La 59. Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia, intitolata “Il latte dei sogni”, a cura di Cecilia Alemani, è stata aperta al pubblico da sabato 23 aprile a domenica 27 novembre 2022. La mostra si svolge nel Padiglione Centrale (Giardini) e all’Arsenale, tra cui 213 artisti provenienti da 58 paesi; 180 di questi partecipano per la prima volta all’Esposizione Internazionale. 1433 le opere e gli oggetti in mostra, 80 nuovi progetti sono pensati ad hoc per la Biennale Arte.

La Mostra comprenderà anche 80 Partecipazioni Nazionali negli storici Padiglioni ai Giardini, all’Arsenale e nel centro di Venezia. 5 paesi parteciperanno per la prima volta alla Biennale Arte: Repubblica del Camerun, Namibia, Nepal, Sultanato dell’Oman e Uganda. Repubblica del Kazakistan, Repubblica del Kirghizistan e Repubblica dell’Uzbekistan partecipano per la prima volta con il proprio Padiglione.

La mostra “The Milk of Dreams” porta le creature ultraterrene di Leonora Carrington, insieme ad altre figure di trasformazione, come compagni di un viaggio immaginario attraverso le metamorfosi dei corpi e le definizioni dell’umano. The Milk of Dreams prende il titolo da un libro di Leonora Carrington (1917–2011) in cui l’artista surrealista descrive un mondo magico in cui la vita è costantemente rivisitata attraverso il prisma dell’immaginazione. È un mondo in cui tutti possono cambiare, trasformarsi, diventare qualcosa o qualcun altro; un mondo libero, ricco di possibilità.

Ma è anche l’allegoria di un secolo che ha imposto una pressione intollerabile sulla definizione stessa di sé, costringendo Carrington a una vita di esilio: rinchiuso nei manicomi, eterno oggetto di fascino e desiderio, ma anche figura di potere sorprendente e mistero, sempre in fuga dalle costrizioni di un’identità fissa e coerente. Questa mostra si basa su molte conversazioni con artisti tenute negli ultimi anni. Le domande che continuavano a emergere da questi dialoghi sembrano cogliere questo momento storico in cui è minacciata la sopravvivenza stessa della specie, ma anche riassumere molte altre domande che pervadono le scienze, le arti e i miti del nostro tempo.

Come sta cambiando la definizione di umano? Cosa costituisce la vita e cosa differenzia la pianta e l’animale, l’uomo e il non umano? Quali sono le nostre responsabilità nei confronti del pianeta, delle altre persone e di altre forme di vita? E come sarebbe la vita senza di noi? Sono alcune delle domande guida di questa edizione della Biennale Arte, che si concentra in particolare su tre aree tematiche: la rappresentazione dei corpi e le loro metamorfosi; il rapporto tra individui e tecnologie; il collegamento tra i corpi e la Terra.

Molti artisti contemporanei immaginano una condizione postumana che sfida la moderna visione occidentale dell’essere umano – e soprattutto il presunto ideale universale dell'”Uomo della Ragione” bianco e maschile – come centro fisso dell’universo e misura di tutte le cose. Al suo posto, gli artisti propongono nuove alleanze tra specie e mondi abitati da esseri porosi, ibridi, molteplici che non sono dissimili dalle straordinarie creature di Carrington. Sotto la pressione sempre più invasiva della tecnologia, i confini tra corpi e oggetti sono stati completamente trasformati, determinando profonde mutazioni che rimappano soggettività, gerarchie e anatomie.

Oggi, il mondo sembra drammaticamente diviso tra l’ottimismo tecnologico – che promette che il corpo umano può essere perfezionato all’infinito attraverso la scienza – e il terrore di una completa acquisizione da parte delle macchine tramite l’automazione e l’intelligenza artificiale. Questa spaccatura si è allargata durante la pandemia di Covid-19, che ci ha costretti a separarci ancora di più e ingabbiare gran parte dell’interazione umana dietro gli schermi dei dispositivi elettronici.

La pressione della tecnologia, l’intensificarsi delle tensioni sociali, lo scoppio della pandemia e l’incombente minaccia di un disastro ambientale ci ricordano ogni giorno che come corpi mortali non siamo né invincibili né autosufficienti, ma piuttosto parte di una rete simbiotica di interdipendenze che ci legano gli uni agli altri, alle altre specie e al pianeta nel suo insieme.

