2022년 베니스 비엔날레, 꿈의 우유, 2부, 국립관 및 부대행사

세실리아 알레마니(Cecilia Alemani)가 기획한 “꿈의 우유(The Milk of Dreams)”라는 제목의 제59회 베네치아 비엔날레 국제 미술 전시회가 2022년 4월 23일 토요일부터 11월 27일 일요일까지 대중에게 공개되었습니다. 전시회는 중앙관(지아르디니)에서 열립니다. 58개국에서 온 213명의 예술가를 포함한 Arsenale; 이 중 180개사가 국제전시회에 처음으로 참가한다. 1433년에 전시된 작품과 오브제, 80개의 새로운 프로젝트가 Arte 비엔날레를 위해 특별히 구상되었습니다.

전시회는 또한 Giardini, Arsenale 및 베니스 도심의 역사적인 Pavilions에 80개의 국가 참가를 포함할 것입니다. 아르테 비엔날레에는 카메룬 공화국, 나미비아, 네팔, 오만 술탄국, 우간다 등 5개국이 처음으로 참가한다. 카자흐스탄 공화국, 키르기스스탄 공화국, 우즈베키스탄 공화국이 처음으로 자체 전시관으로 참가합니다.

“The Milk of Dreams” 전시회는 Leonora Carrington의 다른 세계의 생물과 다른 변형 인물을 신체의 변형과 인간의 정의를 통한 상상의 여행에 동반자로 데려갑니다. 꿈의 우유는 초현실주의 예술가가 상상의 프리즘을 통해 삶이 끊임없이 재구상되는 마법의 세계를 묘사한 Leonora Carrington(1917–2011)의 책에서 제목을 따왔습니다. 모든 사람이 변화하고, 변형되고, 무언가 또는 다른 사람이 될 수 있는 세상입니다. 자유로워지고 가능성이 가득한 세상.

그러나 그것은 또한 Carrington을 망명의 삶으로 몰아넣은 자기 정의에 참을 수 없는 압력을 가한 세기의 비유이기도 합니다. 그리고 항상 고정되고 일관된 정체성의 제약을 벗어나는 미스터리. 이번 전시는 지난 몇 년간 작가들과의 많은 대화를 바탕으로 한다. 이러한 대화에서 계속해서 나오는 질문은 종의 생존이 위협받는 역사의 이 순간을 포착하는 것처럼 보이지만 동시에 우리 시대의 과학, 예술 및 신화에 만연한 다른 많은 질문을 요약하기도 합니다.

인간의 정의는 어떻게 변하고 있습니까? 생명을 구성하는 것은 무엇이며 식물과 동물, 인간과 비인간을 구별하는 것은 무엇입니까? 행성, 다른 사람들, 그리고 다른 생명체에 대한 우리의 책임은 무엇입니까? 그리고 우리가 없는 삶은 어떤 모습일까요? 다음은 특히 세 가지 주제 영역에 초점을 맞춘 이번 아르테 비엔날레의 안내 질문 중 일부입니다. 개인과 기술 간의 관계; 몸과 지구 사이의 연결.

많은 현대 예술가들은 인간에 대한 현대 서구의 시각, 특히 우주의 고정된 중심이자 만물의 척도인 백인 남성의 보편적 이상에 도전하는 포스트휴먼 조건을 상상하고 있습니다. 그 자리에서 예술가들은 Carrington의 특별한 생물과 다르지 않은 다공성, 잡종, 다양한 존재가 거주하는 세계와 종 사이의 새로운 동맹을 제안합니다. 점점 더 침습적인 기술의 압력으로 신체와 사물의 경계가 완전히 변형되어 주관성, 계층 구조 및 해부학을 다시 매핑하는 심오한 돌연변이가 발생했습니다.

오늘날 세계는 과학을 통해 인체가 끝없이 완성될 수 있다고 약속하는 기술적 낙관론과 자동화와 인공 지능을 통한 기계의 완전한 인수에 대한 두려움 사이에서 극적으로 분열된 것 같습니다. 이 균열은 코비드-19 팬데믹 동안 더욱 확대되었으며, 이로 인해 우리는 훨씬 더 멀어지고 전자 기기의 화면 뒤에 인간 상호 작용의 많은 부분이 갇혔습니다.

기술의 압박, 고조되는 사회적 긴장, 전염병의 발발, 다가오는 환경 재앙의 위협은 우리에게 매일같이 우리에게 인간의 육체로서 천하무적도 자급자족도 아닌 공생의 거미줄의 일부라는 사실을 매일 상기시켜줍니다. 우리를 서로, 다른 종, 그리고 지구 전체에 묶는 상호의존성.

