Il LA Art Show, la più completa mostra internazionale d’arte contemporanea in America, ha ufficialmente dato il via alla stagione artistica 2018 della città al Los Angeles Convention Center il 10 gennaio 2018. LA Art Show è l’esperienza artistica internazionale senza precedenti con oltre 100 gallerie provenienti da oltre 18 paesi che espongono pittura, scultura, opere su carta, installazione, fotografia, design, video e performance.

Basandosi sull’entusiasmo dello scorso anno, DIVERSEartLA dedica oltre 60.000 piedi quadrati nel LA Art Show a performance art, installazioni, mostre e programmi curati dai principali musei e organizzazioni artistiche come LACMA, MOLAA, The AUTRY e MUSA Museum of the art Guadalajara. La sezione DIVERSEartLA è dedicata a coltivare l’energia creativa di collezionisti, artisti, curatori e istituzioni fornendo una piattaforma di arte contemporanea che aiuta a potenziare. cpmmect e coinvolgere la comunità dinamica di Los Angeles e il pubblico diversificato con il mondo.

Goditi le installazioni più concettuali e astratte del LA Art Show, come i sacchi da boxe “Left or Right” di Antuan Rodriguez e “Space Boat” di Bunnie Reiss a Littletopia. Il lavoro di Adrienne Stein era di particolare rilievo, con le sue figure eteree intrecciate con flora e fauna, ed era una luce realista nella sezione contemporanea di Littletopia. Erano esposte opere provenienti da tutto il mondo, che intrecciavano arte da 18 paesi, inclusa l’Esposizione Nazionale dalla Cina.

Una nuova sezione della mostra, intitolata “DESIGN LA ART”, ha portato in mostra il design di interni e architettura. Con questa nuova sezione onoriamo la già ricca storia della città nei regni del design e dell’architettura, oltre a presentare una programmazione lungimirante sulla crescente fusione di queste due discipline.

La fiera si concentra sull’America Latina e sul Pacifico. L’evento presenta una vasta gamma di arte contemporanea e moderna, a quella classica e altre scene d’arte specializzate che spesso comandano i propri spettacoli dedicati. Presentazioni radiose prendono vita da una varietà di gallerie che plasmano la sfera artistica di Los Angeles come uno spazio di espressione completamente accessibile. La tradizione e il prestigio di LA Art Show sono già pienamente consolidati nella città e nei suoi dintorni, ne fanno una delle principali fiere d’arte contemporanea americane.

Los Angeles è emersa come un epicentro globale di arte e cultura, con un’influenza multiculturale distinta e intrecciata unica per la città. La diversità è la nostra forza e l’arte è più impattante quando include o trascende tutti i confini. Mentre Los Angeles si afferma come destinazione di livello mondiale per l’arte, il LA Art Show continua ad aprire la strada con una programmazione innovativa ed esperienze uniche per un pubblico di collezionisti in espansione.

Il LA Art Show crea una delle più grandi fiere d’arte internazionali negli Stati Uniti, offrendo un’esperienza artistica entusiasmante, coinvolgente e riservata agli sponsor, ai loro ospiti selezionati e ai clienti VIP. La mostra attrae un elenco d’élite di gallerie nazionali e internazionali, artisti acclamati, curatori molto apprezzati, architetti, professionisti del design, insieme a collezionisti esigenti.

Il LA Art Show è anche noto per un fitto programma di eventi speciali durante il fine settimana; negli anni passati i temi hanno spaziato dall’arte alla moda al cinema. La programmazione di quest’anno mette in evidenza temi importanti legati al mondo dell’arte contemporanea, compreso il trend topic, in quanto attiene ai file digitali originali e da collezione nel settore delle belle arti.

Più di 200.000 piedi quadrati di spazio espositivo sono dedicati alle gallerie importanti di oggi. Queste gallerie nazionali e internazionali, oltre ai loro stand, curano mostre speciali che sono in prima linea nel fiorente movimento artistico contemporaneo. La fiera offre una straordinaria gamma di opere ed esperienze in sezioni specializzate.

LA Mostra d’Arte 2018
Il LA Art Show 2018 crea una delle più grandi fiere d’arte internazionali negli Stati Uniti, offrendo un’esperienza artistica entusiasmante, coinvolgente e riservata agli sponsor, ai loro ospiti selezionati e ai clienti VIP. La mostra attrae un elenco d’élite di gallerie nazionali e internazionali, artisti acclamati, curatori molto apprezzati, architetti, professionisti del design, insieme a collezionisti esigenti.

