O piso superior do museu é inteiramente dedicado a Lucio Fontana. O Fontana Hall foi projetado como um trabalho de imersão ambiental. Os protagonistas são o famoso teto de 1956, criado inicialmente para a sala de jantar do Hotel del Golfo na ilha de Elba e concedido pelo Ministério do Patrimônio Cultural e Atividades; o Neon, de propriedade da Fondazione Fontana; e os conceitos espaciais da década de 1950.

Biografia
Lucio Fontana (19 de fevereiro de 1899 – 7 de setembro de 1968) foi um pintor, escultor e teórico argentino-italiano. Ele é conhecido principalmente como o fundador do espacialismo.

Filho do escultor italiano Luigi Fontana (1865 – 1946) e de mãe argentina, iniciou sua atividade artística em 1921, trabalhando na oficina de escultura de seu pai, colega e amigo de seu pai Giovanni Scarabelli. Ele então se tornou seguidor de Adolfo Wildt. Desde 1949, quebrando a tela com furos e cortes, ele supera a distinção tradicional entre pintura e escultura. O espaço deixa de ser objeto de representação de acordo com as regras convencionais de perspectiva. A superfície da própria tela, interrompendo-se em relevos e recessos, entra em uma relação direta com o espaço e a luz reais. No final da década de 1940, colaborou com a Fontana Arte na criação de bases de cerâmica para mesas e mesas de café (com base no design do arquiteto Roberto Menghi) e com a empresa Borsani.

Lucio nasceu de um relacionamento entre Lucia Bottini, filha do gravador suíço Jean e que mais tarde se casará com Juan Pablo Maroni, e o pai Luigi, que manterá seu filho com ele e depois se casará com Anita Campiglio, sempre considerado por Fontana um verdadeiro mãe. Como a família Fontana era bastante confortável, o jovem Lucio foi enviado à Itália para estudar primeiro em importantes faculdades e depois no Instituto Técnico Carlo Cattaneo e na escola artística de Brera. Em 1917, ele se ofereceu para se juntar ao exército. Em 1921, tendo obtido o diploma de especialista em construção, ele retornou à Argentina. Em 1924, depois de trabalhar com seu pai, ele abriu seu estúdio em Rosário, abandonando o estilo realista de seu pai e, em vez disso, olhando para os caminhos cubistas de Aleksandr Archipenko como em Nude (1926) e em La mujer y la balde (1927).

Trabalhos
Em 1927, ele voltou para Milão e se matriculou na Academia Brera e se formou em 1930. Foi influenciado por seu professor Adolfo Wildt.

Ele dirá em 1963: “Tive um ótimo professor como guia: Wildt, fui considerado o melhor aluno do curso. De fato, Wildt havia me dito várias vezes que me tornei um continuador de sua arte. Em vez disso, assim que Deixei a Academia, peguei uma massa de gesso, dei a ela uma estrutura aproximadamente figurativa de um homem sentado e joguei piche nela. Então, por uma reação violenta. Wildt reclamou, e o que eu poderia lhe dizer? Eu tinha um grande respeito por ele, Fiquei grato a ele, mas estava interessado em encontrar um novo caminho, um caminho que fosse todo meu. “Uma das obras mais importantes do primeiro período de Fontana nasceu: The Black Man (1930 – agora perdido). Recordando as obras de Archipenko e Zadkine, ele busca um retorno às origens da forma. O alcatrão preto e a massa quase sem forma contrastam com a recuperação das formas romana e etrusca de Arturo Martini e Marino Marini. Juntamente com Renato Birolli e Aligi Sassu, ele considera o expressionismo uma alternativa à moda do século XX, como no campeão olímpico (ou campeão pendente) (1932).

Ele também cria inúmeras cerâmicas com cores brilhantes. Ele conhece a vanguarda arquitetônica milanesa: Figini e Pollini e o grupo BBPR, ou seja: Belgioioso, Banfi, Peressutti, Rogers. Ele adquiriu a lição de Le Corbusier. A proximidade com a arquitetura é claramente visível no monumento a Giuseppe Grandi (O grande escultor da Lombardia “Scapigliatura”) infelizmente nunca foi realizado (1931) e foi projetado em conjunto com seu primo arquiteto Bruno Fontana e o engenheiro Alcide Rizzardi. O projeto inclui um cone invertido e cristais. Observe a derivação de obras construtivistas e racionalistas: veja Melnikov (Farol de Colombo, 1929) e Tatlin (monumento à III Internacional). Na década de 1930, Fontana sempre esteve no equilíbrio entre a figuração expressionista e a rarefação da forma e da bidimensionalidade.

