인도 그림은 인도 미술에서 매우 오랜 전통과 역사를 가지고 있습니다. 가장 초기의 인도 그림은 선사 시대의 암벽화, Bhimbetka 암석 보호소와 같은 곳에서 발견 된 암각화, Bhimbetka 암석 보호소에서 발견 된 석기 시대 암벽화의 일부는 약 3 만년 전입니다. 인도의 불교 문학은 그림과 함께 군대의 궁전과 귀족 계급을 묘사하는 텍스트의 예가 풍부하지만, 원화 동굴의 그림은 소수의 생존자 중 가장 중요합니다. 가장 초기의 생존자는 중세 시대부터 였지만,이 기간에는 원고에서의 더 작은 크기의 그림이 아마도 또한 연습되었다. 무굴 (Mughal) 그림은 페르시아의 미니어처와 오래된 인도 전통의 융합을 상징하며, 17 세기부터 인도 스타일의 모든 종교가 각기 다른 스타일로 발전했다. 회사 회화는 19 세기부터 서구의 미술 학교를 도입하여 현대 인도 그림으로 이어지는 영국의 습지에 따라 영국 고객들을 대상으로 제작되었습니다. 인도의 그림은 인도의 뿌리로 점점 돌아갑니다.

인도의 회화는 초기 문명에서 현재에 이르는 미적 연속체를 제공합니다. 원래 의도적으로 종교적이었던 것에서 인도의 그림은 여러 문화와 전통의 융합이되기 위해 수년 동안 진화 해 왔습니다.

인도 그림의 Shadanga
기원전 1 세기 경 Shadanga 또는 6 개의 Indian Paintings (사지)가 진화되었습니다.이 예술은 예술의 주요 원칙을 설명하는 일련의 표준입니다. 3 세기에 살았던 왓샤 야나 (A. V.)는 카마 수트라 (Kamasutra)에서 이것을 더 열거하여 고대 작품에서 추출했다.

이 ‘6 사지’는 다음과 같이 번역되었습니다.

Rupabheda 외모에 대한 지식.
Pramanam 올바른 인식, 측정 및 구조.
Bhava 형태에 대한 감정의 행동.
Lavanya Yojanam 은혜, 예술적 표현의 주입.
Sadrisyam Similitude.
Varnikabhanga 브러시와 색상을 사용하는 예술적 방식. (Tagore.)
불교도들에 의한 회화의 발전은이 ‘6 사지’가 인도 예술가들에 의해 실용화되었으며 그들의 예술이 설립 된 기본 원칙임을 나타낸다.

인도 그림의 장르
인도의 그림은 크게 벽화와 미니어처로 분류 할 수 있습니다. 벽화는 Ajanta Caves와 Kailashnath 사원 에서처럼 견고한 구조물의 벽에서 수행되는 커다란 작품입니다. 미니어처 그림은 종이 나 헝겊과 같이 부패하기 쉬운 재료로 된 책이나 앨범의 경우 매우 작은 규모로 실행됩니다. 벵골 팔라스 (Palas of Bengal)는 인도에서의 소형 회화의 선구자였습니다. 미니어처 그림의 예술은 Mughal 기간 동안 그 영광에 도달했습니다. 미니어처 그림의 전통은 Bundi, Kishangarh, Jaipur, Marwar 및 Mewar와 같은 다양한 Rajasthani 회화 학교의 화가들이 이월했습니다. Ragamala 그림은 영국 Raj에 따라 영국 고객을 위해 제작 된 회사 회화와 마찬가지로이 학교에도 속합니다.

고대 인도 미술은 1930 년대에 벵골 예술 학교가 생겨나면서 유럽과 인도 스타일의 다양한 형태의 실험을 경험했습니다. 인도의 독립 이후, Jamini Roy, M. F. Husain, Francis Newton Souza 및 Vasudeo S. Gaitonde와 같은 중요한 예술가들이 개발 한 많은 새로운 장르의 예술이 있습니다. 경제의 진보에 따라 예술의 형식과 양식 또한 많은 변화를 겪었다. 1990 년대 인도 경제는 자유화되고 세계 경제와 통합되어 문화 정보의 자유로운 흐름을 유치했다. 아티스트로는 Subodh Gupta, Atul Dodiya, Devajyoti Ray, Bose Krishnamachari, Jitish Kahllat 등이 있으며 국제 시장에서 경매에 나선다. Bharti Dayal은 현대 Mithila 전통 그림을 가장 현대적인 방식으로 다루기로 결정했으며 자신의 상상력을 통해 자신 만의 스타일을 만들어 냈습니다. 신선하고 특이한 것처럼 보입니다.

