पिछले प्रदर्शनियों की समीक्षा 2018-2019, फ्रांस के आधुनिक और समकालीन कला संग्रहालय, फ्रांस में हुई

चूंकि आक्रोश वर्ष MAMAC कला के इतिहास की सक्रिय नई पठन में प्रतिबद्ध है, जो समकालीन सामाजिक मुद्दों में लंगर डाले हुए है; विलक्षण आंकड़े और नई कहानियों के उत्पादन पर प्रकाश डाला। प्रकृति से हमारा संबंध और जिस तरह से कलाकार पारिस्थितिक चुनौतियों से निपटते हैं, वह कार्यक्रम में उठाए गए प्रमुख विषयों में से एक है।

निर्देशित पर्यटन, कार्यशालाएं, कलाकारों या शोधकर्ताओं के साथ बैठकें, कथात्मक पर्यटन, व्याख्यान या अनुमान, नृत्य दौरे, संगीत, प्रदर्शन और कार्यक्रम, समकालीन कला की व्यापक दर्शकों तक पहुंच को बढ़ावा देते हैं और विभिन्न क्षेत्रों के कलाकारों के लिए एक खेल के मैदान में संग्रहालय को बदलते हैं। पूरे साल, संग्रहालय टीम विशिष्ट कार्यक्रमों और संग्रहालय को फिर से जीवंत करने के तरीकों का आविष्कार करने के लिए कंपनियों, संघों, छात्रों, सामाजिक कार्यकर्ताओं के साथ नेटवर्क का एक तारामंडल बनाती है।

2018 में प्रदर्शनियां
अगस्टे-डॉर्म्यूइल, अगर मुझे यह सब फिर से करना पड़ा
1968 में जन्मे, रेनॉड अगस्टे-डोरम्यूइल सवाल कर रहे हैं कि 1990 के दशक के मध्य से, उनके सार्वजनिक और राजनीतिक क्षेत्र में कल्पना कैसे की जाती है। दृश्यता / अदृश्यता, प्रकाश / अंधेरा, याद / भूल जाना, जिसे हम जानते हैं / जो हम सोचते हैं कि हम जानते हैं, बिना दिखाए, बिना बोले… उसके कार्यों को समझने के लिए सभी मार्कर हैं, जो उन कोडों को आकार देते हैं जो छवियों के प्रवाह को संरचना देते हैं। यद्यपि कलाकार की इनसिक्योर पूर्वधारणाएं कई वर्षों तक नए कार्टोग्राफियों पर अनिवार्य रूप से ध्यान केंद्रित करती हैं, लेकिन उनके काम ने एक अधिक रूपक और प्रदर्शनकारी मोड़ ले लिया है। MAMAC के भीतर और सार्वजनिक क्षेत्र में अनुभवों के एक नक्षत्र के रूप में डिज़ाइन की गई, समकालीन गैलरी में उनकी प्रदर्शनी ने प्रदर्शनी की समय सीमा के दौरान स्थापित इन्फ्रा-थिन और प्रदर्शनों की एक श्रृंखला का रूप लिया।

कॉस्मोगोनिज़, औ ग्र डे देस अलमेंट्स
तत्वों को सम्मोहित करना, ब्रह्मांड के घटकों को बांधने वाले अदृश्य संबंधों को कैप्चर करना, अपरदन, छाप, क्रिस्टलीकरण की प्रक्रियाओं को समझना, सूरज को जलाना … 1960 के दशक की शुरुआत से, चाहे तत्वों पर हावी होने या रचनात्मक विनम्रता के साथ कल्पना करना। चीजों को घटित होने या कहीं बीच में, कलाकारों की कई पीढ़ियों ने प्रकृति और उसकी अभिव्यक्तियों को बदल दिया है। इन कलाकारों-एकत्रितकर्ताओं का दृष्टिकोण, जो हवा, प्रकाश या पराग को “इकट्ठा” करने के लिए निकलता है, प्राकृतिक घटनाओं पर कब्जा करने, विभिन्न राज्यों की सामग्री की खोज करने या अस्थिरता से मायावी तत्वों का अवलोकन करने पर केंद्रित प्रयोगों से उपजा है।

यवेस क्लेन के प्रयोगों में “प्रकृति की क्षणिक अवस्था”, भूमि कला और “काम पर बल” द्वारा मोहित povera मोहित कलात्मक दुनिया और प्राकृतिक क्षेत्र के बीच इस जटिलता में महत्वपूर्ण क्षण प्रतीत होते हैं। , प्रदर्शनी के लिए चुने गए कार्यों में एक उतावलापन असमानता और प्रकृति के विभिन्न प्रकार के कलाकारों द्वारा “असिस्टेड ‘रूप के उद्भव को रेखांकित करता है। वे पर्यावरणीय मुद्दों पर समकालीन बहस में विविधता को प्रतिध्वनित करते हुए, प्राकृतिक प्रक्रियाओं के लिए और उन्हें पकड़ने के लिए अपने निरंतर आकर्षण को उजागर करते हैं। प्राकृतिक व्यवस्था की नाजुकता के बारे में जागरूकता से प्रेरित, प्रथाओं ने पर्यावरण के लिए एक दलील को रेखांकित किया और ब्रह्मांड के गुप्त जीवन को सुनने और महसूस करने की अपील की।

मिशेल ब्लेज़, टाइमलाइन
मिशेल ब्लेज़ का जन्म 24 अप्रैल, 1966 को रिवेरा परिदृश्य के तहत हुआ था, और आज उनकी पीढ़ी के सबसे मूल फ्रांसीसी आंकड़ों में से एक है। लो टेक प्रभावों और प्रयोगों के माध्यम से, कलाकार घर में बगीचे से सुपरमार्केट तक तत्वों का उपयोग करते हुए, जीवित रहने और काम करने के साथ काम करता है। इन छोटे विकासवादी और पंचांग गतिविधियों से सदा परिवर्तन में सूक्ष्मजीवों के संवेदनशील अन्वेषणों का पता चलता है।

उन्होंने Galerie des Ponchettes पर एक विशाल पर्यावरण स्थापना की कल्पना की, जो कि प्रसन्न के बगीचे की तरह है, जिसमें भित्ति, खंडहर और सहज वनस्पति सचमुच समय के गुजरने का अनुभव प्रदान करते हैं। गैलरी की मेहराब, टमाटर की प्यूरी की तरह पोम्पेयन लाल रंग से ढकी हुई है, जो आगर-आगर के साथ बने नीले आकाश के विपरीत है, जो गोटो के चित्रों को याद करता है। इस भित्ति के केंद्र में चारकोल का एक चक्र था, जहाँ से वनस्पति अनायास जीवन में आती थी। कैलक्लाइंड लकड़ी के मैट ब्लैक ने पुनर्जनन के विचार को बढ़ाने वाली हरियाली की चमक और ताजगी के साथ विपरीत किया। एल्युमिनियम फॉयल से ढकी एक एरिक स्कल्पचर, एक ईंट और एक हार्ड ड्राइव सहज वनस्पति के साथ उग आया, काई से ढंके कपड़े इस रंगीन, घ्राण और संवेदी परिदृश्य को पूरा करते हैं, जो वास्तुकला के पैमाने पर खींचा गया है।