In questo clima, molti artisti immaginano la fine dell’antropocentrismo, celebrando una nuova comunione con il non umano, con il mondo animale e con la Terra; coltivano un senso di parentela tra le specie e tra l’organico e l’inorganico, l’animato e l’inanimato. Altri reagiscono alla dissoluzione di sistemi presunti universali, riscoprendo forme di conoscenza localizzate e nuove politiche identitarie. Altri ancora praticano quello che la teorica e attivista femminista Silvia Federici chiama il “re-incanto del mondo”, mescolando tradizioni indigene con mitologie personali più o meno allo stesso modo di Leonora Carrington.

Il Latte dei Sogni è stato concepito e organizzato in un periodo di enorme instabilità e incertezza, poiché il suo sviluppo ha coinciso con lo scoppio e la diffusione della pandemia di Covid-19. La Biennale di Venezia è stata costretta a posticipare di un anno questa edizione, evento che si verificava solo durante le due guerre mondiali dal 1895. Quindi il fatto stesso che questa mostra possa aprire è alquanto straordinario: la sua inaugurazione non è esattamente il simbolo di una ritorno alla vita normale, ma piuttosto il risultato di uno sforzo collettivo che sembra quasi miracoloso. Per la prima volta, tranne forse nel dopoguerra, il Direttore Artistico non ha potuto visionare in prima persona molte delle opere, né incontrare di persona la maggior parte degli artisti partecipanti.

Durante questi interminabili mesi davanti allo schermo, il curatore si è interrogato sul ruolo che dovrebbe svolgere l’Esposizione Internazionale d’Arte in questo frangente storico, e la risposta più semplice e sincera che il curatore potrebbe trovare è che la Biennale riassume tutte le cose ci è mancato così tanto negli ultimi due anni: la libertà di incontrare persone da tutto il mondo, la possibilità di viaggiare, la gioia di passare del tempo insieme, la pratica della differenza, la traduzione, l’incomprensione e la comunione.

The Milk of Dreams non è una mostra sulla pandemia, ma inevitabilmente registra gli sconvolgimenti della nostra epoca. In tempi come questo, come mostra chiaramente la storia della Biennale di Venezia, l’arte e gli artisti possono aiutarci a immaginare nuove modalità di convivenza e infinite nuove possibilità di trasformazione.

Partecipazioni Nazionali
La Biennale di Venezia è una mostra biennale d’arte internazionale che si tiene a Venezia, in Italia. Definite spesso “le Olimpiadi del mondo dell’arte”, la partecipazione alla Biennale è un evento prestigioso per gli artisti contemporanei. Il festival è diventato una costellazione di spettacoli: una mostra centrale curata dal direttore artistico di quell’anno, padiglioni nazionali ospitati dalle singole nazioni e mostre indipendenti in tutta Venezia. L’organizzazione madre della Biennale ospita anche festival regolari in altre arti: architettura, danza, cinema, musica e teatro.

Al di fuori dell’esposizione internazionale centrale, le singole nazioni producono i propri spettacoli, noti come padiglioni, come rappresentazione nazionale. Le nazioni proprietarie degli edifici dei loro padiglioni, come i 30 ospitati ai Giardini, sono responsabili anche dei propri costi di manutenzione e costruzione. Nazioni senza edifici dedicati creano padiglioni nell’Arsenale di Venezia e palazzi in tutta la città.

Giardini è la sede tradizionale delle Mostre d’Arte della Biennale sin dalla prima edizione nel 1895. I Giardini ospitano oggi 29 padiglioni di paesi esteri, alcuni dei quali progettati da famosi architetti come il Padiglione Austria di Josef Hoffmann, il Padiglione Olandese di Gerrit Thomas Rietveld o il Padiglione Finlandese , un prefabbricato a pianta trapezoidale disegnato da Alvar Aalto.

