Esculturas de Lucio Fontana, Museu Diocesano de Milão

A seção dedicada a Lucio Fontana consiste no conjunto de dois núcleos que chegaram separadamente ao Museu Diocesano, reunidos intencionalmente e exibidos como evidência da extraordinária atividade escultórica do artista em Milão e no campo da arte sacra.

Em 2000, os moldes de gesso feitos por Fontana por ocasião do concurso lançado pela mesma em 1950 para a construção da quinta porta da Catedral de Milão e o desenho da Pala della Vergine Assunta, feita em 1955, chegaram ao Museu. da Veneranda Fabbrica del Duomo para a catedral. Para implementar a coleção das obras de Fontana, a Via Crucis branca de 1955 chegou em 2011 ao Museu da Região da Lombardia, concebida pelo artista como parte de uma intervenção para a capela do berçário Ada Bolchini Dell’Acqua (Milão, via Cascina Corba).

Biografia
Lucio Fontana (19 de fevereiro de 1899 – 7 de setembro de 1968) foi um pintor, escultor e teórico argentino-italiano. Ele é conhecido principalmente como o fundador do espacialismo.

Nascido em Rosario, província de Santa Fe, Argentina, filho de pais imigrantes italianos, ele era filho do escultor Luigi Fontana (1865 – 1946). Fontana passou os primeiros anos de sua vida na Argentina e depois foi enviado para a Itália em 1905, onde permaneceu até 1922, trabalhando como escultor com o pai e depois sozinho. Já em 1926, ele participou da primeira exposição do Nexus, um grupo de jovens artistas argentinos que trabalha em Rosario de Santa Fé.

Trabalhos
Em 1927, Fontana retornou à Itália e estudou com o escultor Adolfo Wildt, na Accademia di Brera, de 1928 a 1930. Foi lá que ele apresentou sua primeira exposição em 1930, organizada pela galeria de arte de Milão Il Milione. Durante a década seguinte, viajou pela Itália e pela França, trabalhando com pintores abstratos e expressionistas. Em 1935, ingressou na associação Abstração-Criação em Paris e, de 1936 a 1949, fez esculturas expressionistas em cerâmica e bronze. Em 1939, ingressou no Corrente, um grupo de artistas expressionistas de Milão.

Em 1940 ele retornou à Argentina. Em Buenos Aires (1946), fundou a academia Altamira juntamente com alguns de seus alunos e tornou público o Manifesto Branco, onde se afirma que “matéria, cor e som em movimento são os fenômenos cujo desenvolvimento simultâneo compõe a nova arte”. . No texto, que Fontana não assinou, mas com o qual contribuiu ativamente, ele começou a formular as teorias que ele deveria expandir como Spazialismo, ou Spatialism, em cinco manifestos de 1947 a 1952. Ao retornar da Argentina em 1947, ele apoiou, juntamente com escritores e filósofos, o primeiro manifesto do espacialismo (Spazialismo) **. Fontana encontrara seu estúdio e obras completamente destruídas nos atentados aliados de Milão, mas logo retomou seus trabalhos de cerâmica em Albisola. Em milão,

Após seu retorno à Itália em 1948, Fontana exibiu seu primeiro Ambiente spaziale a luce nera (‘Ambiente espacial’) (1949) na Galleria del Naviglio, em Milão, uma instalação temporária que consiste em uma gigantesca forma de ameba suspensa no vazio em um quarto escuro e iluminado por luz neon. A partir de 1949, iniciou o chamado Conceito Espacial ou série de barras, consistindo em buracos ou barras na superfície de pinturas monocromáticas, sinalizando o que ele chamou de “uma arte para a Era Espacial”. Ele criou o título genérico Concetto spaziale (‘conceito espacial’) para essas obras e o usou em quase todas as suas pinturas posteriores. Eles podem ser divididos em categorias amplas: os Buchi (‘buracos), a partir de 1949, e os Tagli (‘ barras ‘), que ele instituiu em meados da década de 1950.