इरेन कोपेलमैन ऑन-ग्रोइंग, इंटरवेटेड, नॉटेड, कोल्ड लैंडस्केप्स
1974 में कॉर्डोबा, अर्जेंटीना में जन्मे इरेन कोपेलमैन अर्जेंटीना और एम्स्टर्डम के बीच रहते हैं। वह जीवित दुनिया के तंत्र की समझ की तलाश में दुनिया भर में असाधारण पारिस्थितिकी प्रणालियों की खोज करती है। प्रत्येक नए बायोटोप में एक विशिष्ट विसर्जन साहसिक कार्य होता है जो दोनों संवेदनशील (परिदृश्य, इसके पैमाने, इसके आंदोलनों को महसूस करते हुए) होता है; दृश्य (तत्वों का उलझाव और अन्योन्याश्रय) और बौद्धिक (रिकॉर्डिंग और मापने के लिए साइट पर वैज्ञानिक टीमों के साथ खोज करना, इन पारिस्थितिकी प्रणालियों के जीवन को समझने और बड़े पैमाने पर उनकी भूमिका)।

उनके अवलोकन चरणों से, अमूर्त के किनारे पर पतला चित्र या गाउचे की श्रृंखला, तब बनाई जाती है, जिनके खंडित रूपांकनों से एक परिदृश्य के कई नमूने निकलते हैं। यह कार्य “आकृति पर” और “पोस्ट-नेचर” सर्वेक्षणों की यह प्रथा 18 वीं और 19 वीं शताब्दी में प्रकृतिवादियों के अन्वेषण का उल्लेख करती है। खोज की इस अवधि में पैदा हुई जिज्ञासा के मंत्रिमंडलों, और खनिजों और वानस्पतिक प्रजातियों के कई तख्तों से रोमांचित, कलाकार इस युग की खोज और ज्ञान के निर्माण, प्राकृतिक घटनाओं और कार्यप्रणाली परीक्षण और त्रुटि की पहचान के साथ, इसका सामना करते हुए समकालीन पारिस्थितिक मुद्दे।

अक्सर, वह जानबूझकर अपनी विशालता के कारण चरम परिदृश्य पर ध्यान केंद्रित करती है, उनकी ढकी हुई प्रकृति और उनकी वैश्विकता को समझने में असमर्थता: रेगिस्तान, जंगलों, ग्लेशियरों, आदि। इस अपरिपक्वता से, वह हर बार अलग-अलग तत्व होते हैं जो एक प्राथमिकता मामूली (लाइकेन) होते हैं। , पत्तियां, अंटार्कटिका में नाव की यात्रा के दौरान लाइनों के सरल सेट, आदि), जैसे कि अपने घटकों और आंदोलनों को ब्रह्मांड को बेहतर ढंग से बहाल करना और पारिस्थितिकी प्रणालियों की भेद्यता को उजागर करना। MAMAC में, उसने फ्रांस में पहली बार, 2014 में पनामा के उष्णकटिबंधीय जंगल में बनाई गई श्रृंखला, प्रोजेक्ट वर्टिकल लैंडस्केप, लियाना; बोकास डेल टोरो और दो बड़े चित्रों पर बनाई गई मैंग्रोव पर चित्र की एक श्रृंखला, विशेष रूप से प्रदर्शनी के लिए बनाई गई “बनियन ट्री” चित्र की श्रृंखला पर आधारित है।

केकड़े छर्रों श्रृंखला से अठारह चित्र भी प्रदर्शनी “Cosmogonies, au gré des éléments” में प्रस्तुत किए गए हैं और समकालीन गैलरी के साथ सीधे गूँजते हैं। उसकी जांच का अगला क्षेत्र समुद्री जीवों पर केंद्रित होगा, … दुनिया भर के वैज्ञानिक समुदायों के साथ एक नया तारामंडल बनाने का अवसर, सबसे पहले और प्रेक्षणाकार Océanologique de Villefranche-sur-Mer और Université Côte d’Azur के साथ, जो कि MAMAC, इस नई खोज में कलाकार का साथ देगा।

इनवेंटिंग डांस: इन एंड अराउंड जुडसन, न्यूयॉर्क 1959 – 1970
1960 के दशक में, जुडसन मेमोरियल चर्च (न्यूयॉर्क में वाशिंगटन स्क्वायर पर) कलात्मक प्रयोग का एक प्राथमिक केंद्र बन गया और शहर न्यूयॉर्क के दृश्य में कई कलाकारों के लिए एक प्रमुख प्रदर्शन स्थान बन गया। प्रदर्शन दृश्य कला, संगीत, कविता, रंगमंच, और नृत्य को इंटरव्यू देंगे, और वास्तव में इस धारणा का विस्तार करते हैं कि नृत्य को क्या माना जा सकता है। कोरियोग्राफर अन्ना हैल्पिन और मेरस कनिंघम जैसे कलाकारों की अवधि के लिए सेमिनल के काम के बाद, कलाकार क्लेड ओल्डेनबर्ग और एलन काप्रो, और संगीतकार जॉन केज और ला मोंटे यंग, ​​कई जॉर्डन डांसर्स पहले एक प्रायोगिक कोरियोग्राफी कक्षा में एक साथ आए। संगीतकार रॉबर्ट डन द्वारा।

प्रदर्शनी ने “जुडसन” में एक झलक दी, जो आज भी समकालीन नृत्य और दृश्य कला के लिए एक प्रमुख प्रभाव है। फिल्मों, अभिलेखीय तस्वीरों और पंचांग के माध्यम से, यह जुडसन में निकायों के विभिन्न आंदोलनों का दस्तावेजीकरण करने का प्रयास करता है। सवाल यह है कि: छह दशक बाद, अपने मूल प्रदर्शन के लिए यह कैसे काम करता है? जब एक्टिविस्ट कलाकार और गुइरिला आर्ट एक्शन ग्रुप के सह-संस्थापक जॉन हेंड्रिक्स ने 1966 में जुडसन गैलरी को फिर से खोला, तो यह कट्टरता और अंतःविषय सहयोग के लिए एक साइट के रूप में फिर से उभरा। 1970 में, यह वियतनाम युद्ध के विरोध के दौरान मुक्त भाषण के कलाकारों की रक्षा और सांस्कृतिक क्षेत्र में नस्लवाद-विरोधी, उपनिवेशवाद-विरोधी, नारीवादी और कतारबद्ध सक्रियता के विकास में एक फ्लैशपोइंट बन गया।

