Revisão de exposições anteriores 2018-2019, Museu de Arte Moderna e Contemporânea de Nice, França

Desde há anos que o MAMAC está empenhado em novas leituras ativas da história da arte, ancorado em questões sociais contemporâneas; o destaque de figuras singulares e a produção de novas histórias. A nossa relação com a Natureza e a forma como os artistas lidam com os desafios ecológicos é um dos principais assuntos levantados no programa.

Visitas guiadas, workshops, encontros com artistas ou pesquisadores, tours de contação de histórias, palestras ou projeções, visitas de dança, concertos, performances e eventos, promovem a acessibilidade da arte contemporânea a um público mais amplo e transformam o museu em um playground para artistas de diversas áreas. Ao longo do ano, a equipe do museu constrói uma constelação de redes com empresas, associações, estudantes, assistentes sociais para inventar programas específicos e formas de reinventar o museu.

Exposições em 2018
Auguste-Dormeuil, Se eu tivesse que fazer tudo de novo
Nascido em 1968, Renaud Auguste-Dormeuil questiona como as imagens são criadas desde meados dos anos 1990, idealizadas em sua arena pública e política. Visibilidade / invisibilidade, luz / escuridão, relembrar / esquecer, o que sabemos / o que pensamos saber, evocar sem mostrar, dizer sem falar… são todos marcadores para a compreensão das suas obras, que configuram os códigos que estruturam o fluxo das imagens. Embora as preocupações iniciais do artista tenham se concentrado essencialmente em novas cartografias, por vários anos seu trabalho tomou um rumo mais metafórico e performático. Concebida como uma constelação de experiências no interior do MAMAC e no espaço público, a sua exposição na galeria contemporânea concretizou-se num conjunto de infra-finos e espectáculos montados ao longo do tempo da exposição,

Cosmogonias, Au Gré des Éléments
Convocando os elementos, captando os laços invisíveis que ligam os componentes do universo, entendendo os processos de erosão, imprinting, cristalização, revelando a queimadura do sol… Desde o início dos anos 1960, seja fantasiando sobre o domínio dos elementos ou brincando com a humildade criativa de deixar as coisas acontecerem, ou em algum ponto intermediário, várias gerações de artistas se voltaram para a natureza e suas manifestações. A abordagem desses artistas-coletores, que se propuseram a “reunir” o vento, a luz ou o pólen, deriva de experimentos focados na captura de fenômenos naturais, na exploração de vários estados dos materiais ou na observação meticulosa de elementos aparentemente elusivos.

Os experimentos de Yves Klein para capturar os “estados momentâneos da natureza”, Land art e Arte povera fascinada pelas “forças em ação” parecem ser momentos-chave nesta cumplicidade entre o mundo artístico e o reino natural. Atualizando esta experimentação , as obras selecionadas para a exposição traçam uma ode à impermanência e ao surgimento de formas “assistidas” pela natureza por várias gerações de artistas. Eles destacam sua atração persistente por processos naturais e para capturá-los, enquanto ecoam a diversidade no debate contemporâneo sobre questões ambientais. Impulsionadas por uma consciência aguda da fragilidade da ordem natural, as práticas esboçam implicitamente um apelo ao meio ambiente e um apelo para ouvir e sentir a vida secreta do universo.

Michel Blazy, linha do tempo
Michel Blazy nasceu sob a paisagem da Riviera, em 24 de abril de 1966, e é hoje uma das figuras francesas mais originais de sua geração. Por meio de efeitos e experimentos Low Tech, a artista observa e trabalha com os vivos, utilizando elementos do jardim em casa ao supermercado. Essas pequenas atividades evolutivas e efêmeras revelam explorações sensíveis de microrganismos em perpétua mudança.

Ele imaginou na Galerie des Ponchettes uma instalação ambiental envolvente como um jardim de delícias, em que afrescos, ruínas e vegetação espontânea oferecem literalmente a experiência da passagem do tempo. Os arcos da galeria, cobertos de vermelho pompeiano como purê de tomate, contrastavam com o céu azul feito com ágar-ágar lembrando as pinturas de Giotto. No centro deste mural havia um círculo de carvão, de onde a vegetação surgiu espontaneamente. O preto fosco da madeira calcinada contrastava com o brilho e o frescor da folhagem, acentuando a ideia de regeneração. Uma escultura de Anrique coberta com folhas de alumínio, um tijolo e um disco rígido coberto de vegetação espontânea, roupas cobertas de musgo completam esta paisagem cromática, olfativa e sensorial, desenhada à escala da arquitetura.