L’Arsenale era il più grande centro produttivo di Venezia durante l’era preindustriale, simbolo del potere economico, politico e militare della città. Dal 1980 l’Arsenale è diventato sede espositiva della Biennale in occasione della 1° Mostra Internazionale di Architettura. In seguito gli stessi spazi sono stati utilizzati durante le Mostre d’Arte per la sezione Open.

Con il progressivo ampliamento della scala, l’ambito della Biennale di Venezia si è ampliato fino a coprire l’intera città. Oltre alle principali sedi espositive, comprende anche numerosi padiglioni sparsi per le strade dei paesi e anche nelle isole periferiche.

Eventi collaterali
Gli Eventi Collaterali, ammessi dal Curatore e promossi da enti e istituzioni nazionali e internazionali senza scopo di lucro, si svolgeranno in diverse località della città di Venezia. Offrono un’ampia gamma di contributi e partecipazioni che arricchiscono la diversità di voci che caratterizza la Mostra.

Elisa Giardina Papa, tra gli artisti partecipanti all’Esposizione Internazionale (in concorso), è stata invitata da Cecilia Alemani a realizzare un’opera speciale a Forte Marghera, nel palazzo chiamato Polveriera austriaca. L’artista Sophia Al-Maria è stata selezionata per presentare un’opera nel Padiglione delle Arti Applicate alle Sale d’Armi, Arsenale. Questa è la sesta edizione della collaborazione tra La Biennale di Venezia e il Victoria and Albert Museum (V&A) di Londra.

I progetti selezionati per la 1a edizione di Biennale College Arte 2021/2022 sono di Simnikiwe Buhlungu, Ambra Castagnetti, Andro Eradze e Kudzanai-Violet Hwami. I 4 artisti riceveranno un contributo di 25.000 euro per la realizzazione dell’opera finale. Le opere saranno presentate, fuori concorso, nell’ambito della 59. Esposizione Internazionale d’Arte, The Milk of Dreams.

Per l’undicesimo anno consecutivo, La Biennale dedica il progetto Biennale Sessions alle istituzioni che sviluppano programmi di ricerca e formazione in architettura, arti e settori affini, e alle Università e Accademie di Belle Arti. L’obiettivo è facilitare visite di tre giorni auto-organizzate per gruppi di almeno 50 studenti e docenti, con la possibilità di tenere seminari nelle sedi espositive offerte gratuitamente e assistenza nel coordinamento trasferta e alloggio.

Alberta Whittle: immersione profonda (pausa) srotolando la memoria
Deep dive (pause) uncoiling memory è un’installazione del nuovo lavoro della pluripremiata artista Alberta Whittle. Spanning due stanze in un ex cantiere navale, il lavoro di Alberta è un ambiente che contiene opere di arazzi, film e sculture collegate attraverso un vocabolario condiviso di motivi e idee. Attraverso il suo ricco simbolismo, Alberta ci incoraggia a rallentare in modo da poter considerare collettivamente le eredità storiche e le espressioni contemporanee di razzismo, colonialismo e migrazione e iniziare a pensare al di fuori di queste strutture dannose.

Angela Su: Arise, Hong Kong a Venezia
In Arise, Angela Su trasmette una narrativa speculativa attraverso prospettive fittizie intrecciate. L’atto della levitazione funge da metafora organizzativa che riappare nei disegni, nelle immagini in movimento, nei ricami e nelle installazioni di Su. L’artista assume le sembianze di un alter ego immaginario per esplorare la miriade di valenze culturali e politiche del sorgere nell’aria. Il fulcro della mostra è un nuovo lavoro video, The Magnificent Levitation Act of Lauren O. Questo pseudo-documentario racconta la storia di Lauren O, un personaggio immaginario che crede di poter levitare, e il suo coinvolgimento con Laden Raven, un gruppo di attivisti catalizzato dal movimento pacifista statunitense degli anni ’60.

Angeli in ascolto
Sette angeli di grandi dimensioni, fusi in bronzo con le bocche “nastrate” chiuse, circondano un confessionale dorato nell’installazione immersiva Angels Listening di Rachel Lee Hovnanian. Questa mostra interattiva invita gli spettatori ad abbandonare i loro pensieri più intimi, repressi per paura del giudizio o per pura incapacità, su pezzi di nastro. Una volta scartata sul posto, la voce dello spettatore si unisce a un coro di confessioni versate, dimostrando la liberazione associata alla catarsi e la santità degli ambienti meditativi nei momenti di isolamento condiviso. Rachel Lee Hovnanian è un’artista con sede a Miami la cui pratica multidisciplinare esplora le complessità del femminismo moderno e gli effetti psicologici della tecnologia.

Bosco Sodi a Palazzo Vendramin Grimani. Ciò che va, torna
Bosco Sodi, noto per l’utilizzo di materie prime naturali in sculture e dipinti di grandi dimensioni, è stato scelto dalla Fondazione dell’Albero d’Oro per una residenza d’artista a Palazzo Vendramin Grimani. L’essenziale semplicità della materia e gli intensi pigmenti, ricercati da Sodi in tutto il mondo, sono alla base del suo processo creativo, che l’artista ha descritto come un “caos controllato” che produce “qualcosa di completamente irripetibile”. Le opere saranno realizzate dall’artista nella sala androne o al piano terra del palazzo affacciato sul Canal Grande e costituiscono il fulcro della mostra curata da Daniela Ferretti e Dakin Hart.

Catalogna a Venezia_Llim
Llim (limo) aderisce ai canali e ai tubi di vetro, collegandoli, e assimila progressivamente gli strati che compongono Venezia. Che una città circondata dall’acqua sia diventata il centro vetrario del mondo occidentale è dovuto alla viscosità: la capacità del vetro e dell’acqua di mutare tra gli stati della materia facilita la collaborazione e la convivenza. L’acqua ha potere fertile perché diventa limo a contatto con la terra. Dal fango nero del Nilo deriva la parola araba khemia, alchimia, che ha trovato nel vetro una fonte di ispirazione. Llim non aspira all’ottenimento dell’oro né della quintessenza: muove le fondamenta di Venezia con la stessa calma che metabolizza e riporta i materiali alla loro origine.

Chun Kwang Young: i tempi reinventati
Times Reimagined è un laboratorio estetico di Chun Kwang Young, artista che da circa trent’anni lavora sul tema dell’interconnessione tra gli esseri viventi ei valori socioecologici delle loro relazioni. I suoi rilievi orientati all’hanji (carta di gelso coreano), le sculture, le installazioni e, come highlight, la struttura architettonica site-specific realizzata in dialogo con l’architetto Stefano Boeri sono tutti in scena durante la Mostra. La carta, che un tempo viveva come libri, è rinata come creature simboliche, reimmaginando le conoscenze, le informazioni ei valori che hanno giudicato e determinato i nostri tempi. Attraverso questi, il pubblico è incoraggiato a riconsiderare la pratica non ecologica esistente e cercare nuove uscite.

Claire Tabouret: Sono spaziosa, canto carne
Claire Tabouret: Io sono spaziosa, la carne che canta presenta una nuova lettura critica delle dimensioni chiave del lavoro dell’artista in una straordinaria mostra d’indagine curata da Kathryn Weir che esplora molteplici trasformazioni: del sé, dell’altro, delle identità collettive, della lotta, del rilascio e del rifugio. Un dialogo potente e inaspettato si crea anche con diversi oggetti devozionali tratti dal contesto italiano, invocando una soglia ambivalente nella pratica di Tabouret, un portale verso temporalità e soggettività multiple attraverso il quale considerare le relazioni alternative tra gli esseri umani, e tra gli esseri umani e il loro ambiente , in comunicazione con il soprannaturale di fronte alle crisi ecologiche e sociali.

Eugen Raportoru: Il rapimento dal serraglio
Una capsula del tempo poliedrica e caleidoscopica, una serie di installazioni di oggetti site specific che popolano lo spazio domestico dei Rom. La serie si basa sulla comprensione del significato delle narrazioni che tali oggetti incarnano, nonché sulla loro capacità di informare e riflettere la cultura Rom, le vite dei Rom e la distribuzione della conoscenza dei Rom. Viene ripercorsa la storia della crescente presenza dei tappeti orientali nelle famiglie dell’Europa orientale, invitando a meditare sulla specifica configurazione spazio-temporale delle nozioni di identità e storia, ma anche trauma, speranza, corpo e affetto. Una serie di interventi riflette ulteriormente sulla doppia posizione di minoranza delle donne Rom, creando una camera di risonanza che ci permette di ascoltare e imparare dalle loro voci.