बर्नार वेनेट। वैचारिक वर्ष 1966-1976
1966 में, युवा कलाकार बर्नार वेनेटल ने नाइस छोड़ दिया और न्यूयॉर्क चले गए जहाँ उन्होंने गणित, खगोल भौतिकी और बाद में विज्ञान के कई अन्य क्षेत्रों और अन्य विषयों को कला के दायरे में लाने के लिए एक कलात्मक क्रांति शुरू की। 1970 में, उन्होंने वैचारिक कला की अग्रणी रोशनी में से एक के रूप में एक प्रतिष्ठा बनाई, एक नवजात आंदोलन जो पूरे यूरोप और अंतरराष्ट्रीय स्तर पर बह गया। 1966 से 1976 की अवधि एक चकाचौंध और विपुल समय था, जिसके दौरान वेनेटो की अंतर्ज्ञान और पद्धतिगत दृष्टि ने उन्हें एक नई पीढ़ी के लिए एक अजेय मार्ग पर स्थापित किया, जो एक बार आइकनकोक्लास्टिक पर अपनी स्वयं की परिभाषा और उद्भव की प्रक्रिया से परे कला को धक्का दे रही थी – और गहराई से समकालीन यह किसी भी अन्य कला से अधिक संबोधित कला और सूचना धाराओं के विमुद्रीकरण का सवाल है। इस अवधि ने बर्नार वेनेटन की शुरुआत को भी चिह्नित किया।

यह प्रदर्शनी MAMAC की सबसे ऊपरी मंजिल तक फैली हुई है, जिसमें बर्नार वेनेटर के संग्रह से चयनित न्यूनतम और वैचारिक कला के प्रमुख कार्यों के लिए एक कमरा है, जो इस दशक के बौद्धिक और कलात्मक परिदृश्य और उस समय की मित्रता को दर्शाता है। 1971 के बाद पहली बार, यह अवधि, जिसमें से अभी भी इस काम के बारे में बहुत कम जाना जाता है, एक प्रमुख पूर्वव्यापी का विषय है। यह 150 से अधिक कलाकृतियों और दस्तावेजों को इकट्ठा करता है, ज्यादातर उन्हें पहली बार दिखाया जा रहा है। दस साल की इस प्रदर्शनी के समानांतर और मैक ल्योन प्रमुख शो में कलाकार के काम का एक पूर्णरूपेण भूतल प्रदान करता है: बर्नार वेनेटन: 2019 – 1959।

2019 में प्रदर्शनियां
एड्रिएन वसेकोवी। mnemosyne
मैमैक द्वारा गैलीरी डेस पोन्चेटेस को संभालने के लिए आमंत्रित, वेस्कोवी ने अपने चित्रात्मक प्रयोग के माध्यम से लगभग कामुक संवेदी सैर बनाई है। गैलरी के कोणीय डिजाइन के जवाब में, अलग-अलग ऊंचाइयों पर निलंबित पेंटिंग रिक्त स्थान को चिह्नित करती हैं, जो पर्यटकों और चारों ओर चलने के लिए समानताएं और लंबवत पर खेलती हैं। रंग, गर्म रूसो ओचरे और मोरक्को की मिट्टी और मसालों से कलाकार द्वारा निकाले गए, कैनवस को संक्रमित करते हुए कि वह कुछ महीनों के लिए हॉलैंड के एक पार्क में ठंडी रोशनी और खराब मौसम के संपर्क में था। पोंचेट्स के लिए, उन्होंने अंततः उन नई रचनाओं में उन मुक्त खड़े कैनवास को इकट्ठा किया, जो उन उत्तर-दक्षिण आंदोलनों पर खेल रहे थे, जिन्होंने पेंटिंग के इतिहास पर अपनी छाप छोड़ी।

एड्रिएन वेस्कोवी पौधे या खनिज काढ़े से अपने खुद के रंगों का उत्पादन करते हैं, “लैंडस्केप एसेन्स” बनाते हैं जो विभिन्न भौगोलिक स्थानों को दर्शाते हैं जिसमें वह काम करता है अपने कैनवस को हवा, चांदनी, धूप और ऑक्सीकरण घटना को उजागर करने से, आदिम रूपों या रंगों का उदय होता है, जो निवास करते हैं अस्तित्व के अपने विभिन्न राज्यों की स्मृति। गैलरी में, कलाकार द्वारा चित्रित रस्सियों को रंगा और रंगा गया, जमीन के पार छलनी बेलों की तरह मेहराबों के बीच चित्रों को खींचते हुए और ऊपर उठते हुए जंगली वक्रों को खींचा। उन्होंने चित्रों को लाइनों और विमानों को उलट दिया। अजीब काढ़े के बर्तन में, वे उत्तरोत्तर वेसकोविए द्वारा बनाई गई सामग्री / रंगों से प्रभावित हो गए। इस इनडोर वॉक का जवाब बाहर की शानदार मेहराबों पर पेंट करना था। समुद्र का सामना करना और सूरज, हवा और बारिश के अधीन।प्रदर्शनी की अवधि के लिए कैनवस को उल्काओं की स्मृति के साथ चार्ज किया गया था।

डेविल इन द फ्लेश, व्हेन ओप आर्ट इलेक्ट्रिफिस सिनेमा
आर्ट्स 2019 के नीस बिएनियल के हिस्से के रूप में: “द सिनेमा ओडिसी। ला विक्टोरिन 100 साल पुराना है”। 1960 के दशक की शुरुआत में, काइनेटिक कला ने यूरोप में एक दोहरे प्रमाण के साथ अपनी पहचान बनाई: धारणा को अस्थिर करने और कला को लोकप्रिय बनाने के लिए। ट्रिक-ऑफ-द-लाइट पेंटिंग्स, मोटराइज्ड लाइटेड रिलीफ और चक्करदार वातावरण ने धारणा बदल दी। 1964 में उपनाम “ओप आर्ट”, इस एवेंट-गार्डे कला को एक लोकप्रिय लोकप्रिय सफलता के साथ मिला, एक असाधारण अपहरण घटना को जानने के लिए। जबकि विज्ञापन एजेंटों, डिजाइनरों, प्रमुख ब्रांडों और फैशन की दुनिया ने अपने शानदार आकार को जब्त कर लिया, सिनेमा ने ओप आर्ट को एक अप्रत्याशित कोण दिया। आंदोलन और प्रकाश की एक कला, यह दोनों एक पूर्ववर्ती था, जो अपने दृश्य नाटकों और एक अनुयायी को अपने अधीन करने में सक्षम था, जिसने इसे आधुनिकता की इच्छा के माध्यम से निगलने का प्रयास किया। नाटक से लेकर थ्रिलर तक,