Irene Kopelman em crescimento, entrelaçadas, nodosas, paisagens em espiral
Nascida em Córdoba, Argentina, em 1974, Irene Kopelman vive entre a Argentina e Amsterdã. Ela explora ecossistemas excepcionais ao redor do mundo em busca de uma compreensão dos mecanismos do mundo vivo. Cada novo biótopo constitui uma aventura de imersão específica que é ao mesmo tempo sensível (sentir a paisagem, sua escala, seus movimentos); visual (o emaranhamento e interdependência dos elementos) e intelectual (descobrir com as equipes científicas no local as ferramentas de registro e medição, entendendo a própria vida desses ecossistemas e seu papel em larga escala).

A partir de suas fases de observação, criam-se séries de delgados desenhos ou guaches, no limite da abstração, cujos motivos fragmentados evocam tantos exemplares de uma paisagem. Este trabalho “sobre o motivo” e esta prática de levantamentos “pós-natureza” referem-se às explorações dos naturalistas nos séculos XVIII e XIX. Fascinado pelos gabinetes da curiosidade e pelas múltiplas pranchas de minerais e espécies botânicas nascidas deste período de descobertas, a artista questiona esta era de exploração e construção do conhecimento, de identificação de fenómenos naturais e de tentativa e erro metodológico, confrontando-a com questões ecológicas contemporâneas.

Muitas vezes, ela se concentrou deliberadamente em paisagens extremas por causa de sua vastidão, sua natureza envolvente e a relativa incapacidade de compreender sua globalidade: desertos, selvas, geleiras, etc. Desta imensidão, ela tem cada vez isolado elementos que são a priori modestos (líquenes , folhas, simples conjuntos de linhas durante a viagem do barco na Antártica, etc.), como se para melhor restaurar o universo aos seus componentes e movimentos e evidenciar a vulnerabilidade dos ecossistemas. No MAMAC, apresentou, pela primeira vez na França, séries criadas na floresta tropical do Panamá em 2014, Projeto Paisagem Vertical, Lianas; uma série de desenhos sobre manguezais realizados em Bocas del Toro e duas grandes pinturas, baseadas na série de desenhos da “Árvore de Banian” elaborados especialmente para a exposição.

Dezoito desenhos da série Crab Pellets também são apresentados na exposição “Cosmogonies, au gré des éléments” e ecoados diretamente na galeria contemporânea. Seu próximo campo de investigação se concentrará em organismos marinhos,… A oportunidade de desenhar uma nova constelação com comunidades científicas ao redor do mundo, em primeiro lugar a do Observatoire Océanologique de Villefranche-sur-Mer e a Université Côte d’Azur, que, com O MAMAC, irá acompanhar o artista nesta nova exploração.

Inventing Dance: In And Around Judson, Nova York 1959-1970
Na década de 1960, a Judson Memorial Church (na Washington Square em Nova York) tornou-se o principal centro de experimentação artística e um importante espaço de atuação para muitos artistas do centro da cidade de Nova York. As performances iriam entrelaçar arte visual, música, poesia, teatro e dança e, de fato, expandir a própria noção do que pode ser considerado uma dança. Seguindo o trabalho de figuras seminais para o período, como os coreógrafos Anna Halprin e Merce Cunningham, os artistas Claes Oldenburg e Allan Kaprow e os compositores John Cage e La Monte Young, muitos dos dançarinos de Judson se reuniram pela primeira vez em uma aula de coreografia experimental ensinada pelo compositor Robert Dunn.

A exposição ofereceu um vislumbre do “Judson” que permanece, ainda hoje, uma grande influência para a dança contemporânea e as artes visuais. Por meio de filmes, fotografias de arquivo e coisas efêmeras, ele tenta documentar os vários movimentos de corpos no Judson. A questão permanece: como exibir uma obra, boa parte dela improvisada e específica para sua performance original, seis décadas depois? Quando Jon Hendricks, artista ativista e co-fundador do Guerilla Art Action Group, reabriu a Judson Gallery em 1966, ela emergiu novamente como um local para o radicalismo e a colaboração interdisciplinar. Em 1970, tornou-se um ponto crítico na defesa dos artistas da liberdade de expressão durante a oposição à Guerra do Vietnã e o desenvolvimento contínuo do ativismo anti-racista, anti-colonial, feminista e queer na esfera cultural.

