Pintura indiana tem uma longa tradição e história na arte indiana. As primeiras pinturas indianas foram as pinturas rupestres dos tempos pré-históricos, os petróglifos encontrados em lugares como os abrigos rochosos de Bhimbetka, algumas das pinturas rupestres da Idade da Pedra encontradas entre os abrigos rochosos Bhimbetka têm aproximadamente 30.000 anos. A literatura budista da Índia está repleta de exemplos de textos que descrevem palácios do exército e da classe aristocrática embelezados com pinturas, mas as pinturas das Cavernas de Ajanta são as mais significativas das poucas sobrevivências. Pintura em escala menor em manuscritos provavelmente também foi praticada neste período, embora as primeiras sobrevivências sejam do período medieval. A pintura de Mughal representou uma fusão da miniatura persa com as tradições indianas mais antigas, e a partir do século XVII seu estilo foi difundido pelas cortes principescas indianas de todas as religiões, cada uma desenvolvendo um estilo local. Pinturas de empresas foram feitas para clientes britânicos sob o raj britânico, que a partir do século 19 também introduziram escolas de arte ao longo das linhas ocidentais, levando à pintura indiana moderna, que está cada vez mais voltando às suas raízes indígenas.
As pinturas indianas fornecem um continuum estético que se estende desde a civilização primitiva até os dias atuais. De ser essencialmente religiosa em propósito no início, a pintura indiana evoluiu ao longo dos anos para se tornar uma fusão de várias culturas e tradições.
Shadanga da pintura indiana
Por volta do século I aC, o Shadanga ou os seis membros da pintura indiana evoluíram, uma série de cânones que estabelecem os principais princípios da arte. Vatsyayana, que viveu durante o terceiro século dC, os enumera em seu Kamasutra, tendo-os extraído de obras ainda mais antigas.
Estes “seis membros” foram traduzidos da seguinte forma:
Rupabheda O conhecimento das aparências.
Pramanam Correta percepção, medida e estrutura.
Bhava Ação dos sentimentos nas formas.
Lavanya Yojanam Infusão de graça, representação artística.
Sadrisyam Similitude.
Varnikabhanga Maneira artística de usar o pincel e as cores. (Tagore)
O subseqüente desenvolvimento da pintura pelos budistas indica que esses “seis membros” foram colocados em prática pelos artistas indianos, e são os princípios básicos sobre os quais sua arte foi fundada.
Gêneros da pintura indiana
Pinturas indianas podem ser amplamente classificadas como murais e miniaturas. Os murais são grandes obras executadas nas paredes de estruturas sólidas, como nas cavernas de Ajanta e no templo de Kailashnath. Pinturas em miniatura são executadas em uma escala muito pequena para livros ou álbuns em material perecível, como papel e tecido. Os Palas de Bengala foram os pioneiros da pintura em miniatura na Índia. A arte da pintura em miniatura alcançou sua glória durante o período de Mughal. A tradição das pinturas em miniatura foi levada adiante pelos pintores de diferentes escolas de pintura do Rajastão como os Bundi, Kishangarh, Jaipur, Marwar e Mewar. As pinturas de Ragamala também pertencem a essa escola, assim como a pintura da empresa produzida para clientes britânicos sob o Raj britânico.
Arte indiana antiga viu a ascensão da Escola de Arte de Bengala em 1930, seguido por muitas formas de experimentações em estilos europeus e indianos. No rescaldo da independência da Índia, muitos novos gêneros de arte desenvolvidos por importantes artistas como Jamini Roy, MF Husain, Francis Newton Souza e Vasudeo S. Gaitonde. Com o progresso da economia, as formas e estilos de arte também sofreram muitas mudanças. Na década de 1990, a economia indiana foi liberalizada e integrada à economia mundial, levando ao livre fluxo de informações culturais dentro e fora. Entre os artistas estão o Subodh Gupta, o Atul Dodiya, o Devajyoti Ray, o Bose Krishnamachari e o Jitish Kahllat, cujos trabalhos foram licitados nos mercados internacionais. Bharti Dayal escolheu lidar com a pintura tradicional de Mithila da maneira mais contemporânea e criou seu próprio estilo através dos exercícios de sua própria imaginação, eles parecem frescos e incomuns.
