루치 오 폰타나, 밀라노 교구 박물관의 조각

루시오 폰타나 (Lucio Fontana) 전용 섹션은 교구 박물관과 분리되어 있으며 밀라노와 신성한 예술 분야에서 작가의 특별한 조각 활동의 증거로 수집되어 전시 된 두 개의 핵 앙상블로 구성되어 있습니다.

2000 년, 1950 년 밀라노 대성당의 다섯 번째 문을 짓고 1955 년에 만들어진 Pala della Vergine Assunta의 스케치를 위해 1950 년에 시작된 경쟁에서 Fontana가 만든 석고 캐스트는 박물관에 왔습니다. 대성당을위한 Veneranda Fabbrica del Duomo에서. Fontana의 작품 수집을 구현하기 위해 1955 년의 흰색 Via Crucis는 2011 년 롬바르디아 지역 박물관에 도착하여 보육원 보육원 Ada Bolchini Dell’Acqua (Milan, Cascina Corba를 통해).

전기
루시오 폰타나 (Lucio Fontana, 1899 년 2 월 19 일 – 1968 년 9 월 7 일)는 아르헨티나-이탈리아 화가, 조각가, 이론가였다. 그는 주로 공간주의의 창시자로 알려져 있습니다.

아르헨티나 산타페 지방의 로사리오에서 태어나 이탈리아 이민자 부모에게 조각가 인 루이지 폰타나 (1865 ~ 1946)의 조각가였다. 폰타나는 아르헨티나에서 생애 첫 해를 보낸 후 1905 년 이탈리아로 보내져 1922 년까지 아버지와 함께 조각가로 일한 후 혼자 지냈다. 1926 년 이미 로사리오 데 산타페에서 일하는 젊은 아르헨티나 예술가 그룹 인 Nexus의 첫 전시회에 참가했습니다.

작업
1927 년 폰타나는 이탈리아로 돌아와 1928 년부터 1930 년까지 아카데미아 브레라에서 조각가 인 아돌 포 와일드 트 (Adolfo Wildt) 밑에서 공부했다. 그 후 10 년 동안 그는 이탈리아와 프랑스를 여행하면서 추상적이고 표현주의적인 화가들과 함께 일했습니다. 1935 년 파리에서 추상화-출생 협회에 합류했으며 1936 년부터 1949 년까지 도자기와 청동으로 표현주의 조각을했다. 1939 년에 그는 밀라노의 표현주의 예술가 집단 인 코 렌테에 합류했습니다.

1940 년에 그는 아르헨티나로 돌아 왔습니다. 부에노스 아이레스 (1946)에서 그는 몇몇 학생들과 함께 알타미라 아카데미를 설립하고 화이트 매니페스토 (White Manifesto)를 공개했습니다. “매트, 컬러 및 사운드는 동시 개발이 새로운 예술을 구성하는 현상”이라고 언급되어 있습니다. . 폰타나는 서명하지 않았지만 적극적으로 공헌 한 본문에서 1947 년부터 1952 년까지 5 개의 표현으로 스파 지아리스 모 (Spazialismo) 또는 공간주의 (Spatialism)로 확장해야한다는 이론을 공식화하기 시작했다. 1947 년 아르헨티나에서 돌아온 후 그는 작가와 철학자들과 함께 공간주의의 첫 번째 표현 (Spazialismo) **을지지한다. 폰타나는 자신의 스튜디오를 발견하고 밀라노 연합군의 폭탄 테러로 완전히 파괴되었지만 곧 알비 솔라에서 도자기 작품을 재개했습니다. 밀라노에서

폰타나는 1948 년 이탈리아로 돌아온 후 밀라노의 갤러리아 델 나 빌리 오 (Galleria del Naviglio)에서 최초의 암 비엔 테 스파 지알 (Amenteente spaziale, luce nera, ‘공간 환경’) (1949)을 전시했다. 방이 어두워지고 네온 불빛이 켜집니다. 1949 년부터 그는 흑백 회화의 표면에 구멍이나 슬래시로 구성된 이른바 공간 개념 (Spatial Concept) 또는 슬래시 (Slash) 시리즈를 시작하여 그가 “우주 시대를위한 예술”이라는 이름의 표시를 그렸습니다. 그는이 작품들에 대한 일반적인 제목 Concetto spaziale ( ‘공간 개념’)을 고안하여 거의 모든 그의 이후 그림에 사용했습니다. 이들은 1949 년에 시작된 부치 ( ‘구멍)와 1950 년대 중반에 설립 된 타 글리 (‘슬래시 ‘)로 크게 분류 될 수있다.

