르네상스는 공식적으로 피렌체에서 태어났습니다. 피렌체는 종종 요람이라고합니다. 이 새로운 비 유적 언어는 인간과 세계에 대한 다른 사고 방식과도 관련이 있으며 프란체스코 페트라 카 (Francesco Petrarca) 또는 살 루타 티 (Saluutati)와 같은 사람들에 의해 이미 전면에 드러난 지역 문화와 휴머니즘으로 시작되었습니다. Filippo Brunelleschi, Donatello, Masaccio와 같은 주인에 의해 15 세기 초에 제안 된 뉴스는 클라이언트에 의해 즉시 받아 들여지지 않았으며 실제로 지배적 인 상황에 직면하여 적어도 20 년 동안 소수로 남아 있었고 예술적 사실을 오해했습니다 국제 고딕.
Laurentian 기간 (1470-1502 년)
15 세기의 마지막 30 년은 분명히 이전 수십 년의 혁신적인 힘의 둔화를 보았습니다. 처음 르네상스의 엄격함과 비교하여 더욱 다양하고 화려한 표현에 대한 취향이 바뀌 었습니다. 이상화, 자연주의 및 기교 사이의 측정의 해석은 Benedetto da Maiano (부드러운 솜씨와 설명이 담긴 세부 정보가 풍부한 일련의 흉상의 예)와 Domenico Ghirlandaio의 그림에 사용되었습니다.
Benedetto Dei의 연대기는 1472 년경 피렌체, 40 명의 금세 공예가, 50 명 이상의 “주술사”및 80 개가 넘는 “상가의 우드 웜 (woodworms of inlay)”등 40 여명의 화가 워크샵에 기록되었습니다. 그러한 높은 숫자는 다른 한반도의 중심지에서 오는 강력한 외부 수요에 의해서만 설명 될 수 있습니다. 80 년대 이후 권위있는 커미션은 시스틴 예배당의 장식과 같은 도시 외의 가장 큰 피렌체 주인에게 왔습니다. 화가 팀 또는 Verrocchio 베니스의 Bartolomeo Colleoni 승마 기념비 건설.
소위 “제 3 세대”의 예술가들에게는 원근법이 획득 된 자료 였고 연구는 피규어의 동적 인 문제 또는 등고선의 긴장과 같은 다른 자극으로 옮겨갔습니다. 측정 가능한 공간과 움직이지 않는 공간이 완벽하게 조화 된 플라스틱 및 격리 된 그림은 이제보다 긴장과 풍부한 표현력으로 움직이는 모양의 연속 게임을위한 공간을 남겨 둡니다.
비 유적 생산에 큰 영향을 미친 것은 Neoplatonic Academy의 철학 사상의 확산이었습니다. 특히 Marsilio Ficino, Cristoforo Landino 및 Pico della Mirandola의 저서를 통해 철학적 사상이 확산되었습니다. 여러 가지 교리들 중에서 조화와 아름다움을 추구하는 것과 관련된 것들은 다양한 상위 형태의 사랑 (신성한, 인간적)과 인간 행복의 달성을위한 수단으로서 특히 중요했습니다. 게다가 고전 철학을 재평가하려는 시도는 근본적인 기독교 종교 용어였으며, 이제는 신비한 진리의 소지자이자 꿈꾸던 조화를 목격 한 증인으로 고대 신화를 다시 읽을 수있었습니다. 그래서 신화 적 장면들이 예술가들에게 위임 받아 비 유적 예술의 주제로 되돌아 갔다.
장엄한 로렌조 (Lorenzo the Magnificent)와 예술의 비율은 공공 저작물의 건설을 선호했던 할아버지 코지모 (Cosimo)의 비율과 달랐습니다. 한편으로 “il Magnifico”예술은 동등하게 중요한 공공의 기능을 가지고 있었지만 피렌체의 문화적 명성을 나타내는 대사로서 “새로운 아테네”로 제시되어 외국 국가로 향했다.이 의미에서이 점에서 문학 분야 (예를 들어 Alfonso d’ Aragona에 보낸 Aragonese Collection, 13 세기 이후의 Tuscan시의 요약), 그리고 다양한 이탈리아 법원에서 최고의 예술가 탐사를 통한 비 유적 표현. 이것은 평화의시기에 호의를 보인 “황금 시대”로서 Laurentian 시대의 신화를 선호했다. 비록 불안정하고 지하의 긴장으로 넘어 섰지 만, 그가 죽을 때까지 이탈리아 체스 판에서 보증 할 수 있었다. 그러나 그것은 또한 도시의 예술적 활력의 약화의 근원이었고, 다른 센터 (특히 로마)의 미래의 출현을 참신의 원천으로서 선호했다.
