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聖なる芸術

宗教的な芸術や神聖な芸術は、宗教的なインスピレーションやモチーフを使った芸術的なイメージであり、しばしば心を精神的に高めるためのものです。神聖な芸術は、儀式と儀式の実践と、芸術家の宗教的伝統の中での霊的な実現の道筋の実践的で実践的な側面を含む。

神聖な芸術とは、神秘的な表現を目的とした芸術的な作品や習慣(絵画、音楽、舞踊など)です。宗教的な建物は、定義上、神聖な芸術です。世界の神聖な芸術の一部である他の例:ステンドグラスと大聖堂のロゼット、キリスト教のアイコン、円形に建てられた幾何学的形状による仏教のマンダラ、モスクのコラール書道…

神聖な芸術は神聖な神の崇拝を目指しているすべての芸術的な作品に使われている宗派です。信仰を認識する何世紀にもわたって、神聖な芸術は、絵画、彫刻、モザイクを通して、それぞれの通路と神の側面を決定しようとしています。例えば、キリスト教における最も頻繁な表明は、バプテスマ、判断、死刑、死と復活を示し、聖母マリアや聖書のイメージを示します。

世界の歴史を通じて、宗教芸術と聖なる芸術を区別することは困難でした。宗教美術は、神に対する愛と信仰が示されている芸術作品を私たちに示しています。しかし、神聖な芸術では、宗教と同じように考えることができますが、神の崇拝としても機能します。

対照的に、言葉profaneは神聖なものに属さない芸術を分類します。

クリスチャン美術:
キリスト教の神聖な芸術は、他の定義も可能ですが、キリスト教の原則を具体的な形で具体的に描写し、補足し、描写しようと試みるために制作されています。世界のさまざまな信念とその外観を描写することです。いくつかの形式の宗教像に強い反論をしているが、キリスト教の中に大きな崩壊期間があります。ほとんどのキリスト教の芸術は無意味です、または意図された観察者によく知られているテーマの周りに建てられます。最も一般的なキリスト教のテーマの一つは、幼児イエスを持つ聖母マリアのテーマです。もう一つは、十字架上のキリストのことです。非識字者のために、情景を決定的に識別するために開発された精巧な図像システム。たとえば、聖アグネスは子羊、聖ペテロの鍵、聖パトリックはシャムロックで描かれています。各聖人は神聖な芸術の属性と記号を保持しているか、それと関連付けられています。

初期のキリスト教の芸術はキリスト教の起源の近くの日から生き残る。生存している最古のキリスト教の絵画はメギドのサイトから来たもので、70年頃のもので、最古のキリスト教の彫刻はサルコファギから来ており、2世紀の初めまでです。コンスタンティン・クリスチャン・アートによるキリスト教の採用がそのスタイルと多くの絵画をポピュラーなローマの芸術から派生させるまで、しかしこの時点から、皇室後援のもとに建てられた壮大なキリスト教の建物は、ローマ・エリートと公的芸術のキリスト教のバージョンを必要としました。ローマの教会は最も顕著な生き残りの例です。

ビザンチン帝国(ビザンチン美術を参照)におけるキリスト教の芸術の発展の間、より抽象的な美学は、以前にヘレニズムの芸術で確立された自然主義を置き換えた。この新しいスタイルは、物語や人々を正確に表現するのではなく、宗教的意味を伝えることを第一の目的としていた、堂々たるものでした。現実的な視点、割合、光と色は、形態の幾何学的簡素化、逆視点、個人や出来事を描写するための標準化された慣習に賛成して無視されました。偶然のイメージの使用、第二戒の解釈、ビザンチン・インコターナスの危機に関する論争は、東方正教における宗教像の標準化につながった。