이러한 분위기에서 많은 예술가들은 인간 중심주의의 종말을 꿈꾸며, 비인간, 동물 세계, 지구와의 새로운 교감을 축하합니다. 그들은 종 사이, 유기물과 무기물, 생물과 무생물 사이의 친족감을 배양합니다. 다른 이들은 아마도 보편적인 시스템의 해체에 반응하여 지식의 국지적 형태와 새로운 정체성 정치를 재발견합니다. 또 다른 사람들은 페미니스트 이론가이자 활동가인 실비아 페데리치가 “세계의 재매혹”이라고 부르는 것을 실천하며, 레오노라 캐링턴과 거의 같은 방식으로 토착 전통과 개인 신화를 혼합합니다.

꿈의 우유는 개발이 Covid-19 전염병의 발생 및 확산과 일치했기 때문에 엄청난 불안정과 불확실성의 시기에 구상되고 조직되었습니다. La Biennale di Venezia는 1895년 이후 두 차례의 세계 대전 동안에만 있었던 행사인 이 행사를 1년 연기할 수 밖에 없었습니다. 따라서 이 전시회가 열릴 수 있다는 사실 자체가 다소 이례적입니다. 일상으로의 복귀가 아니라 거의 기적에 가까운 집단적 노력의 결과다. 아마도 전후 기간을 제외하고 처음으로 Artistic Director는 많은 작품을 직접 보거나 참여하는 대부분의 예술가를 직접 만날 수 없었습니다.

스크린 앞의 끝없는 몇 달 동안 큐레이터는 이 역사적 시점에서 국제미술전이 어떤 역할을 해야 하는지에 대해 고민했고 큐레이터가 찾을 수 있는 가장 간단하고 진지한 대답은 비엔날레가 모든 것을 요약한다는 것입니다. 우리는 지난 2년 동안 전 세계 사람들을 만날 수 있는 자유, 여행의 가능성, 함께 시간을 보내는 기쁨, 다름의 실천, 번역, 이해력, 친교 등을 너무도 그리워했습니다.

꿈의 우유는 전염병에 대한 전시회가 아니지만 필연적으로 우리 시대의 격변을 기록합니다. 이러한 시대에 베네치아 비엔날레의 역사가 분명히 보여주듯이 예술과 예술가는 우리가 새로운 공존 방식과 무한한 새로운 변형 가능성을 상상하도록 도울 수 있습니다.

국가 참여
베니스 비엔날레는 이탈리아 베니스에서 열리는 국제 미술 비엔날레입니다. 종종 “예술계의 올림픽”으로 묘사되는 비엔날레 참가는 현대 예술가들에게 권위 있는 행사입니다. 축제는 그 해의 예술 감독이 기획한 중앙 전시회, 개별 국가가 주최하는 국가관, 베니스 전역의 독립 전시회 등 쇼의 집합체가 되었습니다. 비엔날레의 모 조직은 또한 건축, 무용, 영화, 음악, 연극 등 다른 예술 분야에서 정기적으로 축제를 개최합니다.

중앙 국제 전시회 외에 개별 국가는 국가 대표로서 파빌리온으로 알려진 자체 쇼를 제작합니다. Giardini에 보관된 30개와 같은 파빌리온 건물을 소유한 국가는 자체 유지 관리 및 건설 비용도 책임져야 합니다. 전용 건물이 없는 국가는 베니스 Arsenale에 정자를 만들고 도시 전체에 궁전을 만듭니다.

Giardini는 1895년 첫 판 이후로 La Biennale Art Exhibitions의 전통적인 장소입니다. Giardini에는 현재 29개의 외국 전시관이 있으며, 그 중 일부는 Josef Hoffmann의 Austria Pavilion, Gerrit Thomas Rietveld의 네덜란드관 또는 핀란드관과 같은 유명 건축가가 설계했습니다. , Alvar Aalto가 설계한 사다리꼴 계획으로 사전 제작되었습니다.

Arsenale은 산업화 이전 시대에 베니스에서 가장 큰 생산 중심지였으며 도시의 경제적, 정치적, 군사적 힘의 상징이었습니다. 1980년부터 Arsenale은 제1회 국제 건축 전시회를 계기로 La Biennale의 전시 장소가 되었습니다. 이후 열린 전시를 위한 미술전에서도 같은 공간을 사용했다.

규모가 점차 확대되면서 베니스 비엔날레의 범위가 도시 전체로 확대되었습니다. 주요 전시 장소 외에도 도시의 거리와 심지어 외딴 섬에 흩어져있는 많은 정자도 있습니다.

부대행사
큐레이터가 승인하고 비영리 국내 및 국제 기구 및 기관에서 홍보하는 부수적 이벤트는 베니스 시 전역의 여러 위치에서 개최됩니다. 그들은 전시회를 특징짓는 다양한 목소리를 풍부하게 하는 광범위한 기여와 참여를 제공합니다.

국제 전시회(공모 중)에 참가하는 예술가 중 한 명인 Elisa Giardina Papa는 Cecilia Alemani의 초청으로 Forte Marghera의 Polveriera austriaca라는 건물에서 특별 작업을 하게 되었습니다. 아티스트 Sophia Al-Maria는 Arsenale의 Sale d’Armi에 있는 Applied Arts Pavilion에서 작품을 발표하도록 선정되었습니다. 이번 전시는 베네치아 비엔날레와 런던 빅토리아 알버트 박물관(V&A)의 콜라보레이션 여섯 번째 판이다.

Biennale College Arte 2021/2022의 첫 번째 판에 선정된 프로젝트는 Simnikiwe Buhlungu, Ambra Castagnetti, Andro Eradze 및 Kudzanai-Violet Hwami입니다. 4명의 작가는 최종 작품의 실현을 위해 25,000유로의 보조금을 받게 됩니다. 이 작품은 제59회 국제 미술 전시회인 Milk of Dreams의 일환으로 경쟁 없이 선보일 예정입니다.

11년 연속으로 라 비엔날레는 비엔날레 세션 프로젝트를 건축, 예술 및 관련 분야의 연구 및 훈련 프로그램을 개발하는 기관과 대학 및 미술 아카데미에 할애하고 있습니다. 목표는 최소 50명의 학생과 교사로 구성된 그룹을 위해 자체 조직된 3일 방문을 용이하게 하고 무료로 제공되는 전시회장에서 세미나를 개최하고 여행 및 숙박을 조정하는 데 도움을 주는 것입니다.

Alberta Whittle: 깊은 잠수(일시 중지) 풀기 기억
Deep Dive (pause) uncoiling memory는 수상 경력에 빛나는 아티스트 Alberta Whittle의 신작 설치 작품입니다. 옛 조선소에 있던 두 개의 방에 걸쳐 있는 알버타의 작업은 모티프와 아이디어의 공유 어휘를 통해 연결된 태피스트리, 영화, 조각 작업을 포함하는 환경입니다. 알버타는 풍부한 상징주의를 통해 인종주의, 식민주의, 이주에 대한 역사적 유산과 현대적 표현을 집합적으로 고려하고 이러한 해로운 틀 밖에서 생각하기 시작할 수 있도록 속도를 늦추도록 권장합니다.

Angela Su: Arise, 홍콩 베니스에서
<어라이즈>에서 안젤라 수는 서로 맞물린 허구적 관점을 통해 사변적 서사를 전달한다. 공중부양의 행위는 Su의 드로잉, 동영상, 자수, 설치물 전반에 걸쳐 다시 나타나는 조직적 은유의 역할을 한다. 작가는 허구적 분신의 모습을 취하여 공중에 떠오른 수많은 문화적, 정치적 가치를 탐구합니다. 전시의 중심은 새로운 비디오 작업인 로렌 O의 장엄한 공중부양법입니다. 이 유사 다큐멘터리는 공중부양이 가능하다고 믿는 가상의 인물 로렌 O와 그녀가 촉발된 활동가 그룹인 라덴 레이븐(Laden Raven)과의 관계에 대한 이야기를 들려줍니다. 1960년대 미국의 반전 운동에 의해.

경청하는 천사들
Rachel Lee Hovnanian의 몰입형 설치 Angels Listening에서 입을 “테이프로 붙인” 청동으로 주조된 7명의 대형 천사가 금박을 입힌 고해소를 둘러싸고 있습니다. 이 인터랙티브 전시는 관객이 판단에 대한 두려움이나 완전한 무능력으로 인해 억눌린 내면의 생각을 리본 조각에 버리도록 초대합니다. 일단 현장에서 버려지면 시청자의 목소리는 고백의 합창에 합류하여 카타르시스와 관련된 해방과 공유된 고립의 순간에 명상 환경의 신성함을 보여줍니다. Rachel Lee Hovnanian은 현대 페미니즘의 복잡성과 기술의 심리적 효과를 탐구하는 다학제적 활동을 하는 마이애미 기반 예술가입니다.

보스코 소디와 팔라초 벤드라민 그리마니. 주위에 무엇이 주위에 온다
대규모 조각과 회화에 천연 재료를 사용하는 것으로 유명한 Bosco Sodi는 Palazzo Vendramin Grimani의 예술가 레지던시를 위해 Fondazione dell’Albero d’Oro에 의해 선택되었습니다. 재료의 본질적인 단순함과 전 세계에서 Sodi가 추구하는 강렬한 안료는 예술가가 “완전히 반복할 수 없는 것”을 생성하는 “통제된 혼돈”으로 묘사한 그의 창작 과정의 기초를 형성합니다. 작품은 대운하가 내려다보이는 궁전의 안드론 또는 1층 홀에서 작가에 의해 만들어지며 다니엘라 페레티(Daniela Ferretti)와 다킨 하트(Dakin Hart)가 큐레이팅한 전시의 핵심이 됩니다.

Venice_Llim의 카탈로니아
Llim(미사)은 운하와 유리관에 달라붙어 이들을 연결하고 베니스를 구성하는 층을 점진적으로 동화시킵니다. 물로 둘러싸인 도시가 서구 세계의 유리 제조 중심지가 된 것은 점성 때문입니다. 유리와 물이 물질 상태 사이에서 변이하는 능력은 협력과 공존을 촉진합니다. 물은 땅과 접촉하면 미사(silt)가 되기 때문에 비옥한 힘을 갖는다. 나일강의 검은 진흙에서 유리에서 영감의 원천을 찾은 아랍어 khemia, alchemy가 나왔습니다. Llim은 금이나 본질을 얻는 것을 열망하지 않습니다. 그것은 물질을 대사하고 원점으로 되돌리는 것과 같은 평온함으로 베니스의 기초를 움직입니다.

천광영: 시대를 재창조하다
Times Reimagined는 살아있는 존재와 그 관계의 사회생태학적 가치 사이의 상호 연결성을 주제로 약 30년 동안 작업해온 작가 천광영의 미학 연구실입니다. 그의 한지 부조, 조각, 설치, 그리고 하이라이트로 건축가 스테파노 보에리(Stefano Boeri)와의 대화를 통해 만들어진 현장 특유의 건축 구조가 모두 전시 기간 동안 전시된다. 한때 책으로 살았던 종이가 우리 시대를 판단하고 결정한 지식, 정보, 가치를 재해석하여 상징적인 생물로 다시 태어났습니다. 이를 통해 관객들은 기존의 비생태학적 관행을 재고하고 새로운 출구를 모색할 수 있습니다.

Claire Tabouret: 나는 넓고 노래하는 육체
Claire Tabouret: 나는 넓고 노래하는 육체는 자아, 타자, 집단적 정체성, 투쟁, 해방, 도피와 같은 다양한 변형을 탐구하는 Kathryn Weir가 큐레이터한 주목할만한 설문 조사 전시회에서 예술가 작업의 주요 차원에 대한 새로운 비판적 해석을 제시합니다. 강력하고 예상치 못한 대화는 또한 인간 사이, 인간과 환경 사이의 대안적 관계를 고려하기 위한 다중 시간성과 주관성으로의 포털인 Tabouret의 실천에서 양면적인 문턱을 불러일으키는 이탈리아 맥락에서 가져온 여러 경건한 대상으로 만들어집니다. , 생태 및 사회적 위기에 직면하여 초자연적 인 것과 의사 소통합니다.

Eugen Raportoru: Seraglio에서 납치
다면적이고 만화경적인 타임캡슐은 로마의 가정 공간을 채우는 장소 특정적 아이템의 설치 시리즈입니다. 이 시리즈는 그러한 대상이 구현하는 내러티브의 중요성과 로마 문화, 로마인의 삶, 로마 지식의 배포를 알리고 반영하는 능력에 대한 이해를 기반으로 합니다. 동유럽 가정에서 동양 카펫의 존재가 증가하는 이야기를 추적하여 정체성과 역사 개념의 특정 시간 공간 구성뿐만 아니라 트라우마, 희망, 신체 및 감정에 대한 명상을 초대합니다. 일련의 개입은 로마 여성의 이중 소수자 입장을 더욱 반영하여 우리가 그들의 목소리를 듣고 배울 수 있는 공명하는 방을 만듭니다.