반면 로렌조 (Lorenzo)는 문화적으로 세련된 후원으로 철학적 의미가 풍부한 물건을 선보이며 때로는 아름다움의 최고 창작자로 여겨지는 그의 서클의 예술가들과 대담하고 강렬한 대결을 수립합니다. 이것은 우화적이고 신화 적이며 철학적이며 문학적 인 의미가 복잡한 방식으로 묶여 있고 해석 적 열쇠를 가진 엘리트 만이 읽을 수있는 귀중하고 매우 정교하며 익숙한 언어를 결정했기 때문에 가장 상징적 인 오늘 우리가 도망 간다. 예술은 조화와 평온의 이상적인 목표에 찬성하여 일상 생활에서 벗어나는 이상에 중점을 둔 실제 생활, 공공 및 시민과 거리를 두었습니다.
영주의 표창은 교양있는 암시에 의해 빈번했지만 가볍게 보였다. 한 가지 예가 Pietro Perugino의 Apollo와 Dafni (1483)입니다. Dafni는 Laurus라는 이름의 그리스어 버전 인 Lorenzo입니다. Luca Signorelli (약 1490)에 의해 잃어버린 Educazione di Pan과 같은 작품들도 법원 시인들이 찬사를 보내면서 Medici 가정에서 평화의 전당자 인 Pan과 같은 클라이언트와 밀접하게 연결된 의미를 암시합니다 .
건축물
로렌조 (Lorenzo)가 가장 중요하게 생각한 건축물 중에는 Poggio a Caiano라는 별장이 있었기 때문에 1480 년경 Giuliano da Sangallo에게 개인 작업을 의뢰했습니다. 그 안에는 고풍스러운 바닥이 연속 아치형 로게아로 둘러싸인 기지에서 시작하여 모든면에 테라스가 있습니다. 볼륨에는 2 층에 평방 바닥이 있으며 대형 중앙 홀과 2 층 높이로 전통적인 안뜰 대신 둥근 천장으로되어 있습니다. 살롱에서의 조명을 보장하기 위해 측면은 각각의 리 세스에 의해 움직입니다. 그러면 1 층의 계획에 거꾸로 된 “H”모양이 생깁니다. 지붕은 처마 장식이없는 플랩이있는 단순한 지붕입니다. 본래 정면은 이오니아 성전의 고막 (tympanum)이있는 곳에서 이루어지며,이 성전은 라크 나 (lacunar)가있는 둥근 천장으로 덮인 로지아 – 베스 티볼로 (rogia-vestivolo)를 제공합니다.
안뜰에서 자체적으로 문을 닫는 대신에, 빌라는 주변과 정원 사이를 점차적으로 중재하는 로지아의 지능형 필터 덕분에 주변 정원에 개방되어 있습니다. 이 특징은 아치형 천장과 같은 고대 기술의 의식적 회복과 고전적인 사원 요소의 적용과 함께 Poggio a Caiano의 별장을 이후 개발 된 중요한 건축물과 함께 빌라의 개인 건축 양식의 실제 모델로 만들었습니다 나중에 로마와 베네토에서 주로 일어났다.
주인공들
안토니오 델 폴라이 올로
이시기에 피렌체에서 가장 유명한 상점은 베로 키오 (Verrocchio)와 폴라 이올로 (Pollaiolo), 안토니오 (Antonio) 및 피에로 (Piero)의 형제들입니다. 후자에서는 조각과 회화 및 그래픽 아트 분야에서 두드러진 Antonio의 활동이 나타난다. 예를 들어, Lorenzo de ‘Medici는 Hercules와 Antaeus (1475 년경)의 고전적인 주제의 청동을 깨달았는데, 신화 적 모티프는 서로 맞아들 어 맞지 않는 폭력의 긴장을 조성하는 파선으로 구성됩니다. 그의 작품에서 인체 해부학과 운동의 항복에 대한 연구가 두꺼워지고 심지어 가장 작은 세부 사항까지도 명확하게 정교화됩니다.
주요 특징은 강하고 역동적 인 등고선이었으며, 어느 순간에 폭발 할 수있는 것처럼 보이는 움직임의 깜박 거리는 모습을 피규어에 제공합니다. 이것은 Uffizi의 Hercules and Antaeus (1475 년경), Villa La Gallina (고전 인용문 전체) 또는 Ignudi의 치밀한 전투 (1471-1472)의 누드 댄스에서 분명히 볼 수 있습니다.
