神圣艺术

宗教艺术(Religious art)或神圣艺术(Sacred art)是以宗教灵感和主题为主题的艺术形象,往往意在提升精神。神圣的艺术涉及艺术家宗教传统中的精神实现途径的仪式和邪教实践以及实践和操作方面。

神圣艺术是旨在表达神圣的艺术作品或实践(如绘画,音乐,舞蹈等)。宗教建筑是定义上的神圣艺术。其他例子是世界神圣艺术的一部分:大教堂的彩色玻璃和玫瑰花,基督教的图标,建立在圆形和根据几何形状的佛教曼荼罗,古兰经书法的清真寺…

神圣的艺术是所有那些旨在崇拜神圣或神圣的艺术作品的名称。在承认信仰的几个世纪中,我们发现神圣的艺术试图通过绘画,雕塑和马赛克来确定每一段经文和神圣方面。例如,基督教最频繁的表现就是向我们展示了耶稣基督的洗礼,审判,钉死,死亡和复活,也向我们展示圣母玛利亚或圣经的图像。

在整个世界历史中,很难区分宗教艺术和神圣艺术。宗教艺术向我们展示了对上帝的爱和信仰所展示的艺术作品。然而,在神圣的艺术中,我们可以像宗教一样思考,也可以作为对神圣的崇拜。

相反,亵渎这个词分类不属于神圣的艺术。

基督教艺术:
基督教的神圣艺术产生的目的是为了说明,补充和刻画基督教的原则,虽然其他的定义是可能的。它是在世界上不同的信仰的形象和它看起来像。大多数基督教团体使用或者在某种程度上使用过艺术,虽然有些人对某种形式的宗教形象有强烈的反对意见,而且在基督教内部存在着严重的偶像崇拜。大多数基督教艺术都是暗指的,或者围绕着预期的观察者所熟悉的主题而建立起来的。最常见的基督教主题之一是圣母玛利亚抱着婴儿耶稣。另一个就是十字架上的基督。为了文盲的利益,开发了精心设计的图像系统来确定场景。例如,圣艾格尼丝描绘了一只羊羔,圣伯多禄与钥匙,圣帕特里克与三叶草。每个圣人在神圣的艺术中拥有或与属性和符号相关联。

早期的基督教艺术从靠近基督教起源的日期中生存下来。现存最古老的基督教绘画来自Megiddo,大约在70年左右,最古老的基督教雕塑来自石棺,可追溯到公元2世纪初。直到康斯坦丁·基督教艺术的基督教获得其风格和大部分的流行罗马艺术的图像,但从这一点来说,在皇家的赞助下建立的宏伟的基督教建筑带来了对基督教版本的罗马精英和官方艺术的需求,其中马赛克在罗马的教堂是最突出的幸存的例子。

在拜占庭帝国的基督教艺术发展中(拜拜艺术),更抽象的美学取代了以前在希腊艺术中建立的自然主义。这种新的风格是高雅的,意味着它的主要目的是传达宗教意义,而不是准确地渲染物体和人物。现实的视角,比例,光线和颜色被忽略,赞成形式的几何简化,反向透视和标准化的约定来描绘个人和事件。关于使用雕像的争议,第二诫的解释和拜占庭偶像的危机导致了东正教内宗教意象的标准化。

文艺复兴时期,不朽的世俗作品有所增加,但直到新教基督教艺术继续大量生产,无论是为教会,神职人员还是为平信徒。在此期间,米开朗基罗·布纳罗蒂画了西斯廷教堂,并雕刻了着名的彼特·吉安洛伦佐·贝尔尼尼,在圣彼得大教堂创造了巨大的柱子,列奥纳多·达·芬奇画了最后的晚餐。宗教改革对基督教艺术产生了巨大的影响,迅速使基督教艺术的生产在新教国家几乎停滞不前,造成了大部分已经存在的艺术的破坏。

作为一个世俗的,非宗派的,普遍的艺术概念出现在19世纪的西欧,世俗的艺术家偶尔处理基督教的主题(布格罗,马奈)。基督教艺术家很少包含在历史经典中(如Rouault或Stanley Spencer)。然而,许多现代艺术家如Eric Gill,Marc Chagall,Henri Matisse,Jacob Epstein,Elizabeth Frink和Graham Sutherland已经为教会制作了众所周知的艺术作品。通过对基督教的社会解读,弗里茨·冯·乌德也是

自印刷出版以来,出售虔诚作品的复制品一直是流行的基督教文化的主要元素。在19世纪,这包括类型的画家,如MihályMunkácsy。彩色光刻的发明导致了圣卡片的广泛流通。在现代社会中,专门从事现代商业基督教艺术家的公司,如Thomas Blackshear和Thomas Kinkade虽然在美术界被誉为媚俗,但却非常成功。

