르네상스는 공식적으로 피렌체에서 태어났습니다. 피렌체는 종종 요람이라고합니다. 이 새로운 비 유적 언어는 인간과 세계에 대한 다른 사고 방식과도 관련이 있으며 프란체스코 페트라 카 (Francesco Petrarca) 또는 살 루타 티 (Saluutati)와 같은 사람들에 의해 이미 전면에 드러난 지역 문화와 휴머니즘으로 시작되었습니다. Filippo Brunelleschi, Donatello, Masaccio와 같은 주인에 의해 15 세기 초에 제안 된 뉴스는 클라이언트에 의해 즉시 받아 들여지지 않았으며 실제로 지배적 인 상황에 직면하여 적어도 20 년 동안 소수로 남아 있었고 예술적 사실을 오해했습니다 국제 고딕.
나중에 르네상스는 가장 높이 평가 된 비 유적 언어가되었고, 예술가들의 움직임 덕분에 다른 이탈리아 법원 (로마의 첫 번째 로마 교황청)과 유럽에 전달되기 시작했다.
피렌체 르네상스의 순환은 15 세기 초반부터 시작되어 기술적 인 실질적인 접근에 기반한 실험으로 세기의 중반까지 열정을 보급했다. 두번째 단계는 1492 년에 그의 죽음까지 대략 1450 년에서 Magnificent Lorenzo의 시간에 일어나고, 정복의 지식주의적인 배열이 특징이었다. 세 번째 단계는 Girolamo Savonarola의 성격에 의해 지배됩니다. Girolamo Savonarola는 많은 예술가들이 자신의 선택을 재고하도록 설득력있게 표시합니다. 마지막 단계는 1490 년에서 1520 년 사이의 “성숙한”르네상스 라 불리우며, Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti 및 Raffaello Sanzio와 같은 세 세대의 예술에 절대적으로 영향을 미치는 3 가지 절대 유전자를 피렌체에서 볼 수 있습니다.
풍모
적어도 세 가지가 새로운 스타일의 핵심 요소였습니다.
공간을 함께 조직 한 선형 중심 관점의 규칙을 공식화한다.
심리학과 해부학과 감정 표현에서 사람으로서의 인간에 대한 관심
장식 요소를 거부하고 본질로 돌아갑니다.
이 중 가장 큰 특징은 확실하게 Filippo Brunelleschi가 세기 초에 개발 한 수학적 기하학적이고 측정 가능한 방법에 따라 구축 된 선형 중심의 관점이었습니다. 특정한 세련미에 대한 기하학적 지식을 필요로하지 않는 적용의 용이성은 특정한 탄력성을 지닌 상점에서 항상 정통적인 방식으로 채택되지 않았던이 방법의 성공에있어 핵심 요소 중 하나였습니다.
선형 중심의 관점은 현실을 표현하는 한 가지 방법 일 뿐이지 만, 그 특성은 르네상스 인물의 사고 방식과 특히 일치한다. 왜냐하면 그것은 예술가들에 의해 정해진 기준에 따라 합리적으로 공간의 순서를 낳기 때문이다. 한편으로 수학적 규칙의 존재가 관점을 객관적인 문제로 만든다면, 다른 한편으로는 이러한 규칙이 소실점의 위치, 관찰자로부터의 거리, 높이와 같은 완벽하게 주관적인 성격을 가졌음을 결정한 선택 수평선의. 궁극적으로, 르네상스의 관점은 오늘날 큐비즘과 같은 19 세기의 운동이 단지 환상 일 뿐인 것처럼 보이더라도 자연스럽게 나타나기 위해 뿌리깊은 대표적인 대회 일뿐입니다.
역사적 맥락
15 세기 초반
1478 년 중반의 투핌 (Tumult)과 함께 피렌체는 회복을 시작했다. (은행 실패, 흑사병, 기근과 치열한 내전으로 인한) 14 세기 중반의 경제적 사회적 붕괴 이후. 인구 증가와 함께 상층 중산층 과두 정부의 지배하에 도시에서 중단 된 공공 사업장이 재개되었습니다. 1391 년 대성당에서 아몬드 문을 장식하기 시작했으며, 같은시기에 다소간 Orsanmichele의 외부 틈새 장식을 예술로 시작했습니다. 1401 년에 세례당 북쪽 문에 대한 경쟁이 발표되었습니다.