Fontana frequentemente alinhava o verso de suas telas com gaze preta, para que a escuridão cintilasse por trás dos cortes abertos e criasse uma sensação misteriosa de ilusão e profundidade. Ele então criou um elaborado teto de neon chamado “Luce spaziale” em 1951 para a Trienal de Milão. Em sua importante série de Concetto spaziale, La Fine di Dio (1963-1964), Fontana usa a forma do ovo. Com sua série Pietre (pedras), iniciada em 1952, Fontana fundiu a escultura com a pintura, incrustando as superfícies de suas telas com forte impasto e vidro colorido. Em seu ciclo de Buchi (furos), iniciado em 1949-50, ele perfurou a superfície de suas telas, rompendo a membrana da bidimensionalidade para destacar o espaço atrás da imagem. Desde 1958, ele purificou suas pinturas criando superfícies monocromáticas foscas, focando assim o espectador. s atenção nas fatias que rasgam a pele da tela. Em 1959, Fontana exibiu pinturas cortadas com vários elementos combináveis ​​(ele chamou os conjuntos de quanta) e iniciou a Nature, uma série de esculturas feitas cortando um corte em uma esfera de barro de terracota, que ele posteriormente lançou em bronze.

Fontana se engajou em muitos projetos colaborativos com os arquitetos mais importantes da época, em particular com Luciano Baldessari, que compartilhou e apoiou sua pesquisa para Spatial Light – Structure in Neon (1951) na 9ª Trienal e, entre outras coisas, o contratou para projetar o teto do cinema no Pavilhão Sidercomit na 21ª Feira de Milão em 1953.

Por volta de 1960, Fontana começou a reinventar os cortes e perfurações que caracterizavam seu estilo altamente pessoal até aquele momento, cobrindo telas com camadas de tinta a óleo espessa aplicada à mão e pincel e usando um bisturi ou faca Stanley para criar grandes fissuras em sua superfície . Em 1961, após um convite para participar com os artistas Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis e outros em uma exposição de pintura contemporânea intitulada “Arte e Contemplação”, realizada no Palazzo Grassi em Veneza, ele criou uma série de 22 obras dedicadas para a cidade da lagoa. Ele manipulou a tinta com os dedos e vários instrumentos para fazer sulcos, às vezes incluindo fragmentos espalhados de vidro de Murano. Fontana foi posteriormente convidada por Michel Tapié para expor os trabalhos na Martha Jackson Gallery, em Nova York.

Entre os últimos trabalhos de Fontana, há uma série de Teatrini (“pequenos teatros”), nos quais ele retornou a um idioma essencialmente plano usando panos fechados dentro de asas semelhantes a uma moldura; a referência ao teatro enfatiza o ato de olhar, enquanto em primeiro plano uma série de esferas irregulares ou silhuetas onduladas e oscilantes cria uma animada peça de sombra. Outra obra da época, Trinità (Trinity) (1966), consiste em três grandes telas brancas pontuadas por linhas de orifícios, abraçadas em um cenário teatral feito de folhas de plástico ultramarino que se assemelham vagamente a asas.

Nos últimos anos de sua carreira, Fontana tornou-se cada vez mais interessado na encenação de seu trabalho nas diversas exposições que o honraram em todo o mundo, bem como na idéia de pureza alcançada em suas últimas telas brancas. Essas preocupações foram proeminentes na Bienal de Veneza de 1966, para a qual ele projetou o ambiente para seu trabalho. Na Documenta IV em Kassel, em 1968, ele posicionou uma grande barra de gesso como o centro de um labirinto totalmente branco, incluindo teto e piso (Ambiente spaziale bianco).

Pouco antes de sua morte, ele esteve presente na demonstração “Destruction Art, Destroy to Create” no Finch College Museum de Nova York. Depois, deixou sua casa em Milão e foi para Comabbio (na província de Varese, Itália), cidade-mãe de sua família, onde morreu em 1968.

Fontana criou uma quantidade prolífica de trabalhos gráficos com motivos abstratos e figuras, pouco conhecidas no mundo da arte, ao mesmo tempo em que produzia seus trabalhos abstratos perfurados. Ele também foi o escultor do busto de Ovidio Lagos, fundador do jornal La Capital, em mármore de Carrara.

Exposições
Fontana fez suas primeiras exposições individuais na Galleria del Milione, Milão, em 1931. Em 1961, Michel Tapié organizou seu primeiro show nos EUA, uma exposição da série Venice, na Martha Jackson Gallery, Nova York. Sua primeira exposição individual em um museu americano foi realizada no Walker Art Center, Minneapolis, em 1966. Ele participou da Bienal de São Paulo e de inúmeras exposições ao redor do mundo. Entre outras, grandes retrospectivas foram organizadas pela Coleção Peggy Guggenheim, Veneza (2006), Hayward Gallery, Londres (1999), Fondazione Lucio Fontana (1999) e Centre Georges Pompidou (1987; viajou para La Fundación ‘la Caixa’ Barcelona; Museu Stedelijk, Amsterdã; Galeria Whitechapel, Londres). Desde 1930, o trabalho de Fontana era exibido regularmente na Bienal de Veneza, e ele representou a Argentina várias vezes; ele recebeu o Grande Prêmio de Pintura na Bienal de Veneza de 1966. Em 2014, o Museu de Arte Moderna da Cidade de Paris dedica uma retrospectiva ao artista. A arte Tornabuoni realizou um espetáculo paralelo no espaço da galeria Avenue Matignon Paris.

Colecções
As obras de Fontana podem ser encontradas nas coleções permanentes de mais de cem museus ao redor do mundo. Em particular, exemplos da série Pietre estão alojados no Museu Stedelijk, Amsterdã, no Centre Pompidou, Paris, no Museu de Arte Moderna de Nova York, na Galleria Nazionale d’Arte Moderna em Roma, no Museu de Arte Contemporânea Villa Croce em Gênova e o van Abbemuseum, Eindhoven. As jóias de Fontana estão incluídas na coleção permanente do Museu de Belas Artes de Boston.

Mercado de arte
O estudioso italiano Enrico Crispolti editou um catálogo em dois volumes das pinturas, esculturas e ambientes de Fontana em 2006. Em 2013, Luca Massimo Barbero, Nina Ardemagni Laurini e Silvia Ardemagni publicaram um catálogo em três volumes das obras de Fontana em papel, incluindo mais de 5.500 obras em ordem cronológica.

Um trabalho raro e grande e vermelho com uma única barra, que Fontana dedicou à esposa e que sempre foi conhecida como Teresita, obteve 6,7 milhões de libras (11,6 milhões de dólares) na Christie’s London em 2008, em seguida, um recorde de leilão para o artista. O Concetto Spaziale de Fontana, Attese (1965), da coleção de Anna-Stina Malmborg Hoglund e Gunnar Hoglund, estabeleceu um novo recorde para uma pintura de barra em 8,4 milhões de libras na Sotheby’s London em 2015. Ainda mais populares são as telas ovais de Fontana. A Sotheby’s vendeu uma obra intitulada Concetto spaziale, la fine di dio (1963) por 10,32 milhões de libras em 2008. Parte do círculo de Veneza de Fontana, o Festival on the Grand Canal foi vendido na Christie’s em Nova York por US $ 7 milhões em 2008.

luzes
No térreo, uma seção inteira do museu é dedicada às obras esculturais de Lucio Fontana. Entre eles, destacam-se, além dos emplastros preparatórios da quinta porta da Catedral de Milão e do Pala della Vergine Assunta, as quatorze estações da Via Crucis (Via Crucis bianca, 1955), armazenadas no Museu pela Região da Lombardia.

Arcebispo Antonio da Saluzzo recebe as ofertas do povo Gesso, 98 x 169 x 45 cm
A obra faz parte do grupo de cinco moldes de gesso, que chegaram ao Museu em 2000 pela Veneranda Fabbrica del Duomo, realizada por ocasião da competição realizada em 1950 pela Veneranda Fabbrica para a construção da quinta porta da catedral . O tema da competição, Origens e Eventos da catedral, foi escolhido pelo mesmo arcebispo de Milão, Blessed Card. Ildefonso Schuster. Em 1951, o artista participou do primeiro grau da competição, apresentando um modelo da porta que se destacava por sua originalidade inventiva e composicional. A síntese formal extrema com a qual os doze episódios se seguiram e a ressecção dos corpos dos papas lombardos usados ​​como arquitrave não satisfaziam a Comissão que convidou o artista a participar do segundo grau da competição, fazendo algumas mudanças formais e composicionais. Em 1952, Fontana ganhou o primeiro prêmio ex-com Luciano Minguzzi, mas, nos anos seguintes, cansado das longas incertezas da Comissão, abandonou o projeto. No reboco em questão, a cena é simetricamente dividida em duas partes: à esquerda está o arcebispo junto com outra personagem, talvez o duque Giangaleazzo, enquanto à direita encontramos um grupo de figuras representando a comunidade de fiéis que oferece as ofertas para a construção da catedral

Retábulo da Virgem da Assunção, cm 320 x 180 x 50
O esboço do retábulo da Assunção Virginit foi criado por Lucio Fontana em 1955, após o concurso lançado em novembro de 1950 pela Veneranda Fabbrica del Duomo em conjunto com a proclamação do dogma da Assunção de Maria pelo Papa Pio XII. A obra, concebida como retábulo, destinava-se a uma nave menor da catedral. O retábulo, projetado em mármore e permanecido no palco do desenho, representa centralmente em um fundo ondulado a figura da Virgem da Assunção de dimensões monumentais, ao pé da qual há uma predela menor representando uma intensa Pietà. Da composição unitária da Assunção e Piedade, uma solução fornecida por Fontana desde o início, deriva o contraste entre a extroversão disruptiva do primeiro e a lembrança íntima do último.

Via Crucis “branco” Cerâmica vitrificada, 14 ladrilhos octogonais, 41,5 x 21 x 10 cm cada
Concebida como parte de uma intervenção para a capela do berçário Ada Bolchini Dell’Acqua (Milão, via Cascina Corba), a Via Crucis branca é o resultado da colaboração entre Marco Zanuso, que projetou o edifício entre 1953 e 1954, e Lucio Fontana, que concebeu uma decoração ad hoc para o espaço da capela de acordo com o princípio da unidade conceitual entre a decoração escultural e o ambiente. O trabalho é composto por catorze azulejos brancos vitrificados octogonais, gravados brevemente e marcados por intensas sugestões cromáticas, intimamente ligados ao drama narrativo. Nas catorze estações estão registradas as cenas da condenação de Jesus e da ascensão ao Calvário resumidas em alguns elementos narrativos. As figuras destacam-se isoladas em uma superfície lisa e brilhante, gravada brevemente com cortes limpos.

Museu Diocesano de Milão
O Museu Diocesano de Milão nasceu em 2001 por iniciativa da Arquidiocese de Milão, com o objetivo de proteger, aprimorar e divulgar os tesouros artísticos da diocese no contexto espiritual que os inspirou. A partir do ano seguinte, é palco da iniciativa Uma obra-prima do Milan.

O Museu Diocesano está localizado no cenário dos claustros de Sant “Eustorgio, parte integrante de um dos complexos monumentais mais antigos de Milão, construído a partir das unidades unidas da basílica e do convento dominicano, um próspero centro no decorrer do período. séculos em uma área importante para a história do cristianismo milanês.

A coleção permanente é constituída por mais de setecentas obras de arte que abrangem o período que vai do século IV ao XXI. Na Galeria de Pintura do Arcebispo estão as coleções dos arcebispos de Milão (parte da coleção Monti, Visconti, Riccardi e a coleção completa de Erba Odescalchi). Além das pinturas provenientes das igrejas da Diocese, o Museu abriga uma coleção importante grupo de obras de mobiliário litúrgico, completando a coleção é a seção dedicada às pinturas em painéis de folha de ouro (obras principalmente da esfera da Toscana dos séculos 14 e 15, coletadas pelo Prof. Alberto Crespi e doadas ao Museu) e esculturas pinturas da coleção de Caterina Marcenaro e, por fim, em torno de um primeiro núcleo de obras esculpidas de Lucio Fontana,