二十世纪的最后一部分和二十一世纪的第一部分已经看到了一些艺术家的集中努力,他们声称信仰基督重新建立与信仰,基督,上帝,教会,圣经和其他经典基督教主题值得世俗艺术界尊重。藤村诚等艺术家对神圣艺术和世俗艺术都有重大影响。其他值得注意的艺术家还包括拉里·D·亚历山大,加里·P·贝格尔,卡洛斯·卡萨雷斯,布鲁斯·赫尔曼,德博拉·索科洛夫和约翰·奥古斯特·斯旺森。

佛教艺术:
佛教艺术起源于印度次大陆,在公元前六世纪至公元前五世纪悉达多·高塔玛的历史生活中发展起来,后来通过与其他文化接触而演变,传播到整个亚洲和世界。

佛教艺术是随着佛法在各个新东道国的传播,适应和演变而出现的。它向北经中亚,东亚,形成佛教艺术的北支,东接东南亚,形成佛教艺术的南支。在印度,佛教艺术兴盛,甚至影响了印度教艺术的发展,直到10世纪前后印度佛教几乎消失,部分原因是伊斯兰教与印度教一起蓬勃发展。

大多数西藏佛教艺术形式与金刚乘或佛教密宗的实践有关。藏族艺术包括唐卡和曼荼罗,通常包括佛像和菩萨的描绘。佛教艺术的创造通常是作为一种冥想,并创造一个对象来帮助冥想。这方面的一个例子是僧人创作的沙坛子;在施工祈祷之前和之后,曼荼罗的形式代表了一个佛心的纯粹的环境(宫殿),在这个环境中禅修心灵。这件作品很少,如果有的话,由艺术家签名。其他西藏佛教艺术包括金属仪式的对象,如金刚和phurba。

从公元五世纪开始,两个地方比其他任何地方都更加生动地展示佛教洞穴绘画的生命力。一个是阿anta陀,这个遗址早在1817年就被人遗忘了。另一个是敦煌,是丝绸之路上最伟大的绿洲舞台上的作品之一。这些作品的范围从佛陀冷静的虔诚形象到活泼,拥挤的场景,通常以印度雕塑比在绘画更加熟悉的诱人的全胸和狭窄的妇女为特色。主要艺术包括清真寺和麦当娜(玛丽的艺术,也可能是她的孩子)

伊斯兰艺术:
禁止在宗教艺术中描绘代表性的图像,以及阿拉伯文字的自然装饰性,导致书法装饰的使用,通常涉及重复表达理想的秩序和自然的几何图案。它被用于宗教建筑,地毯和手写文件。伊斯兰艺术反映了这种平衡和谐的世界观。它注重精神的本质,而不是物质的形式。

尽管通过伊斯兰历史厌恶了潜在的偶像崇拜,但这是一个明显的现代逊尼派观点。波斯的缩影,以及伊斯兰教的中世纪穆罕默德和天使的描述,都是与逊尼派现代传统相反的突出事例。此外,什叶派穆斯林对于数字的描述也不那么反感,包括先知的描述是尊重的。

伊斯兰对生物表征的抵制最终源于这样一种信念,即生命形式的创造是上帝所独有的,正因为如此,形象和造像者的角色一直存在争议。关于形象描述主题的最强烈的陈述是在圣训(先知的传统)中作出的,画家在创作中受到“呼吸”生命的挑战,并在审判日受到惩罚的威胁。 “古兰经”不那么具体,但谴责偶像崇拜,并用阿拉伯语“musawwir”(“形式的制造者”或艺术家)作为上帝的绰号。部分由于这种宗教情绪,绘画中的人物往往是程式化的,在某些情况下,形象艺术品的破坏发生。偶像崇拜早在拜占庭时期就已知晓,而偶像主义则是犹太世界的一个特征,因此将伊斯兰的反对意见置于更大的背景下。然而,作为装饰品,数字在很大程度上没有什么更大的意义,因此可能提出的挑战较小。和其他形式的伊斯兰装饰一样,艺术家自由地修改和程式化了基本的人类和动物的形式,从而产生了各种各样的以形象为基础的设计。

书法是伊斯兰艺术中最受重视和最基本的元素。 “古兰经”这本书对先知穆罕默德的启示是用阿拉伯语传播的,而阿拉伯文本中固有的内容是发展各种装饰形式的潜力。书法作为装饰品的使用有一定的审美吸引力,但往往还包括一个基础的护身符。虽然大多数艺术作品都有清晰的铭文,但并不是所有的穆斯林都能阅读。但是,人们应该时刻记住,书法主要是传递文字的手段,尽管是装饰形式。从公元前5 – 6世纪的简单而原始的早期实例来看,阿拉伯字母在七世纪伊斯兰教兴起之后迅速发展成为一种美丽的艺术形式。书法风格主要有两种,一种叫做Kufic,一种叫做Naskhi,Thuluth,Nastaliq等。

几何图案是伊斯兰艺术中非装饰性的三种装饰之一,也包括书法和植物图案。无论是孤立的还是与非形式的装饰或图形表现相结合,几何图案与伊斯兰艺术普遍相关,很大程度上是由于其非平凡的质量。这些抽象的设计不仅装饰了伊斯兰纪念建筑的表面,而且还作为各种各样物品的主要装饰元素。