벽화
인도의 벽화의 역사는 기원전 2 세기부터 서기 8 세기 – 10 세기에 이르기까지 고대와 중세 초기에 시작됩니다. 이시기의 벽화가 포함 된 인도 주변에는 20 개가 넘는 지역이 있으며, 주로 천연 동굴과 바위 깎기 실이 있습니다. 이 시간의 가장 큰 업적은 Ajanta, Bagh, Sittanavasal, Armamalai Cave (타밀 나두), Ravan Chhaya 암석 보호소, Ellora Caves의 Kailasanatha 사원의 동굴입니다.

이 기간의 벽화는 주로 불교, 자이나교 및 힌두교의 종교적 주제를 묘사합니다. 조기 마굴 (Jogimara Cave)의 고대 연극 실과 7 세기 경의 왕실 수렵 롯지 인 라반 채야 (Ravan Chhaya) 암벽 쉼터와 같은 평범한 건물을 장식하기 위해 그림이 만들어진 장소도 있습니다.

이 장면을 지배했던 대규모 벽화의 패턴은 11 세기와 12 세기의 미니어처 그림의 출현을 목격했다. 이 새로운 스타일은 손바닥 모양의 원고에 새겨진 일러스트의 형태로 처음 나타났습니다. 이 원고의 내용에는 불교와 자이나교에 대한 문헌이 포함되어있다. 동부 인도에서, 불교 종교의 예술적 및 지적 활동의 주요 중심지는 팔라 왕국 (벵골과 비하르)에 위치한 나 란다, 오단 타프리, 빅 클람 실라, 소마 푸라 (Somarpura)였다.

동부 인도 그림
동부 인도에서 10 세기에 개발 된 소형 그림. Buddha의 삶에서 불교의 신성과 장면을 묘사 한이 미니어처는 손바닥 모양의 원고와 목재 커버의 잎 (약 2.25 x 3 인치)에 그려져 있습니다. 가장 흔한 불교도의 필사본으로는 Astasahasrika Prajnaparamita, Pancharaksa, Karandavyuha 및 Kalachakra Tantra가 있습니다. 최초의 현존하는 미니어처는 Mahipala (제 993 년)의 여섯 번째 해에 기록 된 Astasahasrika Prajnaparamita의 원고에 있으며, 현재는 Kolkata의 Asiatic Society 소장이다. 이 스타일은 12 세기 후반 인도에서 사라졌습니다.

서양 인도의 미니어처 그림
미니어처 그림은 매우 화려하지만 크기가 작은 아름다운 수제 그림입니다. 이 회화의 하이라이트는 복잡하고 섬세한 붓놀림으로 독특한 정체성을 부여합니다. 색상은 미네랄, 야채, 보석, 인디고, 조가비 껍질, 순금과은에서부터 수제입니다. 17 세기 경 서양 히말라야에서 시작된 인도 미니어처 그림의 진화

이 미니어처 회화의 주제는 대부분 종교와 문학 작품의 주제와 관련이 있습니다. 산스크리트어와 민속 문학에서 많은 그림을 볼 수 있습니다. 그것은 사랑 이야기의 주제입니다. 힌두교의 바쉬 나브 분파의 일부 그림과 일부는 자이나교 출신이다. Vaishnav 분파의 그림은 Krishna 주와 Gopies의 삶의 여러 가지 경우에 관한 것입니다. “Gita Govinda”의 Vaishnav 그림은 Lord Krishna에 관한 것입니다. 자이나교의 그림은 자이나교의 지배자와 종교적인 주제에 관한 것이다.

이 그림들은 손바닥 나무의 잎을 의미하는 “Taadpatra”와 종이에 만들어졌습니다. 그 기간 동안 초기 원고는 야자수 나무의 잎에서 그리고 나중에 종이에서 만들어졌습니다.