Questo ambiente culturale innovativo ed eccezionale attrae dirigenti e membri del consiglio di amministrazione di aziende del sud della California, rappresentanti del governo statale, di contea e municipale, nonché leader delle istituzioni culturali della regione. I partecipanti sono trendsetter, influencer e consumatori alfa, che cercano e richiedono il meglio e il più nuovo in tutte le aree della loro vita: arte, design, cibo, tecnologia e viaggi sono punti di passione specifici.

Per la sua 23a edizione, la vetrina continua la sua espansione nel mercato dell’arte globale con una nuova partnership con Il Museo delle Arti di Guadalajara, nonché espositori provenienti da più di 18 paesi. Gli espositori di ritorno includono i pesi massimi Patrick Painter, Timothy Yarger, SM Fine Art e altri. ROOTS, sezione dedicata alle opere storiche, torna per il secondo anno consecutivo con espositori come MS Rau Antiques, Rehs Gallery e Maxwell Alexander, solo per citarne alcuni. Littletopia torna con le gallerie emergenti della scena artistica lowbrow contemporanea. DESIGN LA è stata una nuova aggiunta allo spettacolo, concentrandosi su arte funzionale, mobili moderni, decorazioni d’accento, oggetti architettonici, gioielli e altro ancora.

Core – Core è uno spazio curato per le gallerie riconosciute in tutto il mondo come leader nell’arte contemporanea. Le gallerie qui esposte educano, ispirano e affascinano continuamente gli accaniti collezionisti di tutto il mondo con le voci più ricercate del mercato.

Modern + Contemporary – La più grande sezione di programmazione al LA Art Show, Modern + Contemporary espone il vasto spettro di pittura contemporanea, illustrazione, scultura e altro dalle gallerie di Los Angeles, del Pacifico e dei paesi di tutto il mondo.

Roots – Onorando le voci e i movimenti precedenti, ROOTS è uno spazio espositivo dedicato alle gallerie che mettono in mostra opere storiche e artisti contemporanei che seguono quelle tradizioni.

Design LA Art – Design LA Art funge da spazio curato per mostrare importanti gallerie di design internazionali. Design LA Art fornisce un mercato dell’arte per il design contemporaneo da collezione e l’arte funzionale, mostrando il meglio di oggetti di design, arte, gioielli, architettura e arredamento presentati accanto alle principali gallerie moderne e contemporanee globali di oggi.

Works On Paper – Works on Paper è uno spazio espositivo dedicato alla presentazione di fotografie e altre opere non su tela tradizionale.

Project Space – Provenienti da tutto il mondo, gli espositori di Project Space mettono in mostra un’ampia gamma di idee e talenti sotto forma di mostre personali, presentate dalle gallerie partecipanti.

JEWEL – JEWEL è uno spazio dedicato agli espositori specializzati in articoli di lusso, inclusi gioielli e altri accessori che circondano il mondo delle belle arti.

DIVERSEartLA – Sfruttando la posizione della città sul Pacific Rim, DIVERSEartLA è una sezione di programmazione speciale dedicata a coltivare l’energia creativa di collezionisti, artisti, curatori, musei e organizzazioni non profit internazionali collegandoli direttamente con il pubblico di Los Angeles. Diversità e inclusione continuano a essere i nostri mandati chiave mentre riflettiamo e ci rallegriamo. Sfruttando la posizione della città sul Pacific Rim, DIVERSEartLA è una sezione di programmazione speciale che dedica oltre 35.000 piedi quadrati dedicati a coltivare l’energia creativa di collezionisti, artisti, curatori, musei e organizzazioni non profit internazionali collegandoli direttamente con il pubblico di Los Angeles.

Mostre in primo piano – Espandendosi oltre i confini degli spazi dello stand, le mostre in primo piano creano esperienze coinvolgenti per coinvolgere il pubblico attraverso opere d’arte stimolanti, spettacoli e altre mostre offerte dalle gallerie partecipanti, mettendo in evidenza opere di cui si è parlato negli anni a venire.