Bernar Venet. Os anos conceituais de 1966-1976
Em 1966, o jovem artista Bernar Venet deixou Nice e mudou-se para Nova York, onde iniciou uma revolução artística introduzindo a matemática, a astrofísica e mais tarde muitos outros campos da ciência e outras disciplinas no reino da arte. Em 1970, ele construiu uma reputação como uma das principais luzes da arte conceitual, um movimento nascente que se espalhou pela Europa e internacionalmente. O período de 1966 a 1976 foi um período deslumbrante e prolífico durante o qual a intuição e visão metódica de Venet o colocaram em um caminho imparável para uma nova geração ao mesmo tempo iconoclasta – empurrando a arte além dos limites de sua própria definição e processo de emergência – e profundamente contemporâneo desde então abordou mais do que qualquer outra forma de arte a questão da desmaterialização da arte e dos fluxos de informação. Este período também marcou o início de Bernar Venet ‘

A exposição estende-se ao último piso do MAMAC com uma sala dedicada às principais obras de arte minimalista e conceptual seleccionadas da colecção de Bernar Venet, reflectindo a paisagem intelectual e artística desta década e as suas amizades da época. Pela primeira vez desde 1971, esse período, do qual pouco se sabe sobre a obra, é objeto de uma grande retrospectiva. Reúne mais de 150 obras de arte e documentos, a maioria em exibição pela primeira vez. Paralelamente a esta exposição e pesquisa de dez anos, a grande mostra MAC Lyon oferece uma retrospectiva de todo o trabalho do artista: Bernar Venet: 2019 – 1959.

Exposições em 2019
Adrien vescovi. Mnemosyne
Convidado pelo MAMAC para assumir a Galerie des Ponchettes, Vescovi criou um passeio sensorial quase sensual através da sua experimentação pictórica. Em resposta ao design angular da galeria, pinturas suspensas em alturas variadas pontuam os espaços, jogando em paralelos e perpendiculares, para os visitantes passearem. As cores, extraídas pelo artista de ocres quentes de Roussillon e solos e especiarias marroquinos, infundiram telas que ele então expôs à luz fria e ao mau tempo em um parque na Holanda por alguns meses. Para as Ponchettes, ele finalmente reuniu essas telas soltas em novas composições, jogando com aqueles movimentos norte-sul que deixaram sua marca na história da pintura.

Adrien Vescovi produz suas próprias cores a partir de decocções vegetais ou minerais, criando “essências da paisagem” que refletem as diferentes localizações geográficas em que trabalha. Ao expor suas telas aos fenômenos de vento, luar, sol e oxidação, surgem formas ou sombras primitivas, habitadas por a memória dos seus vários estados de existência. Na galeria, cordas trançadas e tingidas pelo artista desenhavam curvas selvagens entre as pinturas, entrelaçando-se e subindo entre os arcos como vinhas serpenteando pelo solo. Subvertem as linhas e planos das pinturas. Mergulhe em potes de estranhas decocções, foram progressivamente infundidos com os materiais / cores criados por Vescovi. Em resposta a este passeio interior estavam as pinturas nos grandes arcos exteriores. Voltados para o mar e sujeitos ao sol, vento e chuva,durante a exposição, as telas foram carregadas com a memória de meteoros.

Diabo na carne, quando a arte op eletrifica o cinema
No âmbito da Bienal de Artes de Nice 2019: “The Cinema Odyssey. La Victorine faz 100 anos”. No início dos anos 1960, a arte cinética deixou sua marca na Europa com um duplo credo: desestabilizar a percepção e popularizar a arte. Pinturas ilusórias, relevos iluminados motorizados e ambientes estonteantes mudaram a percepção. Apelidada de «Op Art» em 1964, esta arte de vanguarda teve um grande sucesso popular, a ponto de conhecer um fenômeno excepcional de hijaking. Enquanto os agentes de publicidade, designers, grandes marcas e o mundo da moda apreenderam suas formas estimulantes, o cinema deu à Op Art um ângulo inesperado. Arte do movimento e da luz, foi ao mesmo tempo um antecessor, capaz de sublimar seus jogos visuais, e um seguidor, que se esforçou para engoli-lo através de seu desejo de modernidade. De dramas a thrillers,

Esta exposição mergulha os visitantes nesta história apaixonante entre duas artes, pontuada com zombarias e incompreensões, com sublimação recíproca, com entregas pop ou barrocas, bem como com colaborações e imitadores. Com o apoio de cerca de 30 filmes, 150 obras e documentos, explora a origem e os aspectos não ditos deste fascínio predatório e considera o que o cinema revela de sua própria natureza à Op Art. Assim, mostra o espírito de uma década agitada pela modernidade, sedenta de emancipação e assombrada pelos fantasmas da guerra. Esta época, cheia de contradições, criou uma estética completamente nova que culminou no atrito fecundo entre as artes visuais e o cinema.