Em 1937, ele foi a Paris para a Exposição Universal. Ele conhece Tristan Tzara e Costantin Brancusi e vê as obras de Picasso. Visite as oficinas de cerâmica de Sèvres e faça novas cerâmicas. De 1940 a 1947, ele viveu na Argentina e, juntamente com outros artistas abstratos, escreveu Il manifestiesto blanco: É necessária uma mudança de essência e forma. Requer a superação da pintura, escultura, poesia e música. Mais arte é necessária de acordo com as necessidades do novo espírito.

Em 1940 ele retornou à Argentina. Em Buenos Aires (1946), fundou a academia Altamira juntamente com alguns de seus alunos e tornou público o Manifesto Branco, onde se afirma que “matéria, cor e som em movimento são os fenômenos cujo desenvolvimento simultâneo compõe a nova arte”. . No texto, que Fontana não assinou, mas com o qual contribuiu ativamente, ele começou a formular as teorias que ele deveria expandir como Spazialismo, ou Spatialism, em cinco manifestos de 1947 a 1952. Ao retornar da Argentina em 1947, ele apoiou, juntamente com escritores e filósofos, o primeiro manifesto do espacialismo (Spazialismo) **. Fontana encontrara seu estúdio e obras completamente destruídas nos atentados aliados de Milão, mas logo retomou seus trabalhos de cerâmica em Albisola. Em milão,

Após seu retorno à Itália em 1948, Fontana exibiu seu primeiro Ambiente spaziale a luce nera (‘Ambiente espacial’) (1949) na Galleria del Naviglio, em Milão, uma instalação temporária que consiste em uma gigantesca forma de ameba suspensa no vazio em um quarto escuro e iluminado por luz neon. A partir de 1949, iniciou o chamado Conceito Espacial ou série de barras, consistindo em buracos ou barras na superfície de pinturas monocromáticas, desenhando um sinal do que ele chamou de “uma arte para a Era Espacial”. Ele criou o título genérico Concetto spaziale (‘conceito espacial’) para essas obras e o usou em quase todas as suas pinturas posteriores. Eles podem ser divididos em categorias amplas: os Buchi (‘buracos), a partir de 1949, e os Tagli (‘ barras ‘), que ele instituiu em meados da década de 1950.

Fontana frequentemente alinhava o verso de suas telas com gaze preta, para que a escuridão cintilasse por trás dos cortes abertos e criasse uma sensação misteriosa de ilusão e profundidade. Ele então criou um elaborado teto de neon chamado “Luce spaziale” em 1951 para a Trienal de Milão. Em sua importante série de Concetto spaziale, La Fine di Dio (1963-1964), Fontana usa a forma do ovo. Com sua série Pietre (pedras), iniciada em 1952, Fontana fundiu a escultura com a pintura, incrustando as superfícies de suas telas com forte impasto e vidro colorido. Em seu ciclo de Buchi (furos), iniciado em 1949-50, ele perfurou a superfície de suas telas, rompendo a membrana da bidimensionalidade para destacar o espaço atrás da imagem. Desde 1958, ele purificou suas pinturas criando superfícies monocromáticas foscas, focando assim o espectador. s atenção nas fatias que rasgam a pele da tela. Em 1959, Fontana exibiu pinturas cortadas com vários elementos combináveis ​​(ele chamou os conjuntos de quanta) e iniciou a Nature, uma série de esculturas feitas cortando um corte em uma esfera de barro de terracota, que ele posteriormente lançou em bronze.

Fontana se engajou em muitos projetos colaborativos com os arquitetos mais importantes da época, em particular com Luciano Baldessari, que compartilhou e apoiou sua pesquisa para Spatial Light – Structure in Neon (1951) na 9ª Trienal e, entre outras coisas, o contratou para projetar o teto do cinema no Pavilhão Sidercomit na 21ª Feira de Milão em 1953.