폰타나는 종종 캔버스의 뒷면에 검은 거즈를 깔아서 어둠이 열린 상처 뒤에 희미 해져 신비한 환상과 깊이 감을 만듭니다. 그는 밀라노의 Triennale을 위해 1951 년에 “Luce spaziale”이라는 정교한 네온 천장을 만들었습니다. 그의 중요한 Concetto spaziale 시리즈 인 La Fine di Dio (1963–64)에서 Fontana는 달걀 모양을 사용합니다. 1952 년에 시작된 그의 Pietre (돌) 시리즈를 통해 Fontana는 캔버스 표면에 무거운 임파 스토와 컬러 유리를 묻혀 조각과 회화를 융합했습니다. 1949 ~ 50 년에 시작된 부치 (구멍)주기에서 그는 캔버스의 표면을 뚫어 그림 뒤 공간을 강조하기 위해 2 차원 막을 깨뜨렸다. 1958 년부터 그는 무광택 단색 표면을 만들어 그림을 정제하여 시청자의 초점을 맞췄습니다. 캔버스의 피부를 자르는 슬라이스에주의하십시오. 1959 년 폰타나는 여러 개의 결합 가능한 요소 (세트 퀀 타라고 함)가있는 컷오프 페인팅을 전시했으며 테라코타 점토 구를 가로 질러 틈을 뚫어 만든 청동 조각으로 일련의 조각품 인 Nature를 시작했습니다.

Fontana는 오늘 가장 중요한 건축가, 특히 9 번 Triennale에서 Spatial Light – Structure in Neon (1951)에 대한 연구를 공유하고 지원 한 Luciano Baldessari와 함께 많은 공동 프로젝트에 참여했으며, 1953 년 밀라노 전시회에서 열리는 Sidercomit Pavilion에서 영화의 천장을 디자인했습니다.

1960 년경, 폰타나는 손과 브러시로 바르는 두꺼운 유성 페인트로 캔버스를 덮고 메스 또는 스탠리 나이프를 사용하여 표면에 큰 균열을 일으키기까지 그 시점까지 그의 개인적인 스타일을 특징으로 한 컷과 펑크를 재창조하기 시작했습니다. . 1961 년 베니스의 Palazzo Grassi에서 개최 된 “Art and Contemplation”이라는 현대 회화 전시회에 예술가 인 Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis 및 다른 사람들과 함께 초청하여 22 개의 작품을 제작했습니다. 석호 도시로. 그는 손가락과 다양한 도구로 페인트를 조작하여 때로는 무라노 유리의 흩어져있는 파편을 포함하여 고랑을 만들었습니다. Fontana는 이후 Michel Tapié의 초대를 받아 뉴욕의 Martha Jackson Gallery에서 작품을 전시했습니다.

폰타나의 마지막 작품 중에는 일련의 Teatrini ( “작은 극장”)가 있는데, 그는 프레임과 유사한 날개 안에있는 백보를 사용하여 본질적으로 평평한 관용구로 돌아왔다. 극장에 대한 언급은 보는 행위를 강조하는 반면, 전경에는 불규칙한 구 또는 진동하는 물결 모양의 실루엣이 생생한 그림자 놀이를 만듭니다. 그 당시의 또 다른 작품 인 Trinità (Trinity) (1966)는 구멍이 뚫린 3 개의 커다란 흰색 캔버스로 구성되어 있으며 날개와 모호한 울트라 마린 플라스틱 시트로 만든 연극 설정에 둘러싸여 있습니다.

그의 경력의 마지막 몇 년 동안 Fontana는 전 세계적으로 그를 기리는 많은 전시회와 그의 마지막 흰색 캔버스에서 얻은 순도에 대한 아이디어에 그의 작품을 준비하는 데 점점 관심을 갖게되었습니다. 이러한 우려는 1966 년 베니스 비엔날레에서 두드러졌으며,이를 위해 작업 환경을 설계했습니다. 1968 년 카셀의 Documenta IV에서 천장과 바닥 (Ambiente spaziale bianco)을 포함하여 완전히 흰색 미로의 중심으로 큰 석고 슬래시를 배치했습니다.

그의 사망 직전에 그는 뉴욕 핀치 대학 박물관에서 “파괴 예술, 파괴 파괴”시연에 참석했다. 그리고는 밀라노에있는 집을 떠나 가족의 어머니 마을 인 Comabbio (이탈리아 바레 세 주)로 1968 년에 사망했다.