ルネサンスは、記念碑的な世俗的作品の増加を見たが、プロテスタント改革のキリスト教の芸術が、教会と聖職者と平等のために大量に生産され続けた。この間、ミケランジェロ・ブオナローティはシスティーナ礼拝堂を塗り、有名なピエタ彫刻を、ジャンロレンツォ・ベルニーニはサンピエトロ大聖堂に大柱を、レオナルド・ダヴィンチは最後の晩餐を描いた。宗教改革は、キリスト教の芸術に大きな影響を与え、プロテスタント諸国における公共のクリスチャンの芸術の生産を急速に停止させ、すでに存在していた芸術の大部分を破壊した。

世俗的で非宗派的で普遍的な芸術観が19世紀の西欧で起きたので、世俗的な芸術家は時々クリスチャンのテーマを扱った(Bouguereau、Manet)。まれに、キリスト教の芸術家(ルオーやスタンリー・スペンサーのような)に歴史的なキヤノンが含まれていました。しかし、Eric Gill、Marc Chagall、Henri Matisse、Jacob Epstein、Elizabeth Frink、Graham Sutherlandのような多くの現代的な芸術家は、教会のための有名な芸術作品を制作してきました。フリッツ・フォン・ウードもキリスト教の社会的解釈を通して

印刷の出現以来、敬虔な作品の複製物の販売は、一般的なキリスト教文化の主要な要素でした。 19世紀には、MihályMunkácsyのようなジャンル画家が参加しました。カラーリソグラフィの発明は、聖なるカードの広範な流通をもたらしました。現代では、Thomas BlackshearやThomas Kinkadeのような近代的な商業キリスト教のアーティストを専門とする企業は、キッチンという美術界で広く認められていますが、非常に成功しています。

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20世紀の最後の部分と21世紀の最初の部分は、キリストの信仰を主張し、信仰、キリスト、神、教会、聖書、その他の古典を中心に芸術を再構築するアーティストたち世俗的な美術界が尊重する価値のあるクリスチャンのテーマ。藤村誠のようなアーティストは神聖な世俗芸術にも大きな影響を与えました。他の注目すべきアーティストには、ラリー・D・アレクサンダー、ゲイリー・P・ベルゲル、カルロス・カザレス、ブルース・ハーマン、デボラ・ソコローブ、ジョン・オーワン・スワンソンが含まれる。

仏教美術:
仏教美術は、紀元前6世紀から5世紀のシッタハルタ・ゴータマの歴史的な生活に続いてインドの亜大陸に生まれ、その後、アジアや世界に広がる他の文化との接触によって進化しました。

仏教の芸術は、各新しいホスト国で法律が広められ、適応され、進化するにつれて、信者に続いた。中央アジアから東アジアにかけて発展し、北部の仏教芸術の枝を形成し、東には東南アジアの仏教美術の枝を形成しました。インドでは、仏教の芸術が発展し、ヒンドゥー教と並んでイスラム教の盛んな拡大のために、10世紀頃にインドで仏教がほとんどなくなるまで、ヒンズー教の芸術の発展にも影響を与えました。

ほとんどのチベットの仏教の芸術はVajrayanaまたは仏教のtantraの実践に関連している。チベットの芸術には、多くの場合、仏と菩薩の描写を含む、タンカとマンダラが含まれています。仏教芸術の創造は、通常、瞑想として、そして瞑想の助けとして目的を作り出すことで行われます。その一例は、修道僧による砂の曼荼羅の創造です。建築の祈りの前後に記されています。曼荼羅の形は、心を鍛えるために瞑想されている仏の純粋な環境(宮殿)を表しています。この作品は、もしかすると、芸術家によって署名されたことはめったにありません。その他のチベット仏教芸術には、vajraやphurbaのような金属の儀式物が含まれています。

