Le LA Art Show, le salon international d’art contemporain le plus complet d’Amérique, a officiellement lancé la saison artistique 2018 de la ville au Los Angeles Convention Center le 10 janvier 2018. LA Art show est l’expérience artistique internationale sans précédent avec plus de 100 galeries. de plus de 18 pays exposant peinture, sculpture, œuvres sur papier, installations, photographie, design, vidéo et performance.

S’appuyant sur l’enthousiasme de l’année dernière, DIVERSEartLA consacre plus de 60 000 pieds carrés dans le LA Art Show à l’art de la performance, aux installations, aux expositions et aux programmes organisés par les principaux musées et organisations artistiques tels que LACMA, MOLAA, The AUTRY et MUSA Museum of the art Guadalajara. La section DIVERSEartLA est consacrée à nourrir l’énergie créative des collectionneurs, artistes, conservateurs et institutions en fournissant une plate-forme d’art contemporain qui contribue à l’autonomisation. cpmmect amd engage la communauté dynamique et les publics diversifiés de LA avec le monde.

Profitez des installations plus conceptuelles et abstraites du LA Art Show, telles que les sacs de frappe « Left or Right » d’Antuan Rodriguez et le « Space Boat » de Bunnie Reiss à Littletopia. Le travail d’Adrienne Stein était particulièrement remarquable, avec ses figures éthérées entrelacées de flore et de faune, et était une lumière réaliste dans la section Littletopia contemporaine. Des œuvres du monde entier étaient présentées, mêlant l’art de 18 pays, dont l’Exposition nationale de Chine.

Une nouvelle section du salon, intitulée « DESIGN LA ART », a introduit le design d’intérieur et architectural au salon. Avec cette nouvelle section, nous honorons l’histoire déjà riche de la ville dans les domaines du design et de l’architecture, tout en présentant une programmation prospective sur la fusion croissante de ces deux disciplines.

Le salon se concentre sur l’Amérique latine et le Pacifique. L’événement présente un éventail d’œuvres d’art allant du contemporain et du moderne au classique et à d’autres scènes d’art spécialisées qui commandent souvent leurs propres spectacles dédiés. Des présentations rayonnantes sont animées par une variété de galeries qui font de la sphère artistique de Los Angeles un espace d’expression totalement accessible. La tradition et le prestige de LA Art Show sont déjà pleinement consolidés dans la ville et ses environs, ce qui en fait l’une des principales foires américaines d’art contemporain.

Los Angeles est devenue un épicentre mondial de l’art et de la culture, avec une influence multiculturelle distincte et imbriquée unique à la ville. La diversité est notre force et l’art a le plus d’impact lorsqu’il inclut ou transcende toutes les frontières. Alors que LA devient la destination de classe mondiale pour l’art, le LA Art Show continue de montrer la voie avec une programmation innovante et des expériences uniques pour un public de collectionneurs en pleine expansion.

Le LA Art Show crée l’une des plus grandes foires d’art internationales aux États-Unis, offrant une expérience artistique passionnante, immersive et initiée aux sponsors, à leurs invités sélectionnés et aux clients VIP. L’exposition attire une liste d’élite de galeries nationales et internationales, d’artistes de renom, de conservateurs réputés, d’architectes, de professionnels du design, ainsi que de collectionneurs avertis.

Le LA Art Show est également connu pour un programme robuste d’événements spéciaux pendant le week-end; ces dernières années, les sujets ont varié des beaux-arts à la mode en passant par le cinéma. La programmation de cette année met en lumière des thèmes importants liés au monde de l’art contemporain, y compris le sujet tendance, en ce qui concerne les fichiers numériques originaux et de collection dans le secteur des beaux-arts.

Plus de 200 000 pieds carrés d’espace d’exposition sont consacrés aux galeries éminentes d’aujourd’hui. Ces galeries nationales et internationales, au-delà de leurs stands, organisent des expositions spéciales qui sont à l’avant-garde du mouvement d’art contemporain en plein essor. Le salon propose un éventail extraordinaire d’œuvres et d’expériences dans des sections spécialisées.

LA Art Show 2018
Le LA Art Show 2018 crée l’une des plus grandes foires d’art internationales aux États-Unis, offrant une expérience artistique passionnante, immersive et initiée aux sponsors, à leurs invités sélectionnés et aux clients VIP. L’exposition attire une liste d’élite de galeries nationales et internationales, d’artistes de renom, de conservateurs réputés, d’architectes, de professionnels du design, ainsi que de collectionneurs avertis.