Mostre

Dansaekhwa IV: Ritmo interno – Kim Tae-Ho
Lo sviluppo dei lavori più recenti di Kim Tae-Ho ha coinciso con l’inizio del millennio, intorno all’anno 2000. Concentrandosi sulle pennellate e sull’applicazione del colore, per la maggior parte, questi lavori sembrano essere molto diversi dai suoi lavori precedenti. Soprattutto, per quanto riguarda il cambiamento dell’aspetto, spessi strati di vernice formano masse voluminose, che si discostano nettamente dai suoi precedenti pezzi illusori bidimensionali. Allo stesso tempo ci sono differenze nella fisicità e differiscono in modo univoco dalle composizioni complete delle sue opere su carta.

Per quanto riguarda il processo, prima disegna linee intrecciate. Crea un ritmo fisso e, dopo aver costruito venti strati di pittura, gratta via il denso accumulo di pittura. Il colore nascosto sotto si anima ritmicamente all’interno della struttura. Innumerevoli spazi visivi sono costruiti all’interno della formazione a griglia sovrapposta; ogni cellula è paragonabile a un alveare, che produce la propria vita nel regno della pittura.

Cristobal Valecillos // YARE: One More Dance
Yare, One More Dance è una rappresentazione multidisciplinare contemporanea di Los diablos de Yare, dichiarata Patrimonio Culturale Immateriale dell’Umanità dall’UNESCO. Per celebrare l’iniziativa Getty’s Pacific Standard Time: LA/LA, l’artista invoca l’annuale festival Los Diablos de Yare creando una collezione di maschere artigianali. Valecillos ha creato una serie di splendide fotografie ambientate sullo sfondo dei simboli iconici di Los Angeles. Queste immagini provocatorie e avvincenti incorporano le gioie e le sfide dello spirito umano contemporaneo.

Il Dogma che abilita i nostri tempi più bui, la Propaganda che ci seduce alla complicità, il Basura che ci nutre, il Matasano a cui affidiamo il nostro più grande amore, il Solo il nostro rifugio tecnologico, “El Dulce”, capo della banda che ridicolizza il nostro la sete, l’Asfixia che stiamo infliggendo alla Madre Terra e il Sangre che abbiamo così irresponsabilmente versato.

Presidente del Direttore: Matthew Modine
Nel 30° anniversario di Full Metal Jacket di Stanley Kubrick, “Full Metal Diary” di Matthew Modine offre un ritratto incredibilmente raro e vibrante di uno dei film di guerra più iconici del cinema, di uno dei registi più enigmatici del settore. La mostra è uno studio di un giovane attore sotto l’apprendistato di una leggenda.

Una combinazione di fotografie di medio formato raramente viste, scattate sul set, viene mostrata accanto a estratti poetici e intimi dal diario personale dell’attore. Questo sguardo dietro le quinte rivela intuizioni uniche sulla metodologia di Kubrick e sul complicato processo di un attore che lotta per venire a patti con la sua arte. “Full Metal Diary” è uno straordinario esempio di arte che imita la vita.

Attraverso lo specchio – Harmonia Rosales e Aldis Hodge
Through The Looking Glass nasce dalla nozione di percezione culturale introspettiva. Mette in discussione l’impegno dello spettatore con culture non riconosciute come proprie, così come i canali educativi a dette culture e, infine, mette in discussione la responsabilità dello spettatore di perseguire queste indagini. Creato nello spirito della sperimentazione sociale, Through The Looking Glass mira a far sì che il pubblico si impegni in una conversazione interna, permettendo a se stessi di rivelare i propri meccanismi più intimi.

TV LED con schermo pieghevole a cartone animato: Lee Nam Lee
Viene riprodotto in forma digitale un tradizionale quintetto asiatico dove le immagini fisse dei capolavori classici prendono vita mentre viaggiano nel tempo. L’interazione tra i personaggi dei cartoni animati e le varie immagini iconiche dell’arte, della guerra e della nostra società parla dei tanti volti della civiltà moderna. Inoltre, un senso di guarigione e restauro è offerto attraverso la trasformazione stagionale del paesaggio nei dipinti classici.

Pandemonia
Creato da un anonimo artista londinese, Pandemonia è un progetto di arte concettuale multimediale incentrato su un personaggio femminile costruito da simboli e archetipi. Il suo esterno plastico assume la forma di un disegno tridimensionale a metà tra il reale e l’immaginario. Pandemonia coinvolge il pubblico e invoglia i visitatori della mostra d’arte a interagire con lei, a partecipare e a creare la propria opera d’arte unica catturata come un selfie Polaroid.