Hippolyte Hentgen, o biquíni invisível
O Biquíni Invisível… O título pode anunciar o início de uma busca improvável que parece explorar tanto as memórias de thrillers clássicos quanto de histórias em quadrinhos, aqueles que costumávamos consumir quando crianças. Espalhadas por toda a galeria, as criações de Hippolyte Hentgen surgem como muitas pistas ou fragmentos de narrativa, alimentando o mistério. Mãos, pernas e pés enormes, desencarnados de qualquer figura, parecem ter sido erguidos diretamente de um desenho animado, como se tivessem fugido de personagens alegremente achatados, esticados e pulverizados por Tex Avery. As formas fundidas, emancipadas do destino bidimensional que lhes é reservado pela animação e pelos quadrinhos, também têm algo que lembra a cultura pop. Isto’ É quase impossível não pensar nas esculturas suaves de Claes Oldenburg ou nas figuras de vinil produzidas por seus contemporâneos Teresa Burga e Kiki Kogelnik ao observar esse desfile de corpos disformes e objetos triviais como cigarros e jornais. Esta referência pop é reforçada pela inclusão de cortinas que combinam pin-ups rechonchudas e onomatopeias.

Hippolyte Hentgen brinca com essa mistura de universos que nunca tiveram a intenção de entrar em contato. Neste museu da imaginação se misturam criações de vanguarda, histórias em quadrinhos, animação, ilustração popular e cartuns editoriais, formando um universo fantástico e jubiloso completamente separado das hierarquias dos gêneros. Este biquíni invisível é, claro, uma referência levemente nítida e irrestrita à Riviera Francesa e seus corpos lânguidos e estereótipos; um prelúdio de uma ficção de que o visitante é livre para se compor. Mas também é uma abordagem irreverente, gritante e deliberadamente maliciosa das obras de tantos grandes nomes que povoam as coleções do MAMAC.

Lars Fredrikson
Nascido na Suécia, Lars Fredrikson estabeleceu-se no sul da França em 1960. Artista incansável, curioso e habilmente inventivo, criou um universo único e sensível desenvolvido através da poesia, da experimentação plástica, da filosofia do Extremo Oriente e da tecnologia moderna. Sua pesquisa estava enraizada no Zeitgeist: como Nam June Paik, Fredrikson explorou muito cedo o potencial plástico da televisão – e da eletrônica em geral, enquanto sua pesquisa em estruturas invisíveis e aleatoriedade parece surpreendentemente próxima ao trabalho de John Cage. Essas práticas eram conectadas por uma única busca: tornar perceptíveis fluxos que geralmente são invisíveis – sejam eles energéticos, telúricos, siderais ou interiores.

Esta retrospectiva do artista Lars Fredrikson surgiu em colaboração com o NMNM, o Novo Museu Nacional do Mônaco. Aqui, as principais obras até então inéditas do artista e peças emprestadas de importantes coleções públicas e privadas foram exibidas juntas pela primeira vez. A exposição abriu com a dimensão cósmica de obras “cinéticas” e esculturas em inox antes de seguir para colagens e desenhos por fax até instalações sonoras, das quais Fredrikson foi um dos pioneiros. O show trouxe à luz suas afinidades com a Fundação Maeght, suas múltiplas colaborações com poetas e, não menos importante, seu envolvimento com a Villa Arson, onde montou o primeiro estúdio de som em uma escola de arte na França, influenciando várias gerações de artistas de som até hoje. Nesse caminho,

Charlotte pringuey-cessac. Som primitivo
Primal Sound é um convite a uma viagem no tempo, desde os primeiros indícios de vida humana em Nice há 400 000 anos, e desde o testemunho de pedras lapidadas deixadas por este grupo, até às experiências hoje conduzidas pela artista Charlotte Pringuey- Cessac para convocar a memória vibrante dessas vidas passadas. Esta viagem através dos séculos baseia-se na ideia de um Som Primal, expressão emprestada do poeta Rainer Maria Rilke. Depois de descobrir com admiração o potencial dos primeiros fonógrafos, sonhou com uma «coisa espantosa»: «fazer soar as incontáveis ​​assinaturas da criação que perduram no esqueleto, na pedra, (…), a fenda na madeira , o andar de um inseto “. A reminiscência de um mundo passado, o diálogo íntimo com as testemunhas do passado e o pensamento mágico que ela investe no que parece inerte,