하지만 상승세에있는 Gian Galeazzo Visconti는 플로렌스를 밀라노의 통치하에 이탈리아에 민족 국가를 창립하려는 계획에 포함 시켰습니다. 반면에 피렌체 사람들은 리버 타스의 역사적인 좌우명에 호소하는 강한 시민들의 자부심을 키우면서 독립성을 유지할 준비가되었습니다. 1402 년 Visconti가 갑자기 사망하자, 도시의 군사력은 느슨해졌으며 일시적인 변화가 있었지만 경제적 회복이 가능했습니다. 1406 년에는 피사 (Pisa)가 정복되었고 1421 년에는 리보 르노 (Livorno) 항구가 정복되었습니다.
1424 년에이 도시는 비스콘티와 루카에 대항하여 심각한 패배를 겪었으며 두오모의 돔을 완성하기위한 열렬한 건축 활동에 추가 된 전쟁의 무게 때문에 새로운 세금이 부과되었습니다. 1427 년에 영주는 근대 역사의 조세 공평성에 대한 최초의 시도 인 부과금을 부과했다.이 법은 돈이 실제로 집중된 처음으로 그 가족의 손에 쥐어 진 부와 견적에 기초하여 과세했다. 정치 활동을 장악 한 상인과 은행가의
메디치 영주
그 순간 아마 Cosimo de Medici와 같은 은행가가 자신의 이익을 보호하기 위해 정치에 대한 직접적인 통제가 필요하다는 것을 깨달았을 것입니다. 그의 알려진 신중함에도 불구하고 그는 직접 주인공을 본적이없는 권력에 대한 점진적인 상승을 시작했지만, 항상 그의 두려운 신뢰를 가진 두 번째 줄에서. 그러나 도시의 다른 강력한 가족들과의 충돌에 도착했다. 처음에는 Albizi와 Strozzi의 모든 사람들이 망명을 포기하고 그 도시에서 승리를 거두었으며, 그 이름으로 공물을 바친 사람들에 의해 찬사를 받았다. Pater Patriae와 그의 적을 몰아 냈습니다. 메디치가 처음으로 승리 한 것은 약 3 세기 동안이 도시를 지배했습니다. 1439 년 코지모 (Cosimo)는 “새로운 로마”에 대한 꿈을 꾸었습니다.
Pazzi 음모의 비판적 시작 이후, 1469 ~ 1492의 권력을 지닌 Lorenzo the Magnificent 시대는 나중에 이탈리아에서 가장 세련된 도시 중 하나가 된 도시의 평화, 번영 및 위대한 문화적 성과의 시대였습니다. “문화 대사 (ambassadors)”에 예술가와 작가를 파견함으로써 다른 한반도의 중심부에서 이상을 수출하고있다 : 상징적 인 것은 시스틴 예배당이 플로렌스에서 온 ‘예술가들의 수영장'(Botticelli , Ghirlandaio, Perugino 등).
Lorenzo의 죽음으로 Girolamo Savonarola의 인물이 지배하는 위기와 재창조의 시대가 열렸습니다. Girolamo Savonarola는 피에로 퇴학 후 공화국을 재건하고 신정 주의적 영감을 창출했습니다. 산 마르코의 강단에서 선포 한 그의 발표는 피렌체 사회에 큰 영향을주었습니다. 피렌체 사회는 이탈리아 반도를 가로 지른 정치적 위기로 인해 두려워하여 고전주의 세계에서 영감을 얻은 것과는 대조적으로보다 엄격하고 미신적 인 신앙심으로 돌아 왔습니다. 이전 기간. 많은 예술가들은 페라라 수사의 영향을 받았고 그 이후로는 불쾌한 영감을주는 작품 (예 : 보티첼리와 미켈란젤로)을 만들지 않았으며 때로는 자신의 타협적인 프론트 프로덕션 (예 : 프라 바르톨로메)을 파괴하기도했습니다.
사 보나 롤라의 교황 알렉산더 6 세 보르 지아와의 전투는 1498 년 이교도로 비난 받고 피아자 델라 시뇨 리아 (Piazza della Signoria)에서 불타는 수사의 명성을 종식 시켰습니다. 그 이후로 정치적 사회적 상황은 더욱 혼란스러워졌습니다. 도시에서 수많은 예술가. 그동안 로렌조의 아들 조반니 (Giovanni)는 추기경이되었고 협박의 힘을 받았다. (설명의 목적으로 1512 년 프라 토 (Prato)를 썼다.) 그는 그 마을로 돌아왔다. 로마 교황 레오 엑스 (1513)라는 이름으로 로마 교황청에 승격 된 그는 로마에서 일부 불안한 도시를 통해 가족을 통치했다.