이 그림에는 정면이있는 인물이 거의 없습니다. 대부분의 인간 캐릭터는 측면 프로필로 표시됩니다. 큰 눈, 뾰족한 코와 날씬한 허리가이 그림의 특징입니다. 인간의 피부색은 갈색과 공평합니다. 주님 크리슈나의 피부색은 푸른 색입니다. 머리카락과 눈 색깔이 검은 색입니다. 여성 캐릭터는 긴 머리카락을 가지고 있습니다. 인간의 캐릭터는 손, 코, 목, 머리, 허리 및 발목에 보석을 착용했습니다. 남성과 여성은 전통적인 인도 드레스, 슬리퍼 및 신발을 착용합니다. 남자들은 머리에 터번을 두른다. 이 그림에는 나무, 강, 꽃, 새, 땅, 하늘, 집, 전통 의자, 쿠션, 커튼, 램프 및 인간 캐릭터가 그려져 있습니다.

주로 자연 색이이 그림에 사용되었습니다. 검정, 빨강, 흰색, 갈색, 파랑 및 노랑색이 그림을 장식하는 데 사용됩니다.

킹스, 왕의 궁정, 부유 한 사업가, 당시의 종교 지도자들이이 미니어처 그림의 발기인이었습니다.

이 그림의 화가들은 지역 사회에서 온 사람들이었습니다. “Vaachhak”은 당시의 유명한 화가였습니다. 화가들은이 그림으로 원고의 주제를 생생하게 만들어서 원고의 독자가 독서를 즐길 수 있도록했습니다.

Malwa, Deccan 및 Jaunpur 페인팅 학교
Nasir Shah (1500-1510)의 통치 기간 동안 Mandu에서 그린 Nimatnama의 원고가 원고 일러스트레이션의 새로운 추세를 세웠다. 이것은 Mandu 원고를 지배 한 후자이지만 원주민과 후원 페르시아 스타일의 종합을 나타낸다. 술탄의 인도 북부 인도에서 번영했던 로디 쿠라 다르 (Lodi Khuladar)라는 또 다른 스타일의 그림이 델리에서 잣푸르까지 이어졌습니다.

Bahmani 법원과 Ahmadnagar, Bijapur 및 Golkonda의 법원에서 처음에 번성했던 소형 그림 스타일은 널리 회화의 Deccan 학교로 알려져 있습니다. 가장 오래 살아남은 그림 중 하나는 Bharata Itihasa Samshodhaka Mandala, Pune에있는 원고 Tarif-i-Hussain Shahi (c.1565)의 그림입니다. Dublin의 Chester Beatty Library에 보관 된 Nujum-Ul-Ulum (과학의 별) (1570)의 원고에는 약 400 점의 소형 그림이 있습니다.

무굴 회화
무굴 회화 (Mughal painting)는 인도 회화의 특별한 스타일로, 일반적으로 책의 삽화와 미니어처로 한정되어 있으며, Mughal Empire 16-19 세기의 기간 동안 등장하고 개발되어 형상화되었습니다.

Mughal 그림은 인도, 페르시아 및 이슬람 스타일의 독특한 조화입니다. 무갈 왕자는 사냥꾼과 정복자로서의 행위에 대한 시각적 기록을 원했기 때문에 그들의 예술가는 군대 원정 또는 국가 선교에 동행하거나 동물 슬레이어로서의 활약을 기록했거나 위대한 왕조의 결혼 의식에 묘사했습니다.

아크 바 (Akbar)의 통치 (1556-1605)는 인도의 미니어처 그림에 새로운 시대를 열었다. 그는 정치력을 강화한 후 Fatehpur Sikri에서 인도와 페르시아 출신의 예술가들을 모으기 위해 새로운 수도를 세웠다. 그는 인도에서 페르시아의 두 예술가 인 Mir Sayyed Ali와 Abdus Samad의 감독하에 아틀리에를 설립 한 최초의 군주였다. 앞서 두 사람은 카불의 후마윤 (Humayun)의 후원을 받아 1555 년에 왕위를 되찾았을 때 인도에 동행했다. 100 명이 넘는 화가들이 고용되었으며 그 중 대부분은 구자라트, 괄 리어 르 및 카슈미르 출신의 힌두교 인이었다. 미니 그림의 Mughal 학교로 널리 알려진 그림의 새로운 학교로 탄생.