A pré-história, a metodologia e os instrumentos da arqueologia constituem a base do seu trabalho, um material a partir do qual desenvolve experiências e contos, deixando-se vagar entre a ciência e a licença poética, a gravura deixada pela história e a sua reinvenção contemporânea. Pensada como uma viagem, a sua exposição em Nice desenvolve-se desde o museu da Pré-história de Terra Amata, epicentro da actividade destes primeiros humanos, até ao MAMAC, passando pelo “Colline du Château” onde se encontra um sepulcro dos séculos XII e XIII repleto de funerárias restos mortais foi descoberto em 2013.

Museu de Arte Moderna e Contemporânea de Nice
O Museu de Arte Moderna e Contemporânea, também denominado Mamac, é um museu dedicado à arte moderna e contemporânea, aberto desde 21 de junho de 1990 em Nice. Localizada no centro da cidade, próximo à Praça Garibaldi e no prolongamento da “Coulée Verte”, a MAMAC oferece um mergulho na Arte Internacional do Pós-guerra desde os anos 1950 até os dias atuais. Com uma coleção de cerca de 1 400 obras de mais de 350 artistas (com uma média de 200 em exibição), o museu oferece – entre outros – um diálogo original entre o Novo Realismo europeu e a Pop Art americana. O museu também exibe as principais obras de arte minimalista e arte povera. Dois grandes artistas da arte do século 20 formam o coração das coleções: Yves Klein, com uma sala permanente única no mundo, tornada possível graças aos empréstimos de longo prazo dos Arquivos Yves Klein, e Niki de Saint Phalle. Artista feminina proeminente do pós-guerra, Niki de Saint Phalle fez uma grande doação ao museu em 2001. Assim, o MAMAC possui agora um dos maiores fundos do artista no mundo.

O museu também lança luz sobre a singularidade e a proeminência da cena artística local do final dos anos 1950 ao início dos anos 1970. Nice e a Côte d’Azur foram então um importante local de experimentação e invenção de novos gestos artísticos com artistas de destaque como Yves Klein, Martial Raysse, Arman, Ben e grupos como Supports / Surface. Apesar da singularidade de personalidades e práticas, três questões-chave surgem: o ato de apropriação da vida cotidiana (com os Novos Realistas em particular), uma arte do gesto e da atitude (com Fluxus) e uma exploração analítica da pintura (com Apoio / Superfície e Grupo 70). Esta pesquisa é contextualizada com a criação artística europeia e americana dos últimos sessenta anos.

O edifício do museu localizado próximo à Praça Garibaldi, projetado pelos arquitetos Yves Bayard e Henri Vidal, tem a forma de um arco de tetrápode estendendo-se pelo Cours du Paillon. A monumentalidade do projeto desenvolvido na capa do Paillon permite ligar o museu a um teatro por meio de um terraço, denominado Promenade des Arts. Com sua planta quadrada, sua arquitetura é inspirada nas regras do neoclassicismo. A superfície disponível é de cerca de 4.000 m 2, distribuídos em nove salas de exposição para três níveis. Suas fachadas lisas são revestidas de mármore branco de Carrara. A entrada e a loja encontram-se ao nível da Esplanade Niki de Saint Phalle com vista para a Praça Yves Klein onde também se encontram o auditório e a galeria contemporânea do museu. Os espaços do museu são dedicados no primeiro andar a exposições temporárias,

Os espaços ocupam cinco níveis, incluindo dois conjuntos de 1.200 m2 dedicados às coleções do museu. Um andar e uma sala de projetos são dedicados a mostras temporárias internacionais, alternando exposições temáticas e monografias de grandes artistas dos últimos sessenta anos. Um terraço acessível ao público oferece uma vista panorâmica de Nice.

Localizado no coração de Nice, o MAMAC (Museu de Arte Moderna e Contemporânea) foi projetado pelos arquitetos Yves Bayard e Henri Vidal e inaugurado em 1990. Um terraço aberto ao público oferece uma vista panorâmica deslumbrante de Nice. Seu acervo, rico em mais de 1300 obras de 300 artistas, une a história artística regional e internacional.