Cet environnement culturel innovant et exceptionnel attire des dirigeants et des membres du conseil d’administration d’entreprises du sud de la Californie, des représentants des gouvernements des États, des comtés et des municipalités, ainsi que des dirigeants des institutions culturelles de la région. Les participants sont des créateurs de tendances, des influenceurs et des consommateurs alpha, qui recherchent et exigent le plus récent et le meilleur dans tous les domaines de leur vie – l’art, le design, la nourriture, la technologie et les voyages étant des points de passion spécifiques.

Pour sa 23e édition, la vitrine poursuit son expansion sur le marché mondial de l’art avec un nouveau partenariat avec le Musée des Arts de Guadalajara, ainsi qu’avec des exposants de plus de 18 pays. Les exposants de retour comprennent les poids lourds Patrick Painter, Timothy Yarger, SM Fine Art et plus encore. ROOTS, une section consacrée aux œuvres historiques, revient pour la deuxième année consécutive avec des exposants tels que MS Rau Antiques, Rehs Gallery et Maxwell Alexander, pour n’en nommer que quelques-uns. Littletopia revient avec les galeries montantes de la scène artistique lowbrow contemporaine. DESIGN LA était un nouvel ajout à l’exposition, se concentrant sur l’art fonctionnel, le mobilier moderne, la décoration d’accent, les objets architecturaux, les bijoux et plus encore.

Core – Core est un espace organisé pour des galeries reconnues dans le monde entier comme étant à l’avant-garde de l’art contemporain. Les galeries présentées ici éduquent, inspirent et fascinent continuellement les collectionneurs passionnés du monde avec les voix les plus recherchées sur le marché.

Moderne + Contemporain – La plus grande section de programmation du LA Art Show, Modern + Contemporary présente le vaste éventail de peintures, d’illustrations, de sculptures contemporaines et bien plus encore de galeries de Los Angeles, du Pacific Rim et de pays du monde entier.

Roots – Honorant les voix et les mouvements qui ont précédé, ROOTS est un espace d’exposition dédié aux galeries qui présentent des œuvres historiques et des artistes contemporains suivant ces traditions.

Design LA Art – Design LA Art sert d’espace organisé pour présenter des galeries de design internationales de premier plan. Design LA Art propose un marché de l’art pour le design contemporain de collection et l’art fonctionnel, présentant le meilleur des objets de design, d’art, de bijoux, d’architecture et d’ameublement présentés à côté des principales galeries modernes et contemporaines mondiales d’aujourd’hui.

Works On Paper – Works on Paper est un espace d’exposition dédié à la présentation de photographies et d’autres œuvres qui ne sont pas sur toile traditionnelle.

Project Space – Venant du monde entier, les exposants de Project Space présentent un large éventail d’idées et de talents sous la forme d’expositions individuelles, présentées par les galeries participantes.

JEWEL – JEWEL est un espace dédié aux exposants spécialisés dans les articles de luxe, y compris les bijoux et autres accessoires qui entourent le monde des beaux-arts.

DIVERSEartLA – Capitalisant sur la position de la ville sur le bord du Pacifique, DIVERSEartLA est une section de programmation spéciale consacrée à nourrir l’énergie créative des collectionneurs internationaux, des artistes, des conservateurs, des musées et des organisations à but non lucratif en les connectant directement avec le public de Los Angeles. La diversité et l’inclusion continuent d’être nos principaux mandats alors que nous réfléchissons et nous réjouissons. Capitalisant sur la position de la ville sur le bord du Pacifique, DIVERSEartLA est une section de programmation spéciale consacrant plus de 35 000 pieds carrés consacrés à nourrir l’énergie créative des collectionneurs internationaux, des artistes, des conservateurs, des musées et des organisations à but non lucratif en les connectant directement avec le public de Los Angeles.

Expositions en vedette – S’étendant au-delà des limites des espaces de stand, les expositions en vedette créent des expériences immersives pour engager le public à travers des œuvres d’art, des performances et d’autres expositions stimulantes proposées par les galeries participantes, mettant en évidence des œuvres dont on a parlé pendant des années à venir.