1527 년 Sacco di Roma는 Medici에 대한 새로운 반란을위한 행사 였지만, 1529 년부터 30 년까지 Florence의 포위 공격으로 피렌체 공화국은 마침내 끝이났다. 그 후 Cosimo I의 확고한 손에 공국이되었다. 드 메디치 (Medici), 그 다음 그랜드 듀크 (Grand Duke). 피렌체는 현재 투스카니 (Tuscany) 지역 국가의 수장이었습니다.
사회 및 문화적 맥락
문화적, 과학적 갱신은 14 세기의 마지막 수십 년과 15 세기 초 피렌체에서 시작되었고 고전의 재발견에 뿌리를두고 있으며 Francesco Petrarca와 다른 학자들에 의해 14 세기에 이미 시작되었습니다. 그들의 작품에서 인간은 하나님보다는 중심 논증이되기 시작했다. (Canzoniere di Petrarca와 Boccaccio의 Decameron은 분명한 예이다.)
세기 초반에 도시 예술가들은 국제 고딕 양식을 고수하거나 고전 방식을보다 엄격하게 복원하는 등 두 가지 주요 선택지를 준비했습니다. 12 세기 이후 항상 다른 사람들이 피렌체 예술에 울려 퍼졌습니다. 각각의 예술가는 거의 두 가지 도로 중 하나에 자신을 헌신적으로 헌신했습니다. 그러나 후기의 Gothic은 예전과 같이 생동감 넘치는 언어였으며 일부 국가에서는 그 어느 나라보다도 잘 평가 받았다는 점에서 시대에 뒤진 역사 기록에 의해 정해진대로 경화하고 죽어가는 문화에 대항하는 진보 된 르네상스 언어를 상상하는 것은 잘못입니다. 15 세기에 피렌체의 새로운 제안은 처음에는 플로렌스 자체에서 지난 20 년 동안 전례가없고 오해 된 명확한 소수의 대안 이었지만,
“중생”은 매우 넓은 확산과 연속성을 가짐으로써 인간과 세계에 대한 새로운 인식이 생겨 났으며, 거기에서 개인은 자신의 능력을 스스로 결정하고 연마하여 행운을 쟁취 할 수 있습니다 라틴어로 “운명”), 그것을 수정함으로써 자연을 지배한다. 또한 변증법과 관련된 특히 긍정적 인 가치를 얻는 관련 삶과 의견과 정보의 교환을 비교하는 것이 중요합니다.
이 새로운 개념은 열정으로 퍼져 나갔지 만, 개인의 힘에 기반하여, 안심할 수없는 중세 시스템에서는 알 수없는 어려운 측면과 고통스러운 측면이 없었습니다. 프톨레마이오스 세계의 확실성에 관해서는 알려지지 않은 사람들의 불확실성이 대체되었고 변덕스러운 포 투나는 섭리에 대한 믿음과 번갈아 나타 났으며 자결의 책임은 의심, 오류, 실패의 고뇌를 수반했다. 이 단점, 더 고통스럽고 무서운, 깨지기 쉬운 경제적, 사회적, 정치적 균형이 실패 할 때마다 다시 돌아와 이상에 대한지지를 잃었습니다.
새로운 테마는 어쨌든 작은 엘리트의 유산이었으며, 공공 기관에서 미래를 위해 고안된 교육을 즐겼습니다. 그러나 인본주의 자들의 이상은 실용주의, 개인주의, 경쟁력, 부와 승영의 합법성의 깃발 아래 일상 생활에서 효과적으로 반영 되었기 때문에 무엇보다 부르주아 상인과 장인 사회의 더 큰 몫에 의해 공유되었다. 활발한 삶. 아티스트들은 심지어 지식인과 경쟁 할 수있는 교육을받지 못했다고해도 이러한 가치에 참여했습니다. 그럼에도 불구하고 적절한 협력과 현장에서 배운 훌륭한 기술에 감사 드리며, 그들의 작품은 문학보다 사용하기 쉽고 엄격하게 라틴어로 작성 되었기 때문에 엘리트 차이점을 제거하면서 모든 단계에서 광범위한 관심을 불러 일으켰습니다.
첫 번째 메디치 지배 기간 (1440-1469)
차세대 아티스트들은 고객의 다양한 방향과 새로운 정치적 틀을 등록한 분위기에서 첫 번째 혁신가와 직접 추종자들의 유산을 상세히 설명했습니다.
Cosimo de ‘Medici의 미술
사실상 망명 한 Cosimo de ‘Medici가 돌아 오자 (1434), 공화국은 공식적인 지속 단계이지만 상당한 변화가있었습니다. Cosimo의 손에있는 권력의 사실상 집중화는 미묘하고 신중한 전략을 통해 이루어졌습니다. 동맹국들과 가까운 신뢰의 사람들에 의한 치안 판사들의 통제.시 정부에 관여하는 것을 결코 보지 못했다. 그의 행동은 Cicero의 Stoic 모델에 영감을 받아 이루어졌으며, 외면적으로는 선의 추구, 절제, 개인적인 명성과 과대 광고의 거부에 기반을 두었습니다. 이 모델에 이어 그는 바디 아 피솔라나 (Badia Fiesolana), 산 마르코 (San Marco) 수녀원 또는 메디치 (Medici) 궁전 자체의 재구성과 같은 공공 가치가있는 중요한 작품을 위촉했다.
개인적인 후원자의 작품은 대신 David-Mercurio di Donatello (1440-1443 년경)와 같은 다른 맛으로 알려졌고 지적이고 세련된 취향에 따라 생동감 있고 세련된 환경을 충족 시켰습니다. 고전 인용문 (Antinoo silvano, Prassitele)과 후원자 (고풍스러운 카메오에서 가져온 골리앗 헬멧의 프리즈) 중 조각가는 순수한 만족감에 빠지는 것을 피하는 현실감을 각인시켰다. 실질적으로 활기차고 현실적인 무언가의 문화적 언급에 생명을 불어 넣는 자세와 모 놀리 식 표현의 비대칭 성은 이것의 증거이다.
결국 신 플라톤 아카데미 (Neoplatonic Academy)의 설립은 코스모 (Cosimo)에서 문화의 지적 지평을 인정하고 고전적 과거에 대한보다 고귀하고 이상적인 제정을 향한 휴머니즘 학문을 발전 시켰습니다.
Piero de ‘Medici의 예술
Cosimo의 아들 인 Piero de ‘Medici의 지성에 대한 취향은 보석 작품, 골동품, 태피스트리 등 소중한 물건을 수집하는 것을 주 목적으로하는 공공 작품에 대한 관심을 덜 강조하면서 지적주의의 취향을 더욱 두드러지게했습니다. 내재적 가치와 사회적 명성을 드문 드문 개체로 지목 한 두 가지면에서 모두 그렇습니다.
피에로 피렌체 정부는 불과 5 년 동안 (1464 – 1469 년) 지속되었지만, 귀족의 에뮬레이션에서 영감을 얻은 세련된 귀족 재판의 방식을 재개하는 명확한 방향성을 취했습니다. 그 절기의 상징적 인 작품은 Piero가 장식 한 메니치 궁전 (1459)의 개인 예배당 인 Benozzo Gozzoli에 의한 동방 박사의 예배당의 프레스코 화입니다. 동방 박사의 호화로운 행렬에서 가족 구성원들과 그들의 지지자들은 신성한 에피소드로 변모합니다. 신화는 그 시대의 빛나는 부르주아 사회를 묘사하는 구실이됩니다.
세기의 중앙 수십 년 동안, 조각가들은 Copient et Varietas의 원리에서 영감을 얻었는데, Alberti가 이론화 한 것으로, 클라이언트의 관철 된 취향을 충족시키기 위해 약간의 변형과 진화가있는 유사한 모델의 반복을 포함했습니다. 이 의미에서의 예가 베르나르도 로셀 리노 (1446 ~ 1450)의 레오나르도 브루니 (Leonardo Bruni), 피에로 (Piero)와 지오바니 데 메디치 (Giovanni de ‘Medici)의 데스 데 디오 다 세티 냐노 (Desiderio da Settignano, 1450 ~ 1450)의 카를로 마르 소피 피니 Andrea del Verrocchio (첫 번째 Laurentian 시대, 1472 년). 이 작품에서 공통된 모델 (arcosolium)을 시작하더라도 점차적으로 더 세련되고 귀중한 결과를 얻게됩니다.
피렌체에서 15 세기 중반의 가장 중요한 작품 중 하나는 그러나 포르투갈의 추기경의 예배당이었다. Jacopo di Lusitania는 1458 년 피렌체와 그의 왕가에서 돌아가 셨다. 예배당은 다양한 재료, 기법, 표현 방식 및 문화적 참고 자료와 연결되어있는 중년의 피렌체 전형적인 맛의 가장 좋은 예이며 우아하고 섬세한 장면 효과를 만듭니다. 이 건축물은 각기 다른 장식 (그림이나 조각을 기본으로 함)을 지닌 그리스 십자가이지만 전체는 포르투갈 왕실의 무기와의 연속적인 프리즈와 포유류와 뱀 모양의 재발에 의해 통일된다. 어떤 표면에도 장식이 없습니다.