EWA KURYLUK
La mostra di Ewa Kuryluk è un incontro con l’artista e l’intellettuale, nonché un viaggio sulle tracce di luoghi per lei importanti: Corinto, “Little Italy” nella Varsavia del dopoguerra, “Little Venice” a Londra e New York. La prosa e il saggismo eruditi e postmoderni dello storico dell’arte, tuttavia, lasciano il posto a una figlia, sorella e amante sensibile la cui storia fluttua in installazioni effimere e personali fatte di tempo, aria e tessuto. Ewa Kuryluk, artista polacca, è conosciuta in tutto il mondo grazie a oltre cinquanta mostre personali in Europa, Stati Uniti, Sud America, Canada e Giappone. È pioniera dell’installazione tessile effimera, pittrice, fotografa, storica dell’arte, scrittrice e poetessa. Il suo lavoro si trova in collezioni pubbliche e private in Europa e negli Stati Uniti.

Dalla Palestina con l’art
La mostra, promossa dal Palestine Museum US, mostra la ricchezza dell’arte contemporanea prodotta in Palestina e la diaspora. Contestualizzando il linguaggio del modernismo, gli artisti interpretano codici e simboli come artisti per mostrare la bellezza della terra e della gente della Palestina. L’ulivo, amato dalla gente, si trova al centro della mostra in cima a una mappa storica della Palestina, circondato da abiti e dipinti ricamati. From Palestine With Art crea una potente dichiarazione che abbina la determinazione dei palestinesi ad abbracciare la terra e il patrimonio.

Ha Chong Hyun
Ha Chong-Hyun è meglio conosciuto come artista Dansaekhwa, ma questa designazione si applica solo a un aspetto di una pratica variegata che è stata dedicata all’esplorazione dei materiali e delle loro proprietà per più di cinquant’anni. Dopo la guerra di Corea, Ha ha prodotto opere astratte e tridimensionali utilizzando oggetti trovati che riflettevano i traumi duraturi della guerra. Nel 1974 ha iniziato la sua acclamata serie Conjunction che impiega bae-ap-bub, il metodo innovativo dell’artista di spingere la pittura a olio attraverso la parte posteriore della trama della tela in avanti. Questo approccio incarna l’impegno di Ha a sfidare lo status quo e sviluppare un vocabolario artistico unico. Questa retrospettiva ha lo scopo di presentare l’intera ampiezza dei suoi materiali, metodi e sperimentazione creativa, nonché di evidenziare il suo ruolo pionieristico in ”

Heinz Mack – Vibrazione della luce
In un’ampia mostra personale il fondatore di ZERO e artista cinetico Heinz Mack, che ha rappresentato la Germania alla 35. Esposizione Internazionale d’Arte nel 1970, presenta uno spaccato impressionante del suo lavoro in uno dei luoghi più iconici di Venezia. Sotto forma di un’imponente installazione spaziale, i dipinti monumentali e le stele luminose di Mack si incontrano lì con i capolavori di Tiziano, Tintoretto e Veronese. Attraverso le steli che riflettono la luce, il suggestivo luogo con i suoi dipinti rinascimentali viene ripreso e riflesso. La luce, che svolge un ruolo centrale nell’opera di Mack e in questa mostra, determina anche i suoi dipinti contemplativi sui campi di colore che trascendono lo spazio storico in un luogo temporaneo di meditazione.

Sogni impossibili
La mostra e gli eventi dell’archivio sono pensati per essere visti come piattaforme interagenti, che parlano tra loro e stimolate reciprocamente dai materiali. Non sono iniziative curatoriali separate, ma assemblee che affrontano la memoria (archivio) e la presenza (evento), sostenendo entrambe una fiducia nel futuro. L’archivio diventa evento estetico e l’evento diventa archivio deliberativo. L’evento è un vivace seminario di gesti performativi e l’archivio comprende oggetti enigmatici. Impossible Dreams riconosce i vincoli della crisi prevalente e allo stesso tempo lavora per la realizzazione di una possibilità. Impossibile significa “non ancora possibile”, una descrizione di una condizione e una speranza per cose, persone e mondi migliori a venire.