EWA 쿠릴룩
Ewa Kuryluk의 전시는 예술가와 지식인과의 만남이자 그녀에게 중요한 곳인 고린도, 전후 바르샤바의 “리틀 이탈리아”, 런던의 “리틀 베니스”, 뉴욕의 발자취를 따라가는 여행입니다. 그러나 미술사가의 박식하고 포스트모던한 산문과 수필은 여기에서 민감한 딸, 자매, 연인에게 자리를 양보하고, 그 이야기는 시간, 공기, 직물로 이루어진 덧없고 개인적인 설치물에 떠 있습니다. 폴란드 예술가 Ewa Kuryluk은 유럽, 미국, 남미, 캐나다, 일본에서 50회 이상의 개인전을 통해 전 세계적으로 알려져 있습니다. 그녀는 일시적인 직물 설치의 선구자, 화가, 사진가, 미술사가, 소설가, 시인입니다. 그녀의 작품은 유럽과 미국의 공공 및 개인 컬렉션에서 찾을 수 있습니다.

예술과 함께 팔레스타인에서
팔레스타인 박물관 미국이 추진하는 이 전시회는 팔레스타인과 디아스포라에서 생산되는 현대 미술의 풍부함을 보여줍니다. 예술가들은 모더니즘의 언어를 맥락화하여 코드와 상징을 예술가로서 해석하여 팔레스타인 땅과 사람들의 아름다움을 보여줍니다. 사람들에게 사랑받는 올리브 나무는 수 놓은 드레스와 그림으로 둘러싸인 팔레스타인의 역사지도 꼭대기에 전시 중앙에 서 있습니다. From Palestine With Art는 토지와 유산을 포용하려는 팔레스타인인의 결의와 일치하는 강력한 성명서를 작성합니다.

하종현
하종현은 단색화 화가로 가장 잘 알려져 있지만, 그 지정은 50년 이상 동안 재료와 그 속성에 대한 탐구에 전념해 온 다양한 작업의 한 측면에만 적용됩니다. 한국전쟁이 끝난 후, 그는 전쟁의 지속적인 트라우마를 반영하는 발견된 오브제를 사용하여 추상적이고 입체적인 작품을 제작했습니다. 1974년에 그는 캔버스의 뒷면을 통해 전면으로 짜여진 유성 페인트를 밀어내는 작가의 혁신적인 방법인 배압법을 사용하여 찬사를 받은 연결 연작을 시작했습니다. 이러한 접근 방식은 현상 유지에 도전하고 독특한 예술적 어휘를 개발하려는 Ha의 약속을 구체화합니다. 이 회고전은 그의 재료, 방법 및 창의적인 실험의 전체 폭을 소개할 뿐만 아니라 ”

Heinz Mack – 빛의 진동
광범위한 개인전에서 1970년 제35회 국제 미술 전시회에서 독일을 대표한 ZERO의 창립자이자 운동 예술가인 Heinz Mack는 베니스의 가장 상징적인 장소 중 한 곳에서 그의 작품의 인상적인 단면을 선보입니다. 인상적인 공간 설치 형태로 Mack의 기념비적인 그림과 가벼운 비석이 Titian, Tintoretto 및 Veronese의 걸작과 만납니다. 조명 거울 비석을 통해 르네상스 그림이 있는 분위기 있는 장소가 채택되어 반사됩니다. 맥의 작품과 이번 전시에서 중심적인 역할을 하는 빛은 역사적 공간을 초월하여 일시적인 명상의 장소로 나아가는 그의 사색적 색채화를 결정짓기도 한다.

불가능한 꿈
아카이브 전시와 이벤트는 상호 작용하는 플랫폼으로 간주되고 서로 대화하고 서로의 자료에 의해 촉진됩니다. 그것들은 별도의 큐레이터 이니셔티브가 아니라 미래에 대한 믿음을 유지하는 기억(아카이브)과 존재(이벤트)를 다루는 어셈블리입니다. 아카이브는 미학적 이벤트가 되고 이벤트는 숙고적 아카이브가 됩니다. 이 행사는 수행적 제스처의 활기찬 세미나이며 아카이브는 불가사의한 대상으로 구성되어 있습니다. 불가능한 꿈은 만연한 위기의 제약을 인정함과 동시에 가능성의 실현을 향해 노력합니다. Impossible은 “아직 가능하지 않음”을 의미하며, 더 나은 사물, 사람, 세상이 올 것이라는 조건과 희망에 대한 설명입니다.