यह प्रदर्शनी आगंतुकों को दो कलाओं के बीच इस भावुक कहानी में डुबो देती है, जो नकली और गलतफहमी के साथ, पारस्परिक उत्पीड़न के साथ, पॉप या बारोक डिलीवरी के साथ, साथ ही सहयोग और नकल के साथ संकलित करती है। लगभग 30 फिल्मों, 150 कार्यों और दस्तावेजों के समर्थन के साथ, यह इस शिकारी आकर्षण के मूल और स्पष्ट पहलुओं की पड़ताल करता है, और यह विचार करता है कि ओप आर्ट के लिए सिनेमा अपने स्वयं के स्वभाव को क्या दर्शाता है। तो, यह आधुनिकता से उबरे हुए एक दशक की भावना को दर्शाता है, युद्ध के भूत से मुक्ति और प्रेतवाधित के लिए प्यास। विरोधाभासों से भरे इस युग ने दृश्य कला और सिनेमा के बीच फलदायी घर्षण में एक पूरी तरह से नया सौंदर्यबोध पैदा किया।

Hippolyte Hentgen, अदृश्य बिकिनी
द अदृश्य बिकिनी … शीर्षक एक असंभव खोज की शुरुआत हो सकती है जो क्लासिक थ्रिलर के साथ-साथ कॉमिक पुस्तकों की यादों में भी शामिल होती है, हम दोनों बच्चों के रूप में उपभोग करते थे। गैलरी के चारों ओर बिखरे हुए, Hippolyte Hentgen द्वारा बनाई गई कृतियां रहस्य के ईंधन के साथ कथा के कई सुराग या स्निपेट की तरह उठती हैं। किसी भी आकृति से अलग किए गए हाथ, पैर और पैर, एक कार्टून से सीधे उतारे गए लगते हैं, मानो वे किरदारों को उल्लासपूर्वक चपटा, फैलाए हुए और टेक्स एवेरी द्वारा स्पंदित किया गया हो। नली पिघल गए रूपों, एनीमेशन और कॉमिक्स द्वारा उनके लिए आरक्षित दो-आयामी भाग्य से मुक्ति भी कुछ पॉप संस्कृति की याद दिलाती है। यह क्ले ओल्डेनबर्ग द्वारा नरम मूर्तियों या अपने समकालीनों टेरेसा दुर्गा और किकी कोगेलनिक द्वारा निर्मित विनाइल आकृतियों के बारे में सोचना असंभव नहीं है, जब सिगरेट और अखबारों जैसे आकारहीन निकायों और तुच्छ वस्तुओं की इस परेड का अवलोकन किया जाता है। यह पॉप संदर्भ बुक्सोम पिन-अप और ओनोमेटोपोइया के संयोजन के हैंगिंग के समावेश से प्रबलित है।

ब्रह्मांड के इस मिश्रण के साथ हिप्पोलाइट हेंटगेन खिलौने कभी भी संपर्क में आने का इरादा नहीं रखते थे। कल्पना के इस संग्रहालय में, एवांट-गार्डे क्रिएशन, कॉमिक स्ट्रिप्स, एनीमेशन, लोकप्रिय चित्रण और संपादकीय कार्टून मिंगल, एक विलक्षण और जुबिलेंट ब्रह्मांड का निर्माण करते हैं जो पूरी तरह से शैलियों के पदानुक्रम से अलग होते हैं। यह अदृश्य बिकनी है, निश्चित रूप से, फ्रेंच रिवेरा और उसके शरीर और स्टीरियोटाइप के लिए थोड़ा तेज और अनर्गल बकवास है; एक कल्पना के लिए प्रस्तावना है कि आगंतुक खुद की रचना करने के लिए स्वतंत्र है। लेकिन यह एक अपूरणीय, चिल्लाहट पॉप है और जानबूझकर शरारती इतने महान नामों के कार्यों पर ले जाता है जो मामक के संग्रह को पॉपुलेट करते हैं।

लार्स फ्रेड्रिक्सन
स्वीडन में जन्मे, लार्स फ्रेडरिकसन 1960 में फ्रांस के दक्षिण में बसे। एक अथक जिज्ञासु और कुशल आविष्कारशील कलाकार, उन्होंने कविता, प्लास्टिक प्रयोग, सुदूर पूर्वी दर्शन और आधुनिक तकनीक के माध्यम से विकसित एक अद्वितीय और संवेदनशील ब्रह्मांड बनाया। उनके शोध को जड़वाद में निहित किया गया था: नाम जून पाइक की तरह, फ्रेड्रीकसन ने आमतौर पर टेलीविजन की इलेक्ट्रॉनिक्स की संभावनाओं पर बहुत पहले ही खोजबीन शुरू कर दी थी, जबकि अदृश्य संरचनाओं और यादृच्छिकता में उनका शोध जॉन केज के काम के करीब दिखाई देता है। इन प्रथाओं को एक एकल खोज से जोड़ा गया था: प्रवाह को प्रस्तुत करने के लिए जो आमतौर पर अदृश्य होते हैं – वे ऊर्जा, टेल्यूरिक, साइडरियल या आंतरिक-बोधगम्य होते हैं।

कलाकार लार्स फ्रेड्रिक्सन का यह पूर्वव्यापी भाषण NMNM, मोनाको के नए राष्ट्रीय संग्रहालय के सहयोग से आया था। यहाँ, कलाकार और महत्वपूर्ण सार्वजनिक और निजी संग्रहों से उधार लिए गए टुकड़ों के द्वारा प्रमुख चित्रण अनदेखी काम पहली बार एक साथ दिखाए गए हैं। प्रदर्शनी को “काइनेटिक” कार्यों के ब्रह्मांडीय आयाम के साथ खोला गया और ध्वनि प्रतिष्ठानों के माध्यम से फैक्स द्वारा कोलाज और आकृतियों में बहस करने से पहले आईनॉक्स मूर्तियां, जिनमें से फ्रेडरिकसन अग्रणी थे। इस शो ने Maeght Foundation के साथ, कई कवियों के साथ उनके सहयोग और, कम से कम, Villa Arson के साथ उनके जुड़ाव पर प्रकाश डाला, जहाँ उन्होंने फ्रांस के एक कला विद्यालय में बहुत पहले साउंड स्टूडियो की स्थापना की, जिससे उनकी कई पीढ़ियाँ प्रभावित हुईं साउंड आर्टिस्ट आज तक सही हैं। इस तरह,

शेर्लोट प्रिंग्यूई-सेसैक। परिमल ध्वनि
प्राइमल साउंड एक यात्रा के लिए निमंत्रण है, जो मानव जीवन के साक्ष्य के पहले टुकड़ों से ४०००० साल पहले नाइस में था, और इस समूह द्वारा पीछे छोड़े गए पत्थरों की गवाही से, जब तक कि कलाकार शार्लोट प्रिंग्यूय के नेतृत्व में आज के अनुभव नहीं हुए सेसैक उन पिछले जीवन की जीवंत स्मृति को बुलाने के लिए। सदियों की यह यात्रा प्राइमर साउंड के विचार पर आधारित है जो कवि रेनर मारिया रिल्के से उधार ली गई एक अभिव्यक्ति है। जब उन्होंने पहली फोनोग्राफ की क्षमता के साथ आश्चर्य की खोज की, तो उन्होंने सपने में एक «आश्चर्यजनक चीज़» के बारे में सपना देखा: «निर्माण में अनगिनत हस्ताक्षर, जो पत्थर में, (…), लकड़ी में दरार के बारे में बताते हैं। , एक कीट का चलना “। एक अतीत की दुनिया की याद, अतीत के गवाहों के साथ अंतरंग संवाद और जादुई विचार जो वह जड़ता लगता है, उसमें निवेश करता है।