A Declaração Constitutiva do Novo Realismo, escrita pelo crítico de arte Pierre Restany, é assinada na casa de Yves Klein, em Paris, em 27 de outubro de 1960. Porém, é na década anterior que os artistas prepararam o terreno: Hains e Villeglé já em 1949 “separar” juntos seus primeiros “cartazes lacerados”; Klein faz seus primeiros Monochromes e Tinguely suas primeiras esculturas animadas …

1960 é um ano vívido: Tinguely cria sua primeira máquina autodestrutiva em Nova York; Klein faz suas “Antropometrias” e depois as “Cosmogonias”; em Paris, César mostra três carros comprimidos no Salon de Mai e Arman enche de lixo a Galeria Iris Clert, durante a mostra “The Full”, etc.

Os traços comuns aos Novos Realistas são a recusa da abstração, a consciência de uma “natureza moderna”: a da fábrica e da cidade, da propaganda, e da mídia de massa, da ciência e da técnica. Ancorados nessa realidade, seu processo ecoa a brilhante análise da sociedade de consumo e seus ídolos proposta em 1956 por Roland Barthes em seu livro Mitologias. O grupo envolve o objeto em uma nova aventura, utilizando o aspecto poético do objeto: detritos, destacamento de cartazes, montagens, compressões ou acúmulos de elementos oriundos de uma tecnologia industrial.

Em 1961, a exposição The Art of Assemblage, no Museu de Arte Moderna de Nova York, consagra a proximidade dos Novos Realistas com os artistas da Pop Art.

A arte pop americana foi construída sobre a herança da arte pop britânica que saiu do Independent Group, do qual Lawrence Alloway era um dos membros principais, e em 1956 ele organizou a emblemática exposição This is tomorrow em Londres. Do lado americano, o movimento emergiu amplamente através dos artistas neo-Dada Robert Rauschenberg e Jasper Johns. Seu núcleo está em Nova York, onde artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein e Tom Wesselmann exibiram sua arte. Os artistas pop referem-se diretamente à sociedade de consumo e aos efeitos prejudiciais relacionados à sociedade consumista moderna. Defenderam um retorno à realidade, voltando-se para o mundo das mercadorias e novas formas de cultura popular: estrelas do cinema, publicidade e quadrinhos, dando-lhes uma dimensão icônica e destacada, tendo como pano de fundo os valores da sociedade americana.

O MAMAC possui uma das maiores coleções de obras de Niki de Saint Phalle do mundo: mais de 200 obras, o que lhes permite alterar as obras em exibição regularmente. Niki de Saint Phalle (Neuillysur-Seine, França, 1930 – La Jolla, Estados Unidos, 2002) fez de sua vida uma obra de arte. Sem nenhuma formação artística específica além do instinto e uma espécie de certeza de que esse é o seu destino, ela se dedica inteiramente ao trabalho. Arte para ela era uma terapia e seu apetite artístico a ajudava a superar as dificuldades, destacar seus sofrimentos e enfrentar a doença. “Champagne, glacier et fleurs”, título de uma carta de 1979 que Niki de Saint Phalle escreveu à sua amiga artista Marina Karella, resume a sua personalidade forte, sensível e carismática. Ela era uma rebelde e optou por usar armas,

A primeira delas foi criada em 1961. “Tirs” [tiroteios], foi a série de obras com as quais ganhou reconhecimento como artista e ganhou, apesar das severas críticas, notoriedade na França e rapidamente internacional. Ela também criou trabalhos originais colocando sacos cheios de tinta em telas cobertas de gesso e, em seguida, atirou nas telas com um rifle. O trabalho é disparado e o resultado é uma nova peça criativa. A artista expressou a raiva e a violência dentro dela em um gesto externo; atirou no pai, de quem foi abusada aos 11 anos, na sua mãe e também na sociedade da Igreja e todas as suas injustiças.