Nella sua performance speciale, Pandemonia posa e si esibisce con vari oggetti e piacere per gli occhi dal suo mondo perfettamente ideale e surreale. Gli oggetti comprendono prodotti Trompe l’oeil, borse, animali domestici, aspirapolvere, ferri da stiro, oggetti per la casa e oggetti personali come gioielli, occhiali, tutti riecheggiando il suo vocabolario femminista pop. Era in costume, caratterizzato da fenomenali acconciature e abiti in lattice.

Non sono un trofeo: Arno Elias
Istituita nel 2016, I’m Not A Trophy è un’iniziativa globale per creare una maggiore consapevolezza negli atti dannosi di caccia di trofei e bracconaggio di specie in via di estinzione. Fondata dall’artista francese Arno Elias, la campagna utilizza potenti figure femminili, come la supermodella e attrice di fama internazionale Cara Delevingne, per rappresentare l’impegno del programma nel portare maggiore attenzione sulla caccia ai trofei e nel consentire alle donne di combattere gli stereotipi sessisti.

Unisci i punti: Logan Maxwell Hagege
L’artista americano contemporaneo, Logan Maxwell Hagege, in collaborazione con Maxwell Alexander Gallery, è orgoglioso di presentare Connect the Dots. Un’installazione che ci riporta alla nostra infanzia e ci trasforma tutti in artisti. Ogni partecipante ha cinque minuti per collegare i punti e rivelare un’opera d’arte originale. Collega i puntini con noi e porta a casa un’opera d’arte gratuita con la visione moderna dei paesaggi occidentali di Hagege.

Girasoles: Claudio Castillo
“Girasoles” di Claudio Castillo è un orologio generativo che riproduce 24 animazioni da un minuto all’inizio di ogni ora e tiene traccia delle fasi lunari e delle maree in tempo reale. Le immagini si evolvono all’infinito in una progressione casuale in cui nessuna singola composizione viene mai ripetuta con precisione, almeno non per migliaia di anni.

Ricostruire i ritratti della memoria: Mike Saijo
Questo workshop esplora gli effetti degli attuali e recenti cambiamenti culturali e tecnologici nei media sulla formazione del sé. Mike Saijo scatta una fotografia di ogni partecipante, che poi stampa direttamente su una sezione di giornale scelta dal partecipante. L’ospite ha la possibilità di portare a casa il ritratto. Lo stand presenta ritratti su larga scala di influencer negli attuali cambiamenti tecnologici e culturali.

Le scatole dell’infinito: Matt Elson
L’artista Matt Elson presenta una serie di scatole che consentono a gruppi intimi di persone di interagire tramite specchi infiniti costruiti in modo elaborato installati all’interno. Esteticamente sono oggetti che attirano lo spettatore da lontano con la strana bellezza della scatola e diventano progressivamente meno comprensibili durante l’interazione .

Tipicamente due persone si avvicinano, guardano da ogni lato, mettono la testa nella scatola e poi sono sorprese dal mondo che si apre all’interno. Le opere diventano veramente attive solo quando qualcun altro guarda nella scatola dall’altra direzione creando una connessione sociale in un altro mondo creato percettivamente.

Canzoni e poesie II: Erika Harrsch
Dopo aver ascoltato la metamorfosi di Philip Glass in un concerto, Harrsch si è ispirato ed è stato incaricato di illustrare il CD di questo grande compositore. Il lavoro di Harrsh, allineato tematicamente con la farfalla, condivide contenuti basati sulla migrazione e sulle circostanze circostanti che definiscono identità, nazionalità e mobilità globale. Partendo da questi progetti, ha ulteriormente approfondito la complessità dell’esperienza migratoria, per avvicinarsi alle riforme dell’immigrazione e alla ricontestualizzazione dei confini fisici.

Erika crea installazioni a parete con farfalle ritagliate che incorporano immagini di valuta internazionale. I modelli circolari e le onde creati dalle farfalle e dai disegni delle valute rappresentano i paesi da cui le persone si stanno spostando, riflettendo su come questi flussi di massa modellano i mercati economici.