그 미니어쳐 페인팅 학교의 첫 번째 작품 중 하나는 Hamzanama 시리즈 였는데 법원 사학자 Badayuni에 따르면 1567 년에 시작되어 1582 년에 완성되었습니다. Hamzanama는 선지자 삼촌 인 Amir Hamza의 이야기 Mir Sayyid Ali. Hamzanama의 그림은 크기가 20 x 27 “크기로 천에 칠해졌으며 페르시아의 사파 비 스타일이며 화려한 빨강, 파랑 및 녹색이 주를 이루고 분홍색의 침식 된 암석과 식물, 비행기 및 꽃이 피는 매화 복숭아 나무는 페르시아를 연상케하지만 인디언 색조는 인도 예술가가 고용 된 후의 작업에서 나타난다.

그 후, 자한 기르 (Jahangir)는 아티스트들에게 초상화와 더버 (durbar) 장면을 그리도록 권했습니다. 그의 가장 재능있는 초상화 화가는 Ustad Mansur, Abul Hasan 및 Bishandas였습니다.

Shah Jahan (1627-1658)은 회화의 후원을 계속했다. 당시 유명한 예술가 중 몇 명은 모하마드 파퀴 룰라 칸, 미르 하심, 무하마드 나디 르, 비 치르 타, 키타 르만, 아누프 할 타르, 마노 하르, 혼하르였다.

Aurangzeb에는 순수 예술을위한 맛이 없었습니다. 후원 부족으로 인해 데칸 (Deccan)의 하이데라바드 (Hyderabad)와 새로운 후원자를 찾기 위해 라자스탄의 힌두 국가로 이주했습니다.

라 우트 풋 페인팅
18 세기 인도의 라즈 푸 타나 (Rajputana) 왕실 법원에서 인도 회화의 스타일 인 라즈 푸트 페인팅 (Lajput painting)이 진화하고 번영했습니다. 각 라지 푸트 왕국은 별개의 스타일을 발전 시켰지만 특정 공통점이있었습니다. 라즈 푸트 회화는 라마야나와 마하바라타, 크리슈나의 삶, 아름다운 경관, 인간과 같은 많은 주제와 사건을 묘사합니다. 미니어처가 라지 푸트 그림의 선호 된 매체 였지만 여러 원고에는 라즈 푸트 그림이 포함되어 있으며, 궁전의 벽, 요새의 내부 챔버, 하브, 특히 셰크와 티 (Shekhawati)의 havelis에서도 그림이 이루어졌습니다.

특정 미네랄, 식물 소스, 조가비 껍질에서 추출한 색은 귀금속, 금 및은을 가공하여 파생되었습니다. 원하는 색상을 준비하는 데 시간이 오래 걸리는 경우가 있었으며 때로는 몇 주가 걸렸습니다. 사용 된 브러쉬는 매우 좋았습니다.

마이소르 그림
마이소르 그림은 카르 나 타카의 마이소르 (Mysore) 마을에서 시작된 고전적인 남부 인도 그림의 중요한 형태입니다. 이 그림들은 우아함, 음소거 된 색상 및 세심한주의로 유명합니다. 이 그림의 대부분은 힌두교의 신들과 힌두교 신화의 장면들입니다. 현대에서는이 그림들이 남 인도의 명절 행사에서 인기있는 기념품이되었습니다.

마이 소르 (Mysore) 그림을 만드는 과정은 여러 단계로 이루어집니다. 첫 번째 단계는 기본 이미지의 예비 스케치를 만드는 단계입니다. 베이스는 나무 받침대에 붙여진 카트리지 지로 구성됩니다. 아연 산화물과 아라비아 고무로 만든 페이스트를 “gesso paste”라고합니다. 얇은 붓의 도움으로 모든 보석과 왕좌 또는 아치 부분이 약간의 구제 효과를 내기 위해 칠해졌습니다. 이것은 건조가 허용됩니다. 이 얇은 금박에 붙여 넣습니다. 나머지 도면은 수채화를 사용하여 그립니다. 음소거 된 색상 만 사용됩니다.

