Una natura morta è un’opera d’arte raffigurante principalmente soggetti inanimati, oggetti tipicamente banali che sono o naturali (cibo, fiori, animali morti, piante, rocce, conchiglie, ecc.) O artificiali (bicchieri, libri, vasi, gioielli, monete, tubi, ecc.).

Con origini nel Medioevo e nell’antica arte greco-romana, la pittura di nature morte emerse come un genere distinto e una specializzazione professionale nella pittura occidentale verso la fine del XVI secolo, ed è rimasta significativa da allora. Una forma di natura morta conferisce all’artista più libertà nella disposizione degli elementi all’interno di una composizione rispetto a dipinti di altri tipi di soggetti come il paesaggio o la ritrattistica. La natura morta, come genere particolare, è iniziata con la pittura olandese dei secoli XVI e XVII e il termine inglese still life deriva dalla parola olandese stilleven. I primi dipinti di nature morte, in particolare prima del 1700, contenevano spesso simbolismi religiosi e allegorici relativi agli oggetti raffigurati. Alcuni lavori di still-life moderni rompono la barriera bidimensionale e impiegano mezzi di comunicazione misti tridimensionali, e utilizzano oggetti trovati, fotografia, computer grafica, nonché video e audio.

Il termine include la pittura di animali morti, in particolare il gioco. Quelli vivi sono considerati arte animale, anche se in pratica sono stati spesso dipinti da modelli morti. La categoria still-life condivide anche le parti comuni con l’illustrazione zoologica e soprattutto botanica, dove si è verificata una notevole sovrapposizione tra gli artisti. Generalmente una natura morta include uno sfondo completamente dipinto e pone le preoccupazioni estetiche piuttosto che illustrative come primarie.

La natura morta ha occupato il gradino più basso della gerarchia di generi, ma è stata estremamente popolare tra gli acquirenti. Così come il soggetto di natura morta indipendente, la pittura di natura morta comprende altri tipi di pittura con elementi di spicco della vita, di solito simbolici, e “immagini che si basano su una moltitudine di elementi di natura morta apparentemente per riprodurre una” fetta di vita ” ‘”. La pittura trompe-l’œil, che intende ingannare lo spettatore nel pensare che la scena sia reale, è un tipo specializzato di natura morta, che di solito mostra oggetti inanimati e relativamente piatti.

Antecedenti e sviluppo

I dipinti di natura morta spesso adornano l’interno delle antiche tombe egiziane. Si credeva che gli oggetti alimentari e gli altri oggetti raffigurati lì, nell’aldilà, diventassero reali e disponibili per l’uso da parte del defunto. Dipinti di vasi antichi greci dimostrano anche grande abilità nel raffigurare oggetti e animali di tutti i giorni. Peiraikos è citato da Plinio il Vecchio come pittore di quadri di soggetti “bassi”, come sopravvivere nelle versioni a mosaico e nei dipinti murali provinciali di Pompei: “negozi di barbieri, bancarelle di ciabattini, asini, commestibili e soggetti simili”.

Simile natura morta, più semplicemente decorativa nell’intento, ma con una prospettiva realistica, sono stati trovati anche nelle pitture murali romane e nei mosaici pavimentali portati alla luce a Pompei, Ercolano e Villa Boscoreale, compreso il successivo motivo familiare di una ciotola di frutta in vetro. I mosaici decorativi denominati “emblema”, trovati nelle case dei ricchi romani, hanno dimostrato la gamma di cibo di cui godono le classi superiori, e hanno anche funzionato come segni di ospitalità e come celebrazioni delle stagioni e della vita.

Entro il 16 ° secolo, cibo e fiori sarebbero apparsi di nuovo come simboli delle stagioni e dei cinque sensi. Anche a partire dall’epoca romana è la tradizione dell’uso del cranio nei dipinti come simbolo di mortalità e resti terreni, spesso con la frase di accompagnamento Omnia mors aequat (la Morte rende tutti uguali). Queste immagini di vanitas sono state reinterpretate attraverso gli ultimi 400 anni di storia dell’arte, a partire dai pittori olandesi intorno al 1600.

L’apprezzamento popolare del realismo della pittura di nature morte è legato all’antica leggenda greca di Zeusi e Parrasio, che si dice abbiano gareggiato per creare gli oggetti più realistici, le prime descrizioni della storia della pittura trompe-l’œil. Come Plinio il Vecchio registrò in epoca romana, artisti greci secoli prima erano già avanzati nelle arti della ritrattistica, della pittura di genere e della natura morta. Ha individuato Peiraikos, “il cui talento artistico è superato solo da pochissimi … Ha dipinto bancarelle e bancarelle, asini, verdure e cose simili, e per questo motivo è stato chiamato il ‘pittore di soggetti volgari’, eppure queste opere sono del tutto deliziose e sono state vendute a prezzi più alti rispetto ai più grandi [dipinti] di molti altri artisti “.

