La sección dedicada a Lucio Fontana consiste en el conjunto de dos núcleos que han venido por separado al Museo Diocesano, reunidos y exhibidos intencionalmente como evidencia de la extraordinaria actividad escultórica del artista en Milán y en el campo del arte sacro.
En 2000, los moldes de yeso realizados por Fontana con motivo del concurso lanzado por el mismo en 1950 para la construcción de la quinta puerta de la Catedral de Milán y el boceto de la Pala della Vergine Assunta, realizada en 1955, llegaron al Museo. de la Veneranda Fabbrica del Duomo para la catedral. Para implementar la colección de obras de Fontana, el Via Crucis blanco de 1955 llegó en 2011 al Museo de la Región de Lombardía, concebido por el artista como parte de una intervención para la capilla de la Guardería Hogar de Niños Ada Bolchini Dell’Acqua (Milán, a través de Cascina Corba).
Biografía
Lucio Fontana (19 de febrero de 1899 – 7 de septiembre de 1968) fue un pintor, escultor y teórico argentino-italiano. Es conocido principalmente como el fundador del espacialismo.
Nacido en Rosario, provincia de Santa Fe, Argentina, de padres inmigrantes italianos, fue hijo del escultor Luigi Fontana (1865-1946). Fontana pasó los primeros años de su vida en Argentina y luego fue enviado a Italia en 1905, donde permaneció hasta 1922, trabajando como escultor con su padre, y luego solo. Ya en 1926, participó en la primera exposición de Nexus, un grupo de jóvenes artistas argentinos que trabajan en Rosario de Santa Fé.
Trabajo
En 1927, Fontana regresó a Italia y estudió con el escultor Adolfo Wildt, en la Accademia di Brera, de 1928 a 1930. Allí presentó su primera exposición en 1930, organizada por la galería de arte de Milán Il Milione. Durante la década siguiente viajó por Italia y Francia, trabajando con pintores abstractos y expresionistas. En 1935 se unió a la asociación Abstraction-Création en París y de 1936 a 1949 realizó esculturas expresionistas en cerámica y bronce. En 1939, se unió al Corrente, un grupo de artistas expresionistas de Milán.
En 1940 regresó a la Argentina. En Buenos Aires (1946) fundó la academia Altamira junto con algunos de sus alumnos, e hizo público el Manifiesto Blanco, donde se afirma que «La materia, el color y el sonido en movimiento son los fenómenos cuyo desarrollo simultáneo constituye el nuevo arte». . En el texto, que Fontana no firmó pero al que contribuyó activamente, comenzó a formular las teorías que debía expandir como Spazialismo, o Espacialismo, en cinco manifiestos de 1947 a 1952. A su regreso de Argentina en 1947, él apoyó, junto con escritores y filósofos, el primer manifiesto del espacialismo (Spazialismo) **. Fontana había encontrado su estudio y obras completamente destruidas en los bombardeos aliados de Milán, pero pronto reanudó sus trabajos de cerámica en Albisola. En Milan,
Después de su regreso a Italia en 1948, Fontana exhibió su primer Ambiente spaziale a luce nera (‘Ambiente espacial’) (1949) en la Galleria del Naviglio de Milán, una instalación temporal que consiste en una forma gigante de tipo ameba suspendida en el vacío en un habitación oscura e iluminada por luz de neón. A partir de 1949 comenzó el llamado Concepto espacial o serie de barras, que consiste en agujeros o cortes en la superficie de pinturas monocromas, dibujando un signo de lo que llamó «un arte para la era espacial». Ideó el título genérico Concetto spaziale (‘concepto espacial’) para estas obras y lo usó para casi todas sus pinturas posteriores. Estos se pueden dividir en amplias categorías: el Buchi (‘agujeros’), que comienza en 1949, y el Tagli (‘barras’), que instituyó a mediados de la década de 1950.