Des expositions

Dansaekhwa IV : Rythme interne – Kim Tae-Ho
Le développement des œuvres les plus récentes de Kim Tae-Ho a coïncidé avec le tournant du millénaire, vers l’an 2000. En se concentrant sur les coups de pinceau et l’application de la couleur, ces œuvres semblent pour la plupart très différentes de ses œuvres précédentes. Surtout, concernant le changement d’apparence, des couches épaisses de peinture forment des masses volumineuses, qui divergent clairement de ses précédentes pièces illusoires en deux dimensions. Simultanément, il existe des différences dans la physicalité, et elles diffèrent uniquement des compositions complètes de ses œuvres sur papier.

Concernant le procédé, il dessine d’abord des lignes entrelacées. Il crée un rythme fixe, et après avoir accumulé vingt couches de peinture, il gratte ensuite l’accumulation dense de peinture. La couleur qui est cachée en dessous s’anime rythmiquement au sein de la structure. D’innombrables espaces visuels sont construits dans la formation de grille qui se chevauchent; chaque cellule est comparable à une ruche, produisant sa propre vie dans le domaine de la peinture.

Cristobal Valecillos // YARE : Une danse de plus
Yare, One More Dance est une représentation multidisciplinaire contemporaine de Los diablos de Yare – déclaré patrimoine culturel immatériel de l’humanité par l’UNESCO. Pour célébrer l’initiative Getty’s Pacific Standard Time: LA/LA, l’artiste invoque le festival annuel Los Diablos de Yare en créant une collection de masques artisanaux. Valecillos a créé une série de photographies époustouflantes sur fond de monuments emblématiques de Los Angeles. Ces images provocantes et convaincantes incorporent les joies et les défis de l’esprit humain contemporain.

Le Dogme qui permet nos moments les plus sombres, la Propagande qui nous séduit dans la complicité, le Basura qui nous nourrit, le Matasano à qui nous confions notre plus grand amour, le Solo notre refuge technologique, « El Dulce », chef du gang qui ridiculise notre la soif, l’Asfixia que nous infligeons à la Terre Mère et le Sangre que nous répandons de manière si irresponsable.

Président du réalisateur : Matthieu Modine
À l’occasion du 30e anniversaire de Full Metal Jacket de Stanley Kubrick, « Full Metal Diary » de Matthew Modine offre un portrait incroyablement rare et vibrant de l’un des films de guerre les plus emblématiques du cinéma – par l’un des réalisateurs les plus énigmatiques de l’industrie. L’exposition est une étude d’un jeune comédien sous l’apprentissage d’une légende.

Une combinaison de photographies de format moyen rarement vues prises sur le plateau côtoie des extraits poétiques et intimes du journal intime de l’acteur. Ce coup d’œil derrière le rideau révèle des informations uniques sur la méthodologie de Kubrick ainsi que sur le processus compliqué d’un acteur qui lutte pour se réconcilier avec son métier. « Full Metal Diary » est un exemple extraordinaire d’art imitant la vie.

À travers le miroir – Harmonia Rosales et Aldis Hodge
Through The Looking Glass est né de la notion de perception culturelle introspective. Il questionne l’engagement du spectateur avec des cultures non reconnues comme siennes, ainsi que les conduits éducatifs vers ces cultures, et enfin, il questionne la responsabilité du spectateur de poursuivre ces recherches. Créé dans un esprit d’expérimentation sociale, Through The Looking Glass vise à ce que le public s’engage dans une conversation interne, se permettant de révéler ses rouages ​​les plus intimes.

TV LED à écran pliable en dessin animé : Lee Nam Lee
Un paravent asiatique traditionnel à cinq plis est reproduit sous forme numérique où les images fixes des chefs-d’œuvre classiques prennent vie alors qu’elles voyagent dans le temps. L’interaction entre les personnages de dessins animés et les différentes images emblématiques de l’art, de la guerre et de notre société parle des nombreux visages de la civilisation moderne. De plus, un sentiment de guérison et de restauration est offert par la transformation saisonnière du paysage dans les peintures classiques.

