Biennale d’art de Venise 2022, The Milk of Dreams, Part 2, National Pavilions and Collateral Events

La 59e exposition internationale d’art de La Biennale di Venezia, intitulée « Le lait des rêves », organisée par Cecilia Alemani, était ouverte au public du samedi 23 avril au dimanche 27 novembre 2022. L’exposition a lieu dans le pavillon central (Giardini) et à l’Arsenale, dont 213 artistes de 58 pays ; 180 d’entre eux participent pour la première fois à l’Exposition Internationale. 1433 œuvres et objets exposés, 80 nouveaux projets sont conçus spécifiquement pour la Biennale Arte.

L’exposition comprendra également 80 participations nationales dans les pavillons historiques des Giardini, de l’Arsenal et du centre-ville de Venise. 5 pays participeront pour la première fois à la Biennale Arte : République du Cameroun, Namibie, Népal, Sultanat d’Oman et Ouganda. La République du Kazakhstan, la République kirghize et la République d’Ouzbékistan participent pour la première fois avec leur propre pavillon.

L’exposition « The Milk of Dreams » emmène les créatures d’un autre monde de Leonora Carrington, ainsi que d’autres figures de la transformation, comme compagnons d’un voyage imaginaire à travers les métamorphoses des corps et les définitions de l’humain. The Milk of Dreams tire son titre d’un livre de Leonora Carrington (1917-2011) dans lequel l’artiste surréaliste décrit un monde magique où la vie est constamment repensée à travers le prisme de l’imaginaire. C’est un monde où chacun peut changer, se transformer, devenir quelque chose ou quelqu’un d’autre ; un monde libéré, débordant de possibilités.

Mais c’est aussi l’allégorie d’un siècle qui a imposé une pression intolérable sur la définition même de soi, contraignant Carrington à une vie d’exil : enfermé dans des hôpitaux psychiatriques, éternel objet de fascination et de désir, mais aussi figure d’une puissance surprenante. et de mystère, fuyant toujours les carcans d’une identité figée et cohérente. Cette exposition est fondée sur de nombreuses conversations avec des artistes tenues au cours des dernières années. Les questions qui ne cessent d’émerger de ces dialogues semblent saisir ce moment de l’histoire où la survie même de l’espèce est menacée, mais aussi résumer bien d’autres interrogations qui imprègnent les sciences, les arts et les mythes de notre temps.

Comment évolue la définition de l’humain ? Qu’est-ce qui constitue la vie et qu’est-ce qui différencie le végétal et l’animal, l’humain et le non-humain ? Quelles sont nos responsabilités envers la planète, les autres personnes et les autres formes de vie ? Et à quoi ressemblerait la vie sans nous ? Telles sont quelques-unes des questions directrices de cette édition de la Biennale Arte, qui s’articule notamment autour de trois axes thématiques : la représentation des corps et de leurs métamorphoses ; la relation entre les individus et les technologies ; le lien entre les corps et la Terre.

De nombreux artistes contemporains imaginent une condition posthumaine qui remet en question la vision occidentale moderne de l’être humain – et en particulier l’idéal universel présumé de l' »homme de raison » blanc et masculin – comme centre fixe de l’univers et mesure de toutes choses. À sa place, les artistes proposent de nouvelles alliances entre les espèces et des mondes habités par des êtres poreux, hybrides et multiples qui ne sont pas sans rappeler les créatures extraordinaires de Carrington. Sous la pression de plus en plus envahissante de la technologie, les frontières entre les corps et les objets se sont profondément transformées, entraînant de profondes mutations qui redéfinissent les subjectivités, les hiérarchies et les anatomies.

Aujourd’hui, le monde semble dramatiquement partagé entre l’optimisme technologique – qui promet que le corps humain peut être perfectionné à l’infini grâce à la science – et la crainte d’une prise de contrôle complète par les machines via l’automatisation et l’intelligence artificielle. Cette fracture s’est creusée pendant la pandémie de Covid-19, qui nous a encore plus séparés et a mis en cage une grande partie de l’interaction humaine derrière les écrans des appareils électroniques.