प्रागितिहास, पद्धति और पुरातत्व द्वारा उपयोग किए गए उपकरण, उसके काम के लिए एक आधार का निर्माण करते हैं, एक ऐसी सामग्री जिसमें से वह अनुभव और कहानियों को विकसित करता है, जिससे खुद को विज्ञान और काव्यात्मक लाइसेंस के बीच भटकने की अनुमति मिलती है, इतिहास और उसके समकालीन सुदृढीकरण द्वारा छपे प्रिंट। एक यात्रा के रूप में सोचा, नीस में उसकी प्रदर्शनी टेरा अमाटा के प्रागितिहास संग्रहालय से इन प्रथम मनुष्यों की गतिविधि के उपकेंद्र, मामा तक, जिसमें ला “कोलीन डू चेत्तु” भी शामिल है, जहां बारहवीं और तेरहवीं शताब्दियों से अंत्येष्टि से भरा एक अंतिम संस्कार होता है। अवशेष 2013 में खोजा गया था।

नाइस में आधुनिक और समकालीन कला संग्रहालय
आधुनिक और समकालीन कला का संग्रहालय, जिसे ममाक भी कहा जाता है, 21 जून, 1990 नाइस से आधुनिक और समकालीन कला के लिए समर्पित एक संग्रहालय है। प्लेस गैरीबाल्डी के बगल में स्थित शहर के केंद्र में स्थित और “कुल्ली वेरटे” के विस्तार में स्थित, एमएएमएसी 1950 के दशक से लेकर आजकल तक अंतर्राष्ट्रीय पोस्टर आर्ट में गोता लगाती है। 350 से अधिक कलाकारों द्वारा लगभग 1 400 कार्यों के संग्रह के साथ, (प्रदर्शन पर 200 की औसत के साथ), संग्रहालय प्रदान करता है – दूसरों के बीच – यूरोपीय न्यू रियलिज्म और अमेरिकन पॉप आर्ट के बीच एक मूल संवाद। संग्रहालय में न्यूनतम कला और कला मंडप के प्रमुख कार्य भी प्रदर्शित होते हैं। 20 वीं शताब्दी की कला के दो प्रमुख कलाकारों ने संग्रह का दिल बनाया: यवेस क्लेन, एक स्थायी कमरे के साथ जो दुनिया में अद्वितीय है, यवेस क्लेन अभिलेखागार के दीर्घकालिक ऋणों के लिए संभव धन्यवाद। और निकी डे सेंट फाल्ले। प्रमुख डाकघर की महिला कलाकार, निकी डे सेंट फाल्ले ने 2001 में संग्रहालय को एक महान दान दिया। MAMAC इस प्रकार अब दुनिया में कलाकार की सबसे बड़ी निधि में से एक है।

यह संग्रहालय 1950 के दशक के अंत से 1970 के दशक की शुरुआत तक स्थानीय कला परिदृश्य की विलक्षणता और प्रमुखता पर प्रकाश डालता है। नीस और कोटे डी’ज़ूर तब यवेस क्लेन, मार्शल रेसे, अरमान, बेन और समूह जैसे कि सपोर्ट्स / सरफेस जैसे प्रमुख कलाकारों के साथ नए कलात्मक इशारों के प्रयोग और आविष्कार के लिए एक महत्वपूर्ण स्थान था। व्यक्तित्व और प्रथाओं की विलक्षणता के बावजूद, तीन प्रमुख मुद्दे उत्पन्न होते हैं: रोजमर्रा की जिंदगी के विनियोग का कार्य (विशेष रूप से नए यथार्थवादियों के साथ), हावभाव और दृष्टिकोण की एक कला (फ्लक्सस के साथ) और पेंटिंग का एक विश्लेषणात्मक अन्वेषण (समर्थन / के साथ) सतह और समूह 70)। यह शोध पिछले साठ वर्षों के यूरोपीय और अमेरिकी कलात्मक निर्माण के परिप्रेक्ष्य में रखा गया है।

प्लेस गैरीबाल्डी के बगल में स्थित संग्रहालय की उभयलिंग, आर्किटेक्ट यवेस बेयार्ड और हेनरी विडाल द्वारा डिजाइन की गई है, इसमें कोर्ट डू पिलॉन की एक चतुर्भुज मेहराब की आकृति है। पिलोन के कवर पर विकसित की गई परियोजना की स्मारक संग्रहालय को एक छत के माध्यम से थिएटर से प्रोमेनेड डेस आर्ट्स कहा जाता है। इसकी स्क्वायर योजना के साथ, इसकी वास्तुकला नियोक्लासिज्म के नियमों से प्रेरित है। उपलब्ध सतह क्षेत्र लगभग 4,000 मीटर 2 है जो तीन स्तरों के लिए नौ प्रदर्शनी कक्षों में फैला हुआ है। इसके चिकने facades सफेद करारा संगमरमर के साथ कवर किए गए हैं। प्रवेश द्वार और दुकान एस्प्लेनेड नीकी डे सेंट फाल्ले के स्तर पर हैं, जो यवेस क्लेन की जगह है जहां सभागार और संग्रहालय की समकालीन गैलरी भी स्थित हैं। संग्रहालय के स्थान पहली मंजिल पर अस्थायी प्रदर्शनियों के लिए समर्पित हैं,

संग्रहालय के संग्रह के लिए समर्पित 1.200 एम 2 के दो सेट सहित रिक्त स्थान पांच स्तरों को कवर करते हैं। एक तल और एक परियोजना कक्ष पिछले साठ वर्षों के प्रमुख कलाकारों की विषयगत प्रदर्शनियों और मोनोग्राफ को बारी-बारी से अंतरराष्ट्रीय अस्थायी शो के लिए समर्पित है। जनता के लिए सुलभ एक छत की छत नीस पर एक लुभावनी मनोरम दृश्य प्रस्तुत करती है।

नीस के मध्य में स्थित, MAMAC (आधुनिक और समकालीन कला का संग्रहालय) आर्किटेक्ट्स यवेस बेयर्ड और हेनरी विडाल द्वारा डिजाइन किया गया था और 1990 में खोला गया था। जनता के लिए खुला छत छत नीस का एक लुभावनी मनोरम दृश्य प्रस्तुत करता है। 300 कलाकारों से 1300 से अधिक कार्यों के साथ इसका संग्रह, क्षेत्रीय और अंतर्राष्ट्रीय कलात्मक इतिहास को जोड़ता है।