Murais
A história dos murais indianos começa nos tempos antigos e medievais, do século 2 aC ao 8o – 10o século dC. Existem mais de 20 locais em volta da Índia contendo murais deste período, principalmente cavernas naturais e câmaras de pedras. As maiores realizações desta época são as cavernas de Ajanta, Bagh, Sittanavasal, Caverna Armamalai (Tamil Nadu), abrigo rupestre Ravan Chhaya, templo Kailasanatha em Ellora Caves.
Os murais deste período retratam principalmente temas religiosos das religiões budista, jainista e hindu. Há também locais onde pinturas foram feitas para adornar premissas mundanas, como a antiga sala de teatro na Caverna de Jogimara e a possível cabana de caça real do século VII dC – o abrigo de rochas de Ravan Chhaya.
O padrão de pintura de parede em grande escala que havia dominado a cena, testemunhou o advento das pinturas em miniatura durante os séculos 11 e 12. Este novo estilo figurou primeiro na forma de ilustrações gravadas em manuscritos em folha de palmeira. O conteúdo desses manuscritos incluía literatura sobre budismo e jainismo. No leste da Índia, os principais centros de atividades artísticas e intelectuais da religião budista eram Nalanda, Odantapuri, Vikramshila e Somarpura, situados no reino de Pala (Bengala e Bihar).
Pintura da Índia Oriental
No leste da Índia, a pintura em miniatura se desenvolveu no século X. Essas miniaturas, retratando divindades budistas e cenas da vida de Buda, foram pintadas nas folhas (cerca de 2,25 por 3 polegadas) dos manuscritos em folha de palmeira, bem como em suas capas de madeira. Os manuscritos budistas mais comuns ilustrados incluem os textos Astasahasrika Prajnaparamita, Pancharaksa, Karandavyuha e Kalachakra Tantra. As primeiras miniaturas existentes são encontradas em um manuscrito do Astasahasrika Prajnaparamita datado no sexto ano de reinado de Mahipala (c. 993), atualmente a posse da Sociedade Asiática, Kolkata. Este estilo desapareceu da Índia no final do século XII.
Pintura Miniatura Indiana Ocidental
Pinturas em miniatura são belas pinturas feitas à mão, que são bastante coloridas, mas pequenas em tamanho. O destaque dessas pinturas é a intrincada e delicada pincelada, que lhes confere uma identidade única. As cores são feitas à mão, desde minerais, vegetais, pedras preciosas, índigo, conchas, ouro puro e prata. A evolução das pinturas de miniaturas indianas começou nos Himalaias ocidentais, por volta do século XVII
Os temas dessas pinturas em miniatura estão relacionados aos temas dos manuscritos, principalmente religiosos e literários. Muitas pinturas são de literatura sânscrita e folclórica. É sobre o tema das histórias de amor. Algumas pinturas da seita Vaishnav da religião hindu e algumas são da seita jainista. As pinturas da seita Vaishnav estão considerando várias ocasiões da vida do Senhor Krishna e das Gopis. As pinturas Vaishnav da “Gita Govinda” são sobre o Senhor Krishna. As pinturas da seita jainista dizem respeito aos senhores jainistas e aos assuntos religiosos.
Estas pinturas foram criadas em “Taadpatra”, que significa a folha da palmeira e papel. Durante esse período, manuscritos anteriores foram criados a partir da folha da palmeira e mais tarde do papel.
Nestas pinturas há muito poucos personagens humanos com face frontal. A maioria dos personagens humanos é vista com perfil lateral. Olhos grandes, nariz pontudo e cintura fina são as características dessas pinturas. As cores da pele do ser humano são Brown e justas. A cor da pele do Senhor Krishna é Azul. A cor do cabelo e dos olhos é preta. Personagens femininos têm cabelos compridos. Personagens humanos usam joias na mão, nariz, pescoço, cabelo, cintura e tornozelos. Homens e mulheres usam o tradicional vestido indiano, chinelos e sapatos. Os homens usam turbantes na cabeça. Nestas pinturas foram pintadas árvores, rios, flores, pássaros, a terra, o céu, casas, cadeiras tradicionais, almofadas, cortinas, lâmpadas e personagens humanos.