Fontana a menudo cubría el reverso de sus lienzos con una gasa negra para que la oscuridad brillara detrás de los cortes abiertos y creara una misteriosa sensación de ilusión y profundidad. Luego creó un elaborado techo de neón llamado «Luce spaziale» en 1951 para la Trienal de Milán. En su importante serie de Concetto spaziale, La Fine di Dio (1963–64), Fontana usa la forma del huevo. Con su serie Pietre (piedras), comenzada en 1952, Fontana fusionó la escultura con la pintura incrustando las superficies de sus lienzos con un pesado empaste y vidrio de colores. En su ciclo de Buchi (agujeros), que comenzó en 1949-1950, pinchó la superficie de sus lienzos, rompiendo la membrana de la bidimensionalidad para resaltar el espacio detrás de la imagen. A partir de 1958, purificó sus pinturas creando superficies mate y monocromas, enfocando así al espectador ‘ Preste atención a las rodajas que rasgan la piel del lienzo. En 1959, Fontana exhibió pinturas cortadas con múltiples elementos combinables (llamó a los conjuntos quanta), y comenzó Nature, una serie de esculturas hechas cortando una herida en una esfera de arcilla de terracota, que posteriormente fundió en bronce.
Fontana participó en muchos proyectos de colaboración con los arquitectos más importantes de la época, en particular con Luciano Baldessari, quien compartió y apoyó su investigación para Spatial Light – Structure in Neon (1951) en la Novena Trienal y, entre otras cosas, le encargó diseña el techo del cine en el Pabellón Sidercomit en la 21a Feria de Milán en 1953.
Alrededor de 1960, Fontana comenzó a reinventar los cortes y pinchazos que habían caracterizado su estilo personal hasta ese momento, cubriendo lienzos con capas de pintura de aceite gruesa aplicada a mano y con brocha y usando un bisturí o un cuchillo Stanley para crear grandes fisuras en su superficie. . En 1961, luego de una invitación para participar junto con los artistas Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis y otros en una exposición de pintura contemporánea titulada «Arte y contemplación», celebrada en el Palazzo Grassi de Venecia, creó una serie de 22 obras dedicadas a la ciudad de la laguna. Manipuló la pintura con los dedos y varios instrumentos para hacer surcos, a veces incluyendo fragmentos dispersos de cristal de Murano. Posteriormente, Michel Tapié invitó a Fontana a exhibir las obras en la Galería Martha Jackson de Nueva York.
Entre las últimas obras de Fontana se encuentran una serie de Teatrini («pequeños teatros»), en los que regresó a un idioma esencialmente plano al usar telas encerradas dentro de alas que se asemejan a un marco; La referencia al teatro enfatiza el acto de mirar, mientras que en primer plano una serie de esferas irregulares o siluetas ondulantes y oscilantes crea una animada obra de sombras. Otra obra de esa época, Trinità (Trinity) (1966), consta de tres grandes lienzos blancos marcados por líneas de agujeros, abrazados en un escenario teatral hecho de láminas de plástico ultramarinas que se asemejan vagamente a las alas.
En los últimos años de su carrera, Fontana se interesó cada vez más en la puesta en escena de su trabajo en las numerosas exposiciones que lo honraron en todo el mundo, así como en la idea de pureza lograda en sus últimos lienzos blancos. Estas preocupaciones fueron importantes en la Bienal de Venecia de 1966, para la cual diseñó el entorno para su trabajo. En Documenta IV en Kassel en 1968, colocó una gran barra de yeso como el centro de un laberinto totalmente blanco, que incluye techo y piso (Ambiente spaziale bianco).
Poco antes de su muerte, estuvo presente en la demostración «Destruction Art, Destroy to Create» en el Finch College Museum de Nueva York. Luego dejó su hogar en Milano y fue a Comabbio (en la provincia de Varese, Italia), la ciudad madre de su familia, donde murió en 1968.
Fontana creó una cantidad prolífica de trabajo gráfico con motivos abstractos y figuras, poco conocidas en el mundo del arte, al mismo tiempo que producía sus obras perforadas abstractas. También fue el escultor del busto de Ovidio Lagos, fundador del periódico La Capital, en mármol de Carrara.