폰타나는 추상 천공 작품을 제작하는 동시에 미술계에서는 거의 알려지지 않은 추상적 인 주제와 그림으로 많은 양의 그래픽 작품을 만들었습니다. 그는 카라라 대리석에서 La Capital 신문의 창립자 인 Ovidio Lagos의 흉상 조각가이기도했습니다.

전시회
폰타나는 1931 년 밀라노의 갤러리아 델 밀리 오네에서 첫 개인전을 가졌다. 1961 년에 미셸 타피는 미국 뉴욕에서 열린 마르타 잭슨 갤러리에서 베니스 시리즈 전시회를 열었다. 1966 년 미네아폴리스 워커 아트 센터에서 미국 박물관에서 개인전을 열었다. 그는 상파울루 비엔날레와 전 세계 수많은 전시회에 참가했다. 그 중에서도 주요 회고는 Peggy Guggenheim Collection, Venice (2006), Hayward Gallery, London (1999), Fondazione Lucio Fontana (1999) 및 Center Georges Pompidou (1987)가 주최했으며 La Fundación ‘la Caixa’로 여행했습니다. 바르셀로나, 암스테르담의 Stedelijk 박물관, 런던의 Whitechapel Gallery). 1930 년 Fontana의 작품이 베니스 비엔날레에서 정기적으로 전시되었으므로, 그는 여러 번 아르헨티나를 대표했다. 1966 년 베니스 비엔날레 (Venice Biennale)에서 회화 부문 대상을 수상했습니다. 2014 년, 파리의 Musée d’ Art Moderne de la Ville de Paris는 작가에게 회고전을 바칩니다. 토 네부 오니 아트는 애비뉴 마티 뇽 파리 갤러리 공간에서 병렬 쇼를 열었습니다.

컬렉션
Fontana의 작품은 전 세계 100 개가 넘는 박물관의 영구 컬렉션에서 찾을 수 있습니다. 특히, Pietre 시리즈의 예는 암스테르담의 Stedelijk 박물관, 파리 퐁피두 센터, 뉴욕의 현대 미술관, 로마의 Galleria Nazionale d’ Arte Moderna, 현대 미술관 Villa Croce에 보관됩니다. 제노아와 아인트호벤 반 Abbemuseum. 폰타나의 보석은 보스턴 미술관의 영구 컬렉션에 포함되어 있습니다.

미술 시장
이탈리아의 학자 Enrico Crispolti는 2006 년 Fontana의 그림, 조각 및 환경에 대한 2 권의 카탈로그 라니 손을 편집했습니다. 2013 년 Luca Massimo Barbero, Nina Ardemagni Laurini 및 Silvia Ardemagni는 Fontana의 논문에 대한 3 권의 카탈로그 raisonné를 포함하여 5,500은 시간 순서대로 작동합니다.

Fontana가 그의 아내를 위해 헌신하고 항상 Teresita로 알려 졌던 한 번의 슬래시로 희귀하고 큰 진홍색 작품으로 2008 년 Christie ‘s London에서 670 백만 파운드 (11.6 백만 달러)를 가져와 예술가의 경매 기록. Anna-Stina Malmborg Hoglund와 Gunnar Hoglund의 컬렉션에서 Fontana의 Concetto Spaziale (1965)은 2015 년 Sotheby ‘s London에서 슬래쉬 페인팅에 대한 새로운 기록을 세웠습니다. Fontana의 타원형 캔버스는 훨씬 더 유명합니다. Sotheby ‘s는 2008 년에 1,300 만 파운드의 La Fine di dio (1963)라는 제목의 Concetto spaziale이라는 작품을 판매했습니다. Fontana의 베니스 서클의 일부인 Grand Canal의 Festival은 2008 년 뉴욕의 Christie ‘s에서 700 만 달러에 판매되었습니다.

하이라이트
1 층에는 박물관 전체가 Lucio Fontana의 조각 작품에 전념합니다. 그중에서도 밀라노 대성당의 다섯 번째 문과 비아 크루 시스 (Via Crucis bianca, 1955)의 열두 정거장 인 Pala della Vergine Assunta의 다섯 번째 문 준비 용 석고 외에도 롬바르디아 지역.