Principalmente cores naturais foram usadas nessas pinturas. As cores preta, vermelha, branca, marrom, azul e amarela são usadas para decorar as pinturas.
Os reis, cortesãos dos reis, ricos empresários e líderes religiosos da época eram os promotores dessas pinturas em miniatura.
Os pintores dessas fotos eram da sociedade local. “Vaachhak” era o famoso pintor da época. Os pintores tentaram fazer com que o tema do manuscrito ficasse ao vivo com essas gravuras, para que os leitores do manuscrito pudessem apreciar a leitura.
Malwa, Deccan e Jaunpur escolas de pintura
Uma nova tendência na ilustração do manuscrito foi estabelecida por um manuscrito do Nimatnama pintado em Mandu, durante o reinado de Nasir Shah (1500-1510). Isto representa uma síntese do estilo persa indígena e paternalista, embora tenha sido este último que dominou os manuscritos de Mandu. Havia outro estilo de pintura conhecido como Lodi Khuladar que floresceu no domínio do Sultanato do norte da Índia, que se estendia de Delhi a Jaunpur.
O estilo de pintura em miniatura, que floresceu inicialmente na corte de Bahmani e mais tarde nos tribunais de Ahmadnagar, Bijapur e Golkonda é popularmente conhecido como a Escola de Pintura de Deccan. Uma das primeiras pinturas sobreviventes é encontrada como ilustrações de um manuscrito Tarif-i-Hussain Shahi (c.1565), que agora está em Bharata Itihasa Samshodhaka Mandala, Pune. Cerca de 400 pinturas em miniatura são encontradas no manuscrito de Nujum-ul-Ulum (1570), mantido na Biblioteca Chester Beatty, em Dublin.
Pintura Mughal
A pintura mogol é um estilo particular de pintura indiana, geralmente confinado a ilustrações no livro e feito em miniaturas, e que emergiu, se desenvolveu e tomou forma durante o período do Império Mogol entre os séculos XVI e XIX.
As pinturas de Mughal eram uma mistura única de estilos indianos, persas e islâmicos. Como os reis mongóis queriam registros visuais de seus feitos como caçadores e conquistadores, seus artistas os acompanhavam em expedições militares ou missões de Estado, ou registravam suas proezas como matadores de animais, ou os representavam nas grandes cerimônias dinásticas de casamentos.
O reinado de Akbar (1556–1605) inaugurou uma nova era na pintura em miniatura indiana. Depois de consolidar seu poder político, ele construiu uma nova capital em Fatehpur Sikri, onde reuniu artistas da Índia e da Pérsia. Ele foi o primeiro monarca que estabeleceu na Índia um ateliê sob a supervisão de dois mestres persas, Mir Sayyed Ali e Abdus Samad. Antes, ambos haviam servido sob o patrocínio de Humayun em Cabul e o acompanhado para a Índia quando ele recuperou seu trono em 1555. Mais de cem pintores foram empregados, a maioria dos quais eram hindus de Gujarat, Gwalior e Caxemira, que deram um nascimento de uma nova escola de pintura, popularmente conhecida como a Escola Mughal de Pinturas em miniatura.
Uma das primeiras produções dessa escola de pintura em miniatura foi a série Hamzanama, que, segundo o historiador da corte Badayuni, foi iniciada em 1567 e concluída em 1582. As histórias Hamzanama de Amir Hamza, um tio do Profeta, foram ilustradas. por Mir Sayyid Ali. As pinturas do Hamzanama são de grande tamanho, 20 x 27 “e foram pintadas em tecido. Elas são em estilo safávio persa. Cores vermelhas, azuis e verdes brilhantes predominam; as rochas cor-de-rosa, erodidas e a vegetação, planos e ameixa em flor e pessegueiros são reminiscentes da Pérsia, no entanto, os tons indianos aparecem em trabalhos posteriores, quando artistas indianos eram empregados.
Depois dele, Jahangir encorajou artistas a pintar retratos e cenas de durbar. Seus mais talentosos retratistas foram Ustad Mansur, Abul Hasan e Bishandas.
Shah Jahan (1627–1658) continuou o patrocínio da pintura. Alguns dos artistas famosos do período foram Mohammad Faqirullah Khan, Mir Hashim, Maomé Nadir, Bichitr, Chitarman, Anupchhatar, Manohar e Honhar.