카타리나 그로세
검은색 배경의 Apollo, Apollo는 메탈릭 메쉬 패브릭에 인쇄된 Katharina Grosse의 손의 합성 이미지를 특징으로 하며, 창작 과정에서 아티스트의 신체와 유색 재료 사이의 경계가 흐려지는 순간을 묘사합니다. 베니스의 맥락에서 특별한 공명을 일으키는 금속성 유동성과 색조의 강렬함으로 이 작품은 투명함과 불투명함을 혼합하여 빛을 통과시켜 방문자가 현실과 상상의 경계에 의문을 제기하는 꿈 같은 세계로 가는 관문을 만듭니다.
Spazio Louis Vuitton, San Marco 1353, Calle del Ridotto

Kehinde Wiley: 침묵의 고고학
Kehinde Wiley: An Archeology of Silence는 미국 및 세계 식민지 과거의 잔혹성에 대한 반성입니다. 이 전시회에는 전 세계의 흑인 남성의 죽음과 한때 잠잠해졌던 이러한 잔학 행위를 글로벌 미디어가 어떻게 폭로했는지를 묵상하는 기념비적인 새로운 그림과 조각 컬렉션이 포함됩니다. Wiley는 “이것이 내가 발굴하고 있는 고고학입니다”라고 말합니다. “경찰 폭력의 유령과 전 세계의 젊은 흑인과 갈색 사람들의 몸에 대한 국가 통제”. 새로운 초상화는 야만에 직면한 인내와 인내의 기념물로 서 있는 생존과 회복력에 대한 이야기를 전합니다.

리타 앨버커키: 리퀴드 라이트
리타 앨버커키(Lita Albuquerque)의 영화에 등장하는 25세기 여성 우주비행사는 천체와 지상계를 가로질러 다른 세계의 지식을 전달합니다. 옛 베니스에 도착한 상인이나 오늘날 하차하는 관광객처럼, 그녀의 지구와의 만남은 경이로움과 불안 중 하나입니다. 시간의 부패에서 ​​살아남은 것이 무엇인지에 대한 경이와 계속되는 생존에 대한 불안입니다. 아티스트의 신화를 구현하는 도상학, 개인 역사 및 감정적 풍경의 조합인 Liquid Light는 베네치아 장인과 협력하여 현지에서 조달 및 제작된 설치 구성 요소와 함께 트립틱 비디오 설치로 전시됩니다.

루이스 네벨슨. 고집
1962년 제31회 베니스 비엔날레 미국관에서 Louise Nevelson이 발표한 지 60주년을 기념하기 위해 조직된 이 전시회는 20세기 예술에 대한 Nevelson의 가장 결정적인 공헌이 될 장르인 조립에 초점을 맞춥니다. Julia Bryan-Wilson이 큐레이팅한 이 전시회는 30년 동안 제작된 60개 이상의 작품을 모아서 잘 알려진 기념비적인 검은 격자 무늬 벽과 다양한 색상을 특징으로 하는 작고 덜 알려진 콜라주를 포함하여 Nevelson의 놀랍도록 독창적인 재료 조합을 강조합니다. 신문지, 납작한 금속 조각, 판지, 호일, 사포, 천과 같은 일상적인 재료로 만들어졌습니다. 연대순으로 설치되지 않은 이 작품은 Nevelson의 놀라운 끈기를 보여줍니다.

루시오 폰타나 / 안토니 곰리
Lucio Fontana / Antony Gormley는 빛, 공간, 부재의 의미를 바라보는 작품 간의 간결하고 선택적인 대화를 기반으로 하는 전시회입니다. 1946년과 1968년 사이에 Lucio Fontana가 구현한 드로잉 선택과 Antony Gormley의 연구의 여러 측면을 다루는 일련의 종이 작업은 각 예술가의 조각과 통합됩니다. 2차원과 3차원 모두에서 작가의 작업은 공간에 ‘거주’하고 관객의 관심은 공간의 대상에서 공간 자체로 이동합니다. 각 작품은 조각이든 그래픽이든 제스처가 실행 자체에 내포된 에너지 넘치는 긴장을 풀어주는 순간의 현실의 흔적을 담고 있습니다. 그러므로 기호는 또한 시간의 기록이 된다.