Após suas primeiras exibições do Tirs, os Novos Realistas a convidaram para se juntar ao grupo, sendo ela a única mulher. Quando, em 1963, Niki de Saint Phalle fez a transição para longe de Tirs, começou a fazer esculturas em gesso branco, algumas das quais eram mortíferas ou perturbadoras como é o caso das séries que representam noivas, corações e até mulheres em parto. Suas esculturas eram feitas de tecido e lã sobre armações de arame às quais Niki de Saint Phalle costumava adicionar objetos recuperados. As mulheres retratadas por Niki de Saint Phalle ainda estavam acorrentadas pelo casamento ou pela maternidade, e ela estava tentando libertá-las. Em 1964, Niki de Saint Phalle abraçou a série “Nanas” para destacar novamente as figuras femininas. Essas esculturas, em cores ousadas e com curvas generosas, simbolizavam a mulher moderna, libertada das tradições. Nanas são negras,

A artista dedicou grande parte de sua vida a esses projetos monumentais. Suas esculturas se transformaram em verdadeiras peças arquitetônicas: o slide Golem em Jerusalém em 1972 ou Hon, o maior dos Nanas (28 m de comprimento), construído por Niki em 1966 em Estocolmo. Ela esteve ativamente envolvida em Cyclope (1969-1994) de Jean Tinguely em Millyla-Forêt, perto de Paris. No entanto, sem dúvida, o Jardin des Tarots, um projeto na Toscana que começou em 1978, foi sua obra mais abrangente. Ela autofinanciou todo o projeto e levou mais de 20 anos para ser concluído. A arte pode ter salvado sua vida, mas o ar que ela respirou ao criar suas esculturas de poliéster foi a causa dos problemas pulmonares que ela sofreria pelo resto da vida. Um ano antes de sua morte em 2001, ela doou muitas obras importantes para o MAMAC,

Yves Klein
A aventura monocromática
Explore uma galeria, única no mundo, dedicada ao mestre do imaterial. Yves Klein nasceu em Nice em abril de 1928; seus pais eram pintores (Marie Raymond e Fred Klein). Em 1946 conheceu Arman e o poeta Claude Pascal em Nice, com quem partilhou aventuras poéticas nas praias locais

Ele aprendeu judô com Claude Pascal, (ele se tornaria 4º dan), e os dois passeavam descalços pela Avenida Jean Médecin, vestidos com camisas brancas com as impressões das mãos e pegadas de Klein. Klein e Arman estavam interessados ​​na filosofia zen, e foi na parede de um porão pertencente à família de Arman que Klein pintou seus primeiros monocromos azuis entre 1947-1948. Em 1955, em Paris, conheceu Tinguely, César, Raysse e Restany e, no Salon des Réalités Nouvelles, exibiu uma pintura de uma única cor, Expression de l’univers de la couleur mine orange [Expressão do Universo do Color Lead Orange], (M60), 1955, assinado “Yves le Monochrome”, que foi rejeitado e causou grande rebuliço.

A partir de 1956, seguiram-se as exposições “Yves: peintures”: Propositions Monochromes, Gallery Colette Allendy em Paris, Yves Klein: Proposte monocrome epoca blu, em Milão e Pigment pur em 1957, novamente na Gallery Allendy, durante a qual apresentou as aplicações do “período Azul”, após estabelecer um azul ultramar, que viria a ser conhecido como IKB (International Klein Blue). Foi em 1958, após o grande evento de mídia que foi a exposição Vide na Galeria Iris Clert em Paris, onde Klein apresentou uma galeria completamente vazia; as paredes foram pintadas de branco pelo artista e a janela da galeria foi pintada de azul. Apresentado por seu amigo Robert Godet, na Ile Saint-Louis, ele orquestrou a primeira de suas experiências de “pincéis vivos”,

As primeiras Antropometrias foram expostas ao público na Galerie internationale d’Art contemporain em Paris em março de 1960, com uma performance em que três modelos femininas nuas cobertas de tinta azul se arrastavam e se moviam no chão coberto de papel para a ocasião; as modelos também imprimiram seus corpos nas paredes, sob a direção do “maestro” Klein, ao som da Sinfonia Monotone-Silence. Klein morreu em junho de 1962 em Paris, deixando para trás obras de grande profundidade lírica, após ter demonstrado o poder do vazio, esculpido a água e o fogo, inventado a arquitetura do ar etc. A prova disso está na série “Cosmogonias”, ” momentos-estados da natureza “, registrando os sinais de comportamento atmosférico de telas que viajam no teto de seu carro entre Paris e Nice,

3 º andar
Brincar com palavras. Jogue nos sinais.
Uma obra icónica do MAMAC, La Cambra ou «Museu do Ben» dá conta do lugar da escrita na obra deste artista essencial. Sua caligrafia suave, desimpedida, quase infantil, nos leva de volta aos ventos da mudança e à arte da atitude iniciada no final dos anos 1950 em Nice. Em torno desta obra monumental, outros jogos com palavras, escritos e linguagens estão em exibição. Nas paredes, pinturas e folhas de papel, glifos e alfabetos são inventados, anagramas, poemas dançantes, etiquetas e palavras cruzadas são desenhados. Esta exposição reúne obras da coleção, bem como empréstimos e apresentações de artistas de diferentes gerações relacionadas com a história do museu. A relação entre a parede e a escrita é destacada.