Antonio da Saluzzo 대주교는 98 x 169 x 45 cm의 Gesso 사람들로부터 헌금을 받았습니다.
이 작품은 5 회 석고 캐스트 그룹의 일부로, 베네 란다 Fabbrica 델 두오모에서 2000 년 박물관에 도착하여 1950 년 베네 란다 Fabbrica가 대성당의 다섯 번째 문을 건설하기 위해 개최 한 경쟁의 날에 이루어졌습니다. . 대성당의 기원과 사건이라는 경쟁의 주제는 밀라노의 동일한 대주교 인 축복 된 카드에 의해 선택되었습니다. 일데 폰소 슈스터. 1951 년 작가는 독창적이고 독창적 인 독창성을 자랑하는 문 모델을 제시함으로써 경쟁의 1 급에 참가했습니다. 열두 에피소드가 뒤따른 극도의 공식적인 합성과 궁수 자리로 사용 된 롬바르드 교황의 시체의 절제는 예술가가 공식적이고 구성적인 변화를 통해 경쟁의 2도에 참여하도록 초대 한위원회를 만족시키지 못했습니다. 1952 년 폰타나는 루치아노 민 구찌와 함께 1 등상을 받았지만, 이후 몇 년 동안위원회의 오랜 불확실성에 질려 프로젝트를 포기했다. 문제의 석고에서 장면은 대칭으로 두 부분으로 나뉩니다. 왼쪽에는 대주교가 다른 인물, 아마도 Duke Giangaleazzo와 함께 있습니다. 오른쪽에는 제공하는 신자 커뮤니티를 나타내는 인물 그룹이 있습니다. 대성당의 건축

가정 처녀의 제단, cm 320 x 180 x 50
가정 버진의 제단 스케치는 1950 년 11 월 베네 란다 파브리카 델 두오모가 교황 피우스 XII의 마리아 가정의 교리 선언과 함께 시작한 경쟁에 따라 1955 년 루치 오 폰타나에 의해 스케치되었습니다. 제단으로 생각 된이 작품은 성당의 작은 본당을위한 것이었다. 대리석으로 디자인되고 스케치의 단계에서 유지 된이 제단은 물결 모양의 배경에 기념비적 인 크기의 가정 처녀의 모습을 중심으로 나타내며, 발에는 강렬한 피타를 묘사 한 작은 프레 델라가 있습니다. Fontana가 처음부터 제공 한 솔루션 인 Assumption and Piety의 단일 구성에서 전자의 파괴적인 외향과 후자의 친밀한 기억 사이의 대비가 도출됩니다.

Crucis “white”유리 세라믹, 14 각형 타일, 각각 41.5 x 21 x 10cm
보육원 보육원 Ada Bolchini Dell’Acqua (Milan, Cascina Corba 경유)의 예배당에 대한 중재의 일환으로 생각 된 흰색 Via Crucis는 1953 년에서 1954 년 사이에 건물을 디자인 한 Marco Zanuso의 협력의 결과입니다. 루시오 폰타나 (Lucio Fontana)는 조각 장식과 환경 사이의 개념적 통일 원칙에 따라 예배당 공간을위한 특별 장식을 고안했습니다. 이 작품은 14 개의 팔각형 유리로 된 흰색 세라믹 타일로 구성되어 있으며, 짧은 음각과 강렬한 색채 힌트로 표시되어 있으며, 서사 드라마와 밀접하게 연결되어 있습니다. 14 개의 방송국에는 예수의 정죄와 갈보리의 상승 장면이 몇 가지 이야기 요소로 요약되어 기록되어 있습니다. 그림은 깨끗하고 잘려서 부드럽게 새겨 져있는 매끄럽고 광택있는 바닥면에 고립되어 있습니다.

교구 밀라노 박물관
교구 밀라노 박물관은 2001 년 교구의 예술적 보물을 보호하고 강화하며 알리는 것을 목표로 밀라노 대교구의 주도로 2001 년에 탄생했습니다. 이듬해부터 그것은 밀라노의 걸작 이니셔티브의 현장입니다.

Diocesan Museum은 대성당의 결합 된 단위와 도미니카 수녀원으로 지어진 밀라노의 가장 골동품 기념물 단지 중 하나 인 Sant “Eustorgio의 회랑의 설정에 위치하고 있습니다. 밀라노 기독교의 역사를위한 중요한 지역에서 몇 세기.

영구 소장품은 4 세기에서 21 세기까지의 기간 동안 700 개가 넘는 작품으로 구성되어 있습니다. 대주교의 그림 갤러리에는 밀라노의 대주교 (몬티, 비스콘티, 리카르 디 컬렉션, 에르 바 오 데스 칼치의 전체 컬렉션)의 컬렉션이 있습니다. 교구 교회의 그림 외에도 박물관에는 컬렉션을 완성하는 것은 금박 패널 그림 (주로 Alberto Crespi 교수가 수집하고 박물관에 기증 한 14 세기와 15 세기 토스카나 지역에서 제작 된 작품)과 조각에 관한 부분입니다. 카테리나 마르케 나로 (Caterina Marcenaro) 컬렉션에서 나온 그림들.