Caterina Grosse
In un ambiente nero, Apollo, Apollo presenta un’immagine compositiva delle mani di Katharina Grosse stampata su un tessuto a rete metallica, raffigurante un momento in cui i confini tra il corpo dell’artista e la materia colorata si confondono nell’atto di creare. Con la sua fluidità metallica e l’intensità cromatica, che assume una particolare risonanza nel contesto veneziano, quest’opera fonde il trasparente con l’opaco, lasciando filtrare la luce, creando una porta verso un mondo onirico in cui i visitatori mettono in discussione i confini tra realtà e immaginazione.
Spazio Louis Vuitton, San Marco 1353, Calle del Ridotto

Kehinde Wiley: un’archeologia del silenzio
Kehinde Wiley: An Archaeology of Silence è una riflessione sulle brutalità del passato coloniale americano e globale. La mostra include una collezione di nuovi dipinti e sculture monumentali che meditano sulla morte di uomini neri in tutto il mondo e su come i media globali hanno esposto queste atrocità che una volta erano state messe a tacere. “Questa è l’archeologia che sto scoprendo”, afferma Wiley. “Lo spettro della violenza della polizia e del controllo statale sui corpi dei giovani neri e marroni di tutto il mondo”. I nuovi ritratti raccontano una storia di sopravvivenza e resilienza, in piedi come monumenti alla resistenza e alla perseveranza di fronte alla ferocia.

Lita Albuquerque: Luce liquida
L’astronauta del 25° secolo del film di Lita Albuquerque commuta una conoscenza ultraterrena attraverso i piani del celeste e terrestre. Come i commercianti che arrivano nell’antica Venezia, oi turisti che sbarcano oggi, il suo incontro con la Terra è uno di meraviglia e apprensione: meraviglia per ciò che è sopravvissuto alla corruzione del tempo e all’apprensione verso la sua continua sopravvivenza. Un amalgama di iconografia, storia personale e paesaggi emotivi che incarnano la mitologia dell’artista, Liquid Light è esposto come una trittico installazione video, in concerto con componenti installativi provenienti e creati localmente, in collaborazione con artigiani veneziani.

Luisa Nevelson. Persistenza
Organizzata in occasione del 60° anniversario della presentazione di Louise Nevelson per il Padiglione americano della 31a Biennale di Venezia nel 1962, questa mostra si concentra sul genere che si sarebbe rivelato il contributo più definitivo di Nevelson all’arte del XX secolo: l’assemblage. Curata da Julia Bryan-Wilson, la mostra riunisce più di sessanta opere in trent’anni di produzione, sottolineando la straordinaria combinazione di materiali di Nevelson, tra cui le famose pareti monumentali a griglia nere e collage più piccoli e meno conosciuti che presentano una gamma di colori e sono stati realizzati con oggetti di uso quotidiano come carta da giornale, pezzi di metallo appiattiti, cartone, lamina, carta vetrata e tessuto. Installate in modo non cronologico, queste opere dimostrano la notevole persistenza di Nevelson:

Lucio Fontana / Antony Gormley
Lucio Fontana / Antony Gormley è una mostra costruita su una conversazione concisa e selettiva tra opere d’arte che guardano alle implicazioni di luce, spazio e assenza. Una selezione di disegni realizzati da Lucio Fontana tra il 1946 e il 1968 e una serie di opere su carta che coprono molti aspetti della ricerca di Antony Gormley, si integrano con le sculture di ciascuno di questi artisti. Sia nelle loro capacità bidimensionali che tridimensionali, il lavoro degli artisti “abita” lo spazio e l’attenzione degli spettatori si sposta dall’oggetto nello spazio allo spazio stesso. Ogni opera porta con sé la traccia della realtà del momento in cui il gesto, sia esso scultoreo o grafico, sprigiona la tensione energetica racchiusa nella sua stessa esecuzione. Il segno diventa quindi anche registrazione del tempo.