A obra envolve o corpo do espectador, leitor, enunciador ou mesmo ator. Algumas obras têm um perfil muito baixo e exigem que os visitantes prestem atenção, outras gritam com elas, chamam à atenção, invocam a sua imaginação. A questão central de decifrá-los ecoa a de compreender a obra e as chaves para interpretá-la. Enquanto as palavras invocam os mundos da poesia e da infância, elas estabelecem uma relação eminentemente política com o mundo, sobre o lugar do artista em nossa sociedade

Arte Abstrata Americana
A arte minimalista surgiu nos Estados Unidos em meados da década de 1960
Com o minimalismo, a arte foi considerada de uma perspectiva totalmente nova, passando por uma transição radical que evitou as convenções tradicionais. O aspecto mais marcante dessa transformação foi a nova relação entre o espectador e a obra de arte, que reinventou a percepção estética de um objeto até a sua substância. As obras de arte monopolizaram o espaço, que se tornou um espaço existencial e não mais um espaço estético. Anteriormente, uma obra de arte ocupava seu próprio território separado do espectador. A arte minimal abriu uma nova esfera de atividade para o artista em que a consciência do próprio corpo na sua relação com o espaço envolvente predominou resultando em telas extragrandes e a obsolescência do pedestal.

Comprado com a ajuda de FRAM Photo Muriel Anssens, Ville de Nice – ADAGP, Paris, triângulos 2019 e assim por diante) e nas questões de volume, superfície e nivelamento. Esforçando-se para o efeito máximo por meio do mínimo de recursos, esses artistas removeram qualquer traço de subjetividade em seus trabalhos e muitas vezes incorporaram materiais e técnicas industriais

Os defensores do movimento incluem: Donald Judd, Ellsworth Kelly, Robert Morris, Kenneth Noland, Franck Stella e Richard Serra.

A arte conceitual surgiu na década de 1960. Afirmava o primado da ideia sobre o objeto, na medida em que produzir a obra não era mais estritamente necessário. Ele ultrapassou os limites do campo artístico tradicional ao questionar o significado e o propósito da prática artística. Em 1969, Sol LeWitt declarou: “As idéias podem ser obras de arte. Elas estão em uma cadeia de desenvolvimento que pode eventualmente encontrar alguma forma. Todas as idéias não precisam ser tornadas físicas.”

Os seguintes artistas conceituais são apresentados nesta sala: Sol LeWitt, Joseph Kosuth, Robert Morris, James Lee Byars e Ed Ruscha.

Albert Chubac
Albert Chubac nasceu em Genebra em 1925. Após os seus estudos em Artes Decorativas e Belas Artes em Genebra, o seu trabalho foi influenciado por alguns períodos formativos: o seu interesse por Klee, Kandinsky, Miró, Matisse e Picasso; conhecer Nicolas de Staël em 1950; e suas viagens pela Itália, Espanha, Grécia, Egito e Argélia.

Exposições criadas com obras da coleção MAMAC e inestimável ajuda de: Yves Klein Archives, Centre national des arts plastiques (Paris), Jean Dupuy, Estate Robert Filliou, Peter Freeman, Inc. (Nova York / Paris), JeanBaptiste Ganne, Eric Guichard , Arnaud Labelle-Rojoux, La sucessão Arman, Lilja Art Fund Foundation, Loevenbruck (Paris), Stéphanie Marin, Tania Mouraud, Niki Charitable Art Foundation, Emmanuel Régent, Sharing Art Foundation, Ben Vautier, Bernar Venet e colecionadores que desejaram permanecer anônimos .

Desde as primeiras pinturas, quase abstratas, utiliza uma paleta de cores primárias, aplicadas em blocos. Ele então aplicou essa técnica a esculturas de madeira “transformáveis”. A ideia por trás dessas esculturas era permitir ao observador trocar os elementos ao redor. Em um período posterior, ele explorou as propriedades luminescentes do Plexiglass colorido.

Em 2004, Albert Chubac doou cerca de cem obras para a cidade de Nice para o Museu de Arte Moderna e Contemporânea. O MAMAC divulgou esta doação em 2004, tornando-se assim a referência para o trabalho do artista na França.

Tags: