Arte religiosa ou arte sacra são imagens artísticas que usam inspiração religiosa e motivos e muitas vezes se destinam a elevar a mente ao espiritual. A arte sagrada envolve as práticas rituais e cultuais e os aspectos práticos e operacionais do caminho da realização espiritual dentro da tradição religiosa do artista.
As artes sagradas são produções ou práticas artísticas (como pintura, música, dança, etc.) visando a expressão do sagrado. Os edifícios religiosos são, por definição, arte sacra. Outros exemplos que fazem parte da arte sacra mundial: vitrais e rosetas de catedrais, ícones cristãos, mandalas budistas construídas sobre o círculo e de acordo com formas geométricas, caligrafia corânica de mesquitas …
A arte sagrada é uma denominação usada para todas as produções artísticas que visam um culto do sagrado ou divino. Ao longo dos séculos, que reconhece a fé, achamos que a arte sacra tenta determinar cada passagem e aspectos divinos através de pinturas, esculturas e mosaicos. As representações mais frequentes no cristianismo, por exemplo, nos mostram o batismo, o julgamento, a crucificação, a morte e a ressurreição de Jesus Cristo, também nos mostram a Virgem Maria ou as imagens da Bíblia.
Ao longo da história do mundo, tem sido difícil diferenciar entre arte religiosa e arte sacra. A arte religiosa nos mostra obras artísticas onde o amor e a fé em Deus são mostrados. No entanto, na arte sacra, podemos contemplar o mesmo que nos religiosos, mas também serve como culto ao divino.
Em contrapartida, a palavra profano classifica as artes que não pertencem ao sagrado.
Arte cristã:
A arte sagrada cristã é produzida na tentativa de ilustrar, complementar e retratar em forma tangível os princípios do cristianismo, embora outras definições sejam possíveis. É fazer imagens das diferentes crenças do mundo e do que parece. A maioria dos grupos cristãos usa ou usou a arte até certo ponto, embora alguns tenham tido fortes objeções a algumas formas de imagem religiosa, e houve períodos importantes de iconoclastia dentro do cristianismo. A arte mais cristã é alusiva ou construída em torno de temas familiares ao observador pretendido. Um dos temas cristãos mais comuns é o da Virgem Maria que segura o bebê Jesus. Outro é o de Cristo na Cruz. Para o benefício dos analfabetos, um elaborado sistema iconográfico desenvolvido para identificar conclusivamente as cenas. Por exemplo, Santa Agnes retratada com um cordeiro, São Pedro com chaves, São Patrício com um trevo. Cada santo mantém ou está associado a atributos e símbolos na arte sacra.
A arte cristã precoce sobrevive de datas próximas às origens do cristianismo. As pinturas cristãs sobreviventes mais antigas são do site de Megiddo, datadas de cerca de 70 anos, e as esculturas cristãs mais antigas são de sarcófagos, datadas do início do século II. Até a adoção do cristianismo pela arte de Constantino Christian derivou seu estilo e grande parte de sua iconografia da arte romana popular, mas, a partir desse ponto, os grandes edifícios cristãos construídos sob o patrocínio imperial trouxeram a necessidade de versões cristãs da elite romana e da arte oficial, dos quais mosaicos em As igrejas em Roma são os exemplos sobreviventes mais proeminentes.
Durante o desenvolvimento da arte cristã no império bizantino (ver arte bizantina), uma estética mais absurda substituiu o naturalismo anteriormente estabelecido na arte helenística. Este novo estilo era hierático, o que significava que seu objetivo principal era transmitir o significado religioso ao invés de renderizar objetos e pessoas com precisão. A perspectiva realista, as proporções, a luz e a cor foram ignoradas em favor da simplificação geométrica das formas, da perspectiva inversa e das convenções padronizadas para retratar indivíduos e eventos. A controvérsia sobre o uso de imagens esculpidas, a interpretação do Segundo Mandamento e a crise da iconoclasca bizantina levaram a uma padronização de imagens religiosas na Ortodoxia Oriental.
O Renascimento viu um aumento nas obras seculares monumentais, mas até a Reforma Protestante, o arte cristão continuou a ser produzido em grandes quantidades, tanto para as igrejas como para o clero e para os leigos. Durante este tempo, Michelangelo Buonarroti pintou a Capela Sixtina e esculpiu a famosa Pietà, Gianlorenzo Bernini criou as colunas maciças da Basílica de São Pedro e Leonardo Da Vinci pintou a Última Ceia. A Reforma teve um enorme efeito sobre a arte cristã, levando rapidamente a produção de arte cristã pública a uma parada virtual em países protestantes e causando a destruição da maior parte da arte que já existia.
À medida que uma noção de arte secular, não sectária e universal surgiu na Europa ocidental do século XIX, os artistas seculares ocasionalmente trataram temas cristãos (Bouguereau, Manet). Apenas raramente foi um artista cristão incluído no cânone histórico (como Rouault ou Stanley Spencer). No entanto, muitos artistas modernos como Eric Gill, Marc Chagall, Henri Matisse, Jacob Epstein, Elizabeth Frink e Graham Sutherland produziram obras de arte bem conhecidas para igrejas. Através de uma interpretação social do cristianismo, Fritz von Uhde também
Desde o advento da impressão, a venda de reproduções de obras piedosas tem sido um elemento importante da cultura cristã popular. No século 19, isso incluiu pintores de gênero como Mihály Munkácsy. A invenção da litografia de cores levou a ampla circulação de cartões sagrados. Na era moderna, as empresas especializadas em artistas cristãos comerciais modernos, como Thomas Blackshear e Thomas Kinkade, embora amplamente consideradas no mundo das belas artes como kitsch, tiveram muito sucesso.
A última parte do século XX e a primeira parte do século 21 viram um esforço focado por artistas que reivindicam a fé em Cristo para restabelecer a arte com temas que giram em torno da fé, Cristo, Deus, a Igreja, a Bíblia e outros clássicos Temas cristãos dignos de respeito pelo mundo da arte secular. Artistas como Makoto Fujimura tiveram influência significativa nas artes sagradas e seculares. Outros artistas notáveis incluem Larry D. Alexander, Gary P. Bergel, Carlos Cazares, Bruce Herman, Deborah Sokolove e John August Swanson.
Arte budista:
A arte budista originou-se no subcontinente indiano após a vida histórica de Siddhartha Gautama, do século VI a VC aC, e depois evoluiu pelo contato com outras culturas enquanto se espalhava por toda a Ásia e o mundo.
A arte budista seguiu os crentes enquanto o dharma se espalhava, se adaptou e evoluiu em cada novo país anfitrião. Desenvolveu-se para o norte através da Ásia Central e para o Leste Asiático para formar o ramo norte da arte budista e para o leste até o Sudeste Asiático para formar o ramo do sul da arte budista. Na Índia, a arte budista floresceu e até influenciou o desenvolvimento da arte hindu, até que o budismo quase desapareceu na Índia em torno do século 10, devido em parte à expansão vigorosa do islamismo ao lado do hinduísmo.
A maioria das formas de arte budistas tibetanas estão relacionadas à prática de Vajrayana ou de tantra budista. A arte tibetana inclui thangkas e mandalas, muitas vezes incluindo representações de Budas e Bodhisattvas. A criação de arte budista geralmente é feita como meditação, bem como criando um objeto como auxílio à meditação. Um exemplo disso é a criação de um mandala de areia por monges; antes e depois das orações de construção são recitadas, e a forma do mandala representa o ambiente puro (palácio) de um Buda em que é meditado para treinar a mente. O trabalho raramente é assinado pelo artista. Outra arte budista tibetana inclui objetos rituais de metal, como o vajra e o phurba.
Dois lugares sugerem mais vividamente do que qualquer outro a vitalidade da pintura rupestre budista a partir do século V dC. Um é Ajanta, um site na Índia, há muito esquecido, até descoberto em 1817. O outro é Dunhuang, um dos ótimos postos de estadias de oásis na Estrada da Seda … As pinturas vão desde imagens devocionais tranquilas do Buda até cenas animadas e lotadas, muitas vezes apresentando mulheres sedutoramente cheias e estreitas, mais familiares na escultura indiana do que na pintura. A arte principal inclui mosquitas e uma madona (arte de Mary e possivelmente de sua criança)
Arte islâmica:
A proibição de representar imagens representativas na arte religiosa, bem como a natureza naturalmente decorativa do script árabe, levou ao uso de decorações caligráficas, que geralmente envolveu padrões geométricos repetidos que expressavam ideais de ordem e natureza. Foi usado em arquitetura religiosa, carpetes e documentos manuscritos. A arte islâmica refletiu essa visão de mundo equilibrada e harmoniosa. Concentra-se na essência espiritual e não na forma física.
Embora tenha havido uma aversão ao potencial adoração dos ídolos através da história islâmica, esta é uma visão sunita distintamente moderna. As miniaturas persas, juntamente com as representações medievais de Muhammad e os anjos no Islã, são exemplos proeminentes contrários à tradição sunita moderna. Além disso, os muçulmanos xiitas são muito menos avessos à representação de figuras, incluindo o Profeta, desde que a representação seja respeitosa.
A resistência islâmica à representação dos seres vivos decorre, em última instância, da crença de que a criação de formas vivas é exclusiva de Deus e é por esta razão que o papel das imagens e criadores de imagens tem sido controverso. As declarações mais fortes sobre o tema da representação figurativa são feitas no Hadith (Tradições do Profeta), onde os pintores são desafiados a “respirar a vida” nas suas criações e ameaçados de punição no Dia do Juízo. O Alcorão é menos específico, mas condena a idolatria e usa o termo árabe musawwir (“criador de formas”, ou artista) como um epíteto para Deus. Parcialmente como resultado desse sentimento religioso, figuras na pintura eram muitas vezes estilizadas e, em alguns casos, a destruição de obras de arte figurativas ocorreu. O iconoclasma era anteriormente conhecido no período bizantino e o aniconicismo era uma característica do mundo judaico, colocando assim a objeção islâmica às representações figurativas dentro de um contexto maior. Como ornamento, no entanto, os números eram largamente desprovidos de qualquer significado maior e talvez, portanto, representasse menos desafio. Tal como acontece com outras formas de ornamentação islâmica, os artistas adaptaram livremente e estilizaram formas básicas de humanos e animais, dando origem a uma grande variedade de desenhos baseados em figurações.
A caligrafia é o elemento mais considerado e mais fundamental da arte islâmica. É significativo que o Alcorão, o livro das revelações de Deus para o Profeta Muhammad, fosse transmitido em árabe, e aquele inerente ao roteiro árabe é o potencial para desenvolver uma variedade de formas ornamentais. O emprego da caligrafia como ornamento tinha um apelo estético definido, mas muitas vezes também incluía um componente talismanico subjacente. Enquanto a maioria das obras de arte tinha inscrições legíveis, nem todos os muçulmanos teriam sido capazes de lê-los. Deve sempre ter em mente, no entanto, que a caligrafia é principalmente um meio para transmitir um texto, embora de forma decorativa. A partir de seus simples e primitivos primeiros exemplos do século 5 e 6 dC, o alfabeto árabe desenvolveu-se rapidamente após o surgimento do Islã no século 7 em uma bela forma de arte. As duas principais famílias de estilos caligráficos foram os estilos secos, chamados geralmente o Kufic, e os estilos cursivos macios, que incluem Naskhi, Thuluth, Nastaliq e muitos outros.
Os padrões geométricos compõem um dos três tipos de decoração não-fúnebres na arte islâmica, que também incluem caligrafia e padrões vegetais. Seja isolada ou usada em combinação com ornamentação não-fúnebre ou representação figurativa, os padrões geométricos são popularmente associados à arte islâmica, em grande parte devido à sua qualidade anicônica. Esses projetos abstratos não apenas adornam as superfícies da monumental arquitetura islâmica, mas também funcionam como o principal elemento decorativo em uma vasta gama de objetos de todos os tipos.