Pandémonie
Créé par un artiste londonien anonyme, Pandemonia est un projet d’art conceptuel multimédia centré sur un personnage féminin construit à partir de symboles et d’archétypes. Son extérieur plastique prend la forme d’un dessin en trois dimensions à mi-chemin entre le réel et l’imaginaire. Pandemonia engage le public et incite les visiteurs de l’exposition d’art à interagir avec elle, à participer et à créer leur propre œuvre d’art unique capturée sous forme de selfie Polaroid.

Dans sa performance spéciale, Pandemonia pose et joue avec divers objets et bonbons pour les yeux de son monde surréaliste parfaitement idéal. Les objets comprennent des produits de Trompe l’oeil, des sacs à main, des animaux domestiques, des aspirateurs, des fers à repasser, des objets ménagers et des effets personnels comme des bijoux, des lunettes – tous faisant écho à son vocabulaire pop féministe. Elle était en costume, caractérisée par des postiches et des robes phénoménales en latex.

Je ne suis pas un trophée : Arno Elias
Créée en 2016, I’m Not A Trophy est une initiative mondiale visant à sensibiliser davantage aux actes malveillants de chasse aux trophées et de braconnage d’espèces menacées. Fondée par l’artiste français Arno Elias, la campagne utilise des figures féminines puissantes, comme la mannequin et actrice de renommée internationale, Cara Delevingne, pour représenter l’engagement du programme à attirer davantage l’attention sur la chasse aux trophées tout en permettant aux femmes de lutter contre les stéréotypes sexistes.

Reliez les points : Logan Maxwell Hagege
L’artiste américain contemporain, Logan Maxwell Hagege, en collaboration avec la galerie Maxwell Alexander, est fier de présenter Connect the Dots. Une installation qui nous ramène à notre enfance et fait de nous tous des artistes. Chaque participant dispose de cinq minutes pour relier les points et révéler une œuvre d’art originale. Connectez les points avec nous et rapportez à la maison une œuvre d’art gratuite avec la vision moderne des paysages occidentaux de Hagege.

Girasoles : Claudio Castillo
« Girasoles » de Claudio Castillo est une horloge générative qui joue 24 animations d’une minute au début de chaque heure, et suit également la lune et les phases de marée en temps réel. Les images évoluent sans cesse dans une progression aléatoire dans laquelle aucune composition unique n’est jamais répétée avec précision, du moins pas pendant des milliers d’années.

Reconstruire des portraits de mémoire : Mike Saijo
Cet atelier explore les effets des changements culturels et technologiques actuels et récents dans les médias sur le façonnement de soi. Mike Saijo prend une photo de chaque participant, qu’il imprime ensuite directement sur une section de journal choisie par le participant. L’invité a la possibilité de ramener le portrait chez lui. Le stand présente des portraits à grande échelle d’influenceurs dans les changements technologiques et culturels actuels.

Les coffrets de l’infini : Matt Elson
L’artiste Matt Elson présente une série de boîtes qui permettent à des groupes intimes de personnes d’interagir via des miroirs à l’infini minutieusement construits installés à l’intérieur. Esthétiquement, ce sont des objets qui attirent le spectateur à distance avec la beauté étrange de la boîte et deviennent progressivement moins compréhensibles au cours de l’interaction. .

Généralement, deux personnes s’approchent, regardent de chaque côté, mettent la tête dans la boîte, puis sont surprises par le monde qui s’ouvre à l’intérieur. Les œuvres ne deviennent vraiment actives que lorsque quelqu’un d’autre regarde dans la boîte de l’autre côté, créant un lien social dans un autre monde créé par la perception.

Chansons et poèmes II : Erika Harrsch
Après avoir entendu la métamorphose de Philip Glass lors d’un concert, Harrsch s’en est inspiré et a été chargé d’illustrer le CD de ce grand compositeur. Le travail de Harrsh, thématiquement aligné avec le papillon, partage un contenu basé sur la migration et les circonstances environnantes qui définissent l’identité, la nationalité et la mobilité mondiale. Partant de ces projets, elle a approfondi la complexité de l’expérience migratoire, pour aborder les réformes de l’immigration et la recontextualisation des frontières physiques.

Erika crée des installations murales avec des papillons découpés incorporant des images de monnaie internationale. Les motifs circulaires et les vagues créés par les papillons et les dessins des devises représentent les pays à partir desquels les gens se déplacent, réfléchissant à la façon dont ces afflux massifs façonnent les marchés économiques.