초점면은 Antonio와 Bernardo Rossellino가 조각 한 추기경의 무덤 인 동쪽 편입니다. 공간은 scenographic이고 커튼에 의해 밑줄이 그 어져스의 측면에서 두 개의 그린 천사에 의해 커튼처럼 다시 당겨집니다. 각 장식은 추기경의 “초자연적 인 승리”를 준비하는 데 기여합니다. 일반적인 스타일은 풍부한 자연 스러움을 지닌 인물의 풍요 로움을 특징으로하며 이전의 기념물에서는 결코 경험할 수 없었던 우아한 애니메이션을 만듭니다. 조각품들을 모델링하는 것은 매우 민감하며, 1 세대 르네상스 시대의 예술가들을 움직이는 합리적 연구와는 거리가 먼 환상적인 효과를 만들어냅니다. 지하실의 얕은 돋을 새김은 신화 전설과 기독교 열쇠에서 재사용되는 고대 신화의 가장 오래된 증거 중 하나를 포함합니다 : 짧은면 (부활과 도덕의 힘의 상징)에 대한 미끄러짐의 tauromachy, charioteer (영혼을 인도하고 열정을 지배하는 마음의 플라톤 적 상징), 서로 마주하는 유니콘 (순결의 상징), 그리고 leonine head에 앉은 유전자 (힘). 중심에있는 화환 위에는 두개골이 백합과 손바닥으로 둘러싸여 있으며, 순결과 영혼의 불멸의 상징입니다. 상징적 인 복합체는 젊은 고위 성직자의 도덕적 미덕을 열정과 금욕주의에 대한 승리로 암시합니다. 백합과 손바닥으로 둘러싸인 두개골, 순결과 영혼의 불멸의 상징입니다. 상징적 인 복합체는 젊은 고위 성직자의 도덕적 미덕을 열정과 금욕주의에 대한 승리로 암시합니다. 백합과 손바닥으로 둘러싸인 두개골, 순결과 영혼의 불멸의 상징입니다. 상징적 인 복합체는 젊은 고위 성직자의 도덕적 미덕을 열정과 금욕주의에 대한 승리로 암시합니다.
주인공들
프라 안젤리코
Beato Angelico는 Masaccio의 첫 추종자 중 한 명이었으며 성숙 단계에서 그는 Florentine art에서 중요한 역할을 담당했습니다. 도미니카 토미스트 (Dominican Thomist) 전통에서 파생 된 그의 문화는 르네상스 정복 (특히 원근법과 사실주의의 사용)을 예술의 가르침 기능과 같은 중세 세계의 가치와 융합 시키려고했다. 14 세기의 4 번째 십년 동안 그 작품은 광원의 합리적 사용과 함께 도메니코 베네치아노 (Domenico Veneziano)의 영향을받은 “빛의 그림 (painting of light)”에 중점을 두어 장면의 모든 요소를 정리하고 통일했습니다. 예들 중에는 루브르 박물관의 버진 대관식과 그의 프리델라의 제단 (altarpiece)이 있는데, 여기서 리듬과 전형적으로 고딕 대칭은 빛나는 색을 지닌 기교적인 공간 구성에 의해 실현되며, 볼륨을 제공하고 감도가있는 자료를 조사하는 밝은 영역과 어두운 부분이 더 풍부합니다. 빛나는 현상의 항복에 대한 관심은 성숙한 단계에서 안젤리카가 불명료하고 일반적인 조명을 포기하고 빛과 그림자의보다 세심하고 합리적인 렌더링을 위해 각 표면이 그 “광택”에 의해 확인되는 곳에 가져왔다. .
20 세기 중반의 피렌체 예술계의 근본적 중요성은 1436 년에서 15 세기의 50 년대 사이에 일어난 Cosimo de ‘Medici가 자금을 지원 한 산 마르코 수녀원의 건설과 장식이었습니다. 안젤리코와 그의 스태프는 승려들에게 명상과 기도문을 제시해야했던 프레스코 사이클의 주역이었다. 승려의 셀을 향한 장면은 종종 각 에피소드 앞에서 취할 행동에 대한 태도를 가진 도미 니칸 성도 몇 명을 보여줍니다 : 명상, 연민, 겸손, 흉터 등 공통점을 위해 실행 된 프레스코 이른바 Madonna delle Ombre라는 수녀원의 지역은 독창성 (장식의 첫 번째 또는 마지막 해에 달함)이 두드러지며, 1 층의 좁은 복도에 그려져 있는데, 그곳은 왼쪽 아래의 작은 창문에서 빛이 나온다. 또한 회화에서 천사는이 같은 조명 원을 사용하려고했는데, 그려진 대문자의 그늘이 석고 위에 놓여있는 반면, 오른쪽의 성도들은 눈에 창문이 반사되어있었습니다.