La pression de la technologie, l’aggravation des tensions sociales, le déclenchement de la pandémie et la menace imminente d’une catastrophe environnementale nous rappellent chaque jour qu’en tant que corps mortels, nous ne sommes ni invincibles ni autosuffisants, mais plutôt partie d’un réseau symbiotique de interdépendances qui nous lient les uns aux autres, aux autres espèces et à la planète dans son ensemble.

Dans ce climat, de nombreux artistes envisagent la fin de l’anthropocentrisme, célébrant une nouvelle communion avec le non-humain, avec le monde animal et avec la Terre ; ils cultivent un sentiment de parenté entre les espèces et entre l’organique et l’inorganique, l’animé et l’inanimé. D’autres réagissent à la dissolution de systèmes supposés universels, redécouvrant des formes localisées de savoir et de nouvelles politiques identitaires. D’autres encore pratiquent ce que la théoricienne féministe et militante Silvia Federici appelle le « réenchantement du monde », mêlant traditions indigènes et mythologies personnelles à peu près de la même manière que Leonora Carrington.

Le Milk of Dreams a été conçu et organisé dans une période d’énorme instabilité et incertitude, puisque son développement a coïncidé avec l’apparition et la propagation de la pandémie de Covid-19. La Biennale di Venezia a été contrainte de reporter d’un an cette édition, un événement qui ne s’était produit que pendant les deux guerres mondiales depuis 1895. Le fait même que cette exposition puisse s’ouvrir est donc quelque peu extraordinaire : son inauguration n’est pas exactement le symbole d’une retour à la vie normale, mais plutôt le résultat d’un effort collectif qui semble presque miraculeux. Pour la première fois, sauf peut-être dans la période d’après-guerre, le directeur artistique n’a pas pu voir plusieurs des œuvres de première main, ni rencontrer en personne la plupart des artistes participants.

Pendant ces mois interminables devant l’écran, le conservateur s’est demandé quel rôle l’Exposition internationale d’art devrait jouer à ce moment historique, et la réponse la plus simple et la plus sincère que le conservateur a pu trouver est que la Biennale résume tout nous a tant manqué ces deux dernières années : la liberté de rencontrer des gens du monde entier, la possibilité de voyager, la joie de passer du temps ensemble, la pratique de la différence, de la traduction, de l’incompréhension et de la communion.

Le Lait des Rêves n’est pas une exposition sur la pandémie, mais elle enregistre inévitablement les bouleversements de notre époque. Dans des moments comme celui-ci, comme le montre clairement l’histoire de La Biennale di Venezia, l’art et les artistes peuvent nous aider à imaginer de nouveaux modes de coexistence et de nouvelles possibilités infinies de transformation.

Participations nationales
La Biennale de Venise est une biennale internationale d’art qui se tient à Venise, en Italie. Souvent décrite comme « l’olympiade du monde de l’art », la participation à la Biennale est un événement prestigieux pour les artistes contemporains. Le festival est devenu une constellation de spectacles : une exposition centrale organisée par le directeur artistique de cette année-là, des pavillons nationaux hébergés par des nations individuelles et des expositions indépendantes dans toute Venise. L’organisation mère de la Biennale accueille également des festivals réguliers dans d’autres arts : architecture, danse, cinéma, musique et théâtre.

En dehors de l’exposition internationale centrale, les nations individuelles produisent leurs propres spectacles, connus sous le nom de pavillons, en tant que représentation nationale. Les nations qui possèdent leurs pavillons, comme les 30 logés sur les Giardini, sont également responsables de leurs propres coûts d’entretien et de construction. Les nations sans bâtiments dédiés créent des pavillons dans l’Arsenal de Venise et des palais dans toute la ville.

Giardini est le site traditionnel des expositions d’art de La Biennale depuis la première édition en 1895. Les Giardini accueillent désormais 29 pavillons de pays étrangers, certains d’entre eux conçus par des architectes célèbres tels que le pavillon autrichien de Josef Hoffmann, le pavillon néerlandais de Gerrit Thomas Rietveld ou le pavillon finlandais. , un préfabriqué avec un plan trapézoïdal conçu par Alvar Aalto.