탄 조레 그림
Tanjore 회화는 타밀 나두의 탄 조르 (Tanjore) 마을 출신의 고전적인 남부 인도 그림의 중요한 형태입니다. 예술 형식은 9 세기 초로 거슬러 올라갑니다.이시기는 예술과 문학을 장려 한 Chola 통치자가 지배했습니다. 이 그림들은 우아함, 풍부한 색상 및 세심한주의로 유명합니다. 이 그림의 대부분은 힌두교의 신들과 힌두교 신화의 장면들입니다. 현대에서는이 그림들이 남 인도의 명절 행사에서 인기있는 기념품이되었습니다.

Tanjore 그림을 만드는 과정은 여러 단계로 이루어집니다. 첫 번째 단계는 기본 이미지의 예비 스케치를 만드는 단계입니다. 기초는 목제 기초에 풀칠 된 피복으로 이루어져있다. 그런 다음 초크 파우더 또는 산화 아연을 수용성 접착제와 혼합하여베이스에 도포합니다. 베이스를 더 매끄럽게 만들기 위해 때로는 부드러운 연마제가 사용됩니다. 드로잉이 끝나면 이미지에 보석과 장식의 장식이 준 보석으로 이루어집니다. 끈이나 실은 또한 보석을 장식하는 데 사용됩니다. 이것의 위에, 금박은 풀칠된다. 마지막으로 염료는 그림의 인물에게 색을 더하기 위해 사용됩니다.

캉 그라 회화
이 스타일은 18 세기 상반기에 Guler State에서 유래했으며 Maharaja Sansar Chand Katoch의 통치 기간에 정점에 이르렀습니다.

마드 후니 회화
Madhubani 회화는 비하르 (Bihar)주의 Mithila 지역에서의 회화 스타일입니다. 테마는 왕궁에서의 장면과 결혼식과 같은 사교 행사와 함께 힌두 신과 신화를 중심으로 전개됩니다. 일반적으로 빈 공간은 남지 않습니다. 꽃, 동물, 새, 심지어는 기하학적 인 디자인의 그림으로 채워집니다.이 그림에서 작가는 나뭇잎, 허브, 꽃을 사용하여 그림을 그리는 데 사용되는 색상을 만듭니다.

파타 치트 라
Pattachitra는 인도 동부 지역의 West Bengal과 Odish의 고전 그림을 의미합니다. Sanskrit의 ‘Patta’는 ‘Vastra’또는 ‘clothings’을 의미하고 ‘chitra’는 그림을 의미합니다.

벵골 Patachitra는 서쪽 벵골의 그림을 나타냅니다. 서 벵골의 전통적이고 신화적인 유산입니다. Bengal Patachitra는 Durga Pat, Chalchitra, Tribal Patachitra, Medinipur Patachitra, Kalighat Patachitra 등과 같은 여러 측면으로 나뉘어져 있습니다. Bengal Patachitra의 주제는 대부분 신화적이고 종교적인 이야기, 민속 전설과 사회입니다. Bengal Patachitra의 마지막 전통 인 Kalighat Patachitra는 Jamini Roy가 개발했습니다. 벵갈 패 타치 트라의 예술가는 파투 아라 불립니다.