도메니코 베네치아노
도메니코 베네치아노 (Domenico Veneziano)는 북유럽 회화의 일부 기능을 동화시킨 최초의 피렌체 예술가 중 한 명이었으며 특히 그 당시 지배적 인 품종 인 Varietas의 풍미에 반응 한 기교를 위해 특정 유행과 관심을 얻은 플랑드르를 흡수했습니다.
예술가의 교육은 불확실하다 (베니스,하지만 더 가능성이 플로렌스 자체),하지만 그는 이탈리아에서 사용할 수있는 모든 제안을 인수했다. 피에로 드 메디치 (Piero de ‘Medici)가 위촉 한 첫 번째 시험은 Magi (1438-1441)의 숭배의 원형이었으며, 후기 Gothic 브랜드의 우아함과 호화 로움이 공간과 볼륨의 구체적인 감각을 더했습니다. 전경에서 백그라운드에서 야외 프리입니다. 작품은 클라이언트를 기쁘게해야했다. 실제로 Domenico가 Sant’Egidio의 교회 장식에 입대 한 후, Andrea del Castagno, Alesso Baldovinetti 및 젊은 Piero della가 참가한 벽화의 잃어버린 사이클에 참여했다. Domenico의 luministic 연구에 의해 결정적으로 영향을받은 Francesca. 이 세월에, 사실,
그의 연구의 걸작품은 Pala di Santa Lucia dei Magnoli (1445-1447)로, 선형 중심의 관점에 대한 완전한 친숙 함을 보여 주었고, 그 경우 세 개의 소실점으로 설정되었습니다. 그러나 그림의 지배적 인 요소는 성격과 건축물의 볼륨을 정의하는 위에서 빛을 발하는 빛의 희극이며, 선형 제안을 최소화합니다. 예를 들어 세인트 루시아의 윤곽은 등고선이 아닌 눈에 띄지 않지만 감사합니다 녹색 배경에 그 빛의 대비에.
필리포 리피
필리포 리피 (Filippo Lippi)는 플랑드르를 비롯한 많은 영향을받은 또 다른 화가였다. 파도바에 머물면서 그는 1437 년 피렌체로 돌아 왔고 그해 그는 Tarquinia의 Madonna를 처형했다. 거기서 Masacean 플라스틱 구호, 엿볼 수있는 맛, Donatello의 실제 삶에서 가져온 제스처와 무엇보다도 설정 및 빛의 재생에 대한 새로운 관심. 왕위의 기초에 매달려있는 카드와 같은 일부 내용은 분명히 플랑드르입니다.
점차적으로, Fra ‘Filippo의 예술은 Pala Barbadori (1438) 에서처럼 윤곽선의 리드미컬 한 진행에 의해 장면의 단일성이 주어지는 것처럼 선을 향한 우세한 맛으로 변했습니다. 빛은 Masaccio에서와 같이 주조에 의해 만들어진 피규어를 소멸시키지 않지만 그림에서 시작하여 피규어를 감싸는 것처럼 보입니다.
Lippi의 커리어에서 결정적이었던 핵심은 Prato의 Duomo (1452-1464)에서 St Stephen과 St. Baptist Stories의 프레스코 화입니다. 이 장면에서 인간의 모습과 역동 성은 여러 가지 소실점으로 건축물의 깊은 흘긋으로 표현을 지배하며 이는 동작 감각을 강조합니다. 말한 행동은 흐르고 있으며 인물의 인간적 진실을 회복하도록 조심 스럽습니다.
필리포 리피 (Filippo Lippi)는 후속 피렌체 예술가들에게 중대한 영향을 미쳤는데, 무엇보다도 포스의 정교함에 중점을 두었다. 이 지배적 인 흐름에 대해, 소수파에서는 Domenico Veneziano가 이끄는 맑은 색과 순수한 볼륨 사이의 조화를 추구 한 것이 었는데, Umbrian-Marche 지역에서 특히 성공적이었다.
안드레아 델 카스타 뇨
안드레아 델 카스 터 냐 (Andrea del Castagno)는 엄밀한 그림을 개발했다. 그때까지는 마스타 치오 (Masaccio)와 도나 텔로 (Donatello)가 플라스틱 지아 스코로 (plastic chiaroscuro)와 같이 약간 뒤떨어져 있었고, 더 대조적 인 색의 사용과 지각과 태도의 리얼리즘으로 더 극적인 인상을 주었다. 때때로 과장된. 표현주의 결과에 도달한다.