SABRE: Dipingere dal vivo
SABRE, noto anche come Ryan Weston Shook, è un raffinato artista americano nato come artista di graffiti. Descritto come uno degli “artisti migliori e più rispettati nel suo campo” dal Washington Post, SABRE si unisce all’Art Show di Los Angeles durante la serata di apertura per creare un’opera originale che è stata esposta per tutta la durata della mostra.

Raggiunto la fama internazionale all’età di 21 anni, SABRE ha creato il più grande graffito del mondo sulla riva del fiume LA, visibile e documentato dai satelliti nello spazio. In anni di pittura dedicata e spesso pericolosa, ha contribuito a sensibilizzare il pubblico sulla vera forma d’arte dei graffiti. Il suo lavoro ha influenzato una generazione di artisti e grafici ed è diventato una parte influente dell’intrattenimento moderno, dei social media e dell’arte per la riforma sociale. Continua a realizzare i suoi dipinti vivaci, affascinanti e spesso politici dalla sua casa di Los Angeles. La sua arte si trova in gallerie e collezioni private di tutto il mondo. Nel frattempo, continua a creare conversazioni pubbliche su e a spingere i confini di ciò a cui l’arte dovrebbe (o non dovrebbe) essere confinata.

Il mondo del disegno di Jung-Gi Kim
Jung-Gi Kim è un disegnatore coreano e un disegnatore di fumetti. Non c’è niente al mondo che non possa disegnare. Tutto ciò che ha vissuto o non ha mai vissuto può essere rappresentato da lui perfettamente. Il suo maestro è la natura stessa. Il suo lavoro può essere spiegato solo dalle leggi della natura. I soggetti del suo disegno sono infiniti come l’universo risultante dal big bang.

Il suo lavoro è realistico e anche i soggetti non realistici sembrano molto realistici. Siamo persuasi dalla sua spiegazione senza parole, dalle sue battute che si liberano. Questo può essere visto come il “disegno” perfetto che tutti possono immaginare e sognare. Il suo mondo è stato perfetto fin dall’adolescenza, e persiste nei suoi sforzi per mantenerlo, crea sempre con la sua mano, evolvendosi costantemente.

LA: Ley Lines
Artisti di diverse comunità di Los Angeles sono stati accuratamente selezionati per mostrare l’estetica molto distinta delle aree che ogni singolo artista personifica. Avendo profonde radici nel primo movimento dei graffiti di Los Angeles, questi artisti hanno anche un background nei punti base della California, come lo skateboard, il punk rock, le gang, i tatuaggi e varie altre discipline che sono vitali per la ricca cultura artistica e la storia di Los Angeles.

Vivi le opere di questi artisti che sono emerse dalle incessanti difficoltà delle strade di Los Angeles, elegantemente esposte come se lo spettatore fosse accolto nella casa di un collezionista privato in un classico scenario di inizio secolo. Si sono affermati nell’ambiente grezzo delle strade di Los Angeles e negli ultimi anni si sono trasferiti in alcune delle gallerie e dei musei più prestigiosi del mondo.

Programmi

DIVERSEartLA
DIVERSEartLA è dedicato a riunire alcune delle più importanti istituzioni d’arte locali e internazionali, musei e organizzazioni senza scopo di lucro per un dialogo elevato e riflessivo. DIVERSEartLA è stato ampliato per abbracciare e celebrare quelle istituzioni d’arte e collezionisti d’arte che supportano la più recente e più grande iterazione della comunità artistica di Los Angeles, nonché per creare una forte conversazione attorno a una varietà di eventi e programmi. Servendo così come piattaforma e risorsa per le migliori pratiche e leadership sulla diversità, comprese TUTTE le comunità di Los Angeles.

Le comunità di Los Angeles riflettono un’impressionante varietà di origini etniche e i suoi iconici dintorni naturali sono ugualmente vari e vasti. Per onorare questa biodiversità unica, ci stiamo concentrando sulla rappresentazione di artisti contemporanei di tutto il mondo come parte di ogni istituzione. L’importanza del focus curatoriale di quest’anno dovrebbe rimanere impegnata a promuovere e conoscere le organizzazioni che sostengono l’inclusione e la diversità. DIVERSEartLA come parte essenziale della creazione di musei e istituzioni culturali modelli per comunità pluralistiche. Non c’è niente di più importante dell’inclusione in un momento in cui la cultura sociale è definita dalla divisione.