SABRE : Peinture en direct
SABRE, également connu sous le nom de Ryan Weston Shook, est un artiste américain à l’origine graffeur. Décrit comme l’un des « artistes les meilleurs et les plus respectés dans son domaine » par le Washington Post, SABRE rejoint le LA Art Show lors de la soirée d’ouverture pour créer une œuvre originale qui a été exposée tout au long du spectacle.

Devenue de renommée internationale à l’âge de 21 ans, SABRE a créé le plus grand graffiti au monde sur la rive de la rivière LA, visible et documenté par des satellites dans l’espace. Au fil des années de peinture dévouée et souvent dangereuse, il a contribué à sensibiliser le public à la véritable forme d’art du graffiti. Son travail a influencé une génération d’artistes et de graphistes et est devenu un élément influent du divertissement moderne, des médias sociaux et de l’art pour la réforme sociale. Il continue de réaliser ses peintures vibrantes, envoûtantes et souvent politiques depuis son domicile de Los Angeles. Son art se trouve dans des galeries et des collections privées à travers le monde. Pendant ce temps, il continue de susciter une conversation publique et de repousser les limites de ce à quoi l’art devrait (ou ne devrait pas) être limité.

Le monde du dessin de Jung-Gi Kim
Jung-Gi Kim est un dessinateur coréen ainsi qu’un artiste de bande dessinée. Il n’y a rien au monde qu’il ne puisse dessiner. Tout ce qu’il a vécu ou jamais vécu peut être parfaitement représenté par lui. Son maître est la nature elle-même. Son œuvre ne s’explique que par les lois de la nature. Les sujets de son dessin sont aussi infinis que l’univers issu du big bang.

Son travail est réaliste – et même les sujets irréalistes semblent très réalistes. Nous sommes convaincus par son explication sans un mot, ses lignes se libérant. Cela peut être considéré comme le « dessin » parfait que tout le monde peut imaginer et rêver. Son monde est parfait depuis son adolescence, et il persiste dans ses efforts pour le maintenir, il crée toujours avec sa main, en constante évolution.

LA : Lignes telluriques
Des artistes de différentes communautés autour de Los Angeles ont été soigneusement sélectionnés pour mettre en valeur l’esthétique très distincte des zones que chaque artiste personnifie. Ayant des racines profondes dans le mouvement graffiti de Los Angeles, ces artistes ont également des antécédents dans les produits de base californiens, tels que le skateboard, le punk rock, les gangs, le tatouage et diverses autres disciplines essentielles à la riche culture et histoire artistiques de LA.

Découvrez les œuvres de ces artistes qui ont émergé des difficultés incessantes des rues de Los Angeles, élégamment présentées comme si le spectateur était accueilli dans la maison d’un collectionneur privé dans un cadre classique du début du siècle. Ils se sont établis dans l’environnement brut du paysage urbain de LA et ces dernières années, ils ont emménagé dans certaines des galeries et musées les plus prestigieux au monde.

Programmes

DIVERSEartLA
DIVERSEartLA se consacre à rassembler certaines des institutions artistiques locales et internationales les plus importantes, des musées et des organisations à but non lucratif pour un dialogue élevé et réfléchi. DIVERSEartLA a été élargi pour englober et célébrer les institutions d’art et les collectionneurs d’art qui soutiennent la plus récente et la plus grande itération de la communauté artistique de LA, ainsi que pour créer une conversation forte autour d’une variété d’événements et de programmes. Servir ainsi de plate-forme et de ressource pour les meilleures pratiques et le leadership en matière de diversité, y compris TOUTES les communautés de Los Angeles.

Les communautés de Los Angeles reflètent une variété impressionnante d’origines ethniques, et ses environs naturels emblématiques sont tout aussi variés et vastes. Pour honorer cette biodiversité unique, nous nous concentrons sur la représentation d’artistes contemporains du monde entier au sein de chaque institution. L’importance de l’objectif de conservation de cette année devrait rester engagée à favoriser et à apprendre sur les organisations qui soutiennent l’inclusion et la diversité. DIVERSEartLA comme élément essentiel pour faire des musées et des institutions culturelles des modèles pour les communautés pluralistes. Il n’y a rien de plus important que l’inclusion à un moment où la culture sociale est définie par la division.