Pollaiolo의 형제들은 목재 지지대의 준비와 색상의 초안 모두에서 유성 프라이머를 사용하여 플랑드르의 작품을 상기 한 광채와 부드러움의 결과를 얻었습니다.
안드레아 델 베로 키오
심지어 안드레아 델 베로 키오 (Andrea del Verrocchio)조차도 조각과 보석처럼 그림과 그림에 숙련 된 다재다능한 예술가였습니다. 1970 년대 70 년대에 예술가는 커다란 우아함의 형태로 나타났습니다. 그는 다윗의 사례처럼 “법원”에 따라 해결 된 유명한 전설을 주제로 묘사력이 증가하는 것을 감동 시켰습니다. 우리는 심리적 인 미묘함에 대한 전례없는 관심을 읽었습니다. 여러 관점을 요구하는이 작품은 Verrocchio의 작업장에있는 학생 인 Leonardo da Vinci에게 영향을 미친, 감미롭고 심오한 심리학을 특징으로합니다.
Verrocchio의 다목적 워크숍은 70 년대에 가장 인기있는 인물이었을뿐만 아니라 새로운 인재의 가장 중요한 단조품이되었습니다. Leonardo, Sandro Botticelli, Perugino, Lorenzo di Credi Domenico Ghirlandaio.
Sandro Botticelli, 교육 및 성숙
산드로 보티첼리 (Sandro Botticelli)는 아마 메디치 (Medici) 법원과 조화와 아름다움이라는 이상과 가장 관련이있는 예술가 였을 것이다. 이미 첫 번째 데이트 작품 인 요새 (1470)는 힘과 강렬한 기념비로 생동감을 불어 넣은 첫 번째 선생 인 필리포 리피 (Filippo Lippi)의 강의에서 파생 된 색과 연대기의 세련된 사용을 보여 주며, 베로 키오 (Verrocchio)에 긴장 선형 Antonio del Pollaiolo가 배웠습니다. 결과 스타일은 매우 개성이 강합니다. 예를 들어 피규어가 표면에 나타나는 것처럼 보입니다. 짧은 보좌에 앉아서 물질의 물리적 성질을 거의 비 물질화하는 선을 따라 움직입니다. 보티첼리 예술의 근본적인 특징은 실제로 디자인과 등고선에 일치하는 증거였습니다.
Botticelli의 연구는 그를 자연스러운 데이텀과 점진적으로 분리하여 예리한 “virile”스타일로 발전 시켰습니다. 예를 들어, Madonna del Magnificat에는 1483 ~ 1485 년 사이에 볼록 거울에 반영된 모습의 실제 광학 실험이 있습니다. 중심에있는 것보다 더 큰 비율이 나타나 기하학적 및 합리적인 공간적 공간에서 벗어납니다. 처음 열 다섯째.
La Primavera (약 1478 년)는 아마도 그의 가장 유명한 작품이었으며, 신화는 도덕적 진리와 현대적 스타일을 반영하지만 고대로부터 영감을 얻은 Laurenzian 이상에 완벽하게 부합했을 것입니다. Spatiality는 9 개의 숫자가 반원으로 배열되어 그늘에서 오른쪽에서 왼쪽으로 읽히는 그늘진 과수원 앞에서 청중에게 암시됩니다. 피봇은 중심에있는 금성으로 양쪽에 대칭 적으로 균형 잡힌 두 그룹이 있으며 음악적으로 흔들리는 리듬과 일시 중지가 있습니다. 지배적 인 모티브는 직선적 인 종지부이며, 예를 들어 Graces의 매우 미세한 베일에서와 같이 소재에 주어진 주의력과 연계되어 있으며, 부드러운 물감과 이상적인 이미지와 아름다움을 종합적으로 검색합니다.
유사한 고려 사항은 금성의 유명한 탄생 (약 1485 년)에도 유효하며, 기름기가있는 온도의 불투명 한 색상, 거의 존재하지 않는 공간, 희미한 색채와 함께 봄을 가진 펜던트를 만들 수 있습니다. 선형 연속성을 최대한 강조하여 그림의 움직임 감각을 결정합니다. 이러한 위기는 피렌체에서 장엄한 사람들의 죽음과 사바나의 공화국 설립으로 힘을 얻은 최초의 위기 요소입니다. 그러나 그것은 필리피노 리피 (Filippino Lippi)와 같은 다른 예술가들조차도 점진적이고 사전에 발표 된 차례였다.
젊은 레오나르도
1469 년경 레오나르도 다 빈치 (Leonardo da Vinci)는 견습생으로 베로 키오 (Verrocchio)의 워크샵에 참가했습니다. 열 다섯 번째의 70 대 유망 학생은 일련의 독립적 인 커미션을 받았으며 세심한 세부 묘사, 부드러운 그림 초안, 플랑드르의 영향에 대한 개론으로 마스터의 “완성 된”스타일을 고수했다. 수태 고지 (1472-1475)와 마돈나 델 갈로 파노 (1475-1480). 후자의 경우, 특히 예술가의 스타일의 급속한 성숙은 이미지의 다양한 요소들 사이의 더 큰 융합, 더 민감하고 유동적 인 빛과 chiaroscuro 피어싱을 목표로 이미 분명하다; 버진은 사실 황혼의 방에서 백그라운드에서 멀리 떨어진 두 개의 창문에서 나타나는 먼롭고 환상적인 풍경과 대조됩니다.
레오나르도 스타일의 급속한 성숙은 그의 주인과의 점점 더 밀접한 대립에 빠지기 때문에 과거 레오나르도는 Verrocchio의 일련의 조각품을 사용했다. 예를 들어 Verrocchio (1475-1480)의 꽃다발을 가진 여성은 대리석의 부드러운 렌더링이 Leonardo의 Portrait of Ginevra de ‘Benci (1475 년경)의 그림 작품의 대기 권선 효과를 불러 일으키는 것으로 보입니다. 이 두 작품의 접촉점은 레오나르드 식탁이 원래 더 크다는 것을 고려할 때 상징적 인 수준까지 확장되었는데, 그 아래쪽에있는 손의 존재는 아마도 윈더 성의 왕실 수장에있는 종이에 대한 연구로 남아있을 것입니다.
그리스도의 세례 (1475-1478)는 두 예술가 간의 가장 가까운 접촉점을 표시합니다. 그러나 1482 년 레오나르도의 피렌체 경험은 동방 박사의 숭배를 시작한 후 시스틴 예배당이라는 지배적 인 예술가 그룹과 거리를 두면서 밀라노로 이사했을 때 갑자기 닫힙니다.
도메니코 길란다
도메니코 길란지오 (Domenico Ghirlandaio)는 로렌조 (Lorenzo)가 로마 교황 식스투스 4 세와 평화를 이루기 위해 장려 한 “예술 대사”의 사명의 주역 인 산드로 보티첼리 (Santro Botticelli), 코지모 로셀리 (Cosimo Rosselli), 피렌체 (Florentine)와 함께 로마에 파견되어 야심 찬 프로젝트를 장식했다. 새로운 교황의 예배당 인 시스틴 예배당의 교황.
Ghirlandaio는 Verrocchio의 워크샵에서 다른 동료들과 마찬가지로 그가 그의 작품의 상수 중 하나 인 플랑드르 예술에 관심을 갖게되었다. 이 구성 요소에 그는 초기 작품에서부터 피렌체의 전통에 의해 성숙 된 고요하고 균형 잡힌 구성에 대한 감각과 관능적 인 생리 신경 및 심리적 인 개성을 가진 인물의 창작에서 특히 드러난 주목할만한 드로잉 능력이 추가되었습니다. 로마에서 돌아온 그는 고대 기념물의 호화롭고 다양한 재현으로 그의 레퍼토리를 풍성하게했다. 형제들의 도움을 받아 구성 할 수있는 능력과 결합 된 이러한 모든 특성들은 피에르 초유 부르주아지의 주요 참고 점인 80 년대부터 시작되었습니다. 1482 년부터 그는 Stories of Stories에서 일했습니다.
스토리 텔러로서의 그의 재능, 언어의 선명도와 즐거움, 국내 장면에서 친밀하고 친밀한 분위기를 바꾸는 능력, 그리고 붐비는 장면에서 엄숙하고 높은 소리를 들려주는 그의 성공의 토대가되었습니다. 그의 작품에서 인용문이 부족한 것은 아니지만 그의 청중은 일반적으로 신 플라톤 (Neoplatonic) 지적 서클의 견해가 아니었지만 문학과 고대 철학보다는 상업 및 은행 업무에 익숙한 상층 중산층이 자신이 참여자로 묘사 한 것을보고 싶어했다. 신성한 역사와 약간의 경솔함과 불안감으로 Botticelli와 Filippino Lippi와 같은 다른 화가들을 움직이게합니다.
사바나의 위기
1494 년 이탈리아의 찰스 8 세 (Charles VIII of Italy)의 후손과 함께 이탈리아 세망의 취약한 외교 및 정치 체제를 유지했던 균형이 깨졌고 프랑스와 스페인 간의 투쟁에서 계속 될 불안정, 공포 및 불확실성의 첫 번째 물결이 불거졌다. 한반도의 통치를 위해 피렌체에서는 폭동으로 로렌조의 아들 인 피에로 드 메디치 (Piero de ‘Medici)가 탈출하여 설교자 인기로 라모 사보나 롤라 (Girolamo Savonarola)가 영적으로 인도 한 새로운 공화국을 세웠습니다. 1496 년부터 수사 당원은 신자유 주의적 및 인본주의적인 교리를 공개적으로 비난하면서 금욕주의적인 방식으로 관습을 엄격하게 개혁하도록 권고했다. 인간과 아름다움의 승영은 더 이상 사용되지 않으며, 불경스러운 슬픈 모닥불에 절정에 달하는 모욕적 인 예술의 생산과 수집의 모든 징후와 마찬가지입니다.
그의 적 교황 알렉산더 6 세에 의한 이단의 비난으로 스테이크에서 수사 (1498 년 5 월 23 일)의 실행은 도시에서 손실과 비극의 감각을 어렴풋이 나타나고, 주요 가정이었던 확실성의 체계를 영원히 훼손시켰다. 초기 르네상스 예술의 비극적 인 사건은 사실 예술적 제작에서 영원한 반향이었습니다. 종교적 위기와 가장 민감한 예술적 성격에 의해 야기 된 사바나 롤라의 추종자 인 “피아 그 나나”의 새로운 요청 누구 Botticelli, Fra Bartolomeo 및 Michelangelo Buonarroti에서 특히.
늦은 Botticelli
산드로 보티첼리의 마지막 작품은 종교 활동에 열렬한 반응을 보였고, 이전 활동을 인도했던 원칙을 다시 생각해 보았습니다. 어떤 경우에는 15 세기 초반의 방식으로 철수하고 철수하면서 지금의 극적인 부적절 함을 드러냅니다 전통적인 비 유적 시스템의
전환점은 예를 들어 중상 모략 (1496)과 같은 우화적인 작업에서 분명히 감지됩니다. 작품은 루치아노 디 사모 스타 타 (Luciano di Samostata)가 묘사 한 부당한 고발로부터 자신을 방어하기 위해 만들어진 그리스 화가 아펠 (Apelle)의 잃어버린 그림을 재창조하는 것을 목표로합니다. 기념비적 인 로지아에서 나쁜 판사가 무지와 의심으로 충고 된 왕위에 앉았습니다. 그 앞에는 Livore (즉, “rancor”)가 있습니다. 거지는 비방과 사기에 의해 스타일링 된 아주 아름다운 여인입니다. 그것은 Calunniato를 지상 공격으로 이끌고 다른 한편으로는 빛을 만들지 않는 성화, 잘못된 지식의 상징을 휘두른다. 왼쪽의 늙은 여인은 양심의 가책 (Remorse)이며 여인의 마지막 인물은 누다 베리타스 (Nuda Veritas)입니다. 그녀의 눈은 하늘로 향했고, 유일한 진정한 정의의 근원을 나타내는 것처럼 건축 요소의 조밀 한 장식 및 특성의 흥분은 심상의 극적인 감을 강조한다.
모든 것은 역사의 일종의 “재판소”를 재현하려는 것인데, 진정한 비난은 시민 생활의 근본 가치 중 하나 인 공의가 결여 된 고대 세계를 정확하게 겨냥한 것으로 보인다.
스타일 회귀의 예는 Sana Marco Altarpiece (1488-1490), 고풍스러운 금색 배경이 반환되거나 신비한 탄생 (1501)입니다. 신비한 탄생 (1501)은 공간적 거리가 병합되고 중요도에 따라 비율이 결정되며 포즈는 종종 강조됩니다 부자연 스러울 때까지 표현력이 풍부하다.
필리 피노 리피
Filippo Lippi, Filippo의 아들은 그의 스타일에 불안감을 표현한 최초의 예술가 중 한 명입니다. 보티첼리 옆의 시스 티나에서 아마 로마에 머물면서 고대 세계의 정확한 재현에 대한 열망으로 고고학의 맛을 인용하는 레퍼토리를 풍성하게 지었을 것입니다.
신비스럽고 신비 롭고 환상적이며 악몽 같은 악몽에서 변덕스러운 독창적 인 솔루션을 열망 한 발명가는 자신의 모든 역량을 최초의 피렌체 예술의 변형 경향을 볼 수있는 테이블에 쏟아 부었다. (1485 년 세인트 버나드에 출생 한 Virgin의 Apparition에서와 같이) 그림과 반 (反) 자연주의와 일부 프레스코 화 된주기를 포함한다. 후자의 경우 로마의 카라 파 채플과 피렌체 스트로 치 (Filippo Strozzi)의 예배당이 눈에 띈다. 한 가지 예는 히 에라 폴리스 (Hierapolis)에서 용을 몰아 치는 성 필립 (Philip)의 장면입니다.이 지역에서는 이교도 제단이 사원처럼 보이게 장식되어 있고 화성의 신의상은 얼굴에 악마적이고 위협적인 엿볼이 있습니다.
젊은 미켈란젤로
Ghirlandaio 워크샵에서 이미 제자였던 Michelangelo Buonarroti는 Giotto della Cappella Peruzzi 나 Masaccio della Brancacci와 같은 토스카나 르네상스의 기지에서 몇몇 주인을 복사하여 첫 단계를 밟았습니다. 이미이 첫 번째 시험에서 플라스틱과 기념비적 인 측면에 대한 주장과 함께 주인의 기본 문체 요소를 동화 할 수있는 특별한 능력이 있습니다. Lorenzo the Magnificent의 보호 아래 들어가면서 그는 San Marco 정원에서 Medici가 제공 한 클래식 모델을 연구했습니다.이 모델에서는 신화의 이미지와 애니메이션을 연상시키는 열정 사이의 불가분 한 단결을 곧 알게되었습니다. 그 자신은 곧 레퍼토리를 복사하는 수동적 인 통역자가 아니면서 고전적 스타일을 되 살릴 수 있었다.
그러나이 활발하고 활발한 작품들과 함께, 미켈란젤로는 더 모아진 음색의 마돈나 델라 스칼라 (Madonna della Scala, 1490-1492)와 같이 다양한 언어를 채택 할 수있는 능력을 보여 주었다. stiacciato Donatello에 의해 영감을 받아, 버진과 어린이의 비정상적인 위치를 감안할 때 특정 기교 외에 차단 된 에너지 감각을 전달하는 기능이 시청자에게 등을 돌리는 것처럼 보입니다.
다음 해 Savonarolian 설교를 통해 그는 모욕적 인 주제를 영원히 버렸고 종종 심오한 정신적, 도덕적 의미로 그의 저작물을 부과했다.
“유전자”의 나이
피렌체 공화국의 마지막 절인, Pier Soderini의 삶을위한 gonfaloniers의 그것은 정치적 관점에서 기억에 남을 수는 없지만, 공공 분야와 사적위원회의 재개를 선호하는 예술 분야에서 단 하나의 기록을 남겼습니다. 위대한 예술가들이 도시에서 회고되어 새 공화국의 명성을 높이고 신속하고 실질적인 예술적 리뉴얼을 창출했습니다. 이 장면의 주역은 레오나르도 (Leonardo)와 미켈란젤로 (Michelangelo)였습니다. 그는 다른 센터에서 오래 머무르면서 도시로 돌아 왔고 나중에 젊은 라파엘 (Laphael)이 추가되었습니다. 단지 진행중인 뉴스에 호기심을 나타 내기 위해 도시에서 회상했습니다.
레오나르도의 왕복과 출발
Leonardo는 Ludovico il Moro의 몰락 후 1500 년 8 월 이전에 Florence로 돌아 왔습니다. 몇 달 후 그는 Sant’Annunziata에 Sant’Anna와 함께 만화를 발표했는데, 나중에 그는 Vasari에 대한 활발한 묘사를했다.
마침내 마돈나와 성 안나와 마분지를 만들었는데 그리스도는 모든 건축가를 놀라게하지 못했지만 일이 끝나면 이틀 동안 그의 남자와 여자들을 만나러 갔다. 우리는 엄숙한 축제에 참석하여 모든 사람들을 놀라게하는 라이오나르도의 경이로움을 보게됩니다.»
(조르지오 바사리, 가장 훌륭한 화가, 조각가 및 건축가의 삶 (1568), 리오르도 다빈치의 삶)
요즘이 작품은 런던의 Saint Anne Carton이 아니며 1505 년 루이 12 세에 의해 그 뒤를이었고 Arconati 백작의 집에서 나왔다. 오히려 피렌체 골판지에서 Sant’Anna, Virgin 및 Louvre 양고기를 낳은 어린이를 수년 후에 완성해야했습니다. 그러나 두 작품은 피렌체 작품과 가깝습니다. 런던에서는, 특히, 숫자는 단 하나 블록에서 잠그고 제물과 유령의 부유 한 얽히고 설레 이는 유선형의 유동적 인 패턴과 연결된다. 1 층에 매우 가깝고, Cenacolo에서와 같이 수치는 기념비적이고 웅장합니다. 미묘한 차이는 그림자와 빛의 교대로 미묘한 균형을 만듭니다. 강한 것은 정서적 인 요소입니다. 무엇보다도 Saint Anne의 시선에서 버진에게 초점을 맞췄습니다. 반면에 파리의 작품은 더 느슨하고 자연 스러우며 우아한 태도와 바위의 깊은 경관을 가지고 있습니다. 어쨌든 레오나르도 (Leonardo)의 교훈은 지역 예술가들에게 강한 영향을 주었고 예술 표현의 분야에서 새로운 미개척 영역을 열어주는 새로운 형식의 우주를 드러 냈습니다.
1503 년 Michelangelo 직전의 Leonardo에서는 Vecchio 궁전에있는 Salone dei Cinquecento의 벽의 일부를 프레스코 화로 꾸미는 작업을 맡았습니다. Vinci 예술가는 Anghiari의 전투, 공화국에 승리의 무기의 사실, 미켈란젤로에 의해 Cascina의 전투와 펜던트를 만들기 위해 필요한 표현했다.
레오나르도는 특히 프리 니코 (Pliny the Elder)의 역사적 자연으로부터 회복 된 새로운 프레스코의 짧은 시간에서 그를 구제하는 새로운 기법을 연구했습니다. 최후의 만찬에 관해서는,이 선택은 너무 늦었을 때 극적으로 부적합한 것으로 판명되었습니다. 사실, 그림의 광대 함은 화재로 인해 석고 위에 흘러 드는 색이 건조 해지기에 충분한 온도를 도달하지 못하게하거나 완전히 사라지지 않으면 서 페이딩하거나 페이딩합니다. 1503 년 12 월, 화가는 판지에서 벽으로 그림을 옮기지 않고 새로운 실패로 좌절했다.
Leonardo의 골판지에서 가져온 최고의 사본 중 일부는 루브르 박물관에있는 루브르 박물관의 복사본입니다. 골판지를 잃어 버렸고, 작품의 마지막 흔적은 아마도 Vasari의 벽화로 1557 년에 다뤄 졌을 것입니다. 그러나 그림의 사본에서 사인은 전쟁의 “고통스러운 광기”에 대한 전례없는 풍요 로움과 태도와 함께 압도적 인 소용돌이로 조직 된 이전 전투 표현에서 벗어난 표현을 평가할 수 있습니다. 예술가로서.
미켈란젤로의 귀환
로마에서 4 년을 살았던 1501 년 봄 미켈란젤로도 피렌체로 돌아왔다. 머지 않아 양모 미술관과 대성당의 공무원은 1503 년 내내 열심히 노력하여 다음 해 초에 끝내기로 한 격렬한 도전 인 David에게 엄청난 대리석 조각을 의탁했습니다. . 그 당시에 불렸던 “거상”은 준비중인 군대의 높이에있는 청년과 함께 운동의 의미에서 성경의 영웅의 전통적인 아이콘에서 강하게 멀어져 가렵고 해부학적인 기교의 승리였다. 꿈꾸며 이미 우승 한 십대처럼 전투 대신에. Davidthey의 회원들은 모두 긴장 상태이며 얼굴은 집중되어 있습니다. 신체적, 심리적으로 최대의 집중력을 보여줍니다. 누드, 아름다움, 적을 물리 치는 열정의 지배력은 르네상스 인의 육체적, 도덕적 이상에 대한 완벽한 구현뿐만 아니라 곧 공화국의 덕목의 상징이되었습니다. Duomo의 산기슭에있는 원래 목적지는 곧 변경되어 Palazzo dei Priori 앞에 배치되었습니다.
이 작품은 예술가의 명성을 새기고 두오모 (그는 샌 마테오 만 훔쳤다)를위한 일련의 사도들, 브뤼헤의 상인 가족을위한 마돈나, 일련의 라운드, 조각 또는 페인트. 1505 년 3 월에 로마를 떠난 그의 갑작스러운 출발은이 프로젝트 중 많은 부분을 미완성으로 남겨 두었습니다.
그러나 미켈란젤로가 Sant’Anna di Leonardo의 판지에 영향을 받았음에도 주목할 만하다.이 그림은 Ashmolean Museum에서와 같이 드로잉에서 주제를 차지한다. 그러나 그룹의 원형 동작은 더 깊고 거의 조각에 의해 막혀있다. chiaroscuro 효과. 브루 게의 성모 (Madonna of Bruges)에서 우리는 마리아의 차가운 평정과 관찰자쪽으로 나아가는 경향이있는 어린이의 역 동성 사이의 대조를보고 상징적 인 의미를 부여합니다. 그들의 숫자는 타원 안에 새겨 질 수 있으며, 순결하고 명백한 단순성을 가지고있어 작은 차원에서도 기념비를 향상시킵니다.
Tondo Pitti와 Tondo Taddei와 같은 일부 라운드의 미완성 된 부분이 레오나르도의 대기 혼합을 모방하려는 욕구와 어느 정도 연관이 있는지 확인하는 것은 어렵습니다. 이러한 제안에 대한 명확한 반응은 Tondo Doni가 목격 한 것인데, 아마 Maddalena Strozzi와 Agnolo Doni의 결혼식을 위해 그렸습니다. 주인공 인 성스러운 가족의 모습은 프로필의 날카로운 정도와 색상의 강도를 높이면서 명확하게 구분되는 빛과 그림자면을 모델링하여 나선형으로 연결됩니다.
피렌체의 라파엘로
1504 년 Leonardo와 Michelangelo의 만화로 대표되는 놀라운 혁신의 메아리도 Pinturicchio를 돕는 젊고 유망한 예술가 인 Raffaello Sanzio에 도착했습니다. 피렌체에 가기로 결심 한 그는 Giovanna Feltria, Sora 공작 부인, Urbino 공작의 여동생, 로마 총재의 아내, Senigallia Giovanni Della Rovere 경의 곤폰 로니 에르에 대한 준비 편지를 준비했습니다. 도시에서 라파엘 (Raphael)은 15 세기의 전통을 발견하고 연구하기 위해 열렬히 헌신했으며, 동화와 재 작업을위한 특별한 능력을 보여주는 가장 최근의 정복에 이르기까지, 페루 기노 (Perugino)의 가장 뛰어난 추종자가되었습니다.
무엇보다 개인 고객을 위해 일하며, 그의 예술에 점점 더 감명을 받았으며, 특히 Madonnas와 성스러운 가족, 그리고 강렬한 초상화 등 개인적인 헌신을위한 수많은 중소형 테이블을 만들었습니다. 이 작품에서 그는 끊임없이 주제를 다양 화하여 자연스럽고 조화롭고 풍부하고 강렬한 색과 종종 Umbrian의 파생 된 풍경에 특히주의하면서 항상 새로운 그룹 및 태도를 모색했습니다.
레오나르도의 작곡에 대한 출발점은 종종 마돈나 템피의 도나 텔로의 마돈나 파치, 리틀 마돈나 커 우퍼의 미켈란젤로의 토도 타디디 또는 마돈나 브리지 워터 등에서 접목 한 것입니다. 레오나르도 라파엘로 (Leonardo Raffaello)에서 그는 원리를 빌 렸습니다. 소성 – 공간적 구성에 관한 것이지만, 심미적 인 “무기한”선호보다 자연스럽고 자연스러운 감정 외에도 암시와 상징적 함의 복합체에 들어가는 것을 피했다. 이것은 Maddalena Strozzi와 같은 초상화에서 분명합니다. 손에 접힌 채로 풍경의 절반 크기의 모습이 Mona Lisa의 영감을 배신하지만 육체적 인 특징, 의복의 묘사 , 보석 및 풍경의 밝기가 우선합니다.
움 브리아 (Umbria)와 우르 비노 (Urbino)를 번갈아 가며 방문하는 것은이 기간으로 거슬러 올라가며 피렌체에서 그려진 팔라 바글 리오니 (Pala Baglioni)와 토스카나 환경을 불분명하게 지칭하는 중요한 작품으로 거슬러 올라갑니다. 무덤에있는 증착은 중앙 제단에서 표현되며, 예술가는 산타 치아라 디 페루 기노 교회의 피렌체 교회의 죽은 자 그리스도에 대한 애도에서 시작하여 수많은 연구와 정교 작업을 거쳐 도착했습니다. 작가는 극적으로 기념비적 인 극적이고 역동적 인 작품을 만들었는데, 특히 미켈란젤로스와 고대 힌트가 있습니다. 특히 1506 년에 로마로의 편성 여행 중에 작가가 볼 수 있었던 멜라가우스의 모습을 볼 때 그렇습니다.
1507-1508 년의 피렌체 시대를 마친 오페라는 거대한 건축 배경을 배경으로 성모님의 보좌를 중심으로 조직 된 성스러운 대화를 가진 커다란 제단의 캐노피라고 할 수 있습니다. 그것의 기념비. 이 작품은 Andrea del Sarto와 Fra ‘Bartolomeo와 같은 예술가들에게 다음 10 년 동안 필수적인 모델이었습니다.