Exposiciones
Fontana realizó sus primeras exposiciones individuales en la Galleria del Milione, Milán, en 1931. En 1961, Michel Tapié organizó su primera exposición en los Estados Unidos, una exposición de la serie de Venecia, en la Galería Martha Jackson, Nueva York. Su primera exposición individual en un museo estadounidense se realizó en el Walker Art Center, Minneapolis, en 1966. Participó en la Bienal de São Paulo y en numerosas exposiciones en todo el mundo. Entre otras, las principales retrospectivas han sido organizadas por la Colección Peggy Guggenheim, Venecia (2006), Hayward Gallery, Londres (1999), Fondazione Lucio Fontana (1999) y el Centro Georges Pompidou (1987; viajó a La Fundación ‘la Caixa’ Barcelona; Museo Stedelijk, Amsterdam; Galería Whitechapel, Londres). Desde 1930, el trabajo de Fontana había sido exhibido regularmente en la Bienal de Venecia, y representó a Argentina varias veces; recibió el Gran Premio de Pintura en la Bienal de Venecia de 1966. En 2014, el Museo de Arte Moderno de la Ville de Paris dedica una retrospectiva al artista. El arte de Tornabuoni celebró una exposición paralela en el espacio de la galería Avenue Matignon Paris.
Colecciones
Las obras de Fontana se pueden encontrar en las colecciones permanentes de más de cien museos de todo el mundo. En particular, los ejemplos de la serie Pietre se encuentran en el Museo Stedelijk, Amsterdam, el Centro Pompidou, París, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna en Roma, el Museo de Arte Contemporáneo Villa Croce en Génova y el van Abbemuseum, Eindhoven. Las joyas de Fontana están incluidas en la colección permanente del Museo de Bellas Artes de Boston.
Mercado del arte
El erudito italiano Enrico Crispolti editó un catálogo de dos volúmenes de las pinturas, esculturas y ambientes de Fontana en 2006. En 2013, Luca Massimo Barbero, Nina Ardemagni Laurini y Silvia Ardemagni publicaron un catálogo de tres volúmenes de las obras de Fontana en papel, incluyendo más de 5.500 obras en orden cronológico.
Un trabajo carmesí raro y grande con un solo corte, que Fontana dedicó a su esposa y que siempre se ha conocido como Teresita, obtuvo £ 6.7 millones ($ 11.6 millones) en Christie’s London en 2008, luego un récord de subasta para el artista. El Concetto Spaziale de Fontana, Attese (1965), de la colección de Anna-Stina Malmborg Hoglund y Gunnar Hoglund estableció un nuevo récord para una pintura de tala en £ 8.4 millones en Sotheby’s London en 2015. Aún más populares son los lienzos ovales de Fontana. Sotheby’s vendió una obra titulada Concetto spaziale, la fine di dio (1963) por £ 10.32 millones en 2008. Parte del círculo de Fontana en Venecia, Festival on the Grand Canal se vendió en Christie’s en Nueva York por $ 7 millones en 2008.
Destacar
En la planta baja, una sección completa del museo está dedicada a las obras escultóricas de Lucio Fontana. Entre ellos destacan, además de las tiritas preparatorias de la quinta puerta de la Catedral de Milán y del Pala della Vergine Assunta, las catorce estaciones del Via Crucis (Via Crucis bianca, 1955), almacenadas en el Museo por el Región de Lombardía.
El arzobispo Antonio da Saluzzo recibe las ofrendas del pueblo Gesso, 98 x 169 x 45 cm.