Aurangzeb não gostava de artes plásticas. Devido à falta de mecenas, os artistas migraram para Hyderabad, no Deccan, e para os estados hindus do Rajastão, em busca de novos patronos.
Pintura Rajput
Rajput pintura, um estilo de pintura indiana, evoluiu e floresceu, durante o século 18, nas cortes reais de Rajputana, na Índia. Cada reino Rajput evoluiu um estilo distinto, mas com certas características comuns. As pinturas de Rajput retratam uma série de temas, eventos de épicos como o Ramayana e o Mahabharata, a vida de Krishna, belas paisagens e seres humanos. Miniaturas eram o meio preferido de pintura Rajput, mas vários manuscritos também contêm pinturas Rajput, e pinturas foram feitas até mesmo nas paredes de palácios, câmaras internas dos fortes, havelies, particularmente, os havelis de Shekhawati.
As cores extraídas de certos minerais, fontes vegetais, conchas e até mesmo derivadas do processamento de pedras preciosas, ouro e prata foram usadas. A preparação das cores desejadas foi um processo demorado, às vezes levando semanas. Os pincéis usados eram muito bons.
Pintura de Mysore
A pintura de Mysore é uma importante forma de pintura clássica do sul da Índia que se originou na cidade de Mysore, em Karnataka. Estas pinturas são conhecidas pela sua elegância, cores suaves e atenção aos detalhes. Os temas para a maioria dessas pinturas são deuses hindus e deusas e cenas da mitologia hindu. Nos tempos modernos, estas pinturas tornaram-se uma lembrança muito procurada durante ocasiões festivas no sul da Índia.
O processo de fazer uma pintura de Mysore envolve muitos estágios. A primeira etapa envolve a elaboração do esboço preliminar da imagem na base. A base consiste em papel de cartucho colado sobre uma base de madeira. Uma pasta feita de óxido de zinco e goma arábica é feita chamada “pasta gesso”. Com a ajuda de um pincel fino, todas as jóias e partes do trono ou o arco que têm algum relevo são pintados para dar um efeito de entalhe levemente elevado. Isso é permitido secar. Nesta fina folha de ouro é colada. O restante do desenho é então pintado usando aquarelas. Somente cores silenciadas são usadas.
Pintura de Tanjore
A pintura de Tanjore é uma importante forma de pintura clássica do sul da Índia, originária da cidade de Tanjore, em Tamil Nadu. A forma de arte remonta ao início do século IX, período dominado pelos governantes de Chola, que incentivavam a arte e a literatura. Estas pinturas são conhecidas pela sua elegância, cores ricas e atenção aos detalhes. Os temas para a maioria dessas pinturas são deuses hindus e deusas e cenas da mitologia hindu. Nos tempos modernos, estas pinturas tornaram-se uma lembrança muito procurada durante ocasiões festivas no sul da Índia.
O processo de fazer uma pintura de Tanjore envolve muitos estágios. A primeira etapa envolve a elaboração do esboço preliminar da imagem na base. A base consiste em um pano colado sobre uma base de madeira. Em seguida, pó de giz ou óxido de zinco é misturado com adesivo solúvel em água e aplicá-lo na base. Para tornar a base mais lisa, um abrasivo suave é usado às vezes. Depois que o desenho é feito, a decoração das jóias e dos fatos na imagem é feita com pedras semipreciosas. Laços ou fios também são usados para decorar as jóias. Além disso, as folhas de ouro são coladas. Finalmente, corantes são usados para adicionar cores às figuras nas pinturas.
Pintura Kangra
Este estilo originou-se no estado de Guler, na primeira metade do século XVIII e atingiu o seu auge durante o reinado de Maharaja Sansar Chand Katoch.
Pintura Madhubani
A pintura de Madhubani é um estilo de pintura praticado na região de Mithila, no estado de Bihar. Temas giram em torno de deuses hindus e mitologia, juntamente com cenas da corte real e eventos sociais como casamentos. Geralmente nenhum espaço é deixado vazio; as lacunas são preenchidas por pinturas de flores, animais, pássaros e até mesmo desenhos geométricos. Nessas pinturas, os artistas usam folhas, ervas e flores para fazer a cor que é usada para desenhar as pinturas.