Metafisico Orozco: José Clemente Orozco
Il Museo delle Arti dell’Università di Guadalajara, Messico (MUSA) presenta Metafisico Orozco, mostrato per la prima volta negli Stati Uniti. Le immagini, proiettate da una cartografia multistrato, appartengono ai murales realizzati dall’artista tra il 1935 e il 1937 presso l’auditorium denominato Paraninfo, all’interno dell’edificio in cui si trova il Museo delle Arti.

L’installazione coinvolge il pubblico in un’esplorazione dei campi di pensiero presenti nei murales di Orozco, nonché della storia e dei temi che li hanno ispirati. La proiezione dei capolavori è stata accompagnata da una colonna sonora musicale, offrendo ai visitatori un’esperienza sensoriale completa che è stata completata da materiale grafico informativo.

Especulare (Soglia): Leyla Cárdenas
Lo scrittore colombiano Manuel Hernández B. definisce la capitale della sua nazione, Bogotá, come una soglia permanente che annuncia la promessa di un luogo che non arriva mai. Especular di Leyla Cárdenas fornisce un’immagine del mondo reale ma simile a un fantasma di questa intuizione con la sua serie di stampe fotografiche della facciata neoclassica della stazione ferroviaria di Bogotà. Questi pannelli discontinui sono tagliati per adattarsi ai diversi scartamento dei binari utilizzati in Colombia che hanno reso impossibile un’infrastruttura di trasporto nazionale unificata. Especular fa parte di una serie in cui l’artista documenta i resti architettonici del tessuto urbano.

Costruita per la prima volta alla fine del 1880, in concomitanza con la formazione della Repubblica di Colombia, la stazione è un simbolo di speranza della nazione che poi è diventata una rovina moderna abbandonata da tempo. Cárdenas rappresenta la facciata con due tele stampate sospese una contro l’altra dal soffitto, a più di sei metri di altezza, e che corrono per una distanza simile lungo il pavimento. Cárdenas riflette su queste opere illustrando “La storia che si ripete: circoli viziosi e accumulazione di soglie che non portano da nessuna parte”.

Se bevi la cicuta, io la berrò con te o una bella morte; giocatore a giocatore, magnaccia a magnaccia.
L’ambiente immersivo di Daniel Joseph Martinez fa riferimento al ritratto fondamentale di Jacques-Louis David La morte di Marat (1793), dipinto e anche riprodotto poco dopo l’assassinio di Marat durante la Rivoluzione francese. Mentre la pittura di David rappresenta un singolo momento, igienizzato e accurato nei dettagli, Martinez crea una messa in scena utilizzando tre sculture realistiche modellate sul corpo dell’artista. Questi raffigurano Marat nel suo bagno così come l’assassina Charlotte Corday e lo stesso Martinez entrambi in piedi dietro Marat (ognuno con un pugnale insanguinato in mano).

Martinez mette in scena l’assassinio di Marat come uno spettacolo pubblico circondato da gradinate, anche se gli spettatori possono anche immergersi nella scena, senza dubbio facendo selfie. In questo modo, Martinez collega la pittura di David con il nostro momento presente, dando una dimensione storica alla politica moderna come forma di teatro, sport e affari. Ma Martinez si spinge ancora oltre. La morte di Marat divenne rapidamente un’icona della Rivoluzione francese, non perché rappresentasse uno spettacolo pubblico, ma piuttosto perché fece circolare un’immagine politica che focalizzava l’attenzione sul personale e sul privato. Una volta che è successo, la politica come spettacolo non dipendeva più dallo spazio pubblico, era nelle nostre menti.

Aporías Moviles: Nuna Mangiante
Aporías Moviles, un’installazione dell’artista argentina Nuna Mangiante, è un’installazione multimediale con ritratti con volti oscurati in mostra con vari materiali da costruzione e da costruzione. Si parla di trasformazione urbana come realtà sociale emergente in America Latina. Mangiante elabora le foto degli oggetti e dei paesaggi urbani, Mangiante le sottopone a ciò che Mangiante vuole esprimere, Mangiante racchiude il significato con forme geometriche per aiutare a decifrare gli enigmi dell’opera di Mangiante, trasformandoli in disegni.

Isolando gli oggetti dal loro ambiente, diventano simboli di se stessi, e quando Mangiante applica loro una copertura piatta di grafite, si verifica una distorsione. Una distorsione implica sempre un confronto tra ciò che è e ciò che dovrebbe essere. La distorsione crea le controversie nell’immagine risultante.