2つの場所は、他のどの建物よりも鮮やかに、5世紀頃の仏教の洞窟絵画の活力を示唆しています。 1つはアジャンタで、インドでは1817年に発見されるまでずっと忘れられていたサイトです。もう1つはシルクロードの偉大なオアシスの舞台である敦煌です…仏像の穏やかな信心深いイメージから賑やかで賑やかなシーン、インドの彫刻ではなく、絵画よりも熟知している、魅力的な胸を張った、魅力的な女性たちがしばしば登場します。主な芸術には、モ​​スクとマドンナ(マリアとおそらくは彼女の子供の芸術)

イスラム美術:
宗教芸術における表象的イメージを描写することに対する禁止やアラビア文字の自然に装飾された性質は、通常、秩序と自然の理想を表現する幾何学的模様を繰り返す書道飾りの使用につながった。それは宗教建築、カーペット、手書きの書類に使われました。イスラム美術は、このバランスの取れた、調和のとれた世界観を反映しています。それは物理的な形ではなく精神的な本質に焦点を当てています。

イスラム史を通じて潜在的なアイドル崇拝への嫌悪感はあるが、これははっきりと現代のスンニ派の見解である。ペルシアのミニチュアは、ムハンマドとイスラム教の天使の中世の描写とともに、近代的なスンニ派の伝統に反する顕著な例として立つ。また、シーア派のイスラム教徒は、描写が尊重されている限り、預言者を含めて、描写にはあまり嫌われていない。

生き物の表現に対するイスラムの抵抗は、最終的には、生きている形態の創造は神に特有であるという信念に由来しており、イメージとイメージメーカーの役割は論争の的になっている。フィギュア描写の主題に関する最も強い声明は、画家が創造物に「命を吹き込む」ことに挑戦され、審判の日に罰を受けると脅かされるHadith(預言者の伝統)で行われます。クルアーンはあまり具体的ではありませんが、偶像礼拝を非難し、アラビア語の言葉(「形式の作者」または「芸術家」)を神の称賛として使用します。部分的には、この宗教的な感情の結果として、絵画の人物はしばしば様式化され、場合によっては、比喩的な作品の破壊が生じた。 Iconoclasmは以前はビザンチン時代に知られていたもので、イニシエーションはユダヤ世界の特徴であり、より大きな文脈の中で比喩表現にイスラムの異議を唱える。しかし、装飾としては、数字はそれほど大きな意味をもたず、おそらくそれほど難しいものではなかったでしょう。イスラムの装飾の他の形態と同様に、芸術家は基本的な人間や動物の形態を自由に適応させ、様式化し、様々な形状に基づくデザインを生み出しました。

書道はイスラム美術の最も高く評価され、最も基本的な要素です。預言者ムハンマドに対する神の啓典の書であるクルアーンはアラビア語で伝えられており、アラビア語の脚本には様々な装飾形態が潜在する可能性があることは重要です。書道の装飾としての雇用は明確な審美的な魅力を持っていたが、しばしば基礎的な魔法の要素も含んでいた。ほとんどの作品には目立つ碑文がありましたが、すべてのイスラム教徒がそれを読むことはできませんでした。しかし、書道は主に装飾的な形ではあるがテキストを伝える手段であることを常に心に留めておくべきである。アラビア語のアルファベットは、5世紀から6世紀にかけてのシンプルで初期の例から、7世紀にイスラム教が誕生して以来、美しい芸術に急速に発展しました。書道スタイルの主な2つのファミリは、一般的にクフィックと呼ばれる乾燥スタイルと、Naskhi、Thuluth、Nastaliqなど多くの他のソフト筆記体スタイルでした。

幾何学模様は、カリグラフィーや植物のパターンを含むイスラム美術の3種類の装飾のうちの1つを構成しています。孤立していても、非立体的な装飾や立体的な表現と組み合わせて使用​​されていても、幾何学的パターンは主にイニシャルの質のためにイスラム美術に関連しています。これらの抽象的なデザインは、記念碑的なイスラム建築の表面を飾るだけでなく、あらゆる種類のオブジェクトの膨大な配列上の主要な装飾要素としても機能します。

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