Pattachitra
Pattachitra refere-se à pintura clássica de Bengala Ocidental e Odisha, na região oriental da Índia. ‘Patta’ em sânscrito significa ‘Vastra’ ou ‘roupas’ e ‘chitra’ significa pinturas.
O Patachitra de Bengala refere-se à pintura de Bengala Ocidental. É uma herança tradicional e mitológica da Bengala Ocidental. O Patachitra Bengal é dividido em alguns aspectos diferentes, como Durga Pat, Chalchitra, Patachitra Tribal, Patachitra Medinipur, Patachitra Kalighat e etc O tema da Bengala Patachitra é principalmente histórias mitológicas, religiosas, folclore e social. O Kalighat Patachitra, a última tradição de Patachitra de Bengala é desenvolvido por Jamini Roy. O artista do Patachitra de Bengala é chamado Patua.
A tradição de Orisha Pattachitra está intimamente ligada à adoração do Senhor Jagannath. Além das evidências fragmentárias de pinturas nas cavernas dos murais de Khandagiri e Udayagiri e Sitabhinji do século VI dC, as primeiras pinturas indígenas de Odisha são as Pattachitra feitas pelos Chitrakars (os pintores são chamados de Chitrakars). O tema da pintura oriya centra-se na seita vaishnava. Desde o início da cultura Pattachitra, o Senhor Jagannath, que era uma encarnação do Senhor Krishna, foi a principal fonte de inspiração. O assunto de Patta Chitra é principalmente histórias mitológicas, religiosas e folclore. Temas são principalmente em Lord Jagannath e Radha-Krishna, diferentes “Vesas” de Jagannath, Balabhadra e Subhadra, atividades do templo, as dez encarnações de Vishnu baseadas na ‘Gita Govinda’ de Jayadev, Kama Kujara Naba Gunjara, Ramayana, Mahabharata. As pinturas individuais de deuses e deusas também estão sendo pintadas. Os pintores usam cores vegetais e minerais sem ir para cores de cartazes de fábrica. Eles preparam suas próprias cores. A cor branca é feita a partir das conchas por pulverização, fervura e filtragem em um processo muito perigoso. Isso exige muita paciência. Mas esse processo dá brilho e premanência ao tom. ‘Hingula’, uma cor mineral, é usada para vermelho. ‘Haritala’, rei de ingredientes de pedra para o amarelo, ‘Ramaraja’ uma espécie de índigo para azul estão sendo usados. Pura lâmpada-preta ou preta preparada a partir da queima de conchas de coco são usadas.As escovas que são usadas por estes ‘Chitrakaras’ também são indígenas e são feitas de pêlos de animais domésticos. Um monte de cabelo amarrado ao final de uma vara de bambu faz o pincel. É realmente uma questão de saber como esses pintores trazem linhas de tal precisão e terminam com a ajuda desses pincéis brutos. Essa antiga tradição da pintura Oriya ainda sobrevive hoje nas mãos hábeis de Chitrakaras (pintores tradicionais) em Puri, Raghurajpur, Paralakhemundi, Chikiti e Sonepur.
Escola de bengala
A Escola de Arte de Bengala foi um estilo influente de arte que floresceu na Índia durante o Raj Britânico no início do século XX. Foi associado ao nacionalismo indiano, mas também foi promovido e apoiado por muitos administradores artísticos britânicos.