Murale dal vivo: Mateo Romero
Il lavoro del famoso artista Pueblo/Cochiti Mateo Romero esplora l’intersezione tra figurazione postmoderna, immaginario nativo e miti storici dell’arte, e il ruolo dell’autorappresentazione in un mondo artistico post-coloniale. In una performance che combina commento culturale e metodo di lavoro dinamico, Romero crea una pittura murale dal vivo e immersiva destinata alla collezione dell’Autry Museum of the American West.

Brainstorming: empatia
Octopus Brainstorming: Synesthesia è un lavoro performativo/esperienziale creato da Victoria Vesna in stretta collaborazione con il neuroscienziato Mark Cohen. Il lavoro utilizza EEG in tempo reale, onde cerebrali, video, colori, suoni. Stanno esplorando le possibilità della comunicazione cervello-cervello. Questi fanno parte della più ampia area di ricerca sugli associati fisici dei processi mentali come le emozioni e il sentimento. Da allora si è evoluto per includere l’idea dell’intelligenza incarnata sotto forma di una corona di polpo indossata dai partecipanti.

Sinestesia: che sapore ha il colore Blu?
La sinestesia è un tratto ereditario, come i capelli rossi o gli occhi marroni, e si trova in meno del 3,75% della popolazione mondiale. È definito come un fuoco incrociato di uno qualsiasi dei cinque sensi in cui un’esperienza sensoriale innesca ulteriori esperienze sensoriali in uno o più degli altri quattro sensi. La sinestesia non sostituisce una modalità sensoriale con un’altra; aggiunge percezioni provenienti da un’altra modalità sensoriale alle percezioni “normali” iniziali. Esistono almeno 60 forme di sinestesia.

Plantigrade, un’installazione esperienziale di Marcos Lutyens, presenta ai clienti un terreno psicosintetico che sono invitati a percorrere a piedi nudi, prestando particolare attenzione alle sensazioni di colore e consistenza che provengono dai loro piedi. Questa è una sensibilità sviluppata dallo scrittore surrealista René Daumal, chiamata visione parottica e, per estensione, percezione paratattile. Il progetto è stato potenziato con la collaborazione del celebre autore e neurologo Richard E. Cytowic.

Space Palette di Tim Thompson e Paul Sable è uno strumento musicale e grafico inventato da Tim Thompson che ti consente di musicare e dipingere immagini contemporaneamente agitando le mani nei fori di una cornice di legno. Non vengono utilizzati supporti, sequenze o loop preregistrati, tutto viene generato in tempo reale dalle tue mani.

“Sinistra” o “Destra” / Sacco da boxe: Antuan Rodriguez
Left or Right è un progetto di guarigione curato da Marisa Caichiolo. L’installazione interattiva raffigura diversi leader mondiali e tiranni, e permette allo spettatore, attraverso i pugni dei sacchi, di sfogare rabbia, odio e risentimento. Questo rilascio di emozioni negative trasforma questi oggetti in strumenti di disintossicazione e guarigione mentale.

L’attuale politica globale ha creato un ambiente di mancanza di rispetto per l’umanità e il nostro pianeta. Mancanza di armonia, guerra insensata, violenza, razzismo, ignoranza, perdita di valori e principi, mancanza di coscienza, super ego e demagogia, corruzione, mancanza di rispetto per le donne, false promesse e menzogne.

Occhi in avanti
L’opera d’arte in mostra comprende opere sia bidimensionali che tridimensionali e spazia dalle rappresentazioni figurative alle forme altamente astratte, dai dipinti acrilici su tela al collage a tecnica mista, dalle sculture in argilla all’assemblaggio con oggetti trovati.

Opere selezionate di dieci artisti contemporanei del colore che vivono e lavorano a Los Angeles: April Bey, Chukes, June Edmonds, Loren Holland, Duane Paul, Miles Regis, Ana Rodrigues, Nano Rubio, Holly Tempo e Tim Washington. Nonostante i loro diversi background, interessi ed esperienze di vita, tutti questi artisti condividono l’urgenza di essere ascoltati quando affrontano questioni contemporanee di razza, classe e genere mentre esprimono disincanto con l’attuale establishment politico e sociale.