Por volta de 1960, Fontana começou a reinventar os cortes e perfurações que caracterizavam seu estilo altamente pessoal até aquele momento, cobrindo telas com camadas de tinta a óleo espessa aplicada à mão e pincel e usando um bisturi ou faca Stanley para criar grandes fissuras em sua superfície . Em 1961, após um convite para participar com os artistas Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis e outros em uma exposição de pintura contemporânea intitulada “Arte e Contemplação”, realizada no Palazzo Grassi em Veneza, ele criou uma série de 22 obras dedicadas para a cidade da lagoa. Ele manipulou a tinta com os dedos e vários instrumentos para fazer sulcos, às vezes incluindo fragmentos espalhados de vidro de Murano. Fontana foi posteriormente convidada por Michel Tapié para expor os trabalhos na Martha Jackson Gallery, em Nova York.

Entre os últimos trabalhos de Fontana, há uma série de Teatrini (“pequenos teatros”), nos quais ele retornou a um idioma essencialmente plano usando panos fechados dentro de asas semelhantes a uma moldura; a referência ao teatro enfatiza o ato de olhar, enquanto em primeiro plano uma série de esferas irregulares ou silhuetas onduladas e oscilantes cria uma animada peça de sombra. Outra obra da época, Trinità (Trinity) (1966), consiste em três grandes telas brancas pontuadas por linhas de orifícios, abraçadas em um cenário teatral feito de folhas de plástico ultramarino que se assemelham vagamente a asas.

Nos últimos anos de sua carreira, Fontana tornou-se cada vez mais interessado na encenação de seu trabalho nas diversas exposições que o honraram em todo o mundo, bem como na idéia de pureza alcançada em suas últimas telas brancas. Essas preocupações foram proeminentes na Bienal de Veneza de 1966, para a qual ele projetou o ambiente para seu trabalho. Na Documenta IV em Kassel, em 1968, ele posicionou uma grande barra de gesso como o centro de um labirinto totalmente branco, incluindo teto e piso (Ambiente spaziale bianco).

Pouco antes de sua morte, ele esteve presente na demonstração “Destruction Art, Destroy to Create” no Finch College Museum de Nova York. Depois, deixou sua casa em Milão e foi para Comabbio (na província de Varese, Itália), cidade-mãe de sua família, onde morreu em 1968.

Fontana criou uma quantidade prolífica de trabalhos gráficos com motivos abstratos e figuras, pouco conhecidas no mundo da arte, ao mesmo tempo em que produzia seus trabalhos abstratos perfurados. Ele também foi o escultor do busto de Ovidio Lagos, fundador do jornal La Capital, em mármore de Carrara.

Exposições
Fontana fez suas primeiras exposições individuais na Galleria del Milione, Milão, em 1931. Em 1961, Michel Tapié organizou seu primeiro show nos EUA, uma exposição da série Venice, na Martha Jackson Gallery, Nova York. Sua primeira exposição individual em um museu americano foi realizada no Walker Art Center, Minneapolis, em 1966. Ele participou da Bienal de São Paulo e de inúmeras exposições ao redor do mundo. Entre outras, grandes retrospectivas foram organizadas pela Coleção Peggy Guggenheim, Veneza (2006), Hayward Gallery, Londres (1999), Fondazione Lucio Fontana (1999) e Centre Georges Pompidou (1987; viajou para La Fundación ‘la Caixa’ Barcelona; Museu Stedelijk, Amsterdã; Galeria Whitechapel, Londres). Desde 1930, o trabalho de Fontana era exibido regularmente na Bienal de Veneza, e ele representou a Argentina várias vezes; recebeu o Grande Prêmio de Pintura na Bienal de Veneza de 1966. Em 2014, o Museu de Arte Moderna da Cidade de Paris dedica uma retrospectiva ao artista. A arte Tornabuoni realizou um espetáculo paralelo no espaço da galeria Avenue Matignon Paris.

Colecções
As obras de Fontana podem ser encontradas nas coleções permanentes de mais de cem museus ao redor do mundo. Em particular, exemplos da série Pietre estão alojados no Museu Stedelijk, Amsterdã, no Centre Pompidou, Paris, no Museu de Arte Moderna de Nova York, na Galleria Nazionale d’Arte Moderna em Roma, no Museu de Arte Contemporânea Villa Croce em Gênova e o van Abbemuseum, Eindhoven. As jóias de Fontana estão incluídas na coleção permanente do Museu de Belas Artes de Boston.

Mercado de arte
O estudioso italiano Enrico Crispolti editou um catálogo em dois volumes das pinturas, esculturas e ambientes de Fontana em 2006. Em 2013, Luca Massimo Barbero, Nina Ardemagni Laurini e Silvia Ardemagni publicaram um catálogo em três volumes das obras de Fontana em papel, incluindo mais de 5.500 obras em ordem cronológica.