Orisha Pattachitra의 전통은 Jagannath 여호와의 예배와 밀접하게 관련되어 있습니다. 여섯 번째 세기 A.D.의 Khandagiri와 Udayagiri와 Sitabhinji 벽화의 동굴에 그림의 단편적인 증거를 제외하고, Odisha에서 가장 이른 토착 회화는 Chitrakars에 의해 한 Pattachitra이다 (화가는 Chitrakars이라고 칭한다). Oriya 그림 센터의 주제는 Vaishnava 종파의 둘레에 있습니다. Pattachitra 문화의 시작부터 크리슈나 경의 화신 인 Lord Jagannath가 영감의 주요 원천이었습니다. Patta Chitra의 주제는 주로 신화적이고 종교적인 이야기이며 민속 전설입니다. 주제는 Jagannath, Balabhadra 및 Subhadra, 사원 활동, Jayadev, Kama Kujara Naba Gunjara, Ramayana, Mahabharata의 ‘Gita Govinda’를 기반으로 한 Vishnu의 10 개의 화신 인 Jagannath 및 Radha-Krishna, 주로 다른 Vesas에 있습니다. 신들과 여신의 개별 그림도 색칠하고 있습니다. 화가는 공장에서 만든 포스터 색상을 사용하지 않고 야채와 미네랄 색상을 사용합니다. 그들은 자신의 색을 준비합니다. 흰색 색상은 매우 위험한 과정에서 파우더 링, 비등 및 필터링을 통해 조가비 껍질에서 만들어집니다. 많은 인내가 필요합니다. 그러나이 과정은 색조에 광채와 선취를 부여합니다. 미네랄 색상 인 ‘Hingula’는 적색으로 사용됩니다. 황색 성분 인 ‘하리 탈라 (Haritala)’는 푸른 색 인디 라 (Indigo) 인 ‘Ramaraja’가 사용되고 있습니다. 코코넛 껍질을 태우면서 준비된 검은 색 또는 검은 색 순수 램프가 사용됩니다.이 ‘치트라 카라’에서 사용되는 브러쉬도 원주민이며 가축으로 만들어져 있습니다. 대나무 지팡이 끝에 묶은 머리카락이 칫솔질을합니다. 이 화가들이 이러한 정밀도의 선을 어떻게 끌어 내고 이러한 원유 브러시를 사용하여 마무리하는지는 정말 궁금합니다. Oriya 그림의 오래된 전통은 Puri, Raghurajpur, Paralakhemundi, Chikiti 및 Sonepur의 Chitrakaras (전통 화가)의 숙련 된 인력으로 오늘날에도 여전히 살아 있습니다.

벵골 학교
벵갈 스쿨 오브 아트 (Bengal School of Art)는 20 세기 초 영국 Raj 시절에 인도에서 번성했던 영향력있는 예술 스타일이었다. 그것은 인도의 민족주의와 관련이 있었지만 많은 영국의 예술 행정가들에 의해서도 승진되고지지 받았다.

벵골 학교는 라비 바르마 (Ravi Varma)와 같은 인도 예술가와 영국 미술 학교에서 인도에서 이전에 홍보 한 학문적 예술 스타일에 반하는 전위적인 민족주의 운동으로 나타났습니다. 영국의 미술 교사 인 Ernest Binfield Havel은 인도의 영적 사상이 서구에서 광범위하게 영향을 미침에 따라 학생들에게 Mughal의 모형을 모방하도록 격려하여 캘커타 예술 학교의 교수법을 개혁하려고 시도했습니다. 이것은 엄청난 논란을 불러 일으켰고 학생들이 파업을 당했고 현지 언론으로부터 불만이 제기되었다. 하벨은 시인 Rabindranath Tagore의 조카 인 Abanindranath Tagore의 지원을 받았다. Tagore는 Mughal art의 영향을받은 많은 작품을 그렸습니다. Mughal art는 Havel이 서구의 ‘유물론’과는 달리 인도의 명료 한 영적 자질을 표현한 것으로 여겨지는 스타일입니다. Abanindranath Tagore의 가장 유명한 그림 인 Bharat Mata (Mother India)는 힌두교 신의 방식으로 4 개의 무기로 묘사 된 젊은 여성을 묘사하고 인도의 국가적 열망을 상징하는 대상을 들고 있습니다. Tagore는 나중에 범 아시아 주의적 예술 모델을 구성하려는 포부의 일환으로 극동 예술가들과의 연계를 시도했다. 이 인도 – 극동 모델과 관련된 사람들은 Nandalal Bose, Mukul Dey, Kalipada Ghoshal, Benode Behari Mukherjee, Vinayak Shivaram Masoji, B.C. Sanyal, Beohar Rammanohar Sinha, 그리고 그 후 학생들 A. Ramachandran, Tan Yuan Chameli, Ramananda Bandopadhyay 등이 있습니다.

인도 미술계에 대한 벵골 학교의 영향력은 점차 독립 이후의 현대 주의적 사상의 확산으로 완화되기 시작했다. G.이 운동에서의 Subramanyan의 역할은 중요합니다. 현재 인도의 뱅크 라 (Bankura)에 위치한 레드 노바 미술 아카데미 (Rednova Art Academy)는 아발랄 아티스트 (Abirlal)가 설립 한 주목할만한 예술 학교입니다.