L’Arsenale était le plus grand centre de production de Venise à l’époque préindustrielle, symbole de la puissance économique, politique et militaire de la ville. Depuis 1980, l’Arsenale est devenu un lieu d’exposition de La Biennale à l’occasion de la 1ère Exposition Internationale d’Architecture. Plus tard, les mêmes espaces ont été utilisés lors des expositions d’art pour la section ouverte.

Avec l’expansion progressive de l’échelle, la portée de la Biennale de Venise s’est élargie pour couvrir toute la ville. Outre les principaux lieux d’exposition, il comprend également de nombreux pavillons disséminés dans les rues des villes et même des îles périphériques.

Événements collatéraux
Les événements collatéraux, qui sont admis par le conservateur et promus par des organismes et institutions nationaux et internationaux à but non lucratif, auront lieu dans plusieurs endroits de la ville de Venise. Ils offrent un large éventail de contributions et de participations qui enrichissent la diversité des voix qui caractérise l’exposition.

Elisa Giardina Papa, l’une des artistes participant à l’Exposition internationale (en compétition), a été invitée par Cecilia Alemani à réaliser une œuvre spéciale à Forte Marghera, dans le bâtiment appelé Polveriera austriaca. L’artiste Sophia Al-Maria a été sélectionnée pour présenter une œuvre dans le Pavillon des Arts Appliqués de la Vente d’Armi de l’Arsenale. Il s’agit de la sixième édition de la collaboration entre La Biennale di Venezia et le Victoria and Albert Museum (V&A) de Londres.

Les projets sélectionnés pour la 1ère édition de la Biennale College Arte 2021/2022 sont de Simnikiwe Buhlungu, Ambra Castagnetti, Andro Eradze et Kudzanai-Violet Hwami. Les 4 artistes recevront une bourse de 25 000 euros pour la réalisation de l’œuvre finale. Les oeuvres seront présentées, hors compétition, dans le cadre de la 59ème Exposition Internationale d’Art, Le Lait des Rêves.

Pour la onzième année consécutive, La Biennale dédie le projet Biennale Sessions aux institutions qui développent des programmes de recherche et de formation en architecture, arts et domaines connexes, ainsi qu’aux universités et académies des beaux-arts. L’objectif est de faciliter des visites auto-organisées de trois jours pour des groupes d’au moins 50 étudiants et enseignants, avec la possibilité d’organiser des séminaires dans les lieux d’exposition offerts gratuitement et une aide à la coordination des déplacements et de l’hébergement.

Alberta Whittle : plongée profonde (pause) déroulement de la mémoire
Deep dive (pause) uncoiling memory est une installation d’une nouvelle œuvre de l’artiste primée Alberta Whittle. S’étendant sur deux salles dans un ancien chantier naval, le travail d’Alberta est un environnement contenant des œuvres de tapisserie, de film et de sculpture reliées par un vocabulaire commun de motifs et d’idées. Par sa riche symbolique, l’Alberta nous encourage à ralentir afin que nous puissions collectivement considérer les héritages historiques et les expressions contemporaines du racisme, du colonialisme et de la migration et commencer à penser en dehors de ces cadres préjudiciables.

Angela Su : Arise, Hong Kong à Venise
Dans Arise, Angela Su transmet un récit spéculatif à travers des perspectives fictives imbriquées. L’acte de lévitation sert de métaphore organisatrice qui réapparaît dans les dessins, les images animées, les broderies et les installations de Su. L’artiste prend l’apparence d’un alter ego fictif pour explorer une myriade de valences culturelles et politiques de la montée dans les airs. La pièce maîtresse de l’exposition est une nouvelle œuvre vidéo, The Magnificent Levitation Act of Lauren O. Ce pseudo-documentaire raconte l’histoire de Lauren O, un personnage fictif qui croit pouvoir léviter, et son implication avec Laden Raven, un groupe d’activistes catalysé par le mouvement anti-guerre américain des années 1960.