Orozco métaphysique : José Clemente Orozco
Le Musée des Arts de l’Université de Guadalajara, Mexique (MUSA) présente Metaphysical Orozco, montré pour la première fois aux États-Unis. Les images, projetées par une cartographie multicouche, appartiennent aux peintures murales réalisées par l’artiste entre 1935 et 1937 à l’auditorium dit Paraninfo, à l’intérieur du bâtiment dans lequel se trouve le Musée des Arts.

L’installation entraîne le public dans une exploration des champs de pensée des peintures murales d’Orozco, ainsi que de l’histoire et des thèmes qui les ont inspirées. La projection des œuvres maîtresses était accompagnée d’une bande-son musicale, offrant aux visiteurs une expérience sensorielle complète complétée par du matériel graphique informatif.

Especular (Seuil): Leyla Cárdenas
L’écrivain colombien Manuel Hernández B. définit la capitale de sa nation, Bogotá, comme un seuil permanent qui annonce la promesse d’un lieu qui n’arrive jamais. Especular de Leyla Cárdenas fournit une image du monde réel mais fantomatique de cette idée avec son ensemble de tirages photographiques de la façade néoclassique de la gare de Bogota. Ces panneaux discontinus sont découpés pour correspondre aux différents écartements de voie utilisés en Colombie, ce qui rendait impossible une infrastructure de transport nationale unifiée. Especular fait partie d’une série dans laquelle l’artiste documente les vestiges architecturaux du tissu urbain.

Construite pour la première fois à la fin des années 1880 – parallèlement à la formation de la République de Colombie – la gare est un symbole autrefois plein d’espoir de la nation qui est ensuite devenue une ruine moderne abandonnée depuis longtemps. Cárdenas représente la façade avec deux canevas imprimés suspendus dos à dos au plafond, à plus de vingt pieds de haut, et s’étendant sur une distance similaire le long du sol. Cárdenas réfléchit à ces œuvres comme illustrant « L’histoire se répétant : cercles vicieux et accumulation de seuils qui ne mènent nulle part ».

Si tu bois de la ciguë, je la boirai avec toi ou une belle mort ; joueur à joueur, souteneur à souteneur.
L’environnement immersif de Daniel Joseph Martinez fait référence au portrait séminal de Jacques-Louis David La Mort de Marat (1793), peint et également reproduit peu après l’assassinat de Marat pendant la Révolution française. Alors que la peinture de David représente un moment unique, à la fois aseptisé et précis dans ses détails, Martinez crée une mise en scène à l’aide de trois sculptures réalistes modelées sur le corps de l’artiste. Ceux-ci représentent Marat dans son bain ainsi que l’assassin Charlotte Corday et Martinez lui-même debout derrière Marat (chacun avec un poignard ensanglanté à la main).

Martinez met en scène l’assassinat de Marat comme un spectacle public entouré de gradins, bien que les téléspectateurs puissent également s’immerger dans la scène, en prenant sans aucun doute des selfies. De cette manière, Martinez relie la peinture de David à notre moment présent, donnant une dimension historique à la politique moderne en tant que forme de théâtre, de sport et d’entreprise. Mais Martinez pousse encore plus loin. La Mort de Marat est rapidement devenue emblématique de la Révolution française, non pas parce qu’elle dépeint un spectacle public, mais plutôt parce qu’elle fait circuler une image politique qui focalise l’attention sur l’intime et le privé. Une fois cela arrivé, la politique-spectacle ne dépendait plus de l’espace public, elle était dans nos esprits.

Aporías Moviles : Nuna Mangiante
Aporías Moviles, une installation de l’artiste argentine Nuna Mangiante, est une installation multimédia présentant des portraits aux visages obscurcis exposés avec divers matériaux de construction et de construction. Il parle de la transformation urbaine comme d’une réalité sociale émergente en Amérique latine. Mangiante élabore les photos des objets et des paysages urbains, Mangiante les soumet à ce que Mangiante veut exprimer, Mangiante enferme le sens avec des formes géométriques afin d’aider à déchiffrer les énigmes de l’œuvre de Mangiante, les transformant en dessins.

En isolant les objets de leur environnement, ils deviennent des symboles d’eux-mêmes, et lorsque Mangiante leur applique une couverture plate en graphite, une déformation se produit. Une distorsion implique toujours une comparaison entre ce qui est et ce qui devrait être. La distorsion crée les controverses dans l’image résultante.