문맥의 모더니즘
시바 쿠마르 (Siva Kumar)가 전시 카탈로그에 사용했던 문맥 모더니즘 (Contextual Modernism)이라는 용어는 산티 니케 탄 (Santiniketan) 예술가들이 실제로 수행 한 예술에 대한 이해를 돕기위한 식민지 시대의 중요한 도구로 떠올랐다.

Paul Gilroy의 근대성에 대한 반혁명 문화와 Tani Barlow의 식민지 근대성을 비롯한 여러 용어는 유럽 이외의 상황에서 나타나는 대체 근대성을 묘사하는 데 사용되었습니다. 갈 교수는 “문맥 모더니즘은 식민지 근대성의 식민지가 식민지화 된 상황에서 열등감을 내재화하려는 많은 사람들의 거부를 수용하지 않기 때문에보다 적합한 용어”라고 주장했다. 산티 니카 탄 (Santiniketan)의 예술가 교사는 종속을 거부함으로써 제국주의 서구 근대성과 모더니즘을 주도하고 특징 짓는 인종적, 문화적 본질주의를 바로 잡으려는 현대성에 대한 반대 시각을 구체화했다. 승리 한 영국의 식민 통치권을 통해 투영 된 유럽의 근대성은 유사한 본질주의를 포함 시켰을 때 똑같이 문제가되는 민족주의적인 반응을 불러 일으켰다. ”

R. Siva Kumar에 따르면 “Santiniketan 예술가들은 국제 주의적 모더니즘과 역사 주의적 토착민을 거부함으로써 의식적으로이 모더니즘에 대한 아이디어에 도전하고 상황에 민감한 모더니즘을 만들려고 시도한 최초의 예술가 중 한 명입니다.” 그는 Santiniketan 주인의 작품을 연구하고 80 년대 초반부터 예술에 대한 접근 방식에 대해 생각해 왔습니다. Bengal School of Art에서 Nandalal Bose, Rabindranath Tagore, Ram Kinker Baij 및 Benode Behari Mukherjee를 포함시키는 관행이 Siva Kumar에 따르면 오도 된 것입니다. 이런 일은 초기 작가들이 스타일, 세계관, 예술 관행에 대한 견해보다는 견습 계보에 의해 인도 되었기 때문에 일어난 일입니다.

문학 비평가 인 Ranjit Hoskote는 현대 예술가 인 Atul Dodiya의 작품을 검토하면서 “문학의 우회로를 통해 산틴 케탄에 노출되면 미술사 학자 R Siva Kumar가”문맥 적 모더니즘 “이라고 부른 역사적 상황에 대한 도디 야의 시각을 열었습니다 1930 년대와 40 년대에 세계의 대공황, 간디 해방 투쟁, 타 그랑 문화 르네상스 및 제 2 차 세계 대전의 격동기 동안 인도 동부 지역에서.

최근의 상황 별 모더니즘은 다른 관련 분야, 특히 건축 분야에서 그 사용법을 발견했다.

Vernacular 인도 그림
Vernacular art는 살아있는 미술 (현대 미술)이며, 과거 (mythhes, 전통과 종교)를 기반으로하며 정의 된 그룹에 의해 만들어집니다. Vernacular art는이 그룹의 집단 기억을 기반으로합니다.

Vernacular Indian Painting의 예 :

부족 그림 :
Bhil 그림
Warli 회화
곤돌드 그림
Santhal 그림
사오라 회화
쿠 룸바 그림

농촌 그림 :
파타 치트 라 페인팅
마드 후니 회화
칼람 카리 회화
콜람 그림
칼람 그림
만다나 회화

현대 인도 그림
식민지 시대에 서양의 영향은 인도 미술에 영향을주기 시작했습니다. 일부 예술가들은 서구의 작곡, 원근법 및 사실주의를 사용하여 인도 테마를 설명하는 스타일을 개발했습니다. Jamini Roy와 같이 다른 사람들은 의식적으로 민속 예술에서 영감을 얻었습니다 .Bharti Dayal은 전통적인 Mithila Painting을 가장 현대적인 방식으로 처리하기로 선택했으며, 그녀의 작품에서 현실주의와 추상화를 모두 사용하여 환상에 많은 것을 혼합했습니다. 균형, 조화 및 은총의 완벽한 감각.