페라 + 식물 + 동물
토착성과 자연에 대한 담론은 기존의 환경 문제에 기여하는 바로 그 국가인 산업화된 국가의 주류 문화적 태도에 크게 영향을 받습니다. 이것은 미적 사고가 자연이나 토착성의 보전과 복원으로 이어질 수 있는가와 같은 질문으로 이어진다. 전 세계의 토착민들이 비원주민이 쓴 주류 문서화된 (예술) 역사에 도전할 수 있습니까? 토착민들이 지배적 담론에 적대적으로 “자신의 역사와 서사”를 집단적으로 주장할 수 있는 자유를 얻을 수 있을까? Pera + Flora + Fauna는 토착성, 지배적인 문화, 자연의 상호 관계를 탐구하고자 합니다.

믿음의 길
믿음의 길은 혼돈의 정신과 신성에 맞서 싸우려는 인간의 직관에 따라 인간이 각성하는 과정을 보여줍니다. 전시는 3개 부분으로 구성되어 있습니다: 오션 블룸, 루오 강의 님프에 대한 송가, 절대자의 불변성. 중국 고전 Ci Fu, Ode to the Nymph of the Luo River의 문학 작품은 컬러 잉크와 VR 기술로 제공됩니다. 이 2차원에서 3차원으로의 전승은 중국 경극과 서양 경극의 음소를 담은 오리지널 음악을 가이드로 삼아 환생의 순환 속에서 인간의 끊임없는 대립과 투쟁, 그리고 자신의 욕심을 엿볼 수 있다.

로니 플레슬: 나무는 하늘에서 자라
체코 작가 로니 플레슬(Rony Plesl)의 전시 프로젝트는 인간 존재의 본질과 인간의 정의에 대한 질문을 다룹니다. 또한 인간과 자연의 관계를 다루며 다양한 의미의 층에 대한 즉각적인 반성을 제공합니다. 독특한 유리 작품의 전반적인 개념과 장소별 설치에 대한 내러티브는 오늘날의 세계에서 우리의 길을 찾는 여정을 중심으로 전개됩니다. 베니스 프로젝트의 실현은 유리 주조라는 독특한 기술을 전 세계적으로 세계 최초로 선보이며 제한 없이 유리 조각을 만들 수 있게 해줍니다.

스탠리 휘트니: 이탈리아 회화
1946년 필라델피아에서 태어난 거장 추상 화가 Stanley Whitney는 1970년대 중반부터 다양한 색상의 블록과 몸짓 필드의 끊임없이 변화하는 그리드 내에서 형식적인 색상 가능성을 탐구해 왔습니다. 휘트니가 이탈리아의 예술과 건축에 몰두했던 1990년대 초반 이탈리아에서 보낸 형성기는 그의 그림 구성을 완전히 바꾸어 놓았습니다. Cathleen Chaffee와 Vincenzo de Bellis가 공동 기획한 이 전시회는 1990년대부터 현재까지 Whitney가 이탈리아에서 만든 작품을 처음으로 수집하고, 그의 그림에 이탈리아 미술과 건축의 영향을 고찰하는 첫 번째 전시입니다.

프란체스카 리온
작가는 시간의 개념으로 시선을 돌린다. 금속을 산화시키고, 긁고, 상처를 입히는 것은 녹의 시간이다. 작가가 개입하여 섬세하게 색을 입히고 상처를 덮는 것은 바로 이 피부입니다. 이 기억의 대화에서 레오네는 자신의 환상적인 내러티브를 구축합니다. 고통스러운 자연은 일시 중지를 요구합니다. 이 작품이 속삭이듯 멈추고, 생각에 시간을 내고, 꿈이 표면으로 드러나게 합니다. 시간을 낸다는 것은 한 눈에 보는 특권을 허용하고, 예술에 자신의 이야기를 쓸 시간을 주는 것을 의미합니다. 새로운 유토피아적 사고, 새로운 매혹을 불러일으키는 반군 제스처.

화요일 Greenfort: Medusa Alga Laguna
덴마크 개념 예술가 Tue Greenfort의 설치물 Medusa Alga Laguna는 베니스 석호의 다양한 종간 생명체에 초점을 맞추고 인간과 비인간 관계를 가져옵니다. 19세기 중반의 사실적인 자연 표현에 대한 참조로 때때로 유리로 된 조각적 표현은 우리를 베네치아 바다의 생물 다양성 세계로 안내합니다. 조류와 해파리와 같은 해양 생물의 매혹적인 복잡성을 보여줍니다. 개인전은 과학과 순수 예술 사이의 대화를 촉진하는 기관인 ERES 재단 뮌헨이 주최합니다. 이 쇼는 뮌헨에서 Greenfort의 프로젝트 Alga(2021)를 계속합니다.