कला समीक्षक पियरे रेस्टानी द्वारा लिखित न्यू रियलिज्म का कॉन्स्टिट्यूशनल डिक्लेरेशन, यवेस क्लेन में, 27 अक्टूबर 1960 को पेरिस में हस्ताक्षरित है। हालांकि, यह पिछले दशक के दौरान है कि कलाकारों ने जमीन तैयार की है: हेन्स और विलेगेल 1949 तक। “फर्स्ट” एक साथ उनके पहले “लचर पोस्टर”; क्लेन अपनी पहली मोनोक्रोमेस बनाता है और विशिष्ट रूप से अपनी पहली एनिमेटेड मूर्तियां …

1960 एक ज्वलंत वर्ष है: विशिष्ट रूप से न्यूयॉर्क में अपनी पहली आत्म-नष्ट करने वाली मशीन बनाता है; क्लेन अपनी “एन्थ्रोपोमेट्रीज़” और फिर “कॉसमोगोनीज़” बनाता है; पेरिस में, सेसर सैलून डे माई में तीन संकुचित कारों को दिखाता है और अरमान “द फुल”, आदि शो के दौरान इरिस क्लर्ट गैलरी को कचरे से भर देता है।

न्यू रियलिस्ट्स के लिए सामान्य लक्षण अमूर्तता से इनकार करते हैं, एक “आधुनिक प्रकृति” की जागरूकता: कारखाने और शहर की, विज्ञापन की, और मासमीडिया की, विज्ञान और तकनीक की। इस वास्तविकता में, उनकी प्रक्रिया उपभोक्ता समाज के शानदार विश्लेषण और 1956 में रोलांड बर्थेस द्वारा प्रस्तावित अपनी पुस्तक पौराणिक कथाओं में प्रतिपादित करती है। समूह वस्तु के काव्य पहलू का उपयोग करते हुए ऑब्जेक्ट को एक नए साहसिक कार्य में संलग्न करता है: एक औद्योगिक तकनीक से आने वाले तत्वों के डिट्रिटस, पोस्टर, असेंबलिंग, कंप्रेशन या संचय का पता लगाना।

1961 में, न्यूयॉर्क के संग्रहालय में आधुनिक कला के संग्रहालय में द आर्ट ऑफ असेंबलीज नामक प्रदर्शनी, पॉप कलाकारों के साथ नए कलाकारों की निकटता को दर्शाती है।

अमेरिकन पॉप आर्ट ब्रिटिश पॉप आर्ट की विरासत पर बनाया गया था जो इंडिपेंडेंट ग्रुप से निकला था, जिसमें लॉरेंस एलाय एक प्रमुख सदस्य थे, और 1956 में उन्होंने लंदन में कल द इम्बैमैटिक प्रदर्शनी का आयोजन किया। अमेरिकी पक्ष में, आंदोलन व्यापक रूप से नियो-दादा कलाकारों रॉबर्ट रोसचेनबर्ग और जेस्पर जॉन्स के माध्यम से उभरा। इसका मूल न्यूयॉर्क में है जहां एंडी वारहोल, रॉय लिचेंस्टीन और टॉम वेसलमैन जैसे कलाकारों ने अपनी कला का प्रदर्शन किया। पॉप कलाकार सीधे उपभोक्ता समाज और आधुनिक उपभोक्तावादी समाज से संबंधित हानिकारक प्रभावों का उल्लेख करते हैं। उन्होंने वास्तविकता की वापसी की वकालत की, माल की दुनिया और लोकप्रिय संस्कृतियों के नए रूपों की ओर मुड़ते हुए: सिनेमा के सितारे, विज्ञापन और कॉमिक्स, उन्हें एक प्रतिष्ठित और अलग आयाम देते हुए, अमेरिकी समाज के मूल्यों के साथ एक पृष्ठभूमि के रूप में।

MAMAC के पास दुनिया में Niki de Saint Phalle के काम का सबसे बड़ा संग्रह है: 200 से अधिक कार्य, उन्हें नियमित रूप से प्रदर्शन पर कार्यों को बदलने की अनुमति देता है। निकी डी सेंट फाल (न्यूलिएसुर-सीन, फ्रांस, 1930 – ला जोला, संयुक्त राज्य अमेरिका, 2002) ने अपने जीवन से कला का एक काम किया। उसकी वृत्ति और एक प्रकार की निश्चितता के अलावा किसी विशेष कलात्मक शिक्षा के बिना यह उसकी नियति है, वह खुद को पूरी तरह से अपने काम के लिए समर्पित करता है। उसके लिए कला चिकित्सा थी और उसकी कलात्मक भूख ने उसे कठिनाइयों से उबरने, उसके कष्टों को उजागर करने और बीमारी का सामना करने पर मदद की। “शैम्पेन, ग्लेशियर एट फ़्लायर्स”, 1979 के एक पत्र का शीर्षक, जिसे निकी डे सेंट फाल्ले ने अपने कलाकार मित्र मरीना करीला को लिखा था, उनके व्यक्तित्व को दर्शाता है जो दोनों, मजबूत, संवेदनशील और करिश्माई थे। वह एक विद्रोही थी और उसने हथियारों का इस्तेमाल करना चुना,

इनमें से पहला 1961 में बनाया गया था। “टाइर्स” [शूटिंग], उन कामों की श्रृंखला थी, जिनके साथ उन्हें एक कलाकार के रूप में पहचान मिली और गंभीर आलोचना, फ्रांस में कुख्याति और जल्दी अंतरराष्ट्रीय स्तर पर प्राप्त होने के बावजूद, उन्होंने काम किया। उसने प्लास्टर से ढके हुए कैनवस पर पेंट से भरे बैग रखकर मूल काम भी किए और फिर राइफल से कैनवस पर गोली चलाई। काम पर गोली मार दी है और परिणाम नया रचनात्मक टुकड़ा है। कलाकार ने अपने भीतर के क्रोध और हिंसा को एक बाहरी इशारे में व्यक्त किया; उसने अपने पिता पर गोली चलाई, जिसे उसने 11 साल की उम्र में, उसकी माँ पर, और चर्च के समाज में और उसके सारे अन्याय के बारे में बताया था।

अपनी पहली Tirs प्रदर्शनियों के बाद, न्यू रियलिस्ट्स ने उन्हें अपने समूह में शामिल होने के लिए आमंत्रित किया, जिसमें वह एकमात्र महिला सदस्य थीं। जब, 1963 में, Niki de Saint Phalle ने Tirs से संक्रमण को दूर कर दिया, तो उन्होंने सफेद प्लास्टर में मूर्तियां बनाना शुरू कर दिया, जिनमें से कुछ मौत या परेशान थे जैसा कि दुल्हनों, दिलों और यहां तक ​​कि महिलाओं के जन्म की श्रृंखला का मामला है। उसकी मूर्तियां कपड़े और ऊन से तार के तख्ते पर बनाई जाती थीं, जिसमें निकी डे सेंट फाल्ले अक्सर उद्धार की वस्तुओं को जोड़ते थे। चित्रित की गई महिलाओं निकी डे सेंट फाल्ले को अभी भी शादी या मातृत्व से दूर किया गया था, और वह उन्हें मुक्त करने की कोशिश कर रही थी। 1964 तक, Niki de Saint Phalle ने “ननास” श्रृंखला को फिर से महिला आंकड़ों को उजागर करने के लिए अपनाया। बोल्ड रंगों में और उदार वक्रों वाली ये मूर्तियां आधुनिक स्त्री का प्रतीक हैं, जो परंपराओं से मुक्त है। नाना काले हैं,