A escola de Bengala surgiu como um movimento de vanguarda e nacionalista reagindo contra os estilos de arte acadêmica anteriormente promovidos na Índia, tanto por artistas indianos como Ravi Varma e em escolas de arte britânicas. Seguindo a ampla influência das idéias espirituais indianas no Ocidente, o professor de arte britânico Ernest Binfield Havel tentou reformar os métodos de ensino na Escola de Arte de Calcutá, incentivando os alunos a imitar miniaturas de Mughal. Isso causou imensa controvérsia, levando a uma greve de estudantes e reclamações da imprensa local, inclusive de nacionalistas que consideraram ser um movimento retrógrado. Havel foi apoiado pelo artista Abanindranath Tagore, sobrinho do poeta Rabindranath Tagore. Tagore pintou uma série de obras influenciadas pela arte mogol, um estilo que ele e Havel acreditavam ser uma expressão das qualidades espirituais distintas da Índia, em oposição ao “materialismo” do Ocidente. A pintura mais conhecida de Abanindranath Tagore, Bharat Mata (Mãe Índia), representava uma jovem mulher, retratada com quatro braços à maneira das divindades hindus, segurando objetos simbólicos das aspirações nacionais da Índia. Tagore mais tarde tentou desenvolver ligações com artistas do Extremo Oriente como parte de uma aspiração de construir um modelo pan-asiático de arte. Os associados a este modelo Indo-Far-Oriental incluem Nandalal Bose, Mukul Dey, Kalipada Ghoshal, Benode Behari Mukherjee, Vinayak Shivaram Masoji, BC Sanyal, Beohar Rammanohar Sinha e, posteriormente, seus alunos A. Ramachandran, Tan Yuan Chameli, Ramananda Bandopadhyay e alguns outras.
A influência da escola de Bengala na cena artística indiana gradualmente começou a aliviar com a disseminação de idéias modernistas pós-independência. O papel de Krai Subramanyan nesse movimento é significativo. Hoje, a Academia de Arte Rednova de Bankura, na Índia, também é uma notável academia de arte criada pelo Artista Abirlal.
Modernismo Contextual
O termo Modernismo Contextual que Siva Kumar usou no catálogo da exposição emergiu como uma ferramenta crítica pós-colonial na compreensão da arte que os artistas Santiniketan haviam praticado.
Diversos termos, incluindo a contra-cultura da modernidade de Paul Gilroy e a modernidade colonial de Tani Barlow, foram usados para descrever o tipo de modernidade alternativa que emergiu em contextos não-europeus. O professor Gall argumenta que o “modernismo contextual” é um termo mais adequado porque “o colonialismo na modernidade colonial não acomoda a recusa de muitos em situações colonizadas de internalizar a inferioridade. A recusa de subordinação dos professores artistas de Santiniketan incorporou uma visão contrária da modernidade, que buscou corrigir o essencialismo racial e cultural que impulsionou e caracterizou a modernidade e o modernismo ocidentais imperiais. Essas modernidades européias, projetadas por uma potência colonial britânica triunfante, provocaram respostas nacionalistas, igualmente problemáticas quando incorporaram essencialismos semelhantes ”.
De acordo com R. Siva Kumar “Os artistas Santiniketan foram um dos primeiros que conscientemente desafiaram essa idéia de modernismo, optando pelo modernismo internacionalista e pela nacionalidade historicista e tentaram criar um modernismo sensível ao contexto.” Ele vinha estudando o trabalho dos mestres Santiniketan e pensando sobre sua abordagem da arte desde o início dos anos 80. A prática de subscrição de Nandalal Bose, Rabindranath Tagore, Ram Kinker Baij e Benode Behari Mukherjee sob a Escola de Arte de Bengala foi, segundo Siva Kumar, enganosa. Isso aconteceu porque os primeiros escritores eram guiados por genealogias de aprendizado, em vez de seus estilos, visões de mundo e perspectivas sobre a prática artística.
O crítico literário Ranjit Hoskote, ao revisar as obras do artista contemporâneo Atul Dodiya, escreve: “A exposição a Santinketan, através de um desvio literário, abriu os olhos de Dodiya às circunstâncias históricas do que o historiador de arte R Siva Kumar chamou de” modernismo contextual “. no leste da Índia, nos anos 1930 e 40, durante as turbulentas décadas da Depressão global, a luta de libertação de Gandhi, o renascimento cultural de Tagore e a Segunda Guerra Mundial.
Modernismo contextual no passado recente encontrou seu uso em outros campos relacionados de estudos, especialmente em arquitetura.
Pintura Indiana Vernacular
A arte vernacular é uma arte viva (arte contemporânea), baseada no passado (os mitos, as tradições e a religião) e feita por grupos definidos. A arte vernacular é baseada na memória coletiva desse grupo.