Les anges écoutent
Sept anges à grande échelle, coulés en bronze avec des bouches « scotchées » fermées, encerclent un confessionnal doré dans l’installation immersive Angels Listening de Rachel Lee Hovnanian. Cette exposition interactive invite les spectateurs à abandonner leurs pensées les plus intimes, qu’elles soient refoulées par peur du jugement ou par pure incapacité, sur des morceaux de ruban. Une fois rejetée sur place, la voix du spectateur se joint à un chœur de confessions perdues – démontrant la libération associée à la catharsis et le caractère sacré des environnements méditatifs dans les moments d’isolement partagé. Rachel Lee Hovnanian est une artiste basée à Miami dont la pratique multidisciplinaire explore les complexités du féminisme moderne et les effets psychologiques de la technologie.

Bosco Sodi au Palais Vendramin Grimani. Plus ça change, plus c’est la même chose
Bosco Sodi, réputé pour son utilisation de matières premières naturelles dans des sculptures et des peintures à grande échelle, a été choisi par la Fondazione dell’Albero d’Oro pour une résidence d’artiste au Palazzo Vendramin Grimani. L’essentielle simplicité de la matière et les pigments intenses, recherchés par Sodi dans le monde entier, sont à la base de son processus de création, que l’artiste décrit comme un « chaos contrôlé » qui produit « quelque chose de totalement irrépétible ». Les œuvres seront créées par l’artiste dans l’androne ou la salle du rez-de-chaussée du palais surplombant le Grand Canal et constituent le cœur de l’exposition organisée par Daniela Ferretti et Dakin Hart.

La Catalogne à Venise_Llim
Le llim (limon) adhère aux canaux et aux tubes de verre, les relie, et assimile progressivement les couches qui composent Venise. Si une ville entourée d’eau est devenue le centre verrier du monde occidental, c’est grâce à la viscosité : la capacité du verre et de l’eau à muter entre les états de la matière facilite la collaboration et la coexistence. L’eau a un pouvoir fertile car elle se transforme en limon au contact de la terre. De la boue noire du Nil vient le mot arabe khemia, alchimie, qui a trouvé une source d’inspiration dans le verre. Llim n’aspire pas à l’obtention de l’or ni de la quintessence : il déplace les fondations de Venise avec le même calme qu’il métabolise et ramène les matériaux à leur origine.

Chun Kwang Young : l’époque réinventée
Times Reimagined est un laboratoire esthétique de Chun Kwang Young, un artiste qui travaille depuis une trentaine d’années sur le thème de l’interdépendance entre les êtres vivants et les valeurs socioécologiques de leurs relations. Ses reliefs orientés hanji (papier de mûrier coréen), ses sculptures, ses installations et, point culminant, la structure architecturale in situ réalisée en dialogue avec l’architecte Stefano Boeri sont tous mis en scène pendant l’exposition. Le papier, qui vivait autrefois sous forme de livres, renaît sous forme de créatures symboliques, réinventant les connaissances, les informations et les valeurs qui ont jugé et déterminé notre époque. Grâce à ceux-ci, le public est encouragé à reconsidérer les pratiques non écologiques existantes et à rechercher de nouvelles issues.

Claire Tabouret : Je suis une chair spacieuse et chantante
Claire Tabouret : Je suis spacieux, chantant la chair présente une nouvelle lecture critique des dimensions clés du travail de l’artiste dans une remarquable exposition-enquête organisée par Kathryn Weir qui explore les multiples transformations : de soi, de l’autre, des identités collectives, de la lutte, de la libération et du refuge. Un dialogue puissant et inattendu est également créé avec plusieurs objets de dévotion tirés du contexte italien, invoquant un seuil ambivalent dans la pratique de Tabouret, un portail vers de multiples temporalités et subjectivités à travers lesquelles envisager des relations alternatives entre les êtres humains, et entre les êtres humains et leur environnement. , en communication avec le surnaturel face aux crises écologiques et sociales.

Eugen Raportoru : L’enlèvement au sérail
Une capsule temporelle aux multiples facettes et kaléidoscopique, une série d’installations d’éléments in situ qui peuplent l’espace domestique rom. La série est fondée sur une compréhension de l’importance des récits que ces objets incarnent, ainsi que de leur capacité à informer et à refléter la culture rom, la vie des Roms et la diffusion des connaissances roms. L’histoire de la présence croissante des tapis d’Orient dans les foyers d’Europe de l’Est est retracée, invitant à la méditation sur la configuration spatio-temporelle spécifique des notions d’identité et d’histoire, mais aussi de traumatisme, d’espoir, de corps et d’affect. Une série d’interventions réfléchit davantage sur la double position minoritaire des femmes roms, créant une chambre de résonance nous permettant d’écouter et d’apprendre de leurs voix.

EWA KURYLUK
L’exposition d’Ewa Kuryluk est une rencontre avec l’artiste et l’intellectuel, ainsi qu’un voyage sur les traces de lieux importants pour elle : Corinthe, la « Petite Italie » dans la Varsovie d’après-guerre, la « Petite Venise » à Londres et New York. La prose savante et postmoderne et l’essayisme de l’historienne de l’art cèdent cependant ici la place à une fille, une sœur et une amante sensible dont l’histoire flotte dans des installations éphémères et personnelles faites de temps, d’air et de tissu. Ewa Kuryluk, artiste polonaise, est connue dans le monde entier grâce à plus de cinquante expositions personnelles en Europe, aux États-Unis, en Amérique du Sud, au Canada et au Japon. Elle est une pionnière de l’installation textile éphémère, peintre, photographe, historienne de l’art, romancière et poétesse. Son travail se retrouve dans des collections publiques et privées en Europe et aux USA.

De la Palestine avec l’art
L’exposition, promue par le Palestine Museum US, montre la richesse de l’art contemporain produit en Palestine et dans la diaspora. Contextualisant le langage du modernisme, les artistes interprètent les codes et les symboles en tant qu’artistes pour montrer la beauté de la terre et du peuple palestiniens. L’olivier, bien-aimé du peuple, se dresse au centre de l’exposition au sommet d’une carte historique de la Palestine, entouré de robes brodées et de peintures. From Palestine With Art crée une déclaration puissante correspondant à la détermination des Palestiniens à embrasser la terre et le patrimoine.

Ha Chong Hyun
Ha Chong-Hyun est surtout connu en tant qu’artiste Dansaekhwa, mais cette désignation ne s’applique qu’à un aspect d’une pratique variée consacrée à l’exploration des matériaux et de leurs propriétés depuis plus de cinquante ans. Après la guerre de Corée, Ha a produit des œuvres abstraites et tridimensionnelles à l’aide d’objets trouvés reflétant les traumatismes durables de la guerre. En 1974, il a commencé sa série acclamée Conjonction qui utilise le bae-ap-bub, la méthode innovante de l’artiste consistant à pousser la peinture à l’huile à l’arrière du tissage de la toile vers l’avant. Cette approche personnifie l’engagement de Ha à défier le statu quo et à développer un vocabulaire artistique unique. Cette rétrospective a pour but de présenter toute l’étendue de ses matériaux, méthodes et expérimentations créatives, ainsi que de souligner son rôle de pionnier dans  »

Heinz Mack – Vibration de la lumière
Dans une vaste exposition personnelle, le fondateur de ZERO et artiste cinétique Heinz Mack, qui a représenté l’Allemagne à la 35e exposition internationale d’art en 1970, présente un échantillon impressionnant de son travail dans l’un des lieux les plus emblématiques de Venise. Sous la forme d’une imposante installation spatiale, les peintures monumentales et les stèles lumineuses de Mack y côtoient les chefs-d’œuvre du Titien, du Tintoret et de Véronèse. À travers les stèles miroirs de lumière, le lieu atmosphérique avec ses peintures de la Renaissance est repris et reflété. La lumière, qui joue un rôle central dans l’œuvre de Mack et dans cette exposition, détermine également ses peintures contemplatives de champs de couleurs qui transcendent l’espace historique en un lieu de méditation temporaire.

Rêves impossibles
L’exposition d’archives et les événements sont censés être considérés comme des plates-formes interactives, se parlant les uns aux autres et inspirés par les matériaux de chacun. Il ne s’agit pas d’initiatives curatoriales distinctes, mais d’assemblages qui s’adressent à la mémoire (archive) et à la présence (événement), toutes deux nourrissant une foi en l’avenir. L’archive devient événement esthétique et l’événement devient archive délibérative. L’événement est un séminaire vivant de gestes performatifs et l’archive comprend des objets énigmatiques. Impossible Dreams reconnaît les contraintes de la crise actuelle et travaille en même temps à la réalisation d’une possibilité. Impossible signifie « pas encore possible », une description d’une condition et un espoir pour de meilleures choses, personnes et mondes à venir.