Peinture murale en direct : Mateo Romero
Le travail de l’artiste Pueblo/Cochiti de renom Mateo Romero explore l’intersection entre la figuration post-moderne, l’imagerie autochtone et les mythes historiques de l’art, et le rôle de l’auto-représentation dans un monde de l’art post-colonial. Dans une performance alliant commentaire culturel et méthode de travail dynamique, Romero crée une peinture murale immersive en direct destinée à la collection de l’Autry Museum of the American West.

Remue-méninges : Empathie
Octopus Brainstorming:Synesthesia est une performance/expérience créée par Victoria Vesna en étroite collaboration avec le neuroscientifique Mark Cohen. Le travail utilise l’EEG en temps réel, les ondes cérébrales, la vidéo, la couleur, le son. Ils explorent les possibilités de communication de cerveau à cerveau. Ceux-ci font partie du domaine plus large de la recherche sur les associés physiques des processus mentaux tels que les émotions et les sentiments. Il a évolué depuis pour inclure l’idée d’intelligence incarnée sous la forme d’une couronne de pieuvre portée par les participants.

Synesthésie : Quel est le goût de la couleur Bleue ?
La synesthésie est un trait héréditaire, comme les cheveux roux ou les yeux bruns, et se trouve dans moins de 3,75 pour cent de la population mondiale. Il est défini comme un tir croisé de l’un des cinq sens dans lequel une expérience sensorielle déclenche des expériences sensorielles supplémentaires dans un ou plusieurs des quatre autres sens. La synesthésie ne remplace pas un mode sensoriel par un autre ; il ajoute des perceptions d’une autre modalité sensorielle aux perceptions « normales » initiales. Il existe au moins 60 formes de synesthésie.

Plantigrade, une installation expérientielle de Marcos Lutyens, présente aux clients un terrain psycho-synthétique qu’ils sont invités à parcourir pieds nus, en accordant une attention particulière aux sensations de couleur et de texture qui se dégagent de leurs pieds. Il s’agit d’une sensibilité développée par l’écrivain surréaliste René Daumal, appelée vision paroptique, et par extension détection para-tactile. Le projet a été amélioré avec la collaboration du célèbre auteur et neurologue Richard E. Cytowic.

Space Palette de Tim Thompson et Paul Sable est un instrument musical et graphique inventé par Tim Thompson qui vous permet de faire de la musique et de peindre des visuels simultanément en agitant vos mains dans les trous d’un cadre en bois. Aucun média pré-enregistré, séquence ou boucle n’est utilisé, tout est généré en temps réel par vos mains.

« Gauche » ou « Droite »/Sacs de frappe : Antuan Rodriguez
Left or Right est un projet de guérison organisé par Marisa Caichiolo. L’installation interactive met en scène différents dirigeants et tyrans du monde, et permet au spectateur, à travers le poinçonnage des sacs, de libérer la colère, la haine et le ressentiment. Cette libération d’émotions négatives transforme ces objets en outils de détoxification et de guérison mentale.

La politique mondiale actuelle a créé un environnement de manque de respect pour l’humanité et notre planète. Manque d’harmonie, guerre insensée, violence, racisme, ignorance, perte de valeurs et de principes, manque de conscience, super ego et démagogie, corruption, manque de respect envers les femmes, fausses promesses et mensonges purs et simples.

les yeux en avant
Les œuvres exposées comprennent des œuvres bidimensionnelles et tridimensionnelles, et vont des représentations figuratives aux formes très abstraites, de l’acrylique sur toile aux collages de techniques mixtes, et des sculptures en argile à l’assemblage avec des objets trouvés.

uvres sélectionnées de dix artistes contemporains de couleur vivant et travaillant à Los Angeles : April Bey, Chukes, June Edmonds, Loren Holland, Duane Paul, Miles Regis, Ana Rodrigues, Nano Rubio, Holly Tempo et Tim Washington. Malgré leurs origines, leurs intérêts et leurs expériences de vie divers, tous ces artistes partagent l’urgence d’être entendus lorsqu’ils abordent les problèmes contemporains de race, de classe et de genre tout en exprimant leur désenchantement vis-à-vis de l’establishment politique et social actuel.