1947 년 독립 당시 인도의 몇몇 미술 학교는 현대 기술과 아이디어에 대한 접근을 제공했습니다. 이 예술가들을 소개하기 위해 갤러리가 설립되었습니다. 현대 인도 예술은 일반적으로 서구 스타일의 영향을 보여 주지만, 종종 인도 테마와 이미지에서 영감을 얻습니다. 주요 예술가들은 처음에는 인도 디아스포라 (diaspora)들 사이에서뿐만 아니라 비 인도 청중들 사이에서도 국제적인 인정을 받기 시작했습니다.

1947 년 인도가 독립 한 직후에 설립 된 ‘진보적 예술가 그룹’은 탈식민 시대에 인도를 표현하는 새로운 방법을 수립하고자했다. 창시자는 6 명의 저명한 예술가 – K. H. Ara, S. K. Bakre, H. A. Gade, M.F. 후세인, S.H. Raza와 F. N. Souza는 1956 년에 해체되었지만 인디언 예술의 관용을 바꾸는데 큰 영향을 미쳤다. 1950 년대 거의 모든 인도의 주요 예술가들은이 그룹과 연관되어있었습니다. Bal Chabda, Manishi Dey, V. S. Gaitonde, Krishen Khanna, Ram Kumar, Tyeb Mehta, Beohar Rammanohar Sinha 및 Akbar Padamsee가 있습니다. Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins, Bijon Choudhuri와 같은 다른 유명한 화가들은 인도의 예술 문화를 풍성하게했습니다. 그들은 현대 인도 예술의 아이콘이되었습니다. Rai Anand Krishna 교수와 같은 미술 사학자들은 인도의 정신을 반영하는 현대 예술가들의 작품을 언급하기도합니다.

또한 인도 예술에 대한 담론의 증가는 영어와 모국어 인도 언어에서 예술이 미술 학교에서 인식되는 방식을 충당했다. 긴요 한 접근은 Geeta Kapur, R 같이 엄격한, 비평가에 어울렸다. 시바 쿠마르 (Siva Kumar)는 인도의 현대 미술 관행을 다시 생각하는 데 공헌했다. 그들의 목소리는 인도뿐만 아니라 전 세계에서 인도 예술을 대표했다. 비평가들은 중요한 전시회의 큐레이터로서 중요한 역할을했으며, 모더니즘과 인도 예술을 재정의했습니다.

인도 미술은 1990 년대 초반부터 경제 자유화로 부유했다. 다양한 분야의 예술가들이 이제 다양한 작업 스타일을 도입하기 시작했습니다. 자유화 이후 인도 예술은 학문적 전통의 범위 내 에서뿐만 아니라 그 외부에서도 활동한다. 이 단계에서 예술가들은 지금까지 인도 미술에서는 볼 수 없었던 더 새로운 개념을 도입했습니다. Devajyoti Ray는 Pseudorealism이라는 새로운 장르의 예술을 도입했습니다. Pseudorealist Art는 인도의 토양에서 전적으로 개발 된 독창적 인 아트 스타일입니다. Pseudorealism은 인도의 추상 개념을 고려하여 인도의 일상적인 장면을 환상적인 이미지로 변환하는 데 사용합니다.

자유화 이후 인도에서는 Anish Kapoor와 Chintan과 같은 국제 미술 시장에 많은 예술가들이 자리를 잡았습니다. 많은 미술관과 미술관이 미국과 유럽에서 인도 미술품을 전시하기 위해 문을 열었습니다. Chiman dangi (화가, 판화 인) Bhupat Dudi, Subodh Gupta, Piu Sarkar, Vagaram Choudhary, Amitava Sengupta를 비롯한 많은 예술가들이 전세계에서 마술을했습니다 .Chhaya Ghosh는 재능있는 화가이며, 뉴 델리의 Triveni Art Gallery에서 꽤 활동적입니다.