कलाकार ने अपने जीवन का एक बड़ा हिस्सा इन स्मारकीय परियोजनाओं के लिए समर्पित किया। उनकी मूर्तियां वास्तविक वास्तुशिल्प टुकड़ों में बदल गईं: 1972 में यरूशलेम में गोलेम स्लाइड या नानक द्वारा सबसे बड़ा (28 मीटर लंबा), स्टॉकहोम में 1966 में निकी द्वारा निर्मित। वह पेरिस के पास मिल्लीला-फ़ॉर्टल में जीन टिंगली द्वारा साइक्लोप (1969-1994) में सक्रिय रूप से शामिल थी। हालांकि, शक के बिना, टस्कनी में एक परियोजना जोर्डिन डे टैरोट्स, जो 1978 में शुरू हुई थी, उसका सबसे व्यापक काम था। उसने पूरी परियोजना का स्वयं वित्त पोषण किया और इसे पूरा करने में उसे 20 साल से अधिक का समय लगा। कला ने भले ही उसकी जान बचा ली हो, लेकिन जिस हवा में उसने सांस ली, उसने अपनी पॉलिस्टर की मूर्तियां बनाईं, वह फेफड़ों की समस्याओं का कारण थी, जिसे वह जीवन भर झेलती थी। 2001 में उनकी मृत्यु से एक साल पहले, उन्होंने MAMAC को कई महत्वपूर्ण कार्य दान किए,

यवेस क्लेन
मोनोक्रोम साहसिक
एक गैलरी का अन्वेषण करें, जो दुनिया में अद्वितीय है, जो कि सारहीन के गुरु को समर्पित है। यवेस क्लेन का जन्म अप्रैल 1928 में नीस में हुआ था; उनके माता-पिता दोनों चित्रकार (मैरी रेमंड और फ्रेड क्लेन) थे। 1946 में वह नाइस में अरमान और कवि क्लाउड पास्कल से मिले, जिनके साथ वे स्थानीय समुद्र तटों पर काव्य रोमांच साझा करेंगे

उन्होंने क्लाउड पास्कल के साथ जूडो सीखा, (वह 4 डी बन जाएगा), और उनमें से दोनों नंगे पैर में एवेन्यू जीन मेडेसीन नीचे टहलेंगे, उनके साथ क्लेन के हाथों के निशान और पैरों के निशान के साथ सफेद शर्ट पहने। क्लेन और अरमान ज़ेन दर्शन में रुचि रखते थे, और यह अरमान के परिवार से संबंधित एक तहखाने की दीवार पर था जहां क्लिन ने अपने पहले नीले मोनोक्रोम को 1947-1948 के बीच चित्रित किया था। 1955 में, पेरिस में, वह टिंगेली, सेसर, रेसे और रेस्टनी से मिले, और सैलून डेस रैलिटेस नूवेल्स में, उन्होंने एक ही रंग में एक चित्र दिखाया, एक्सप्रेशन डे लंयूवर्स ला कुलेर माइन ऑरेंज [यूनिवर्स ऑफ़ द यूनिवर्स कलर लीड ऑरेंज], (एम 60), 1955, “यवेस ले मोनोक्रोम” पर हस्ताक्षर किए, जिसे अस्वीकार कर दिया गया और काफी हलचल हुई।

1956 के बाद से, “यवेस: पेइन्चर्स” प्रदर्शनों का पालन किया: प्रस्ताव मोनोक्रोमेस, पेरिस में गैलरी कोलेट एलेंडी, यवेस क्लेन: प्रोपोस्ट मोनोक्रोम एपोका ब्लू, 1957 में मिलान और पिग्यू प्योर में, फिर से गैलरी एलेन्डी, जिसके दौरान उन्होंने व्यावहारिक प्रस्तुत किया। “ब्लू पीरियड” के अनुप्रयोग, एक अल्ट्रामरीन ब्लू की स्थापना के बाद, जिसे IKB (अंतर्राष्ट्रीय क्लेन ब्लू) के रूप में जाना जाएगा। यह 1958 में पेरिस में आइरिस क्लर्ट गैलरी में वीडियो प्रदर्शनी की प्रमुख मीडिया घटना के बाद था, जिसमें क्लेन ने एक पूरी तरह से खाली गैलरी प्रस्तुत की थी; दीवारों को कलाकार द्वारा सफेद रंग में रंगा गया था और गैलरी की खिड़की को नीला रंग दिया गया था। अपने मित्र रॉबर्ट गोडेट द्वारा होस्ट किए गए, आइल सेंट-लुइस पर, उन्होंने अपने “लिविंग ब्रश” में से सबसे पहले परिक्रमा की,

पहली एंथ्रोपोमेट्रीज़ को सार्वजनिक रूप से मार्च 1960 में पेरिस में गैलारी इंटर्नैशनल डी’आर्ट के समकालीन में दिखाया गया था, जिसमें एक प्रदर्शन किया गया था जिसमें तीन महिला नग्न मॉडल नीले रंग में कवर किया गया था, क्रॉल किया गया था और फर्श पर ले जाया गया था जो इस अवसर के लिए कागज में कवर किया गया था; मॉडल ने “कंडक्टर” क्लेन की दिशा में, मोनोटोन-साइलेंस सिम्फनी की आवाज़ के तहत, दीवारों पर अपने शरीर को अंकित किया। क्लेन जून में 1962 में पेरिस में निधन हो गया, महान गीतात्मक गहराई के कामों को पीछे छोड़ते हुए, शून्यता की शक्ति का प्रदर्शन करने के बाद, पानी और आग को तराशा, हवा की वास्तुकला का आविष्कार किया, आदि इस का प्रमाण “कॉस्मोगोनीज़” श्रृंखला में है। पल-प्रकृति की स्थिति “, पेरिस और नीस के बीच अपनी कार की छत पर यात्रा करने वाले कैनवस के वायुमंडलीय व्यवहार के संकेतों को रिकॉर्ड करना,