Katharina Grosse
Dans un cadre noir, Apollo, Apollo présente une image composite des mains de Katharina Grosse imprimée sur un tissu à mailles métalliques, représentant un moment où les frontières entre le corps de l’artiste et la matière colorée s’estompent dans l’acte de création. Avec sa fluidité métallique et son intensité teintée, qui prend une résonance particulière dans le contexte vénitien, cette œuvre mêle le transparent à l’opaque, laissant filtrer la lumière, créant une porte d’entrée vers un monde onirique où le visiteur interroge les frontières entre réalité et imaginaire.
Espace Louis Vuitton, San Marco 1353, Calle del Ridotto

Kehinde Wiley : une archéologie du silence
Kehinde Wiley : Une archéologie du silence est une réflexion sur les brutalités du passé colonial américain et mondial. L’exposition comprend une collection de nouvelles peintures et sculptures monumentales qui méditent sur la mort d’hommes noirs partout dans le monde et sur la façon dont les médias mondiaux ont révélé ces atrocités autrefois réduites au silence. « C’est l’archéologie que je découvre », déclare Wiley. « Le spectre de la violence policière et du contrôle de l’État sur les corps des jeunes Noirs et Bruns partout dans le monde ». Les nouveaux portraits racontent une histoire de survie et de résilience, se tenant comme des monuments d’endurance et de persévérance face à la sauvagerie.

Lita Albuquerque : Lumière liquide
L’astronaute du 25e siècle du film de Lita Albuquerque fait passer une connaissance d’un autre monde à travers les plans du céleste et du terrestre. Comme les commerçants arrivant dans la Venise d’autrefois ou les touristes débarquant aujourd’hui, sa rencontre avec la Terre est une rencontre d’émerveillement et d’appréhension – émerveillement devant ce qui a survécu à la corruption du temps et à l’appréhension de sa survie continue. Amalgame d’iconographie, d’histoire personnelle et de paysages émotionnels qui incarnent la mythologie de l’artiste, Liquid Light est présenté comme une installation vidéo tryptique, de concert avec des composants d’installation provenant et créés localement, en collaboration avec des artisans vénitiens.

Louise Nevelson. Persistance
Organisée pour marquer le 60e anniversaire de la présentation de Louise Nevelson pour le pavillon américain de la 31e Biennale de Venise en 1962, cette exposition se concentre sur le genre qui s’avérera être la contribution la plus définitive de Nevelson à l’art du XXe siècle : l’assemblage. Organisée par Julia Bryan-Wilson, l’exposition rassemble plus de soixante œuvres couvrant trente ans de production, soulignant la combinaison extraordinairement inventive de matériaux de Nevelson, y compris des murs grillagés noirs monumentaux bien connus et des collages plus petits et moins connus qui présentent une gamme de couleurs. et ont été fabriqués avec des objets de tous les jours comme du papier journal, des morceaux de métal aplatis, du carton, du papier d’aluminium, du papier de verre et du tissu. Installées de manière non chronologique, ces œuvres témoignent de la remarquable persistance de Nevelson :

Lucio Fontana / Antony Gormley
Lucio Fontana / Antony Gormley est une exposition construite sur une conversation concise et sélective entre des œuvres d’art qui examinent les implications de la lumière, de l’espace et de l’absence. Une sélection de dessins réalisés par Lucio Fontana entre 1946 et 1968 et une série d’œuvres sur papier couvrant de nombreux aspects de la recherche d’Antony Gormley, sont intégrés aux sculptures de chacun de ces artistes. Tant dans leurs capacités bidimensionnelles que tridimensionnelles, le travail des artistes « habite » l’espace et l’attention des spectateurs se déplace de l’objet dans l’espace vers l’espace lui-même. Chaque œuvre porte en elle la trace de la réalité de l’instant où le geste, qu’il soit sculptural ou graphique, libère la tension énergétique contenue dans son exécution même. Le signe devient alors aussi un enregistrement du temps.