La obra forma parte del grupo de cinco moldes de yeso, que llegaron al Museo en 2000 desde la Veneranda Fabbrica del Duomo, realizada con motivo de la competencia celebrada en 1950 por la Veneranda Fabbrica para la construcción de la quinta puerta de la catedral. . El tema de la competencia, Orígenes y Eventos de la catedral, fue elegido por el mismo arzobispo de Milán, Beato Tarjeta. Ildefonso Schuster. En 1951, el artista participó en el primer grado de la competencia presentando un modelo de la puerta que se destacó por su originalidad inventiva y compositiva. La extrema síntesis formal con la que siguieron los doce episodios y la resección de los cuerpos de los papas lombardos utilizados como arquitrabe no satisfizo a la Comisión que invitó al artista a participar en el segundo grado de la competencia haciendo algunos cambios formales y compositivos. En 1952, Fontana ganó el primer premio ex aequowith Luciano Minguzzi pero, en los años siguientes, cansado de las largas incertidumbres de la Comisión, abandonó el proyecto. En el yeso en cuestión, la escena se divide simétricamente en dos partes: a la izquierda está el Arzobispo junto con otro personaje, tal vez el duque Giangaleazzo, mientras que a la derecha encontramos un grupo de figuras que representan a la comunidad de fieles que ofrece las ofrendas por la construcción de la catedral
Retablo de la Virgen de la Asunción, cm 320 x 180 x 50
El boceto del retablo de la Asunción Virginit fue creado por Lucio Fontana en 1955 después de la competencia lanzada en noviembre de 1950 por la Veneranda Fabbrica del Duomo junto con la proclamación del dogma de la Asunción de María por el Papa Pío XII. La obra, concebida como un retablo, estaba destinada a una nave menor de la catedral. El retablo, diseñado en mármol y que permaneció en la etapa del boceto, representa centralmente sobre un fondo ondulado la figura de la Virgen de la Asunción de dimensiones monumentales, al pie de la cual hay una predela más pequeña que representa una Pietà intensa. De la composición unitaria de la Asunción y la Piedad, una solución provista por Fontana desde el principio, deriva el contraste entre la extroversión disruptiva de la primera y el recuerdo íntimo de la segunda.
Via Crucis «blanco» Cerámica esmaltada, 14 baldosas octogonales, 41,5 x 21 x 10 cm cada una
Concebido como parte de una intervención para la capilla de la Guardería Home Nursery Ada Bolchini Dell’Acqua (Milán, a través de Cascina Corba), el Via Crucis blanco es el resultado de la colaboración entre Marco Zanuso, quien diseñó el edificio entre 1953 y 1954, y Lucio Fontana, quien concibió una decoración ad hoc para el espacio de la capilla según el principio de la unidad conceptual entre la decoración escultórica y el medio ambiente. La obra está compuesta por catorce baldosas de cerámica blanca esmaltada octogonal, brevemente grabadas y marcadas por intensos toques cromáticos, estrechamente relacionadas con el drama narrativo. En las catorce estaciones se registran las escenas de la condena de Jesús y el ascenso al Calvario resumidas en algunos elementos narrativos. Las figuras se destacan aisladas sobre una superficie inferior lisa y brillante grabada brevemente con cortes limpios.
Museo diocesano de Milán
El Museo Diocesano de Milán nació en 2001 por iniciativa de la Arquidiócesis de Milán con el objetivo de proteger, mejorar y dar a conocer los tesoros artísticos de la diócesis en el contexto del contexto espiritual que los inspiró. Desde el año siguiente es el escenario de la iniciativa Una obra maestra para Milán.
El Museo Diocesano se encuentra en el marco de los claustros de Sant «Eustorgio, parte integral de uno de los complejos monumentales más antiguos de Milán, construido a partir de las unidades unidas de la basílica y el convento dominico, un centro próspero en el curso de la siglos en un área importante para la historia del cristianismo milanés.
La colección permanente está constituida por más de setecientas obras de arte que abarcan el período comprendido entre los siglos IV y XXI. Dentro de la Galería de Pintura del Arzobispo se encuentran las colecciones de los arzobispos milaneses (parte de la colección Monti, Visconti, Riccardi y la colección completa de Erba Odescalchi). Además de las pinturas procedentes de las iglesias de la Diócesis, el Museo alberga un importante grupo de obras de mobiliario litúrgico. Completando la colección está la sección dedicada a las pinturas de paneles de pan de oro (obras principalmente de la esfera de la Toscana de los siglos XIV y XV, recopiladas por el Prof. Alberto Crespi y donadas al Museo), y esculturas y pinturas procedentes de la colección de Caterina Marcenaro. Por último, alrededor de un primer núcleo de obras esculpidas de Lucio Fontana,