Um trabalho raro e grande e carmesim com uma única barra, que Fontana dedicou à esposa e sempre foi conhecida como Teresita, obteve 6,7 milhões de libras (11,6 milhões de dólares) na Christie’s London em 2008, em seguida, um recorde de leilão para o artista. O Concetto Spaziale de Fontana, Attese (1965), da coleção de Anna-Stina Malmborg Hoglund e Gunnar Hoglund, estabeleceu um novo recorde para uma pintura de barra em 8,4 milhões de libras na Sotheby’s London em 2015. Ainda mais populares são as telas ovais de Fontana. A Sotheby’s vendeu uma obra intitulada Concetto spaziale, la fine di dio (1963) por £ 10,32 milhões em 2008. Parte do círculo de Veneza de Fontana, o Festival on the Grand Canal foi vendido na Christie’s em Nova York por US $ 7 milhões em 2008.

A exibição
Nascido na Argentina, Lucio Fontana viveu em Milão a partir da década de 1920, montando seu estúdio lá. Ao longo de sua carreira artística, Lucio Fontana criou uma rica variedade de obras, desde esculturas em cerâmica a pinturas e de esculturas a ambientes espaciais.

Os anos vinte e trinta
Nos anos 20, seu trabalho – ainda de natureza figurativa na época – girava em torno da criação de esculturas para clientes particulares (“Busto femminile”, 1931). Esses trabalhos eram, portanto, bastante pequenos, embora ele também tenha abordado peças mais complexas e experimentais nesse período, participando de competições públicas com trabalhos como “Signorina Seduta” (Young Woman Seated, 1934).

Busto femminile (1931)
Signorina seduta (1934)

Ambientes espaciais
Sua intensa colaboração com arquitetos durante os anos entre guerras teve uma influência crítica e formativa sobre o artista, levando-o a começar a projetar “ambientes espaciais” após a Segunda Guerra Mundial. Exemplos incluem “Struttura al Neon” (Estrutura em Neon), inaugurada na 9ª Trienal de Milão em 1951, e “Soffitto Spaziale” (teto espacial) para o Hotel del Golfo em Procchio em 1956.

Estruturar o neon na IX Trienal de Milão (1951)

Concetti spaziali
Em seu famoso “Concetti spaziali” (Spatial Concepts), telas monocromáticas nas quais o artista fez uma série de furos e cortes limpos, Fontana se abriu para uma dimensão espacial infinita, indo além dos limites de uma pintura tradicional.

Concetto spaziale, Attesa (1960)
Concetto spaziale (1956)
Concetto Spaziale, La Bara del Marinaio (1957)
Concetto spaziale (La notte) (1956)
Concetto spaziale, Attese (1959)

Museu do século XX em Milão
O Museo del Novecento em Milão é uma exposição permanente de obras de arte do século XX, abrigadas no Palazzo dell’Arengario e no Palácio Real adjacente em Milão. O museu absorveu as coleções do antigo Museu Cívico de Arte Contemporânea (CIMAC), localizado no segundo andar do Palácio Real e fechado em 1998.

O Museo del Novecento, localizado dentro do Palazzo dell’Arengario, na Piazza del Duomo, abriga uma coleção de mais de quatro mil obras que catalisam o desenvolvimento da arte italiana do século XX.

O Museo del Novecento foi criado em 6 de dezembro de 2010 com o objetivo de difundir o conhecimento da arte do século XX e oferecer uma visão mais abrangente das coleções que a cidade de Milão herdou ao longo do tempo. Além de sua principal atividade de exibição, o Museu atua na conservação, investigação e promoção do patrimônio cultural e artístico italiano do século XX, com o objetivo final de atingir um público cada vez maior.

Além de um quarto individual com obras de artistas estrangeiros, incluindo Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian e Picasso, a maioria das obras exibidas no museu são de artistas italianos. Uma seção importante é dedicada aos futuristas italianos, com obras de Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi e Ardengo Soffici. A grande tela de Giuseppe Pellizza da Volpedo, Il Quarto Stato (1902), também é exibida em uma sala por conta própria.

Outras seções do museu são dedicadas a artistas individuais, como Giorgio de Chirico, Lucio Fontana e Morandi. Há também seções dedicadas a movimentos artísticos do século XX, incluindo Abstracionismo, Arte Povera, Novecento Italiano, Pós-Impressionismo e Realismo, e gêneros como paisagem e arte monumental.