Pera + Flore + Faune
Le discours sur l’autochtonie et la nature est largement influencé par les attitudes culturelles dominantes des nations industrialisées, les nations mêmes qui contribuent au problème environnemental existant. Cela conduit à des questions telles que la pensée esthétique peut-elle conduire à la conservation et à la restauration de la nature ou de l’autochtonie ? Les populations autochtones du monde entier peuvent-elles contester l’histoire (de l’art) documentée traditionnelle écrite par les non-autochtones ? Les populations indigènes peuvent-elles obtenir la liberté de revendiquer collectivement « leur propre histoire et leurs propres récits », s’opposant au discours dominant ? Pera + Flora + Fauna entend interroger les interrelations entre l’autochtonie, la culture dominante et la nature.

Route de la Foi
The Road of Faith montre un processus d’éveil de l’humanité suivant sa propre intuition pour lutter contre le chaos de son esprit et de sa divinité. L’exposition se compose de trois parties : Ocean bloom, Ode to the Nymph of the Luo River et With the immuability of the absolute. L’œuvre littéraire du classique chinois Ci Fu, Ode à la nymphe de la rivière Luo est présentée avec de l’encre couleur et la technologie VR. Dans cette transmission de deux à trois dimensions, utilisant une musique originale contenant des phonèmes d’opéra chinois et d’opéra occidental comme guide, le public peut voir la confrontation et la lutte constantes des êtres humains et leur propre avidité dans le cycle de la réincarnation.

Rony Plesl : Les arbres poussent du ciel
Le projet d’exposition de l’artiste tchèque Rony Plesl aborde les questions de l’essence de l’existence humaine et de la définition de l’humanité. Il touche également à la relation de l’humanité et de la nature, fournissant sa réflexion immédiate sur de multiples couches de sens. Le récit du concept global et de l’installation spécifique au site des œuvres d’art en verre uniques s’articule autour d’un voyage, d’une recherche de notre chemin dans le monde d’aujourd’hui. La réalisation du projet de Venise est une première mondiale de la technologie unique de moulage du verre dans un contexte mondial, permettant la création d’une sculpture en verre sans aucune limitation.

Stanley Whitney : les peintures italiennes
Le peintre abstrait virtuose Stanley Whitney, né à Philadelphie en 1946, explore depuis le milieu des années 1970 les possibilités formelles de la couleur dans des grilles toujours changeantes de blocs multicolores et de champs gestuels omniprésents. Une période de formation passée en Italie au début des années 1990, où Whitney a été absorbé par l’art et l’architecture du pays, a transformé à jamais la composition de ses peintures. Cette exposition, co-organisée par Cathleen Chaffee et Vincenzo de Bellis, est la première à rassembler des œuvres réalisées par Whitney en Italie des années 1990 à aujourd’hui, et à considérer l’influence de l’art et de l’architecture italiens sur sa peinture.

Francesca Leone
L’artiste porte son regard sur la notion de Temps : c’est le temps de la rouille qui s’oxyde sur le métal, le raye, le cicatrise ; c’est sur cette peau que l’artiste intervient et insinue délicatement la couleur, recouvre les plaies. C’est dans ce dialogue de souvenirs que Leone construit son propre récit visionnaire, où une nature douloureuse demande une pause, comme ces œuvres chuchotent, invitant à s’arrêter, à donner du temps à ses pensées et à laisser surgir les rêves. Prendre son temps, c’est s’accorder le privilège du regard, laisser le temps à l’art d’écrire sa propre histoire. Un geste insurgé pour faire surgir une nouvelle pensée utopique, un nouvel enchantement.

Mar. Greenfort: Medusa Alga Laguna
L’installation Medusa Alga Laguna de l’artiste conceptuel danois Tue Greenfort se concentre sur diverses interespèces de la vie dans la lagune de Venise et introduit une relation humaine et non humaine. Les manifestations sculpturales – parfois en verre en référence aux représentations réalistes de la nature du milieu du XIXe siècle – nous transportent dans le monde biodiversifié des eaux vénitiennes. Il révèle la complexité fascinante des formes de vie marines telles que les algues et les méduses. L’exposition personnelle est présentée par la Fondation ERES Munich, une institution qui promeut le dialogue entre la science et les beaux-arts. Le spectacle poursuit le projet Alga de Greenfort à Munich (2021).