그의 예술적 경력의 주요 작업은 피렌체의 성 아폴로니아 (Cenacle of St. Apollonia)입니다. 피렌체의 견고한 원근법을 바탕으로 그는 최후의 만찬을 그렸습니다. 인물들은 깔끔한 윤곽에서 고립되어 있습니다. 주기의 윗부분에는 대신 증착, 십자가의 죽음과 부활이 포함되어 있는데, 매우 파괴되었지만, 감정적 인 참여의 에피소드가있다. 예술가의 바사리 (Vasari)가 현재의 이미지를 반증하고, 색이 나쁘다. “다소 잔인하고 가혹한”작품.
삼위 일체와 성도들과 같은 후기 작품에서도 그는 십자가를 웅얼 거리며 표현의 가치를 강조하고 인물의 사실주의를 격동시켰다. 피렌체에서 거의 구현되지 않은 그의 강의는 페라라 학교의 발전을위한 기초였습니다.
알베르티 건축가
중요한 것은 레온 바티스타 알베르티 (Leon Battista Alberti)의 존재였다. 레온 바티스타 알베르티 (Leon Battista Alberti)는 중앙 수십 년 동안 부자 상인 조반니 루셀 라이 (Giovanni Rucellai)의 건축가로서 주로 일했으며, 그곳에서 우정과 지적 친목의 유대감을 가졌다.
알베르티 (Alberti)는 순수한 지적인 활동으로 건축에 대한 개념을 갖고 있었는데, 이는 건축 현장에서 끊임없이 존재할 필요없이 프로젝트를 만들 때 고갈되었다. 그를 위해 윤리와 미학을 포함하는 명상에서 문학, 철학 및 예술적 경험의 복잡한 수하물을 잘 활용 한 것은 “실용적인 철학”이었습니다.
1447 년부터 그는 1456 년 산타 마리아 노벨 라 (Santa Maria Novella)의 정면 인 Rucellai 궁전 (Palazzo Rucellai)을 세우고 마침내 홀리 세 퍼처 (Holy Sepulcher)의 성전을 지었다. 이들은 항상 부분 개입이었는데, Alberti는 그 자체로 “정수리 장식”이라고 여겼습니다. Palazzo Rucellai에서 그는 몇 개의 선재 건물을 통합하여 주로 창을 삽입하는 수평 및 수직 요소의 격자로 구성된 정면을 주력으로 삼았습니다. 클래식 요소 (포털, 프레임, 주문이 수도에 겹쳐짐)는 bugnato 및 mullioned windows와 같은 중세 전통 요소를 융합했습니다. 가볍고 부드러운 부분 (pilasters)과 어두운 부분 (개구부, 녹슬지 않는 홈) 사이의 빛의 진동으로 인해 전반적인 효과가 다양하고 우아합니다.
산타 마리아 노벨 라 (Santa Maria Novella)에서 외관은 1365 년부터 미완성 상태로 남아 있었고 작은 아치의 첫 번째 층에 도달했으며 일부 요소는 이미 장미 창으로 정의되었습니다. 알베르티 (Alberti)는 옛 파트를 새로운 파트와 통합하려고 시도했다. 투톤 대리석 상감 세공 장식을 유지하고 하단 아치를 남기고 센터에 포탈 (판테온에서 파생 됨) 만 삽입했다. 측면. 상부 영역은 사각형 인레이 밴드가있는 프레임에 의해 하부 영역으로부터 분리되고, 유사한 연결 기능은 2 개의 측면 스크롤을 갖는다. 이 세트는 모듈러 구성의 원리 (사각형과 그 배수 및 준법의 사용에 기초 함), 일부 비대칭 (용적 또는 물질적 인 수행자로 인한)으로 완화되며,
또한 Giovanni Rucellai의 장례식 기념물 인 성묘 (Temple of Holy Sepulcher)에서 알베르티 (Alberti)는 피렌체 로마네스크 전통의 대리석 상감 세공을 사용하여 황금 비율에 따라 차원이 엄격하게 고전적인 구조를 만들었습니다.
Brunelleschi와 Alberti의 근본적인 차이점은 무엇보다도 기하학적 평면에있다. 전자는 항상 3 차원 공간을 변조하고, 두 번째는 기하학적으로 2 차원 표면을 구성한다. 공통점은 대신 특정 지역에서 근원적이지만 근원적 인 것을 얻기 위해 개별 건물의 역사를 그리며 기존 요소를 합리화하여 지역 전통을 강화하는 것입니다.