빗나가지 않는, 예측하지 못한, 제약이 없는
런던 파라솔 유닛은 11명의 국제 현대 예술가들의 그룹 전시회를 소개합니다. 이들의 프리젠테이션은 엔트로피 또는 무질서의 현상과 일치합니다. 큐레이터 Ziba Ardalan에 따르면 아티스트 Darren Almond, Oliver Beer, Rana Begum with Hyetal, Julian Charri re, David Claerbout, Bharti Kher, Arghavan Khosravi, Teresa Margolles, Si On, Martin Puryear 및 Rayyane Tabet은 독립적으로 식별하고 신랄하게 응답했습니다. 지난 수십 년 동안 우리의 일상 생활과 환경, 사회 및 집단 역사 내에서 점점 더 중요해지면서 지구상의 생명을 위협하는 여러 가지 불리한 현상.

Vera Molnár: 아이콘 2020
Vera Molnár: Icone 2020은 Francesca Franco가 설립, 제작 및 큐레이팅한 새로운 커미션 Icone 2020을 중심으로 한 전시회입니다. 이것은 Vera Molnár의 80년이 넘는 경력에서 최초의 유리 조각품입니다. 이번 전시는 새로운 커미션을 중심으로 Icone 2020 제작 이면의 복잡성을 드러내는 준비 스케치, 원본 플로터 드로잉 및 문서 자료를 결합하여 이 조각품을 가능하게 한 과정을 탐구하고 조각품 및 컴퓨터 예술의 상상할 수 없는 결과.

손으로 표지판 성장
Odalys 재단과 Signum 재단은 Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira(Ministerio de Cultura y Deporte, Spain)의 지원을 받아 Signum 재단의 이탈리아 본부인 Palazzo Donà에서 개입 프로젝트를 가능하게 했습니다. Palazzo의 여러 방을 위해 고안된 특정 프로젝트. 4명의 젊은 예술가 그룹(Ruth Gómez, Nuria Mora, Daniel Muñoz 및 Sixe Paredes)은 예술을 통해 세계에 대한 비전을 공유하려는 공통된 특성을 가진 창작 과정을 통해 이 이니셔티브에 참여합니다. 이제 궁전 공간에서 이러한 개입이 각 예술가의 개인적인 영역, 지금은 공개되지만 도전받지 않는 영역에서 나온 일련의 미세 서사라고 정의될 수 있는 방식으로, 역사적 부담 때문이다. 장소에서 작업한 예술가들 각각을 Palazzo Donà의 벽/바닥 또는 방과 연관시킵니다.

여자 없이
Zinaida의 작품 Without Women은 자연 속에서 양치기들의 삶의 순수성과 남성 에너지의 변화에 ​​관한 것입니다. 카르파티아 마을의 남자들은 어린 시절부터 너무 늙을 때까지 5개월 동안 집을 떠나 산으로 갑니다. 풍부한 양과 소 중에서 그들은 우유를 버터와 치즈로 가공합니다. 남성의 역할을 완전히 드러내는 이 승화 행위에서 남성미는 순수함까지 갱신된다. 고독한 환경에서 남성은 남성성을 완전하고 생생하게 표현하고 갱신할 수 있습니다. 승려와 마찬가지로 이 남성들은 여성 없이 홀로 자연의 품에서 산다. 이 작품은 3개의 비디오와 설치작품인 Milk of Life로 구성되어 있습니다.

“YiiMa” 아트 그룹: 꿈의 알레고리
꿈의 알레고리(Allegory of Dreams)는 공연 예술, 사진, 비디오, 실내외 조각에 대한 문서를 보여주는 종합 현대 미술 전시회입니다. 국제 큐레이터 João Miguel Barros가 큐레이팅한 이 전시회는 Ung Vai Meng과 Chan Hin Io가 마카오에서 결성한 예술 그룹 “YiiMa”의 작품을 선보입니다. 꿈의 우유에 맞춰 전시는 꿈의 알레고리로 구상, 전개된다. 두 아티스트의 라이브 공연을 녹음하여 추억과 역사가 가득한 마카오의 독특한 문화 환경을 방문객들에게 선사하고, 몽환적이면서도 우화적인 일상을 경험할 수 있는 기회를 제공하는 것을 목표로 합니다.