Exemplos de pintura indiana vernacular:
Pintura Tribal:
Pintura bhil
Pintura Warli
Pintura de Gond
Pintura Santhal
Pintura de saora
Pintura Kurumba
Pintura Rural:
Pintura de Pattachitra
Pintura Madhubani
Pintura Kalamkari
Pintura de Kolam
Pintura Kalam
Pinturas Mandana
Pintura Indiana Moderna
Durante a era colonial, as influências ocidentais começaram a causar impacto na arte indiana. Alguns artistas desenvolveram um estilo que usava idéias ocidentais de composição, perspectiva e realismo para ilustrar os temas indianos. Outros, como Jamini Roy, conscientemente se inspiraram na arte popular. Bahti Dayal escolheu lidar com a tradicional pintura de Mithila da maneira mais contemporânea e usa tanto o realismo quanto o abstracionismo em seu trabalho com muita fantasia misturada a ambos. Seu trabalho um senso impecável de equilíbrio, harmonia e graça.
Na época da Independência, em 1947, várias escolas de arte na Índia forneciam acesso a técnicas e idéias modernas. Galerias foram criadas para mostrar esses artistas. A arte indiana moderna normalmente mostra a influência dos estilos ocidentais, mas muitas vezes é inspirada em temas e imagens indianos. Grandes artistas estão começando a ganhar reconhecimento internacional, inicialmente entre a diáspora indiana, mas também entre o público não indígena.
O Grupo de Artistas Progressistas, criado pouco depois da independência da Índia em 1947, pretendia estabelecer novas formas de expressar a Índia na era pós-colonial. Os fundadores eram seis artistas eminentes – KH Ara, SK Bakre, HA Gade, MF Husain, SH Raza e FN Souza, embora o grupo tenha sido dissolvido em 1956, foi profundamente influente na mudança do idioma da arte indiana. Quase todos os principais artistas da Índia nos anos 1950 estavam associados ao grupo. Alguns dos que são bem conhecidos hoje são Bal Chabda, Manishi Dey, VS Gaitonde, Krishen Khanna, Ram Kumar, Tyeb Mehta, Beohar Rammanohar Sinha e Akbar Padamsee. Outros pintores famosos como Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins e Bijon Choudhuri enriqueceram a cultura artística da Índia. Eles se tornaram o ícone da arte indiana moderna. Historiadores da arte como o Prof. Rai Anand Krishna também se referiram às obras de artistas modernos que refletem o ethos indiano.
Além disso, o aumento do discurso sobre a arte indiana, tanto em inglês quanto em línguas indígenas vernáculas, se apropriou da maneira como a arte era percebida nas escolas de arte. A abordagem crítica tornou-se rigorosa, críticos como Geeta Kapur, R. Siva Kumar, contribuiu para repensar a prática da arte contemporânea na Índia. Suas vozes representavam a arte indígena não apenas na Índia, mas em todo o mundo. Os críticos também tiveram um papel importante como curadores de exposições importantes, redefinindo o modernismo e a arte indígena.
A arte indiana ganhou impulso com a liberalização econômica do país desde o início dos anos 90. Artistas de vários campos agora começaram a trazer variados estilos de trabalho. A arte indiana pós-liberalização, portanto, funciona não apenas dentro dos limites das tradições acadêmicas, mas também fora dela. Nesta fase, os artistas introduziram conceitos ainda mais recentes que até agora não foram vistos na arte indiana. Devajyoti Ray introduziu um novo gênero de arte chamado pseudo-realismo. Arte Pseudo-realista é um estilo de arte original que foi desenvolvido inteiramente em solo indiano. O pseudo-realismo leva em conta o conceito indiano de abstração e o utiliza para transformar cenas regulares da vida indígena em imagens fantásticas.
Na Índia pós-liberalização, muitos artistas se estabeleceram no mercado de arte internacional, como Anish Kapoor e Chintan, cujas gigantescas obras de arte atraíram atenção por seu tamanho. Muitas casas de arte e galerias também abriram nos EUA e na Europa para mostrar obras de arte indianas.Alguns artistas como Bhupat Dudi, Submanh Gupta, Piu Sarkar, Vagaram Choudhary, Amitava Sengupta e muitos outros fizeram mágica em todo o mundo.Chya Ghosh é um pintor talentoso e é bastante ativo na Galeria de Arte Triveni, em Nova Deli.