PING PONG
La Los Angeles Art Association est fière de présenter PING PONG, une collaboration multi-destinations et interculturelle mettant en vedette des artistes de Los Angeles, Miami et Bâle. PING PONG est un projet d’exposition indépendant d’art contemporain fondé en 2007 pour cultiver les échanges artistiques entre Bâle, Miami et Los Angeles. Cela permet la collaboration entre les artistes, ainsi que la réalisation d’œuvres spécifiques au site dans l’emplacement réel.

Le projet documente, explore et stimule les efforts artistiques des villes. PING PONG présente les artistes Chung-Ping Cheng, Sharon Hardy, Sue Irion, Gershon Kreimer, Samuelle Richardson, Mette Tommerup et plus encore. Cette itération de PING PONG est lancée au LA Art Show et voyage à Bâle pendant Art Basel en juin et plus tard à Miami pendant Art Basel Miami Beach.

La connexion est la solution : l’art de Dan Eldon
À une époque d’immense séparation et d’isolement, les artistes ont un rôle crucial : se connecter. Dan Eldon était un excellent connecteur. Artiste, aventurier, journaliste et activiste – Eldon a utilisé sa remarquable créativité comme un pouvoir du bien, une colle pour lier un monde désarticulé.

À travers la nature transcendante du travail d’Eldon, intitulé « La connexion est la solution : l’art de Dan Eldon », nous explorons la nécessité de s’unir à partir de l’un des plus grands militants créatifs de notre époque. L’art d’Eldon a inspiré d’innombrables et se trouve dans de nombreuses collections privées prestigieuses, dont celles de Diana Rockefeller, Bruce Weber, Madonna, Julia Roberts, Christiane Amanpour, Rodie O’Donnell, entre autres.

Aiseborn : Pureté
Le Downtown Los Angeles Art Walk a le plaisir de présenter Aiseborn: Purity, une fresque immersive sponsorisée en partie par ArtsBrookfield qui a été réalisée lors d’une performance de peinture en direct par l’artiste lors de la première de la soirée d’ouverture du LA Art Show. La pièce surdimensionnée rend hommage à la culture remarquable, résiliente, diversifiée et éclectique présente dans la ville de Los Angeles. Combinant des éléments figuratifs, des structures cristallines et des motifs inspirés du mandala, l’artiste de Los Angeles Aiseborn explore les constructions mathématiques, les mystères énergétiques, ainsi que le potentiel de purification et, finalement, de transformation.

Sculpture nomade : Ange Ricardo Ricardo Rios
Le projet de Nomad Sculpture est le prétexte pour insister dans la thèse de l’Objet comme modélisation de la pensée. L’échelle des objets est utilisée comme une séduction nécessaire pour attirer l’attention du spectateur urbain et occupé, pour porter son attention sur les arts et la nature qui l’entourent. Chaque objet mesure environ 26 pieds de haut, leur caractère gonflable leur confère une facilité de transport – c’est pourquoi il est possible de changer d’emplacement et de jouer avec leur présence dans différents espaces publics. Les sculptures deviennent des objets désirés pour les spectateurs, pleins de vie et de formes sexuelles.

Mauvais
Le Los Angeles Center of Photography est fier de présenter Unsound, une exposition multi-artistes mettant en vedette des photographes de Los Angeles et de tout le pays. Unsound parle de la splendeur et de la fragilité de notre planète, de notre psyché humaine et du traitement actuel des femmes et des minorités dans le monde. Le projet présente le travail de plusieurs artistes, dont certains ont parcouru le monde et d’autres ont capturé leurs quartiers. Tous utilisent leurs objectifs pour représenter la nature délicate de leur environnement et la nature ténue de l’existence humaine.

Lieu
Le LA Art Show est stratégiquement situé à l’épicentre dynamique de la ville, le LA Convention Center est le lieu vert le plus avancé technologiquement du sud de la Californie, avec des plafonds hauts et un grand espace. Avec un accès pratique au célèbre LA LIVE !, aux Grammy Awards, au Grammy Museum et à un impressionnant complexe de divertissement qui comprend le Nokia Theatre, le Staples Center Arena, les meilleurs restaurants et le Ritz Carlton Hotel and Residences. Les mécènes des arts se rendent volontiers au centre-ville de LA pour le meilleur de la musique classique (Disney Hall), du théâtre (Mark Taper et Ahmanson) et de l’art contemporain (MOCA, Art District).