Non peigné, imprévu, sans contrainte
Parasol unit, Londres présente une exposition collective de onze artistes contemporains internationaux, dont les présentations s’alignent sur le phénomène d’entropie, ou une mesure de désordre. Selon le conservateur Ziba Ardalan, les artistes Darren Almond, Oliver Beer, Rana Begum avec Hyetal, Julian Charri re, David Claerbout, Bharti Kher, Arghavan Khosravi, Teresa Margolles, Si On, Martin Puryear et Rayyane Tabet ont indépendamment identifié et répondu de manière poignante à un certain nombre de phénomènes défavorables qui, au cours des dernières décennies, ont pris une importance croissante dans notre vie quotidienne et notre environnement et dans notre histoire sociale et collective, menaçant ainsi la vie sur la planète Terre.

Vera Molnar : Icône 2020
Vera Molnár : Icône 2020 est une exposition centrée sur une nouvelle commande, Icône 2020, fondée, produite et organisée par Francesca Franco. Il s’agit de la toute première sculpture en verre de Vera Molnár dans une carrière qui s’étend sur plus de quatre-vingts ans. Prenant la nouvelle commande comme point central, cette exposition explore le processus qui a rendu cette sculpture possible, rassemblant des croquis préparatoires, des dessins originaux de traceur et du matériel de documentation qui révèlent les complexités derrière la réalisation d’Icône 2020, encourageant une nouvelle réflexion sur la sculpture et le ramifications inimaginables de l’art informatique.

Avec les mains, les signes grandissent
La Fondation Odalys et la Fondation Signum, avec le soutien du Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira (Ministerio de Cultura y Deporte, Espagne), ont permis un projet d’intervention au Palazzo Donà, siège italien de la Fondation Signum, qui comprend plusieurs sites- projets spécifiques conçus pour différentes salles du Palazzo. Un groupe de quatre jeunes artistes (Ruth Gómez, Nuria Mora, Daniel Muñoz et Sixe Paredes) participe à cette initiative à travers un processus de création qui a une caractéristique commune : le désir de partager leur vision du monde à travers l’art. De telle sorte que ces interventions désormais dans l’espace du Palazzo pourraient être définies comme un ensemble de microrécits issus du territoire personnel de chaque artiste, un territoire désormais public mais aussi incontesté, en raison de sa charge historique. Artistes qui ont travaillé sur le lieu, racontant chacun d’eux un mur/sol ou une pièce du Palazzo Donà.

Sans femmes
L’œuvre de Zinaida Without Women traite de la pureté de la vie des éleveurs de moutons dans la nature et de la transformation de l’énergie masculine. De l’enfance jusqu’à l’âge adulte, les hommes des villages des Carpates quittent leurs habitations pour partir cinq mois dans les montagnes. Parmi l’abondance de moutons et de vaches, ils transforment le lait en beurre et en fromage. Dans cet acte de sublimation, qui dévoile complètement les rôles masculins, la masculinité est renouvelée jusqu’à la pureté. Dans leur environnement solitaire, les hommes peuvent pleinement et vivement exprimer et renouveler leur nature masculine. Tout comme les moines, ces hommes vivent au sein de la nature seuls et sans femmes. L’œuvre se compose de trois vidéos et d’une installation, The Milk of Life.

Groupe artistique « YiiMa »: Allégorie des rêves
Allegory of Dreams est une exposition d’art contemporain complète présentant une documentation sur l’art de la performance, la photographie, les vidéos et les sculptures intérieures et extérieures. Organisée par le commissaire international João Miguel Barros, l’exposition présente des œuvres de « YiiMa », un groupe artistique formé à Macao par Ung Vai Meng et Chan Hin Io. Dans la lignée du Lait des Rêves, l’exposition est conçue et développée comme une Allégorie des Rêves. En présentant des enregistrements des performances en direct des deux artistes, l’événement vise à présenter aux visiteurs l’environnement culturel unique de Macao, plein de souvenirs et d’histoire, leur offrant l’occasion de découvrir ses scènes oniriques mais allégoriques de la vie quotidienne.