तीसरा तल
शब्दों के साथ खेलना। संकेतों पर खेलते हैं।
MAMAC, ला कंबरा या «बेन के संग्रहालय» का एक प्रतिष्ठित काम इस आवश्यक कलाकार के काम में लेखन के स्थान का लेखा-जोखा देता है। उनकी चिकनी, अदम्य, लगभग बचकानी सुलेख हमें परिवर्तन की हवाओं और दृष्टिकोण की कला में ले जाती है जो 1950 के दशक के अंत में नीस में शुरू हुई थी। इस स्मारक के काम के आसपास, शब्द, लेखन और भाषा के साथ अन्य खेल प्रदर्शन पर हैं। दीवारों पर, पेंटिंग और कागज की चादरें, ग्लिफ़ और अल्फ़ाबेट का आविष्कार किया जाता है, विपर्यय, नृत्य-कविता, टैग और क्रॉसवर्ड तैयार किए जाते हैं। यह प्रदर्शनी संग्रहालय के इतिहास से संबंधित विभिन्न पीढ़ियों के कलाकारों द्वारा संग्रह के साथ-साथ ऋण और प्रस्तुतियों से काम करती है। दीवार और लेखन के बीच संबंध पर प्रकाश डाला गया है।

रचनाएँ दर्शक, पाठक, ज्ञानवर्धक, या यहाँ तक कि अभिनेता के शरीर को संलग्न करती हैं। कुछ कार्यों में बहुत कम प्रोफ़ाइल है और आगंतुकों को ध्यान देने की आवश्यकता होती है, अन्य लोग उन पर चिल्लाते हैं, उन्हें काम पर ले जाते हैं, उनकी कल्पना पर कॉल करते हैं। उन्हें समझने का केंद्रीय प्रश्न काम की समझ और इसे व्याख्या करने की कुंजी है। जबकि शब्द कविता और बचपन की दुनिया को बुलाते हैं, वे दुनिया के साथ एक प्रमुख राजनीतिक संबंध रखते हैं, समाज में कलाकार के स्थान पर

अमेरिकी सार कला
1960 के दशक के मध्य में संयुक्त राज्य में न्यूनतम कला का उदय हुआ
न्यूनतमवाद के साथ, कला को एक कट्टरपंथी संक्रमण के दौर से पूरी तरह से नए परिप्रेक्ष्य से माना जाता था जो पारंपरिक सम्मेलनों से बचता था। इस परिवर्तन का सबसे उल्लेखनीय पहलू दर्शक और कलाकृति के बीच नया संबंध था, जिसने अपने पदार्थ के ठीक नीचे किसी वस्तु के सौंदर्य बोध को पुनः स्थापित किया। कलाकृतियों ने अंतरिक्ष पर एकाधिकार कर लिया, जो एक अस्तित्वगत स्थान बन गया और अब एक सौंदर्य स्थान नहीं रहा। पहले, कला के एक टुकड़े ने अपने स्वयं के क्षेत्र पर कब्जा कर लिया था जो दर्शक से अलग था। न्यूनतम कला ने कलाकार के लिए एक नया क्षेत्र खोला, जिसमें आस-पास के स्थान के साथ अपने संबंधों में अपने स्वयं के शरीर की चेतना को प्रेरित किया गया जिसके परिणामस्वरूप अतिरिक्त बड़े कैनवस और प्लिंथ के आक्षेप हो गए।

FRAM Photo Muriel Anssens, Ville de Nice – ADAGP, पेरिस, 2019 त्रिकोण और आगे) की सहायता से और वॉल्यूम, सतह और सपाटता के मामलों पर खरीदा गया। संसाधनों के न्यूनतम के माध्यम से अधिकतम प्रभाव के लिए प्रयास करते हुए, इन कलाकारों ने अपने काम में किसी भी विषय को हटा दिया और अक्सर औद्योगिक सामग्री और तकनीकों को शामिल किया

आंदोलन के समर्थकों में शामिल हैं: डोनाल्ड जुड, एल्सवर्थ केली, रॉबर्ट मॉरिस, केनेथ नोलैंड, फ्रेंक स्टेला और रिचर्ड सेरा।

1960 के दशक में वैचारिक कला का उदय हुआ। इसने वस्तु पर विचार की प्रधानता पर जोर दिया, इस हद तक कि काम का उत्पादन करना भी कड़ाई से आवश्यक नहीं था। इसने पारंपरिक कलात्मक क्षेत्र की सीमा को धक्का दिया और कलात्मक अभ्यास के अर्थ और उद्देश्य पर सवाल उठाया। 1969 में, सोल लेविट ने घोषणा की: “विचार कला के कार्य हो सकते हैं। वे विकास की एक श्रृंखला में हैं जो कुछ रूप को पा सकते हैं। सभी विचारों को भौतिक बनाने की आवश्यकता नहीं है। ‘

इस कमरे में निम्नलिखित वैचारिक कलाकारों को चित्रित किया गया है: सोल लेविट, जोसेफ कोसुथ, रॉबर्ट मॉरिस, जेम्स ली बायर और एड रुस्का।

अल्बर्ट चुबैक
अल्बर्ट चुबैक का जन्म 1925 में जिनेवा में हुआ था। जिनेवा में सजावटी कला और ललित कला में अध्ययन के बाद, उनके काम कुछ प्रारंभिक अवधियों से प्रभावित थे: क्ले, कैंडिंस्की, मिरो, मैटिस और पिकासो में उनकी रुचि; 1950 में निकोलस डी स्टाल से मिलना; और उनकी यात्रा इटली, स्पेन, ग्रीस, मिस्र और अल्जीरिया में हुई।

MAMAC संग्रह और अमूल्य मदद से काम के साथ बनाई गई प्रदर्शनी: यवेस क्लेन आर्काइव्स, सेंटर नेशनल डेस आर्ट्स प्लास्टिक्स (पेरिस), जीन डुपयू, एस्टेट रॉबर्ट फिलियौ, पीटर फ्रीमैन, इंक। (न्यूयॉर्क / पेरिस), जीनबैप्टिस्ट गने, एरिक गुइचार्ड , अरनौद लाबेले-रोजौक्स, ला उत्तराधिकार अरमान, लीलजा आर्ट फंड फाउंडेशन, लोवेनब्रुक (पेरिस), स्टैफनी मारिन, तानिया माउरड, निकी चैरिटेबल आर्ट फाउंडेशन, एम्मान रेनजेंट, शेयरिंग आर्ट फाउंडेशन, बेन वॉटियर, बर्नार वेनेटर और कलेक्टर जो गुमनाम बने रहने की कामना करते हैं। ।

अपने पहले चित्रों से, जो लगभग अमूर्त थे, उन्होंने प्राथमिक रंगों का एक पैलेट इस्तेमाल किया, जो ब्लॉकों में लगाया गया था। फिर उन्होंने इस तकनीक को “रूपांतरित” लकड़ी की मूर्तियों पर लागू किया। इन मूर्तियों के पीछे का विचार दर्शकों को तत्वों को बदलने में सक्षम बनाना था। बाद की अवधि में, उन्होंने रंगीन Plexiglas के luminescent गुणों का पता लगाया।

2004 में, अल्बर्ट चुबैक ने आधुनिक और समकालीन कला के संग्रहालय के लिए सिटी ऑफ़ नीस को लगभग सौ कामों में दान दिया। MAMAC ने इस दान को 2004 में प्रदर्शित किया, इस प्रकार यह फ्रांस में कलाकार के काम का संदर्भ बन गया।

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