主义艺术为艺术家打开了一个新的活动领域,在该领域中,他们自己的身体与周围空间的关系占据了主导地位,从而导致了超大画布和底座的陈旧。

在FRAM Photo Muriel Anssens,Ville de Nice-ADAGP,巴黎,2019三角形等的帮助下以及在体积,表面和平坦度方面购买的。为了通过最少的资源获得最大的效果,这些艺术家消除了作品中任何主观性的痕迹,并经常结合工业材料和技术

该运动的支持者包括:唐纳德·贾德,埃尔斯沃思·凯利,罗伯特·莫里斯,肯尼斯·诺兰德,弗兰克·斯特拉和理查德·塞拉。

概念艺术诞生于1960年代。它断言了这一观念在对象之上是至高无上的,以至于不再需要严格地制作作品。通过质疑艺术实践的意义和目的,它突破了传统艺术领域的界限。1969年,索尔·勒维特(Sol LeWitt)宣布:“想法可以成为艺术品。它们处于发展链中,最终可能会找到某种形式。所有想法都不必成为现实。”

该会议室提供以下概念艺术家:索尔·勒维特,约瑟夫·科苏特,罗伯特·莫里斯,詹姆斯·李·拜尔斯和埃德·鲁沙。

阿尔伯特·丘巴克
艾伯特·丘巴克(Albert Chubac)于1925年出生于日内瓦。在日内瓦学习装饰艺术和美术之后,他的作品受到了一些形成时期的影响:他对Klee,Kandinsky,Miró,Matisse和Picasso的兴趣;1950年与Nicolas deStaël会面;以及他在意大利,西班牙,希腊,埃及和阿尔及利亚的旅行。

由MAMAC藏品创作的展览,并得到以下各方面的宝贵帮助:伊夫·克莱因档案馆,国家艺术塑形艺术中心(巴黎),让·杜普伊,罗伯特·菲利乌庄园,彼得·弗里曼公司(纽约/巴黎),让·巴蒂斯特·甘妮,埃里克·贾查德,Arnaud Labelle-Rojoux,La继承Arman,Lilja艺术基金会,Loevenbruck(巴黎),StéphanieMarin,Tania Mouraud,Niki慈善艺术基金会,EmmanuelRégent,分享艺术基金会,Ben Vautier,Bernar Venet和希望保持匿名的收藏家。

从他的几乎是抽象的第一幅画开始,他就使用了原色调色板,并以块体形式应用。然后,他将此技术应用于“可变形”的木制雕塑。这些雕塑背后的想法是使观看者能够切换元素。在随后的一段时间里,他探索了彩色有机玻璃的发光特性。

2004年,阿尔伯特·丘巴克(Albert Chubac)向尼斯市捐赠了约一百件作品,以作为现代和当代艺术博物馆。MAMAC在2004年展示了这一捐赠,因此成为该艺术家在法国作品的参考点。

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