PING PONG
La Los Angeles Art Association è orgogliosa di presentare PING PONG, una collaborazione multi-destinazione e interculturale con artisti di Los Angeles, Miami e Basilea. PING PONG è un progetto espositivo indipendente per l’arte contemporanea fondato nel 2007 per coltivare lo scambio artistico tra Basilea, Miami e Los Angeles. Ciò consente la collaborazione tra gli Artisti, nonché la realizzazione di opere site specific nella location stessa.

Il progetto documenta, esplora e stimola le attività artistiche delle città. PING PONG mette in mostra gli artisti Chung-Ping Cheng, Sharon Hardy, Sue Irion, Gershon Kreimer, Samuelle Richardson, Mette Tommerup e altri. Questa iterazione di PING PONG viene lanciata al LA Art Show e viaggia a Basilea durante Art Basel a giugno e successivamente a Miami durante Art Basel Miami Beach.

La connessione è la soluzione: l’arte di Dan Eldon
In un momento di immensa separazione e isolamento, gli artisti hanno un ruolo cruciale: connettersi. Dan Eldon è stato un ottimo connettore. Artista, avventuriero, giornalista e attivista: Eldon ha usato la sua straordinaria creatività come un potere per il bene, un collante per legare un mondo disgiunto.

Attraverso la natura trascendente del lavoro di Eldon, intitolato “La connessione è la soluzione: l’arte di Dan Eldon”, esploriamo la necessità di unirci da uno dei più grandi attivisti creativi del nostro tempo. L’arte di Eldon ha ispirato innumerevoli ed è in molte prestigiose collezioni private, tra cui quelle di Diana Rockefeller, Bruce Weber, Madonna, Julia Roberts, Christiane Amanpour, Rodie O’Donnell, tra molti altri.

Aiseborn: Purezza
Il Downtown Los Angeles Art Walk è lieto di presentare Aiseborn: Purity, un murale immersivo sponsorizzato in parte da ArtsBrookfield che è stato completato in una performance di pittura dal vivo dell’artista durante l’Opening Night Premiere dell’Art Show di Los Angeles. Il pezzo oversize onora la cultura notevole, resiliente, diversificata ed eclettica presente nella città di Los Angeles. Combinando elementi figurativi, strutture cristalline e modelli ispirati ai mandala, l’artista di Los Angeles Aiseborn esplora costrutti matematici, misteri energetici, nonché il potenziale di purificazione e, in definitiva, di trasformazione.

Scultura Nomade: Angelo Ricardo Ricardo Rios
Il progetto di Nomad Sculpture è il pretesto per insistere nella tesi dell’Oggetto come modellazione del pensiero. La scala degli oggetti è usata come seduzione necessaria per catturare l’attenzione dello spettatore urbano e indaffarato, per rivolgere la sua attenzione alle arti e alla natura che lo circondano. Ogni oggetto è alto circa 26 piedi, la loro natura gonfiabile offre loro facilità di trasporto – per questo motivo è possibile cambiare posizione e giocare con la loro presenza in diversi spazi pubblici. Le sculture diventano oggetti desiderati per gli spettatori, pieni di vita e forme sessuali.

Non sano
Il Los Angeles Center of Photography è orgoglioso di presentare Unsound, una mostra multiartista con fotografi di Los Angeles e di tutto il paese. Unsound parla dello splendore e della fragilità del nostro pianeta, della nostra psiche umana e dell’attuale trattamento delle donne e delle minoranze in tutto il mondo. Il progetto presenta il lavoro di più artisti, alcuni dei quali hanno attraversato il mondo e altri che hanno catturato i loro quartieri. Tutti usano le lenti per rappresentare la natura delicata del loro ambiente e la tenue natura dell’esistenza umana.

Luogo
Il LA Art Show è strategicamente situato nel dinamico epicentro della città, il LA Convention Center è il luogo verde tecnologicamente più avanzato della California meridionale, con soffitti alti e ampi spazi. Con un comodo accesso al famoso LA LIVE!, ai Grammy Awards, al Grammy Museum e a un imponente complesso di intrattenimento che include il Nokia Theatre, la Staples Center Arena, i migliori ristoranti e il Ritz Carlton Hotel and Residences. I mecenati delle arti si recano volentieri a Downtown LA per il meglio della musica classica (Disney Hall), del teatro (Mark Taper e Ahmanson) e dell’arte contemporanea (MOCA, Art District).