Pera + Flora + Fauna
Il discorso sull’indigene e la natura è largamente influenzato dagli atteggiamenti culturali tradizionali delle nazioni industrializzate, le stesse nazioni che stanno contribuendo al problema ambientale esistente. Ciò porta a domande come: il pensiero estetico può portare alla conservazione e al ripristino della natura o dell’indigeno? Le popolazioni indigene in tutto il mondo possono sfidare la storia documentata (dell’arte) tradizionale scritta dai non indigeni? Le popolazioni indigene possono ottenere la libertà di rivendicare collettivamente “la propria storia e le proprie narrazioni”, inimicandosi al discorso dominante? Pera + Flora + Fauna intende interrogare le interrelazioni tra indigeni, cultura dominante e natura.

Strada della fede
The Road of Faith mostra un processo di risveglio da parte dell’umanità seguendo la propria intuizione per combattere il caos della sua mente e divinità. La mostra si compone di tre parti: Fioritura oceanica, Ode alla ninfa del fiume Luo e Con l’immutabilità dell’assoluto. L’opera letteraria dal classico cinese Ci Fu, Ode to the Nymph of the Luo River è presentata con inchiostro a colori e tecnologia VR. In questa trasmissione da due a tre dimensioni, utilizzando come guida la musica originale contenente fonemi dell’opera cinese e dell’opera occidentale, il pubblico può vedere il confronto e la lotta coerenti degli esseri umani e la loro stessa avidità nel ciclo della reincarnazione.

Rony Plesl: Gli alberi crescono dal cielo
Il progetto espositivo dell’artista ceco Rony Plesl affronta le questioni dell’essenza dell’esistenza umana e della definizione dell’umanità. Tocca anche il rapporto tra umanità e natura, fornendo la sua immediata riflessione su molteplici strati di significato. La narrazione del concetto generale e dell’installazione site-specific delle opere d’arte in vetro uniche ruota attorno a un viaggio, attorno alla ricerca del nostro percorso nel mondo di oggi. La realizzazione del progetto Venezia è un’anteprima mondiale della tecnologia unica di colata del vetro in un contesto globale, consentendo la creazione di una scultura in vetro senza alcuna limitazione.

Stanley Whitney: la pittura italiana
Il virtuoso pittore astratto Stanley Whitney, nato a Filadelfia nel 1946, ha esplorato le possibilità formali del colore all’interno di griglie in continua evoluzione di blocchi multicolori e campi gestuali all-over dalla metà degli anni ’70. Un periodo formativo trascorso in Italia all’inizio degli anni ’90, dove Whitney è stato assorbito dall’arte e dall’architettura del paese, ha trasformato per sempre la composizione dei suoi dipinti. Questa mostra, co-curata da Cathleen Chaffee e Vincenzo de Bellis, è la prima a raccogliere le opere realizzate da Whitney in Italia dagli anni ’90 ad oggi, e a considerare l’influenza dell’arte e dell’architettura italiana sulla sua pittura.

Francesca Leone
L’artista rivolge lo sguardo al concetto di Tempo: è il tempo della ruggine che si ossida sul metallo, lo graffia, lo sfregia; è su questa pelle che l’artista interviene e insinua delicatamente il colore, copre le ferite. È in questo dialogo di ricordi che Leone costruisce la propria narrativa visionaria, dove una Natura dolorosa esige una pausa, mentre queste opere sussurrano, invitando a fermarsi, dare tempo ai propri pensieri e lasciare che i sogni affiorano. Prendersi il proprio tempo significa concedersi il privilegio di uno sguardo, dare tempo all’arte per scrivere la propria storia. Un gesto insorto per far emergere un nuovo pensiero utopico, un nuovo incanto.

Mar Greenfort: Medusa Alga Laguna
L’installazione Medusa Alga Laguna dell’artista concettuale danese Tue Greenfort si concentra sulle diverse interspecie di vita nella laguna di Venezia e introduce una relazione umana e non umana. Le manifestazioni scultoree – talvolta in vetro come riferimento a rappresentazioni realistiche della natura di metà Ottocento – ci trasportano nel mondo ricco di biodiversità delle acque veneziane. Rivela l’affascinante complessità delle forme di vita marine come alghe e meduse. La mostra personale è presentata dalla Fondazione ERES di Monaco, istituzione che promuove il dialogo tra scienza e belle arti. Lo spettacolo continua il progetto Alga di Greenfort a Monaco di Baviera (2021).