Medioevo e primo Rinascimento
Nel 1300, a partire da Giotto e dai suoi allievi, la pittura di nature morte fu ripresa sotto forma di nicchie fittizie su pitture murali religiose che raffiguravano oggetti di uso quotidiano. Attraverso il Medioevo e il Rinascimento, la natura morta nell’arte occidentale rimase principalmente un’aggiunta a soggetti religiosi cristiani, e convocò il significato religioso e allegorico. Ciò era particolarmente vero nel lavoro degli artisti del Nord Europa, il cui fascino per il realismo e il simbolismo ottico estremamente dettagliati li portò a prestare grande attenzione al messaggio generale dei loro quadri.Pittori come Jan van Eyck usavano spesso elementi di nature morte come parte di un programma iconografico.

Nel tardo Medioevo, gli elementi di natura morta, per lo più fiori ma anche animali e talvolta oggetti inanimati, erano dipinti con crescente realismo nei confini dei manoscritti miniati, sviluppando modelli e progressi tecnici che venivano usati dai pittori di immagini più grandi. C’era una considerevole sovrapposizione tra gli artisti che producevano miniature per manoscritti e quei pannelli di pittura, specialmente nella pittura dei primi Paesi Bassi. L’Ore di Caterina di Cleves, probabilmente realizzata a Utrecht intorno al 1440, è uno dei migliori esempi di questa tendenza, con bordi che presentano una straordinaria gamma di oggetti, tra cui monete e reti da pesca, scelti per integrare il testo o l’immagine principale in quel Punto particolare. I laboratori fiamminghi più tardi nel secolo hanno portato il naturalismo degli elementi di confine ancora di più. Gli arazzi millefleur gotici sono un altro esempio del crescente interesse generale per le accurate raffigurazioni di piante e animali. Il set di The Lady and the Unicorn è l’esempio più noto, progettato a Parigi intorno al 1500 e poi tessuto nelle Fiandre.

Lo sviluppo della tecnica della pittura ad olio di Jan van Eyck e di altri artisti del Nord Europa ha permesso di dipingere oggetti di uso quotidiano in questo modo iperrealistico, grazie alla lenta essicazione, alla miscelazione e alla stratificazione delle qualità dei colori ad olio. Tra i primi a liberarsi dal significato religioso furono Leonardo da Vinci, che creò studi di acquerello su frutta (intorno al 1495) come parte del suo inquieto esame della natura, e Albrecht Dürer che realizzò anche precisi disegni colorati di flora e fauna.

Il ritratto di Petrus Christus di una sposa e di uno sposo in visita a un orafo è un tipico esempio di una natura morta di transizione che descrive sia il contenuto religioso che quello secolare. Sebbene il messaggio sia per lo più allegorico, le figure della coppia sono realistiche e gli oggetti mostrati (monete, vasi, ecc.) Sono accuratamente dipinti ma l’orafo è in realtà una rappresentazione di Sant’Eligio e gli oggetti fortemente simbolici. Un altro tipo simile di pittura è il ritratto di famiglia che unisce le figure con una tavola ben apparecchiata, che simboleggia sia la pietà dei soggetti umani che il loro ringraziamento per l’abbondanza di Dio. Intorno a questo periodo, semplici raffigurazioni di nature morte divorziate da figure (ma non dal significato allegorico) cominciavano a essere dipinte all’esterno delle imposte dei dipinti devozionali privati. Un altro passo verso la natura morta autonome era la pittura di fiori simbolici in vasi sul retro di ritratti secolari intorno al 1475. Jacopo de ‘Barbari fece un ulteriore passo avanti con la sua natura morta con pernici, guanti di ferro e frecce di balestra (1504), tra i primi dipinti trompe-l’œil firmati e datati di nature morte, che contengono un contenuto religioso minimo.

Varie navi al confine di un libro illuminato di ore per Engelbert di Nassau, artista fiammingo, 1470s	Particolare di uno degli arazzi millefleur di Lady and the Unicorn , c. 1500	Albrecht Dürer, The Large Piece of Turf , 1503	Jacopo de ‘Barbari, Still-Life with Partridge and Gauntlets (1504), una primissima natura morta indipendente, forse la parte posteriore o la copertina di un ritratto