도나 텔로의 귀환
한편 Donatello가 1453 년 Padua에서 10 년 동안 머물면서 돌아 왔을 때 최초의 휴머니즘과 새로운 세대의 예술가 사이의 격차는 더욱 확연 해졌습니다. 그의 가슴 아픈 막달레나 참회 ( 1453-1455)는 Desiderio da Settignano의 coeval 하나와 훨씬 더 다를 수 없다.
도나 텔로는 자신의 도시에서 너무 고립되어 코지모 데 메디치 (Corimo de ‘Medici)의 직접적인 개입 덕분에 마지막위원회 (산 로렌조 (San Lorenzo)의 두 강단)를 받았다. 그는 자신의 오랜 세월의 추종자였다. ‘열정의 설교단 (Pulpit of the Passion)'(1460-1466) 장면에서는 예레미야 애호가와 같은 표현주의의 깃발 아래 원근법, 질서 및 조화의 규칙을 거부하는 모습을 보여줍니다. 눈은 발목 만 보이는 십자가의 강도와 같이 전체 구절을 무시한 채 구절을 움직이면서 극한의 인물의 주인공을 구별하는 데 어려움을 겪습니다. 극적으로 불확실한 공간이 증폭되고 극적인 효과를냅니다 장면의 궤도.
예술가와 워크샵
플로렌스에서 특별한 연속성을 지닌 15 세기는 이전 세기에 이미 시작된 과정에 따라 “예술가”의 인물 발전에 중요한 진전을 보았습니다. 장인들은 위탁받은 물건을 생산하는 육체 노동자 ( “장인”)의 모습에서 벗어나 자신의 작품에 대한 지적이고 창조적 인 개념을 선호하여 “자유주의”의 일부가되기를 갈망했다. 기본적인 역할은 레온 바티스타 알베르티 (Leon Battista Alberti)의 이론적 저작에 의해 수행되었다. 레티 바티스타 알베르티 (Leon Battista Alberti)는 이미 예술에서의 번역에서 아이디어 번역에 이르기까지 직접 작업의 모든 단계를 마스터 한 교육되고 문해력이 있고 숙련 된 예술가의 모습을 묘사했다. 모든 세부 사항을 돌봐. 그러나 알베르티가 묘사 한 그림은 이상적인 목표를 제시했으며,
예술적 생산의 기본 세포는 실제로 생산, 상업 및 훈련의 장소였던 작업장이었습니다. 주인의 코스는 워크샵에서 시작되어 아주 어린 시절 (13, 14, 15 세)에 들어갔고 실무 방식으로 거래에 대한 자신감을 얻었습니다. 사이드 작업 (예 : 도구)을 만들고 점차적으로 유물의 생성과 생산에 더 큰 책임과 중요성을 부여합니다. 상수는 특화 할 우세한 예술적 규율에 관계없이 드로잉의 관행이었다. 이론적 인 준비는 수학과 기하학에 대한 몇 가지 기본 개념으로 제한되었으며 대부분 개인의 선의로 남겨졌습니다. 관점과 같은 복잡한 절차는 경험적으로 배웠으며,
상점은 두 가지 기본 유형의 생산을 처리했습니다.
커미션 계약서에 요청 된 저작물 중 더 까다로운 것은 개체의 특성, 자료, 실행 시간 및 지불 방법이 설정된 곳입니다. 자유는 보통 구성과 스타일의 문제에 맡겨졌습니다.
현재 제작물과 연결되어있는 두 번째 유형 인 판매용 (결혼 샵, 출산 용 책상, 봉헌용 그림, 가구)은 특정 수수료없이 직접 제작되었습니다 (대부분의 경우). 치장 용 벽토로 만든 마돈나, 날것 또는 유리로 만든 테라코타와 같은 주형과 주조물을 사용하는 연재물 제작은 부족하지 않았습니다.
두 번째 범주의 제품에서는 종종 가장 단순하고 위압적 인 제품 범주에서 가장 중요하고 독창적 인 작품의 혁신이있었습니다. 가장 독창적 인 혁신적인 솔루션조차도 일정 기간이 지난 후에 동화와 확산의 과정을 거쳐 레퍼토리 공통. 산타 마리아 델 피오레 (Santa Maria del Fiore)의 등불을 재현 한 금세 공예품의 모티프로 사용 된 것과 같이 매우 다른 예술 분야의 디캔팅과 재 방문도 빈번하고 자극적이었습니다 (예 : Croce del Tesoro di San Giovanni Museo dell’Opera del Duomo Firenze, 그리고 수많은 다른 유물, candelabras 및 monstrances).