Non pettinato, imprevisto, senza vincoli
Parasol unit, London introduce una mostra collettiva di undici artisti contemporanei internazionali, le cui presentazioni sono in linea con il fenomeno dell’entropia, o una misura del disordine. Secondo il curatore Ziba Ardalan, gli artisti Darren Almond, Oliver Beer, Rana Begum with Hyetal, Julian Charri re, David Claerbout, Bharti Kher, Arghavan Khosravi, Teresa Margolles, Si On, Martin Puryear e Rayyane Tabet si sono identificati in modo indipendente e hanno risposto in modo toccante a una serie di fenomeni sfavorevoli che, negli ultimi decenni, hanno sempre più raggiunto un certo significato nella nostra vita quotidiana e nell’ambiente e nella nostra storia sociale e collettiva, minacciando così la vita sul pianeta Terra.

Vera Molnár: Icona 2020
Vera Molnár: Icône 2020 è una mostra incentrata su una nuova commissione, Icône 2020, fondata, prodotta e curata da Francesca Franco. Questa è la prima scultura in vetro di Vera Molnár in una carriera che dura da oltre ottant’anni. Prendendo la nuova commissione come punto centrale, questa mostra esplora il processo che ha reso possibile questa scultura, riunendo schizzi preparatori, disegni originali del plotter e materiale di documentazione che rivelano le complessità dietro la realizzazione di Icône 2020, incoraggiando un nuovo pensiero sulla scultura e il ramificazioni inimmaginabili dell’arte computazionale.

Con Le Mani I Segni Crescono
Fondazione Odalys e Fondazione Signum, con il supporto del Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira (Ministerio de Cultura y Deporte, Spagna), hanno consentito un progetto di intervento a Palazzo Donà, sede italiana della Fondazione Signum, che comprende diversi siti- progetti specifici pensati per diversi ambienti del Palazzo. Un gruppo di quattro giovani artisti (Ruth Gómez, Nuria Mora, Daniel Muñoz e Sixe Paredes) partecipa a questa iniziativa attraverso un processo di creazione che ha una caratteristica comune: il desiderio di condividere la propria visione del mondo attraverso l’arte. In modo tale che questi interventi oggi nello spazio del Palazzo possano essere definiti come un insieme di micronarrazioni del territorio personale di ogni artista, un territorio che è pubblico, ma anche incontrastato, a causa del suo peso storico. Artisti che hanno lavorato sul luogo, raccontando a ciascuno di loro una parete/pavimento o una stanza di Palazzo Donà.

Senza Donne
L’opera di Zinaida Senza donne parla della purezza della vita degli allevatori di pecore nella natura e della trasformazione dell’energia maschile. Dall’infanzia fino a quando non sono troppo grandi, gli uomini nei villaggi dei Carpazi lasciano le loro abitazioni per andare in montagna per cinque mesi. Tra l’abbondanza di pecore e mucche trasformano il latte in burro e formaggio. In questo atto di sublimazione, che svela completamente i ruoli maschili, la mascolinità si rinnova fino alla purezza. Nel loro ambiente solitario, gli uomini possono esprimere e rinnovare pienamente e vividamente la loro natura maschile. Proprio come i monaci, questi uomini vivono nel seno della natura da soli e senza donne. L’opera d’arte è composta da tre video e un’installazione, The Milk of Life.

Gruppo artistico “YiiMa”: Allegoria dei sogni
Allegory of Dreams è una mostra d’arte contemporanea completa che mostra la documentazione di performance art, fotografia, video e sculture per interni ed esterni. Curata dal curatore internazionale João Miguel Barros, la mostra espone le opere di “YiiMa”, un gruppo artistico formato a Macao da Ung Vai Meng e Chan Hin Io. In linea con The Milk of Dreams, la mostra è concepita e sviluppata come Allegoria dei sogni. Presentando le registrazioni delle esibizioni dal vivo dei due artisti, l’evento mira a presentare ai visitatori l’ambiente culturale unico di Macao pieno di ricordi e storia, offrendo loro l’opportunità di vivere le sue scene oniriche ma allegoriche della vita quotidiana.